--%E5%BB%BB%E3%82%8A%E8%88%9E%E5%8F%B0murakuniza016.jpg/1280px-%E6%9D%91%E5%9B%BD%E5%BA%A7_(%E5%B2%90%E9%98%9C%E7%9C%8C%E5%90%84%E5%8B%99%E3%83%B6%E5%8E%9F%E5%B8%82)--%E5%BB%BB%E3%82%8A%E8%88%9E%E5%8F%B0murakuniza016.jpg)
Un escenario giratorio es una plataforma controlada mecánicamente dentro de un teatro que puede rotar para acelerar el cambio de una escena dentro de un espectáculo. Un escenario completamente giratorio fue una innovación construida por el ingeniero hidráulico Tommaso Francini para un espectáculo de producción elaborada, Le ballet de la délivrance de Renaud , que se presentó para María de Médici en enero de 1617 en el Palacio del Louvre y que fue observado con admiración por los contemporáneos. Este tipo de escenario también se conoce comúnmente como plataforma giratoria.
El teatro kabuki comenzó en Japón alrededor de 1603 cuando Okuni, una sacerdotisa sintoísta del santuario de Izumi, viajó con un grupo de sacerdotisas a Kioto para convertirse en intérpretes. Okuni y sus monjas bailaban versiones sensuales de danzas rituales budistas y sintoístas, utilizando los espectáculos como escaparate para sus servicios nocturnos. [1] Originalmente actuaban en el lecho seco del río Kamo sobre un escenario de madera improvisado, pero a medida que los espectáculos de Okuni ganaban popularidad, comenzaron a realizar giras, actuando en la corte imperial al menos una vez. Finalmente, pudieron construir un teatro permanente en 1604, inspirado en el teatro aristocrático Nōh de Japón que había dominado la era anterior. El kabuki, con sus orígenes en el entretenimiento popular, atraía a multitudes de gente común, junto con samuráis de clase alta que buscaban a su artista favorito para la noche. Esta mezcla de clases sociales preocupó al shogunato Tokugawa, que hizo hincapié en la estricta separación de las diferentes clases. Cuando las rivalidades entre los clientes samuráis de Okuni se volvieron demasiado intensas, el shogunato aprovechó el conflicto y prohibió a las mujeres actuar en el escenario en 1629. Las mujeres fueron reemplazadas por hermosos adolescentes que participaban en las mismas actividades nocturnas, lo que llevó a que el kabuki fuera prohibido por completo en 1652. Un actor-representante de Kioto, Murayama Matabei, fue a las autoridades responsables y organizó una huelga de hambre fuera de sus oficinas. [2] En 1654 se permitió que el kabuki regresara con restricciones. El shogunato declaró que solo se permitía actuar a hombres adultos con "calvas afeitadas", los espectáculos debían ser obras completamente interpretadas y no espectáculos de variedades, y los actores tenían que permanecer en su propio barrio de la ciudad y abstenerse de mezclarse con el público en general en su vida privada. [3] Con la sensualidad atenuada del teatro kabuki, los intérpretes recurrieron a la explotación del arte y el espectáculo para mantener a sus audiencias comprometidas.
El período Genroku de 1688 vio la solidificación de la estética del Kabuki bajo las nuevas restricciones impuestas por el shogunato. El teatro Nōh del período anterior era el teatro de los aristócratas. Después de la vergüenza que el Kabuki trajo a la sociedad de clase alta, necesitaba convertirse en una forma de arte más seria para sobrevivir. Sin embargo, el teatro Kabuki no perdió la influencia de sus orígenes como entretenimiento popular. La mayoría del repertorio del Kabuki fue adaptado del teatro de marionetas Bunraku, otro entretenimiento popular del mismo período. [4] Se tuvieron que realizar nuevas innovaciones para adaptar el teatro de marionetas a pequeña escala a obras de gran escala, así como para elevar el material original a una clase superior de arte.
_-_illustration_-_page_275.png/1280px-THE_REVOLVING-STAGE._(1910)_-_illustration_-_page_275.png)
El escenario giratorio, llamado mawari-butai, fue inventado por el dramaturgo Edo Nakimi Shozo en 1729 y resolvió rápidamente el problema de mover los pesados elementos escénicos cuando el Kabuki adoptó el Bunraku en diseños a gran escala. [5] El mawari-butai también sirvió para captar el interés del público en la bulliciosa atmósfera del teatro. El mawari-butai era originalmente una plataforma mecánica elevada que debía ser operada manualmente por los ayudantes de escena. El público habría podido ver a los ayudantes de escena girando el escenario a medida que la acción de los actores continuaba continuamente en la siguiente escena. En el siglo XIX, el mawari-butai había evolucionado para quedar al ras del escenario e incluir un giro interior y un giro exterior que podían girar simultáneamente para lograr ciertos efectos especiales. Los ayudantes de escena ahora se movían debajo del escenario, lo que requería la fuerza de al menos cuatro personas para empujar el escenario giratorio a su siguiente posición. [6] El mawari-butai en el teatro Kabuki siempre fue operado manualmente por los ayudantes de escena.
