Amanda Church es una artista estadounidense conocida por sus pinturas abstractas que hacen referencia a la figura humana y otros elementos discernibles. [1] [2] [3] Sus obras se mueven entre las tradiciones del arte figurativo y formalista , sugiriendo partes del cuerpo reconocibles, objetos y elementos de perspectiva en un campo por lo demás abstracto. El uso distintivo de Church de elementos de estilo contrastantes ha sido constantemente señalado por críticos como Cora Fisher de Hyperallergic , quien describió el trabajo de Church como "anulando caprichosamente la dicotomía del cerebro izquierdo-derecho, así como el eje tradicionalmente de género que divide el arte geométrico y decorativo". [4] Church recibió una beca Guggenheim en 2015 y una beca de la Fundación Pollock-Krasner en 2017, entre otros premios. [5] [6] Su trabajo ha sido cubierto en publicaciones como The New York Times , [7] The Boston Globe , [8] ARTnews , [9] Hyperallergic [4] y Forbes Magazine . [10] Sus pinturas han sido expuestas en importantes ciudades de Estados Unidos, así como a nivel internacional, en galerías y museos como el Museo de Arte de Brooklyn y el Museo Aldrich . Vive y trabaja en Nueva York.
Nacida en Poughkeepsie, Nueva York , Church ha pasado gran parte de su vida en la ciudad de Nueva York y sus alrededores. Se licenció en Pintura y Dibujo en el Bennington College de Vermont, que incluyó un año de estudio en la New York Studio School de Manhattan. [11] Comenzó a participar en exposiciones colectivas en la zona en 1995, siendo la primera "Ooze" en Black and Herron en Soho. Sus primeras exposiciones individuales fueron en la Galerie du Tableau (Marsella, 1997 y 2000) y en la Clifford Smith Gallery (Boston, 1999). [11] [12] Durante este tiempo también participó en exposiciones colectivas de temática pop y figurativa, entre otras, en el Museo de Arte de Brooklyn, el Museo Aldrich, Hallwalls y el Centro de Arte Contemporáneo Newhouse . [11] [13] [14] Desde entonces, Church ha expuesto en todo Estados Unidos y en Londres, Milán, Bruselas, Copenhague, Estambul y Praga, incluyendo exposiciones individuales en Michael Steinberg Fine Art y High Noon Gallery (Nueva York), Julie Chae Gallery (Boston) y Jancar Gallery (Los Ángeles). [11] Además de su creación artística, Church ha contribuido con reseñas a publicaciones de arte como ARTnews , [15] Art in America , [16] [17] Flash Art, [18] y Art on Paper . [19] También ha co-curado exposiciones en Smack Mellon , Cuchifritos Gallery y Plus Ultra Gallery, recibiendo cobertura en The New York Times , The New Yorker y Time Out . [11] [20]
En 2003, fue invitada a participar en un proyecto de colaboración entre moda y arte organizado por la casa de moda de lujo italiana Fendi en asociación con el New Museum . Fendi encargó a Church y a otros artistas contemporáneos que embellecieran su bolso Chef, que se subastaría en un evento benéfico más tarde ese año. [21] También diseñó su propia línea de ropa de playa, Mandy Pants, basada en sus pinturas. Estos diseños se presentaron en el Bass Museum de Miami durante la feria Art Basel en 2010. [22]
Church es más conocida por sus pinturas al óleo sobre lienzo, esencialmente abstractas, que aluden a elementos del mundo real, incluida, con frecuencia, la forma humana. Su obra une tradiciones artísticas establecidas, combinando elementos de movimientos representativos como el pop y el surrealismo con un enfoque modernista abstracto. Su estilo post-pop y post-minimalista es destacado por los críticos de arte por sus referencias dialécticas en capas, [2] [23] [4] [3] por ejemplo en la yuxtaposición de formas biomórficas que son similares a la carne en forma y color contra formas y líneas más angulares y puramente abstractas. [23] [12] [3] Las pinturas son planas en su uso del color, con líneas fuertes y un uso frecuente del contorno. [12] [24] [25]
