Katherine Hoover (2 de diciembre de 1937 - 21 de septiembre de 2018) fue una compositora estadounidense de música clásica contemporánea y música de cámara , flautista, profesora de composición musical y teoría musical , poeta y, más tarde, directora de su música. [1] [2] Su carrera como compositora comenzó cuando pocas mujeres compositoras obtuvieron reconocimiento en la música clásica en la década de 1970. [3] [4] Como se muestra en su lista de obras conocidas, ha compuesto piezas para flauta solista , conjuntos mixtos, orquesta de cámara , coro , orquesta completa y muchas otras combinaciones de instrumentos y voz. Algunas de sus piezas para flauta incorporaron temas nativos americanos. [5] [6]
Su obra ha recibido numerosos honores, entre ellos una Beca de Compositores del National Endowment for the Arts , un Premio de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en composición y el Premio a la Trayectoria de la Asociación Nacional de Flauta , donde se la recuerda como una "artista, flautista, maestra, empresaria, poeta y, sobre todo, una distinguida compositora". [7] Además, hay dos obras en las que coescribió bajo el seudónimo de Kathryn Scott. [8] [9]
Katherine Lacey Hoover nació el 2 de diciembre de 1937 en Elkins, Virginia Occidental , de donde era oriunda la familia de su madre. Vivían en Washington, DC 2017 Hillyer Pl NW, cerca de Dupont Circle . Recuerda que su amor por la música comenzó a los tres años, cuando quedó fascinada con las melodías de Mozart . De pie frente a un gran tocadiscos, la joven Hoover se sintió cautivada por la música. Ese momento encendió su pasión por la música, y la ha estado persiguiendo desde entonces. [10] [11] [12]
El inicio de la Segunda Guerra Mundial trajo consigo cambios significativos en la vida de Hoover. Su padre, impulsado por un sentido del deber, pidió ser reasignado al Centro de Investigación Regional del Este del Departamento de Agricultura en Wyndmoor, Pensilvania, un suburbio de Filadelfia. Un papel más adecuado a su experiencia en pasteurización también contribuyó directamente al esfuerzo bélico. Esta reubicación marcó el comienzo de un nuevo capítulo para la familia. Dejando su entorno familiar, la familia alquiló su casa en DC y se mudó a una casa de dos familias en Linden Rd. El padre de Katherine aprovechó felizmente para ir caminando al trabajo en el centro de investigación. Sin embargo, no se han detallado las consecuencias privadas de mudarse de la ciudad a los suburbios. [11] [12]
Cuando la familia de Hoover se mudó a Linden Road, su padre rescató un piano que sus vecinos estaban a punto de abandonar. A pesar de que estaba desafinado y tenía el mecanismo de pedal roto, su padre mandó afinar el piano, y esto alimentó las apasionadas y persistentes súplicas de Katherine para que le diera lecciones de piano. Así, a los cinco años, su sueño se hizo realidad cuando comenzó a tomar lecciones de piano. Aunque sus padres no tenían formación musical, apoyaron las inclinaciones artísticas de Katherine. Hoover recordó con cariño esos primeros días, diciendo: "[Sus padres] jugaban a un juego, simplemente ponían las manos en cualquier combinación y me preguntaban qué notas estaban tocando. Luego, se volvían hacia la joven Hoover para consultarle las notas que acababan de tocar. Este entrenamiento auditivo único, cree Katherine, contribuyó significativamente a su desarrollo del oído perfecto, un don raro e invaluable. [11] [12]
En la escuela primaria, a Hoover le dieron la opción de aprender a tocar el clarinete como su primer instrumento. Sin embargo, no disfrutaba tocarlo porque le causaba incomodidad debido a la mordida, la presión y el uso de la tonalidad incorrecta. Se puso muy contenta cuando su profesora de música le ofreció la oportunidad de tocar la flauta en su lugar, y comenzó a tomar lecciones de flauta en cuarto grado a la edad de ocho años. [11] [12]
Durante sus años de secundaria en Springfield Township, Hoover encontró una educación musical diversa. Participó en varias actividades musicales, incluidas bandas, bandas de música y la Eastern Pennsylvania State Band. Además, fue miembro de los cantantes de "Quintones" durante cinco años, lo que la llevó a numerosas apariciones en programas de radio y de televisión. En general, tuvo una rica educación musical, que la ayudó a perfeccionar y desarrollar sus talentos. Más adelante en su vida, cuando se le preguntó sobre su instrucción musical escolar, Katherine respondió con disculpas que era "mediocre". Expresando el deseo de una curva de aprendizaje más rápida en retrospectiva, especialmente considerando sus aspiraciones artísticas.