El mawari-butai permitía un gran espectáculo y la facilidad de cambiar de decorado, pero también proporcionaba una gran oportunidad para la historia y las elecciones estéticas. No se construían más de dos decorados en el giro. Estos decorados podían ser escenarios completamente diferentes o mostrar un cambio de estado de ánimo o tiempo dentro de un mismo escenario. [7] Al caminar sobre el giro en la dirección opuesta a su movimiento, los actores podían parecer que hacían largos viajes a través de bosques, calles de la ciudad, etc. [5] La adición del giro interior permitía que las piezas del decorado se movieran en relación unas con otras. Por ejemplo, dos barcos podían navegar uno al lado del otro en una batalla naval épica como en La chica de Hakata de Chikamatsu Monzaemon. El giro interior a veces estaba equipado con un ascensor que podía usarse para hacer que las piezas del decorado se elevaran del suelo o para hacer que los edificios parecieran derrumbarse. [8] El mawari-butai adquiere un efecto cinematográfico y "hace que el actor entre y salga del ámbito de la actuación". [7] El kabuki no se esfuerza por ser realista, se esfuerza por ser un espacio decorado. El Kabuki es, ante todo, un teatro de actores y pide al público que suspenda la realidad del escenario y se adapte a las convenciones del Kabuki.
Tras la Restauración Meiji en 1868, Japón puso fin a un largo período de aislamiento y reabrió el comercio con los países europeos. Después de tanto tiempo de aislamiento, el arte japonés inundó el mercado europeo, provocando una gran fiebre del "japonismo". Las convenciones del teatro kabuki japonés se desarrollaron de forma aislada del resto del mundo, por lo que las innovaciones se extendieron rápidamente al teatro europeo. Karl Lautenschlager construyó el primer escenario giratorio en un teatro occidental en 1896 para Don Giovanni de Mozart en el Teatro Residenz. Este escenario giratorio se elevaba ligeramente por encima del nivel del escenario y funcionaba eléctricamente con motores que hacían girar ruedas a lo largo de una pista. Con el arco del proscenio, solo una cuarta parte del escenario giratorio era visible para el público. Se construyeron cuatro decorados en el escenario giratorio de Lautenschlager, a diferencia del límite de dos del kabuki. [9] En 1889, Lautenschlager fue contratado por el teatro de la corte de Múnich para diseñar un escenario giratorio eficiente para producciones de Shakespeare. Aquí se marca el papel más importante del escenario giratorio en su historia occidental como el nuevo escenario de Shakespeare. [7] El escenario giratorio se filtró en los diseños de Reinhardt y Meyerhold de Alemania y Rusia a medida que su popularidad crecía. [10] Los escenarios giratorios siguen siendo un elemento fijo tanto del teatro Kabuki como del teatro occidental en la actualidad. La automatización del escenario giratorio y los ascensores ha permitido muchas más posibilidades estéticas en espectáculos como Cats y Les Miserable , así como el doble giro automatizado, o giro concéntrico, en Hamilton , solidificando aún más estas innovaciones del Kabuki en la corriente principal occidental.
Diez años después del escenario de Lautenschlager, Max Reinhardt lo utilizó en el estreno de Frühlings Erwachen de Frank Wedekind . Pronto este escenario giratorio se convirtió en una tendencia en Berlín . Otra adaptación del escenario kabuki popular entre los directores alemanes fue el Blumensteg, una extensión del escenario que sobresalía hacia el público. El conocimiento europeo del kabuki provenía de viajes a Japón o de textos, pero también de compañías japonesas que viajaban por Europa. En 1893, Kawakami Otojiro y su compañía de actores llegaron a París, regresaron nuevamente en 1900 y actuaron en Berlín en 1902. La compañía de Kawakami representó dos piezas, Kesa y Shogun, ambas occidentalizadas y representadas sin música y con la mayoría del diálogo eliminado. Siendo este el caso, estas representaciones tendieron hacia la pantomima y la danza. Los dramaturgos y los críticos rápidamente se aferraron a lo que vieron como una "re-teatralización del teatro". Entre los actores de estas obras se encontraba Sada Yacco , primera estrella japonesa en Europa, que influyó en pioneros de la danza moderna como Loie Fuller e Isadora Duncan , actuó para la reina Victoria en 1900 y gozó del estatus de estrella europea. [11] [12]
El primer escenario giratorio moderno del mundo occidental fue construido por Karl Lautenschläger (1843-1906) en 1896 en Múnich, Alemania . Lautenschläger estudió con Carl Brandt en el teatro de la corte de Darmstad. De allí se fue a Múnich, donde trabajó durante 22 años y se convirtió en el maquinista jefe del teatro real. Es conocido por su escenario giratorio, a veces llamado escenario Lautenschläger, que más tarde adquirió el legado de ser llamado el nuevo escenario de Shakespeare . El escenario se instaló en el Teatro Residenz para una representación de Don Giovanni , una ópera de Wolfgang Mozart . El escenario giratorio del Teatro Residenz tenía quince metros de diámetro y estaba ligeramente elevado del suelo del escenario normal. Con el proscenio, un poco menos de una cuarta parte del escenario giratorio era visible para el público. Lautenschläger utilizó electricidad para alimentar el plato giratorio, que giraba sobre rodillos que se movían sobre una pista circular. Este escenario giratorio en particular se dividió en cuartos y permitió que se desarrollaran cuatro escenas en la parte superior del espectáculo. El escenario giratorio permitió lograr profundidad, como paisajes con vistas a lo lejos y un escenario más tridimensional frente a las paredes del escenario giratorio.
