Horace Day (3 de julio de 1909 - 24 de marzo de 1984), también Horace Talmage Day , fue un pintor estadounidense de la escena estadounidense que alcanzó la madurez durante los años treinta y estuvo activo como pintor durante los siguientes 50 años. Viajó mucho por los Estados Unidos y continuó explorando a lo largo de su vida temas que captaron su atención por primera vez como artista en los años treinta. Obtuvo un reconocimiento temprano por sus retratos y paisajes, particularmente sus pinturas en Carolina Lowcountry .
Horace Day se consideraba a sí mismo un pintor regional, interesado en representar los paisajes de su Sur adoptivo. El estilo que eligió para retratar los paisajes y a la gente del Sur era una variante del realismo romántico, influenciado por Claude Lorrain y Jacob van Ruisdael y también por las resonancias que percibía en ese paisaje con el paisaje rural, subtropical y la arquitectura colonial del sur de China, donde pasó sus primeros años. Trabajaba principalmente al aire libre, como pintor al aire libre , utilizando pinceladas rápidas impresionistas para registrar la escena.
Horace Talmage Day fue el mayor de cuatro hijos nacidos en Amoy (hoy Xiamen ), China, de padres misioneros estadounidenses durante su servicio en la Misión Reformada Estadounidense en la provincia de Fujian , China. La misión tenía bases de operaciones en Amoy y en Fuzhou . [1] Las familias de la misión en Amoy residían en el enclave extranjero en la isla de Gulangyu en el puerto de Amoy, una zona urbana que se ha hecho conocida por su arquitectura colonial del siglo XIX. En Fuzhou, las familias de la misión estaban situadas más cerca de las aldeas campesinas de la zona. La familia Day sirvió en ambos lugares.
A los doce años, Day pintaba paisajes bastante logrados de escenas del sur de China, tanto al óleo como a la acuarela. [2] Uno de sus libros de arte más preciados fue un libro sobre los dibujos de Claude Lorrain que adquirió cuando era adolescente, antes de comenzar sus estudios en la Art Students League de Nueva York . Estas primeras inspiraciones se reflejan en el trabajo realizado por Day a lo largo de su carrera. [3]
Tras graduarse en la Escuela Americana de Shanghái en 1927, Day llegó a los Estados Unidos para estudiar en la Art Students League de Nueva York. Allí estudió con Kimon Nicolaides , Boardman Robinson y Kenneth Hayes Miller , y más tarde trabajó como asistente de Nicolaides. [4] Uno de sus dibujos fue seleccionado para ilustrar un ejercicio de la obra clásica de Nicolaides, The Natural Way to Draw , que fue recopilada por los estudiantes de Nicolaides tras su muerte prematura. [5]
La promesa de Day como pintor fue reconocida inmediatamente en la Art Students League. La Fundación Tiffany le otorgó becas de verano mientras estudiaba en la Art Students League y expuso en todas las Exposiciones Anuales de Tiffany durante los años 1930-33. La primera inclusión de la obra de Day en una exposición nacional data de 1931, cuando su obra fue incluida en una exposición internacional en el Art Institute of Chicago. Desde 1933 hasta su servicio militar en la Segunda Guerra Mundial, Day estuvo representado por la Macbeth Gallery de Nueva York, uno de los principales espacios comerciales de la época. [6]
El trabajo de Day que ganó reconocimiento incluyó estudios de retratos, naturalezas muertas florales , escenas urbanas y paisajes rurales de sujetos en Nueva York, Vermont, Georgia y la región Lowcountry de Carolina del Norte. [7] Continuó explorando cada uno de estos temas a lo largo de su vida. Ejemplos de este tipo de trabajo se encuentran en colecciones públicas y privadas, incluido el Museo de Bellas Artes de Virginia , el Museo de Arte Americano de New Britain , el Museo de Arte Gibbes , el Museo Robert Hull Fleming , la Galería Addison de Arte Americano y el Museo de Arte Nelson-Atkins , y el Museo de Arte Morris . [8]
Tras finalizar sus estudios en la Art Students League, Day fue nombrado artista residente en el Henry Street Settlement de Nueva York. Fundado por Lillian Wald , el Henry Street Settlement fue en ese período uno de los centros fundamentales de energía creativa en Nueva York. En 1936, Day fue nombrado primer director del Gertrude Herbert Institute of Art en Augusta, Georgia. [9] Durante ese período, descubrió por primera vez el paisaje de Carolina Lowcountry mientras continuaba pintando en Vermont.
En 1941, Day se casó con la artista Elizabeth Nottingham , que también había estudiado en la Art Students League de Nueva York, y ambos se unieron a la facultad del Mary Baldwin College . A excepción de un tiempo de licencia por el servicio militar, durante el cual Day continuó pintando, y un nombramiento como profesor visitante de un año en el Kansas City Art Institute en 1946-47 con su amigo Edward Lanning, Day fue a partir de entonces profesor de arte en el Mary Baldwin hasta su jubilación en 1967. [10]
Los Days enseñaron juntos en el Mary Baldwin College hasta la muerte de Elizabeth Nottingham en 1956. Los lugares favoritos durante este período fueron Vermont, Virginia Occidental, el accidentado paisaje del suroeste de Virginia, en particular los acantilados de Eggleston en el río New en el condado de Giles , un tema que Day pintó repetidamente durante un período de 30 años, y la región de Carolina Lowcountry, especialmente Edisto Island . Ambos artistas preferían pintar al aire libre y directamente de la naturaleza; y ambos eran igualmente hábiles en acuarela, tinta y óleo. [11] En el momento de la muerte de Elizabeth Nottingham, también estaba ganando un importante reconocimiento nacional. [12]
Durante los últimos diecisiete años de su carrera, entre 1967 y 1984, Day residió en Alexandria, Virginia . Mientras seguía viajando por el oeste y el sur de Estados Unidos, Day produjo una serie de pinturas de la vida urbana en Old Town Alexandria, retratos de alejandrinos blancos y negros de la época, paisajes cercanos, jardines de casas históricas de Alexandria y naturalezas muertas. Aunque pintadas relativamente recientemente, se observó cuando la obra se exhibió en 2003 que, si bien la obra en su conjunto capturaba una imagen de Alexandria en transición, las pinturas estaban vinculadas de alguna manera más estrechamente con el sur de 50 años antes que con la vida contemporánea. [13]
Day se consideraba un artista que trabajaba en la gran tradición de los viejos maestros , con un desagrado por la bravura o el sentimentalismo. Un crítico temprano señaló que Day sentía que “los métodos de un pintor deben ocultarse en lugar de exhibirse”, que creía que “el entusiasmo por su tema [era] la vía de escape más segura de la autoconciencia y sus consiguientes manierismos”. [14] Los artistas, dijo Day, “son en cierto sentido artesanos que transmiten sus métodos para que sean reinterpretados por cada generación sucesiva”. [15]
Más tarde, en una época en la que el expresionismo abstracto y la celebración de la personalidad artística asociada a él estaban en su apogeo, Day coincidía en que «el estilo es indivisible de la personalidad del artista», pero sostenía que el estilo «se debía lograr mediante un largo aprendizaje con las apariencias, y la percepción aumentaba a medida que el pintor aprendía a adivinar el orden inherente que lo rodeaba». [16] Citando a Matisse , Day sostenía que cuando un artista pinta, «debe sentir que está copiando la naturaleza. Incluso cuando se aparta conscientemente de la naturaleza, debe hacerlo con la convicción de que sólo es mejor interpretarla». [17]
Hacia el final de la vida de Day, otro crítico resumió su carrera y la amplitud de su obra escribiendo: “Hace uso de una técnica brillante de… interpretaciones de la naturaleza tal como la observa, siempre de primera mano. La obra de Day celebra los placeres de la vista, y su… visión abarca una variedad de temas que pocos pintores pueden intentar. Igualmente cómodo con el paisaje, los retratos, las naturalezas muertas y las figuras, Horace ha trabajado con la convicción de que la era de la gran pintura continúa en nuestro tiempo”. [18]