Los padres de Hoover no veían la música como una opción profesional viable, probablemente debido a sus experiencias durante la Gran Depresión. En consecuencia, la empujaron hacia el mundo académico, así que comenzó su viaje académico en 1955 en la Universidad de Rochester , donde cursó una especialización en estudios generales. Después de dos años de estudios generales, Katherine se trasladó a la Escuela de Música Eastman para seguir su pasión. Sin embargo, su experiencia fue diferente a la esperada. Hoover fue a menudo ignorada y desanimada por ser la única mujer en sus clases. Katherine expresó con franqueza su decepción, diciendo: "No había mujeres involucradas en la composición. [Me] desanimé bastante: ser la única mujer en mis clases, ser ignorada, etc." Mientras estaba en Eastman, me enteré de Nadia Boulanger , que ha enseñado en Francia y los EE. UU. durante décadas. [12] [13]
Hoover obtuvo una Licenciatura en Música en Teoría de la Música con honores en 1959. Obtuvo una doble especialización y recibió el prestigioso Certificado de Intérprete en Flauta, un testimonio de su destreza musical. Este certificado también le permitió actuar como solista con una orquesta, un logro significativo en Eastman. Sus estudios en Eastman la familiarizaron con el movimiento de la Escuela Americana de Flauta a través de Joseph Mariano, un distinguido estudiante de William Kincaid , y fue muy apreciada por eminentes directores como Toscanini , Fritz Reiner y Eugene Ormandy a lo largo de su carrera. [10] [12] [14] [15]
Después de graduarse, Hoover pasó dos años estudiando con William Kincaid y el pianista húngaro Agi Jambor . Según Katherine, Kincaid era un flautista y profesor de renombre que le enseñó mucho sobre el fraseo de la escuela Kincaid/Tabuteau. Esto se convirtió en la base de su interpretación, comprensión musical y escritura. Katherine dijo que los estándares de Kincaid eran muy altos y que tuvo que trabajar duro para alcanzarlos. [12]
También tuvo el privilegio de estudiar con la Sra. Agi Jambor, una pianista distinguida. Jambor tenía un gran amor por Bach y se especializó en él . Jambor se vio obligada a huir de Hungría durante la Segunda Guerra Mundial . Katherine dijo que aprendió mucho de Jambor al escucharla tocar y hablar sobre Bach. Jambor enseñó y actuó en el Bryn Mawr College , y Katherine trabajó como asesora residencial en un dormitorio de estudiantes allí. Más adelante en su carrera, Katherine, como miembro y miembro de la junta directiva del New York Flute Club, escribió que debía gran parte de su éxito a su mentor, William Kincaid, quien le enseñó más sobre música que cualquier otro compositor. [16]
Varios años después de graduarse, Hoover se mudó a Nueva York, donde se estableció como flautista y profesora. Enseñó flauta en la división preparatoria de la Juilliard School y también en varias otras escuelas pequeñas, incluida la Third Street Music School, de 1962 a 1967. En 1964, se casó con John Christopher Schwab (1964-1972). [10] [13] [17] [18]
La carrera de Hoover como compositora comenzó lentamente. Como estudiante, no conocía a ninguna compositora clásica contemporánea notable. Una década después, tras establecerse en Nueva York, publicó su primera obra, Three Carols (1972), para coro y flauta de la SSA, a través de Carl Fischer . [17] [19] Durante este período, trabajó como flautista independiente para varias compañías de ballet y ópera. [3]
A partir de 1969, Hoover enseñó flauta y teoría musical en la Manhattan School of Music (1969-1984). Durante este tiempo, analizó una amplia gama de partituras musicales y aprendió mucho sobre técnicas de composición. [12] [16] También continuó sus estudios de posgrado y obtuvo una Maestría en Música en Teoría Musical en 1973. Durante once años, Hoover trabajó como miembro del cuerpo docente de la Manhattan School of Music. [10] [20]
Hoover participó activamente en organizaciones artísticas de mujeres y dedicó sus esfuerzos a promover las obras de compositoras entre el público. En 1977, colaboró con el Women's Inter-Art Center de Nueva York y organizó tres festivales, a saber, los Festivales I, II y III de Música de Mujeres. Estos festivales exhibieron la música de 55 compositoras, tanto históricas como contemporáneas. [21] [22] Sus esfuerzos en esta área han sido continuos, como lo demuestra su participación como compositora residente en el Cuarto Festival de Mujeres Compositoras en la Universidad de Indiana de Pensilvania ( 1996 ) .