La ambigüedad (visual, espacial y semiótica) es un tema recurrente en las pinturas de Church, [3] [25] y su obra se describe a menudo en términos dicotómicos como "distinto pero universal" o "distante pero familiar". [26] [25] [10] Un tema frecuente de comentarios es la tensión emocional sugerida por el uso que hace Church de elementos desenfadados, como una estética de dibujos animados, para representar escenas potencialmente inquietantes de miembros distorsionados y sin cuerpo. El crítico John Yau describió las pinturas de Church como "desarmantes y perturbadoras", mientras que Adam Lehrer de la revista Forbes las calificó de "divertidas pero al mismo tiempo incómodas". [26] [10] Los elementos eróticos también son frecuentes, y el uso que hace Church de la línea, el color, la narrativa e incluso la perspectiva connotan una sugerencia sexual para muchos observadores. [25] [27] [28] [24]
Church ha descrito sus obras como "extracciones pop antropomorfizadas", [24] y en su primera década de trabajo, estas aparecían a menudo como sujetos protozoarios autónomos colocados a cierta distancia contra fondos planos y monocromáticos, por ejemplo en The High Life (1999), que mostró en una exposición individual temprana en la Clifford Smith Gallery en Boston. [12] [24] [26] [27] Cate McQuaid de The Boston Globe describió las obras de Church en esa muestra como "geometrías biomórficas y funky [que] se retuercen contra fondos planos y brillantes, insinuando humanidad". [12] Algunos de los primeros temas evocaban postres cremosos para los críticos, [7] [24] incluido uno que el crítico de arte del New York Times Ken Johnson comparó con un helado abstracto. [29]
Estas escenas se transformaron con el tiempo en lienzos con fondos multicolores divididos que presentaban un juego de temas con un mayor número de protuberancias, como los que se muestran en "Three Strong Painters" (Maryland Institute of Art, 2002, curada por John Yau) [26] y su exposición individual, "Liquid Love" (Michael Steinberg Fine Art, 2006). [30] [11] [31]
En sus obras posteriores, Church muestra composiciones aún más complejas de miembros y torsos curvilíneos y sin cuerpo junto con abstracciones geométricas. Por ejemplo, en la muestra de Copenhague, "Minimal Baroque" (2014), Church exhibió Man with a Big Heart (2010), que coloca una "mini cuadrícula de Mondrian " en un campo de formas orgánicas curvilíneas, algunas de las cuales se asemejan a genitales. [4] Las obras posteriores también presentan una visión recortada y más cercana de sus sujetos figurativos, reflejando la intimidad y la abstracción inherentes a la observación de objetos o personas de cerca. [3] La exposición individual de Church "Heads and Tales" (2015) en Espacio 20-20 en Puerto Rico presentó formas que recordaban, algunas simultáneamente, a cabezas y nalgas a varias distancias de primer plano (por ejemplo, Eggheads , 2014). [32] En 2016, su contribución a la muestra grupal "Territory" en Crush Curatorial incluyó vistas cercanas de protuberancias similares a dedos. [33]
Su exposición individual "Recliners" (High Noon Gallery, 2019) presentó vistas ampliadas de curvas humanoides en entornos geométricos. Con títulos como "Voyeurs" y "Bedheads", muchas de las pinturas sugieren escenarios eróticos con lo que el escritor de arte Adam Simon llamó una sutileza "guiñosa". En su reseña, Simon escribió que "las curvas y los rectángulos recortados de cerca, la arquitectura y los pliegues de carne evocan una situación que es muy familiar o vagamente reconocible... El primer plano erótico, la cámara enfocada en partes de cuerpos, carne y muebles, dan señales a tu mente para que complete la imagen". [3]
Church ha recibido premios de la Fundación Pollack-Krasner [6] [34] y la Fundación para las Artes de Nueva York (ambas en 2017), [35] la Fundación Guggenheim (2015), [5] [1] y la Fundación Danesa para las Artes (2014), [11] [1] entre otras. [36] [37] Su obra pertenece a colecciones públicas y privadas, entre ellas la Colección Bondardo (Italia), el Deutsche Bank, la Colección Jiménez-Colón y el Museo Estatal de Nueva Jersey . [11] [32] [38]