Muy temprano en la carrera de Day, un destacado crítico de la época destacó el excepcional sentido del color de Day y su habilidad para manejar el color tanto en pinturas al óleo como en acuarela. “Lo mejor del paisaje del Sr. Day es notable por su manejo del color para lograr sus efectos. En sus óleos alcanza profundidades y tiene una resonancia que es parte de toda gran obra en ese medio. En sus acuarelas a menudo se suaviza hasta convertirse en matices delicados que dan testimonio de su sensibilidad: la envoltura de esta tierra, la forma que proporciona la base de su diseño”. [19] Al comentar sobre Quarry (1937) de Lefevre , una pintura de una cantera de mármol abandonada en Vermont que ahora está en la colección del Museo Fleming, observó: “Sin el hábil uso del color fino habría sido completamente imposible investir de interés estético y valor a un tema así. Aquí la cosa misma –la cantera– está casi enteramente oculta en una sinfonía de verdes follajes que despiertan reacciones espirituales y emocionales completamente distintas e infinitamente más importantes que cualquier representación de un agujero tan olvidado en el suelo”. [19]
El “dominio magistral del color” y la “capacidad de Day para impregnar sus pinturas de energía vibrante” también se notaron en la obra posterior de Day. Además, en comparación con sus pinturas anteriores, Live Oak, Beaufort, Carolina del Sur (1938), [20] las pinturas posteriores de Day muestran su confianza como artista maduro en sus pinceladas sueltas y expresivas. [21]
La introducción de Day a Carolina Lowcountry en 1936 ocurrió en el apogeo del movimiento artístico ahora conocido como el Renacimiento de Charleston . [22] Durante los siguientes 50 años, Day llevó esta tradición hasta fines del siglo XX con obras como Athenian Room I (ca. 1980) y Kaye's Drug Store, King Street, Charleston, SC (ca. 1980), que representan lugares de reunión centrales para la vida diaria de los habitantes de Charleston. [20]
Profundamente influenciado por las resonancias del paisaje de Lowcountry con la China de su infancia, pronto comenzó a crear desde esta perspectiva muy diferente imágenes de Lowcountry que enfatizaban la arquitectura vernácula y la exuberante vegetación tropical y no simplemente sus grandes mansiones anteriores a la guerra. “Veo belleza en Charleston en lugares donde muchas personas nunca soñarían con descubrirla”, dijo una vez. [23] El espíritu del campo se encontraba, creía Day, “no solo en las elegantes casas anteriores a la guerra, sino también en las sencillas cabañas que se encontraban en la ciudad y el campo”. [24]
Day escribió una vez sobre Lowcountry: “El paisaje aquí es tan exuberante que me recuerda al sur de China”. [25] De hecho, se ha observado que los primeros paisajes de este período, como Live Oak, Beaufort, SC (1938) [26], tienen un parecido sorprendente con Vista desde la muralla de la ciudad de Chang Chow, provincia de Fukien, China (1920), una pintura que Day pintó mientras aún vivía en China. La conexión que percibió alimentó el deseo de Day de visitar repetidamente Lowcountry y pintar en el resto de su carrera. [9]
En Lowcountry, como en otros lugares, Day trabajó al aire libre para capturar directamente el color y la intensidad de la escena. Como resultado de esa conexión emocional directa, las pinturas de Day han sido aclamadas por revelar la esencia de su lugar y el espíritu de su gente, y la sensibilidad con la que registró su carácter y la arquitectura de sus hogares, "ya sean simples cabañas de madera ubicadas en un campo extenso o mansiones con columnas y árboles majestuosos como cimientos". [27]
En relación con una exposición de su obra en el Museo Gibbes en 2004, Day fue aclamado por haber "capturado la arquitectura, el paisaje y la gente de la zona a través de representaciones encantadoras y sensibles en acuarela y óleo, entre ellas Church, Edisto Island, SC (1960) y Live Oak Avenue, Edisto Island, SC (1960)". Se observó que ambas pinturas demuestran el "dominio magistral del color de Day y la capacidad de imbuir sus obras de energía vibrante y un sólido sentido del lugar". [25]
En respuesta a un creciente interés en la pintura mural, Day se unió al Beaux Arts Mural Group en la ciudad de Nueva York. En 1940, solicitó a la Sección de Pintura y Escultura del Departamento del Tesoro un encargo para hacer un mural para una oficina de correos de los Estados Unidos. Se le concedió un encargo para la oficina de correos de Clinton, Tennessee . El mural, titulado Farm and Factory (Granja y fábrica) Archivado el 17 de diciembre de 2007 en Wayback Machine , se instaló el 12 de junio de 1941. Day ejecutó el mural en pintura al temple de caseína, construyendo su superficie con capas delgadas de color. Usando esa técnica, Day produjo una pintura que es ligera y aireada con colores que parecen objetivos. En 1989, cuando Clinton adquirió una nueva oficina de correos más grande, el mural de Day fue trasladado a su interior principal. [28]
