La Cena en Emaús ( Cena in Emmaus ) es una pintura del artista renacentista italiano Paolo Veronese . En el Louvre , donde se encuentra, se la conoce como Les Pèlerins d'Emmaüs ( Los peregrinos de Emaús ). Pintada alrededor de 1559 o 1560, [1] es una reelaboración del relato evangélico de lade Jesús resucitado en Emaús como una reunión familiar veneciana del siglo XVI.
La Cena de Emaús de Paolo Veronese es una gran pintura al óleo sobre lienzo de 241×415 cm (8×14 pies). [1]
Representa la historia evangélica bíblica de Cristo resucitado que aparece en el camino a Emaús y es finalmente reconocido por dos de sus discípulos que estaban en peregrinación a Emaús, mientras bendice el pan en una comida a la que lo habían invitado, un aparente extraño. [2] En el extremo izquierdo de la pintura hay una representación distante del viaje a Emaús; [2] [3] incluye el Septizodium , un antiguo edificio romano. [4] Mientras bendice el pan y mira hacia el cielo, la cabeza de Cristo tiene un delicado halo. [2]
Alrededor de la mesa donde se sientan los tres protagonistas se encuentran más de una docena de miembros de una familia aristocrática veneciana, vestidos al estilo del siglo XVI, y sus sirvientes. [2] En el suelo se encuentran arrodillados tres niños, acariciando a unos perros; varios otros niños pequeños están de pie. Una madre sostiene a un bebé; su marido está de pie detrás de ellos, y otros dos caballeros, posiblemente sus hermanos, están en el grupo. [5] El escenario es un palacio clásico. [6] Aparte de los tres protagonistas bíblicos y un sirviente que los atiende, la atmósfera parece más secular que devocional. [7]
La arquitectura del entorno de la cena es sorprendente, con cuatro grandes columnas clásicas y un marco de puerta con frontón detrás de Cristo. [8] La pintura probablemente fue encargada para un portego , el amplio y elaborado vestíbulo de entrada de un palacio veneciano. [8]
La cena de Emaús es la primera de las pinturas de Veronese sobre fiestas bíblicas representadas como grandes y elaborados retratos de grupo anacrónicos en dramáticos escenarios arquitectónicos. [9] Ejemplos posteriores incluyen Las bodas de Caná (1563) y dos versiones de El banquete en casa de Simón el fariseo (1565 y 1570). [10]
El cuadro es propiedad del gobierno de Francia y forma parte de la colección del Louvre . [11] Anteriormente era posesión de la monarquía francesa . [11]
En 1635, el cuadro fue registrado como propiedad de Víctor Amadeo I, duque de Saboya (1587-1637) en su residencia de Turín . [4] Poco después fue donado al mariscal duque Carlos I de Créquy (1578-1638), y después de su muerte pasó a formar parte de su colección y pasó al cardenal de Richelieu (1585-1642). [4] Richelieu lo legó al rey Luis XIII junto con su Palacio Cardenalicio . [4] Más tarde fue trasladado sucesivamente al Palacio de Fontainebleau , al Palacio de las Tullerías y al Palacio de Versalles de Luis XIV . [4]
El Louvre fue duramente criticado por conservacionistas de arte en Francia, el Reino Unido y los EE. UU. por una serie de alteraciones que realizó a la pintura entre 2003 y 2004 y nuevamente en 2009. [12] [13] Además de eliminar los pliegues del vestido de la madre y del manto del discípulo Luke en 2004, [14] se realizaron amplias alteraciones en la nariz, la boca y la cara de la madre en 2004 y 2009. [12]
Respecto a las restauraciones de 2003-2004, en 2007 Michel Favre-Félix, presidente de la Association Internationale pour le Respect de l'Intégrité du Patrimoine Artistique ("Asociación para el Respeto y la Integridad del Patrimonio Artístico") (ARIPA) en París, escribió en Matices , la revista de ARIPA, [15]
[L]a madre veneciana, con sus rasgos nobles y maduros y su mirada ligeramente melancólica, se ha convertido en una caricatura de una adolescente del siglo XXI, con su mohín incómodo, su expresión rígida y una obesidad acechante.
Esta manipulación estética es tanto más dolorosa cuanto que el personaje de la madre es crucial en la composición que pretendía Veronés, que había pintado algo más que un simple retrato de mujeres venecianas. Con su rostro noble y su mirada meditativa, esta madre, que lleva a su recién nacido con sus cabellos dorados, simboliza evidentemente a la Virgen María y al Niño. Protegiendo al niño bajo su manto, evoca a la « Virgen de la Misericordia », que aparece con frecuencia en la iconografía sagrada desde el siglo XIII. Su marido está de pie detrás, en una posición modesta atribuida a José en las imágenes de la Sagrada Familia . [14]
Las descripciones detalladas de Favre-Félix de 2007 de los diversos cambios en el rostro de la madre fueron publicadas en Le Journal des Arts en 2008 y 2009, y en Le Figaro en 2009. [14] Posteriormente, el Louvre realizó cambios adicionales secretos no revelados en el rostro, en un aparente intento de ocultar los errores, en septiembre de 2009, días antes de su exposición "Tiziano, Tintoretto, Veronés". [14] Estas alteraciones de 2009 no fueron reveladas ni anotadas en el archivo del historial de restauración de la pintura. [14] [12] Favre-Félix detectó los nuevos cambios no revelados y publicó un análisis extenso en la edición 2010-2011 de Nuances . [16] A finales de 2010, también escribió en la revista en línea ArtWatch UK : "La boca, que antes estaba desfigurada, ha sido desdibujada, no corregida. A la nariz se le ha dado una punta extraña y una nueva fosa nasal agrandada y desconcertante, mientras que la mejilla permanece hinchada. Esta sigue siendo otra versión alienígena del siglo XXI y, como tal, deshonra aún más la pintura de Veronese". [14]
En diciembre de 2010, Michael Daley, director de ArtWatch UK, proporcionó cuatro fotografías sucesivas del rostro de la madre en la pintura a The Observer y declaró que después de la restauración de 2004:
La antigua fosa nasal, suavemente curvada y orientada hacia abajo, ha sido borrada y reemplazada por una abertura superior de bordes increíblemente afilados que termina abruptamente. Esta nueva fosa nasal no es horizontal, no está inclinada hacia abajo y se conecta con una punta de nariz ahora borrosa y mutilada que se cierne desconectada sobre un vacío anatómico. La cabeza ha adquirido un aspecto más insulso, como un globo hinchado. No había evidencia ni autoridad para estos cambios en la fotografía del estado limpiado pero aún no restaurado. [12]
Daley dijo que la corrección encubierta de 2009 mostró un intento de deshacer algunos de los errores, pero se introdujeron otros: "La punta de la nariz ha sido girada hacia abajo una vez más, pero también ha sido afilada" y tiene una "fosa nasal grotescamente grande", y los labios se han vuelto "hinchados y sin forma". [12]
En el Museo de Bellas Artes de Dijon , adquirido en 1799, se encuentran dos cuadros que son copias –una de las dos niñas [17] y otra de los dos niños [18] – de los niños jugando con los dos perros en La cena de Emaús . [17] Los dos cuadros tienen fondos neutros que eliminan los rastros de otros personajes. Es posible que hayan sido pintados por François Stiémart (1680-1740), aunque esto es muy incierto. [17] [18]
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Más adelante, Veronese pintó otra Cena de Emaús , mucho más pequeña. En esta última pintura, además de los cuatro protagonistas, solo aparecen tres adultos periféricos, además de una niña en el suelo que sostiene un perro.
Esta pintura mide 66 × 79 cm (26 × 31 pulgadas), probablemente fue pintada alrededor de 1565-1570 y está en poder del Museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam , Países Bajos, que la adquirió en 1958. [19] Según el sitio web del museo, la pintura está almacenada. [19]