En 1978, el crecimiento de Hoover como compositora fue reconocido cuando se convirtió en finalista del premio Kennedy Center Friedheim Award en la categoría de Mejor Obra de Cámara Estadounidense. Repitió este logro al año siguiente y también recibió una beca de compositora del National Endowment for the Arts en 1979. Estos éxitos marcaron hitos importantes en su carrera.
A partir de 1984, Hoover enseñó teoría y composición a estudiantes de posgrado como miembro del cuerpo docente del Teachers College de la Universidad de Columbia (1984-1989). [23]
Katherine ha expresado su orgullo por su capacidad para crear obras para intérpretes específicos utilizando diferentes instrumentos. Dos ejemplos son: "Stitch-te Naku" para violonchelo y orquesta, que fue escrita para la violonchelista Sharon Robinson y el "Concierto para clarinete", que fue interpretado por el clarinetista de jazz Eddie Daniels ". [11] [24]
En 1988, Hoover y su marido (Richard Goodwin, con quien se casó en 1985) cofundaron Papagena Press para publicar sus obras. Kokopeli (1990) , una composición para flauta solista inspirada en los kokopelli , la tribu hopi y el suroeste de Estados Unidos, fue la primera pieza que se publicó. [3]
Ganó el Concurso de Música Recién Publicada de la Asociación Nacional de Flauta en 1991 y es uno de los seis premios de Música Recién Publicada de la NFA recibidos por Hoover. [7] [21]
Hoover siempre había escrito poesía desde su juventud, encontrando una sorprendente diferencia y similitud entre la música y las palabras. "This Way About" (2015). [25] fue su primer libro de poesía en el que comparte destellos de su vida. [26]
El estilo compositivo único de Hoover lleva la inconfundible impronta de sus mentores Joseph Mariano y William Kincaid. [31] Un aspecto fundamental de su música, como ella misma reconoce, es el concepto de transición de un tiempo débil a uno fuerte, una lección que aprendió de Mariano y Kincaid. Si bien es valioso, el sistema de notación convencional a veces puede eclipsar la importancia de la percepción auditiva. Las barras de compás, el equivalente a las señales de stop en las partituras musicales, se insertan antes de cada tiempo fuerte en la notación musical, enviando una clara señal visual para detener el flujo musical. El deseo de Hoover de frases musicales largas y sin obstáculos la llevó a liberarse de los muros restrictivos que imponían. Sus composiciones se liberan de tales restricciones e invitan a los músicos a responder no solo a las notas escritas, sino también a los sonidos de la pieza y la acústica del espacio de interpretación. Esto influye en el tempo, la interpretación y la duración de los silencios y las fermatas. [19]
La formación formal de Hoover con sus mentores es evidente, pero ella admite humildemente que su trayectoria como compositora también implicó un grado significativo de autodescubrimiento. Su paso como profesora de teoría en la Manhattan School le permitió ahondar en las complejidades de las técnicas de composición, enriqueciendo aún más su arsenal musical. [12] Esta búsqueda académica fue de la mano con su notable don para el oído absoluto, que le permitió explorar cómo los individuos interactúan con el sonido y lo interpretan. Esta profunda percepción se volvió invaluable a medida que avanzaba en su trayectoria creativa como compositora, siempre en busca de lo distintivo. Esta percepción la ha compartido individualmente, tanto con Alicia Joyelle Kosack como con Kristine H. Burns, Ed. [17] [32]
"Hoover compone teniendo en mente los efectos propios de cada instrumento individual, incorporando dichos efectos al contenido temático y emotivo de la obra en cuestión... [Mientras que algunos] demuestran un gran don para el lirismo expresivo,... [otros] son notables por pasajes rítmicamente dinámicos atravesados por una disonancia incisiva pero a menudo mezclados con elementos de jazz y humor oportuno".
El estilo compositivo de Hoover es ampliamente reconocido por su carácter único y romántico, a menudo descrito como un "estilo romántico, atonal y a menudo pictórico". Su música es conocida por su claridad y elegancia, con momentos de impresionante belleza que surgen de sus armonías ocasionalmente disonantes. [33] [34]
Los tres elementos siguientes definen la obra de Hoover: referencias a fuentes no musicales, citas y manipulaciones, y el uso de técnicas abstractas. [13]
Las composiciones de Hoover se inspiran en una amplia gama de fuentes: música de los nativos americanos en piezas para flauta, como "Kokopeli", "Winter Spirits" y "To Greet the Sun", "Eleni" de Nicholas Gage en un poema sinfónico orquestal, "A Distant Mirror: The Calamitous Fourteenth Century" de Barbara Tuchman en "Medieval Suite" y una pintura del cielo nocturno estrellado en "Night Skies". Estos son solo algunos ejemplos de referencias extramusicales que le dan a su música una calidad vívida y pictórica que resuena en el público. [3] [12] [35]
Hoover incorpora hábilmente citas musicales y adapta melodías de otros compositores en sus composiciones, creando un rico tapiz de influencias musicales. Por ejemplo, en "Celebration", combina su material temático con citas directas de obras para flauta conocidas, conservando su forma original y mostrando su capacidad para crear híbridos cautivadores. Cabe destacar que su uso de citas musicales no siempre es evidente, como se ve en las formas innovadoras en que cita "Virelai No. 17, Dame, vostre doulz viaire debonair" de Guillaume de Machaut en el primer movimiento de "Medieval Suite". Estos dos ejemplos demuestran su talento para manipular melodías e integrar estas adaptaciones con su material original. [13] [34] Esto lo confirma Cathy Hancock Hicks: [36]
“Hoover toma prestadas abiertamente las técnicas de composición de otros compositores. En Eastman, trabajó con un alumno de Hindemith… y se familiarizó con las teorías de Hindemith sobre la consonancia y la disonancia. Bartok también influyó en la música de Hoover, particularmente en las armonías que utiliza… relacionadas con el acorde de “raíz dividida” o “mayor disminuido”… [como se escucha en el] movimiento final de la Suite medieval. La influencia de Bartok también es clara en el título de su primer quinteto de instrumentos de viento, Homenaje a Bartok (1975)”.
La capacidad de Hoover para crear citas musicales va más allá de lo manifiesto, como se ve en las formas sutiles e innovadoras en que las incorpora a sus composiciones. Por ejemplo, en el primer movimiento de la “Suite medieval”, cita magistralmente el “Virelai n.° 17” de Guillaume de Machaut en forma fragmentada, alterando su nivel de tono. Posteriormente, aparece una cita extendida en el nivel de tono original, lograda mediante el uso de armónicos exagerados en la duodécima. Estas adaptaciones se fusionan a la perfección con su material original. A lo largo de la composición, los oyentes encuentran citas musicales adicionales, incluidas referencias al icónico “Dies Irae” en el movimiento final, titulado “La danza del demonio”. [13]
Katherine Hoover tenía un profundo conocimiento de la música, especialmente en lo que respecta a la ejecución de un instrumento. Creía que ser competente en un instrumento le otorgaba a uno una ventaja única para comprender las complejidades de la creación musical a un alto nivel. Este conocimiento fomentó un profundo respeto por los intérpretes y sus necesidades únicas. [34] La experiencia de Hoover en la composición para flauta era evidente en sus composiciones idiomáticas para flauta. Sin embargo, también era hábil en la composición para una amplia gama de instrumentos y configuraciones de conjunto, incluidas orquestas y conciertos. Si bien exploró varias avenidas musicales, una parte significativa de su trabajo se centró en composiciones de cámara. Esta fue una elección práctica considerando el panorama cambiante de la programación orquestal y la participación del director. [34]
La música de Katherine Hoover se nutre de la interacción de referencias extramusicales, la hábil adaptación de melodías de otros compositores y la armoniosa fusión de estos elementos con sus composiciones originales. Esto crea un cautivador conjunto de obras que es imaginativo y musicalmente inventivo. Ella equilibra la expresión musical con las consideraciones del intérprete, asegurando que incluso los pasajes más desafiantes mantengan su elegancia lírica.
Quizás el mayor elogio a la capacidad de Katherine Hoover proviene del compositor John Corigliano , quien la describe como una compositora extraordinaria con un vocabulario musical amplio y fascinante, una artesanía deslumbrante y la promesa de un merecido reconocimiento a una escala más amplia. [37]
Como flautista, Hoover ha interpretado obras de otros compositores, además de las suyas propias. A continuación, se incluye una lista seleccionada de sus interpretaciones grabadas.
{{cite journal}}: Mantenimiento de CS1: ubicación ( enlace )Elenco original de Broadway
Music Of Dale Jergenson
Daysongs / Sonata da chiesa / Variations for Solo Flute
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