En teatros como el Dresden , que no tenían una parte inferior para su escenario, cada sector del tocadiscos tenía dos ruedas que operaban directamente sobre el piso del escenario y eran impulsadas por un pequeño motor fijado a la parte inferior del plato giratorio. Algunos tocadiscos tenían solo dos secciones separadas, mientras que otros tenían hasta siete. No todas las secciones tenían que dividirse en proporciones iguales. Las secciones podían ser muy poco profundas o muy profundas, según lo que requiriera la escena. Incluso se usaron secciones rectangulares muchas veces para escenas en interiores. Algunos tocadiscos tenían secciones que se conectaban entre sí para dar la apariencia de viaje y ayudar a dar perspectiva al decorado. Con el tiempo, las trampas, los ascensores y los escenarios giratorios se combinaron en algunos teatros. Las secciones individuales del plato giratorio podían bajarse y elevarse hacia y desde debajo del escenario para hacer que los cambios de escena fueran aún más eficientes.
En 1889, el teatro de la corte de Múnich encargó a Lautenschläger que diseñara un escenario más eficiente para las producciones de Shakespeare, que requerían muchos cambios de decorado. Su escenario giratorio parecía ser la solución perfecta. Otros teatros y otras compañías que representaban obras de Shakespeare rápidamente comenzaron a utilizar el escenario giratorio, y comenzó a conocerse como el nuevo escenario de Shakespeare. Este fue probablemente el papel más importante que desempeñó el escenario giratorio en su historia.
Los escenarios giratorios todavía se utilizan en el teatro, pero se benefician del auge de la automatización en el diseño escénico. El uso de un escenario giratorio en la puesta en escena original de Cats se consideró revolucionario en su momento, [13] con una sección de la platea montada también sobre el escenario giratorio. [14] La puesta en escena original de Londres de Los Miserables es uno de los usos modernos más notables de un escenario giratorio, considerado "icónico"; [15] hizo sesenta y tres rotaciones en cada actuación. [16] La decisión del director Trevor Nunn de utilizar la función estuvo informada por la necesidad de cambios rápidos de ubicación, especialmente a la luz de las escenas agregadas al musical en su adaptación de la versión francesa original. [17] : 75 El plato giratorio también proporcionó cambios "cinematográficos" de perspectiva en una escena y, fundamentalmente, permitió al elenco caminar contra el giro para el movimiento dramático. [17] : 98 Los escenarios de doble rotación, conocidos como giro concéntrico, también se han utilizado en producciones teatrales como Hamilton . Tener un escenario giratorio dentro de otro permite una mayor flexibilidad al permitir que cada uno gire en diferentes direcciones o a diferentes velocidades. Algunos combinan esta tecnología con elevadores de escenario para permitir que los anillos concéntricos no solo giren a diferentes velocidades, sino también a diferentes alturas, como los utilizados en Hadestown .
En la actualidad, los escenarios giratorios se utilizan principalmente en ferias comerciales y de marketing, y se construyen con un diseño modular que se puede montar y desmontar rápidamente en diferentes tipos de lugares. Impulsados desde el núcleo central o indirectamente desde un eje externo, estos escenarios aprovechan los acopladores de anillo giratorios para proporcionar energía giratoria a la plataforma del escenario, de modo que no se enroscan los cables de alimentación ni es necesario invertir el escenario. En muchos casos, el escenario se deja girando durante días seguidos, transportando una carga de hasta un todoterreno.
El escenario giratorio también se utiliza a veces en conciertos y festivales de música, especialmente los más grandes, para permitir que una banda instale y revise su equipo mientras otra banda de apertura está actuando. Esto permite una transición mucho más rápida entre una banda de apertura y la siguiente en la alineación. Un ejemplo de ello fue el Festival Internacional de Música de Goose Lake , celebrado en Michigan en agosto de 1970. [18]
Un notable espectáculo de escenario giratorio que se utiliza para el concepto del Carrusel del Progreso de Walt Disney en Tomorrowland en Magic Kingdom en Walt Disney World Resort en Bay Lake , Florida, en las afueras de Orlando, Florida, donde el escenario permanece estacionario mientras el auditorio gira a su alrededor.
{{cite book}}: CS1 maint: nombres múltiples: lista de autores ( enlace ) CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )