Sergei Prokofiev se puso a trabajar en su Concierto para piano n.º 2 en sol menor , Op. 16, en 1912 y lo completó al año siguiente. Sin embargo, esa versión del concierto se perdió; la partitura fue destruida en un incendio después de la Revolución rusa . Prokofiev reconstruyó la obra en 1923, dos años después de terminar su Concierto para piano n.º 3 , y declaró que estaba "tan completamente reescrito que casi podría considerarse [el Concierto para piano] n.º 4". De hecho, su orquestación tiene características que claramente son posteriores al concierto de 1921. Actuando como solista, Prokofiev estrenó este "n.º 2" en París el 8 de mayo de 1924 bajo la dirección de Serge Koussevitzky . Está dedicada a la memoria de Maximilian Schmidthof, amigo de Prokofiev en el Conservatorio de San Petersburgo , que se había suicidado en abril de 1913 [1] después de haber escrito una carta de despedida a Prokofiev. [2]
La obra está escrita para piano solo, dos flautas , dos oboes , dos clarinetes , dos fagotes , cuatro trompas , dos trompetas , tres trombones , tuba , timbales , bombo , caja , platillos , pandereta y cuerdas . Consta de cuatro movimientos con una duración de entre veintinueve y treinta y siete minutos.
Prokófiev estrenó la obra originalmente el 5 de septiembre de 1913 (el 23 de agosto según el calendario ruso de la época), interpretando la parte para piano solo, en Pavlovsk . [3] La mayoría del público reaccionó intensamente. El temperamento salvaje del concierto dejó una impresión positiva en algunos de los oyentes, mientras que otros se opusieron al sonido discordante y modernista ("¡Al diablo con esta música futurista!", "¿Qué está haciendo, burlándose de nosotros?", "¡Los gatos en el tejado hacen mejor música!"). [4] [5]
Cuando la partitura orquestal original fue destruida en un incendio tras la Revolución rusa , [6] Prokofiev reconstruyó y revisó considerablemente el concierto en 1923; en el proceso, hizo que el concierto, en sus propias palabras, fuera "menos cuadrado" y "ligeramente más complejo en su estructura contrapuntística". [6] El resultado final, sintió Prokofiev, fue "tan completamente reescrito que casi podría considerarse [el Concierto] n.º 4" . [1] ( El Concierto para piano n.º 3 se había estrenado en 1921). Estrenó esta versión revisada del concierto en París el 8 de mayo de 1924, bajo la dirección de Serge Koussevitzky . [1]
Sigue siendo uno de los conciertos para piano técnicamente más formidables del repertorio estándar. El biógrafo de Prokofiev, David Nice, señaló en 2011: "Hace una década, habría apostado a que solo había una docena de pianistas en el mundo que podían tocar correctamente el Segundo Concierto para piano de Prokofiev. Argerich no lo tocaba, Kissin tardó en aprenderlo e incluso Prokofiev, como virtuoso, se metió en un lío terrible al intentar interpretarlo con Ansermet y la Orquesta Sinfónica de la BBC en la década de 1930, cuando se le había escapado de las manos". [7]
El primer y el último movimiento tienen una duración de unos doce minutos cada uno y constituyen una de las piezas más dramáticas de todos los conciertos para piano de Prokofiev . Ambos contienen cadencias largas y desarrolladas , y la cadencia del primer movimiento ocupa casi toda la última mitad del mismo.
El primer movimiento se abre tranquilamente con cuerdas y clarinete tocando un tema staccato de dos compases que, como sugiere el biógrafo de Prokofiev, Daniel Jaffé, "suena casi como un tema de passacaglia de bajo, ese símbolo musical del destino implacable". [8] El piano toma el control, construyendo sobre un acompañamiento de ondulación de respiración de la mano izquierda un tema narrante en sol menor que, en palabras del biógrafo soviético Israel Nestyev, "sugiere un cuento tranquilo y serio en la línea de una leyenda romántica". [9] Este tema de apertura contiene una segunda idea, [10] un tema escalónico ascendente; como observa Robert Layton , cuando más tarde es retomado por cuerdas al unísono como "una amplia melodía cantada, uno siente que el ejemplo de Rachmaninov no ha pasado del todo desapercibido". [11]
Un breve fuerte , respaldado por la orquesta, conduce a un tercer tema expansivo y andante interpretado nuevamente por el pianista solista; Layton señala que esto "espera con ansias su contraparte en el Tercer Concierto para piano: no hay duda de su carácter ligeramente frívolo". [11] La sección de recapitulación en efecto está completamente a cargo de la cadencia de cinco minutos notoriamente exigente del solista, una de las cadencias más largas y difíciles en el repertorio de piano clásico, que lleva al oyente hasta el clímax del movimiento. Anotado en dos pentagramas, el piano toca una repetición de su propio tema de apertura. Un tercer pentagrama, que requiere que el pianista realice grandes saltos con ambas manos con frecuencia, contiene el motivo del acompañamiento orquestal anterior.
La carga acumulada se libera finalmente en un clímax prematuro (sol menor), marcado como fff y colosal , que consiste en una semicorchea oscilante de tresillo que recorre las cuatro octavas superiores del piano, mantenida en ritmo por un acompañamiento de corchea con la mano izquierda. El propio Prokofiev describe este lugar como uno de los más difíciles del concierto. [12]
Los últimos compases antes del clímax absoluto están marcados como tumultuosos y alcanzan una discordia suprema cuando el do sostenido menor choca con el re menor.
Mientras ambas manos se separan para abrazar el piano fff en re menor, con un acento en cada nota, la orquesta anuncia su regreso, con cuerdas y timbales que aumentan furiosamente de p a ff . El oyente queda expuesto al estruendo apocalíptico de varios instrumentos de viento, trombones, trompetas y tuba, que, como lo describe Jaffé, "tocan siniestramente el tema inicial del 'destino' en fortissimo ", [8] mientras el piano, las flautas y las cuerdas siguen chillando al unísono subiendo y bajando por los rangos más altos. Dos estruendos de platillos ponen fin al cataclismo en sol menor.
Un decrescendo devuelve la música a un piano casi fantasmal en el que el piano tímidamente presenta el segundo tema narrante , repite sus últimas notas, lo repite pianissimo , cada vez más apagado. Las cuerdas pizzicato apuntan varias veces más al tema inicial, cuyo significado ahora ha sido revelado.
El scherzo tiene una forma excepcionalmente estricta teniendo en cuenta la parte de piano. La mano derecha y la izquierda tocan un unísono tenaz, casi 1500 semicorcheas cada una, literalmente sin un momento de pausa: Robert Layton describe al solista en este movimiento como "un futbolista virtuoso que conserva la iniciativa mientras el equipo contrario (la orquesta) carga tras él". [11] A unas diez notas por segundo y sin apenas variaciones de velocidad, este movimiento dura alrededor de dos minutos y medio y es un desafío de concentración inusual para el pianista. Muestra la línea motora de las cinco "líneas" (caracteres) que Prokofiev describe en su propia música. (Otras piezas de este tipo incluyen la Toccata en re menor y el último movimiento de la Sonata para piano n.º 7 ). Un motivo fugaz, que hará una aparición importante en el movimiento final, aparece (fig. 39 en la partitura) en la parte de los violonchelos: "un tresillo con inflexión cromática más una corchea, tocado dos veces antes de disminuir". [8] A diferencia de los otros tres movimientos, está principalmente en re menor .
En lugar de un movimiento lento y lírico como podría esperarse después de un scherzo (cf. el Segundo Concierto para piano de Brahms ), Prokofiev ofrece un Intermezzo amenazante y de ritmo rápido. [11] Layton caracteriza este movimiento como "en algunos sentidos el más caracterizado de los cuatro movimientos, con sus destellos de ingenio sardónico y armonías progresistas". [11]
El movimiento comienza con un tema de bajo pesado, dirigido a ser tocado con fuerza ( pesante ) y fortissimo . La música ha regresado a sol menor. Cuerdas, fagot, tuba, timbales y gran cassa (bombo) marchan con determinación melancólica. Los trombones pronuncian con fuerza un re, seguido por la tuba y el oboe en un diminuendo repentino. Durante varios compases, la orquesta lanza amenazas cada vez más débiles, al mismo tiempo que avanza inexorablemente hacia la tónica, momento en el que entra el piano y la música gana fuerza de inmediato. La marcha de la introducción continúa mientras el piano modula hacia un nuevo territorio armónico. Hay un momento de respiro de esta "procesión sarcásticamente grotesca" con la única aparición de "un tema introvertido de lirismo entumecido". [8] Después de una reafirmación del material anterior, la música se aventura en un nuevo tema lírico en re menor, marcado pp y dolce, un poco scherzando . El piano y las flautas se deslizan con gracia hacia arriba y hacia abajo por las octavas superiores. Luego, el piano repite el tema por sí solo, con humor y secco , antes de que se le una la orquesta. La tensión aumenta y la música asciende hasta llegar a un clímax, cuando el tema de apertura regresa con trombones siniestros y acordes estridentes en lo más alto del piano. Los instrumentos de viento de madera vuelven a bajar la intensidad y el movimiento termina tranquilamente con un último golpe de ingenio.
Cinco octavas por encima de la nota final del intermezzo, una diatriba en fortísimo surge del cielo, escrita en4
4pero con un patrón repetitivo de siete corcheas de largo (acentuado como 4+3 ). Después de seis compases se establece en las proximidades del do central. Al llegar a una acciaccatura semitonal ácida en ambas manos, el piano pasa a una carrera de acordes de octava y notas individuales, saltando maniáticamente arriba y abajo del teclado dos veces por compás. Se elige un tema audible, y durante una repetición de piano y staccato del tema, las cuerdas y las flautas se apresuran, haciendo que la música se detenga brevísimamente. Un momento después, el piano vuelve a forte y la carrera se inicia de nuevo. Se repite tres veces más en total antes de que el piano realice un galope tormentoso de tríadas ( tempestoso ), las manos separándose más o menos simétricamente, mientras las cuerdas lanzan un acompañamiento frenético de corcheas staccato regulares. El piano pone un fin momentáneo a su propia furia con una maniobra apenas factible, con ambas manos saltando tres o cuatro octavas simultáneamente y en fortissimo en el tiempo de una semicorchea. Pero para entonces el sprint se ha transformado en una "persecución temerosa con un motivo de tresillo repetido obsesivamente [escuchado por primera vez fugazmente en el movimiento Scherzo] eclipsado por los rugidos siniestros de la tuba y los trombones". [8] Sólo unos momentos después, la orquesta se detiene y el piano, sin acompañamiento, toca acordes suaves pero disonantes que, sugiere Jaffé, son "reminiscentes de los acordes de campana que abren la pieza final de las Seis pequeñas piezas para piano, Op. 19 de Schoenberg", que fueron compuestas en homenaje a Mahler poco después de su muerte. (Jaffé señala que Prokofiev había introducido la música de Schoenberg en Rusia al tocar las piezas Op. 11, y sugiere que Prokofiev puede haber conocido y haberse inspirado en el Op. 19 de Schoenberg para usar un motivo de campana similar para conmemorar a Schmidthof.) [8]
El piano se hace a un lado durante ocho compases mientras las cuerdas, todavía en mf , se embarcan en un nuevo episodio. El solista toca entonces un tema melancólico en re menor de carácter similar al tema de apertura para piano del primer movimiento, caracterizado por Jaffé como una "canción de cuna" al tiempo que señala (como lo hace Nestyev) [13] su afinidad con Mussorgsky . Los fagotes retoman el tema del piano errante, mientras que el piano mismo pasa a un acompañamiento de semicorchea pp . La música finalmente se detiene, con "una versión de sonido abatido del tema de la canción de cuna en fagot abruptamente interrumpida por una cadencia de sonido muy final y articulada de la orquesta". [8] Pero, como señala Jaffé, "el pianista no deja que las cosas descansen... sino que martilla el tema de la 'persecución'", iniciando así "no tanto una cadencia... sino una meditación poscadencial sobre los acordes de la 'campana'". [8] La orquesta se suma después de un tiempo, reintroduciendo el tema de "canción de cuna" del piano, mientras que la parte del solista todavía fluye a través de las octavas. La tonalidad cambia regularmente de La menor a Do menor y viceversa, la música se vuelve cada vez más amplia y más difícil de tocar. El ritmo y la melodía luego caen en un piano abrupto , no menos amenazante que el forte anterior . El cromatismo lento hace que la música suba hasta un fortissimo , mientras la orquesta sigue proclamando el tema del piano originalmente melancólico. Este es el único lugar fuera del andantino donde el piano excede el rango anterior de siete octavas, saltando dos octavas hasta Si 7 solo una vez.
Un largo diminuendo de suaves notas de piano lleva el volumen a un mínimo pp (Prokofiev no utiliza ni una sola vez una ppp en la parte de piano del concierto). Luego, una feroz ráfaga ( ff ) de la orquesta inicia la feroz repetición.
La primera grabación del concierto se realizó en noviembre de 1953 y se publicó al año siguiente en Remington Records : R-199-182. El pianista fue Jorge Bolet , la Orquesta Sinfónica de Cincinnati estuvo dirigida por Thor Johnson y Laszlo Halasz y Don Gabor supervisaron. La interpretación de Bolet estableció un estándar por el cual se juzgaron varias grabaciones posteriores: Shura Cherkassky y Herbert Menges (HMV mono); Nicole Henriot y Charles Munch (con un mal corte en el primer movimiento; estéreo RCA); y Malcolm Frager y René Leibowitz (también estéreo RCA). Tedd Joselson, que entonces tenía 19 años, lanzó su carrera discográfica con esta obra en una asociación de 1973 con la Orquesta de Filadelfia y el director Eugene Ormandy (de nuevo en RCA).
La página de Prokofiev , un sitio web de Sugi Sorensen, recomendó la grabación de Gutiérrez con Järvi y la Royal Concertgebouw Orchestra ; [14] esta recibió más elogios cuando se reeditó en 2009. [15] [16] La grabación de Yundi Li con Ozawa y la Filarmónica de Berlín en 2007 es ampliamente elogiada: [17] [18] [19] [20] The New York Times la recomendó y la consideró como la más notable del año, [21] mientras que figura en The Penguin Guide to Recorded Classical Music 3 Stars. [22] Más recientemente, la grabación ganadora del Grammy de Kissin, con Ashkenazy ahora dirigiendo la Philharmonia Orchestra , ha recibido elogios, al igual que la de Wang y Dudamel. [23] [24]
El scherzo del concierto proporciona la banda sonora del cortometraje animado Jeu del animador suizo Georges Schwizgebel . [25] [26]