Cuando Day fue reclutado a fines de 1942, estaba previsto que formara parte de un programa de artistas de guerra del Ejército. [29] Después de que el programa fuera cancelado por el Congreso a principios de 1943, [30] Day sirvió en el Cuerpo Médico del Ejército como dibujante/cartógrafo de soldados (311.º Batallón Médico, 86.ª División) sin responsabilidades formales como artista. Sirvió de 1943 a 1945, con deberes que incluían conducir ambulancias y atender a los heridos. Al principio de su servicio militar, comenzó a dibujar y pintar bocetos, acuarelas y pinturas al óleo desde el punto de vista de un soldado alistado. Durante su entrenamiento militar, también ejecutó un mural de seis paneles sobre la vida en el campamento para la sala de música del centro recreativo de los hombres alistados en la base militar de Camp Howze en Texas.
En 1944, tres de sus pinturas al óleo, Sospecha de gas , KP y Reveille in Bivouac , se incluyeron en la exposición Art in the Armed Forces , en la National Gallery de Londres. [31] En 1945, dos de las obras, Maneuvers in January , un dibujo; GI Country Club , un óleo sobre papel, se incluyeron en la Exposición Anual de Acuarelas, Grabados, Dibujos y Esculturas de 1945 en el Museo Whitney . [32] En los años inmediatamente posteriores a la guerra, el Museo de Arte Nelson-Atkins y el Museo de Bellas Artes de Virginia organizaron exposiciones más completas de este conjunto de trabajos . [33] En 1975, los murales y casi un centenar de dibujos y pinturas se exhibieron en el Ateneo de Alejandría como su exposición inaugural de esa temporada. [34] Los murales del club de servicio de Day se encuentran entre los pocos murales de su tipo que sobrevivieron a la guerra y ahora se encuentran en la Colección Militar Anne SK Brown de la Universidad de Brown.
Desde el comienzo de su carrera, Day optó por hacer retratos y estudios de retratos de personas que le resultaban interesantes, además de encargos formales. Al igual que sus otros trabajos, los retratos de Day se hacían del natural. Cuando un grupo temprano de retratos de niños del asentamiento de Henry Street se incluyó en una exposición en la galería Macbeth en 1937, los retratos se destacaron por su buen humor y profundidad de percepción. [35] Day continuó haciendo dibujos, acuarelas y retratos al óleo de sus compañeros soldados mientras servía en el ejército. [36]
Entre los retratos y estudios de retratos de Day destacan numerosos retratos de afroamericanos, muchos de los cuales conoció en la calle mientras pintaba. En una época en la que los afroamericanos albergaban inseguridades sobre el color de su piel, Day, con ojos de artista, vio belleza en la variedad y riqueza tonal de la piel negra. En relación con una exposición reciente [37] de estos retratos que exploraba cuestiones de estilo e identidad expresadas por los afroamericanos en Alexandria, Virginia, durante la década de 1970, Adrienne Childs observó que "Horace Day demostró un alto nivel de conciencia de la historia y la política de la representación de los negros, así como del impacto social y psicológico que los estándares de belleza prevalecientes tenían en algunas personas de color... En muchos sentidos, los retratos de sujetos afroamericanos de Day responden a los tropos degradantes de la negritud que caracterizaron las imágenes de los negros en el arte estadounidense y la cultura visual popular a principios del siglo XX" en Estados Unidos". [38]
Cuando se expusieron, los retratos de afroamericanos realizados por Day fueron elogiados por sus pinceladas seguras y sus combinaciones de colores audaces. En opinión de algunos, los retratos de afroamericanos realizados por Day son sus mejores trabajos. [39]