Bonnie Collura (nacida en 1970) es una artista estadounidense conocida por sus esculturas figurativas multimedia, textiles e instalaciones creadas mediante procesos de composición y muestreo. [1] [2] [3] Su arte oscila entre la abstracción y la figuración, mezclando la estética de la escultura barroca , la animación contemporánea y el acolchado con fragmentos icónicos de la cultura pop, la historia del arte y el mito. [4] [5] [6] Ha adoptado la teatralidad y el exceso, la intertextualidad y las influencias de la era digital en su trabajo, a menudo explorando cuerpos híbridos y desarticulados, personajes sustitutos y tropos literarios reconfigurados. [7] [8] [9] La crítica de escultura Ann Landi ha escrito: "Collura incorpora materiales y procesos muy diversos a la vez que recurre a una amplia gama de referencias: desde dibujos animados y películas como La guerra de las galaxias hasta textos intelectuales como El príncipe y Frankenstein ... Difusa y abierta, apelando a la narración y la creación de mundos, su obra sigue evolucionando, continuando una tradición feminista en sus materiales y mitologías". [2]
Collura ha expuesto en instituciones como el Walker Art Center , [10] [11] Smack Mellon , [12] Hallwalls , [13] y el Museo de Arte de Dallas . [14] Ha sido reconocida con una Beca Guggenheim [15] y premios de la Fundación para las Artes Contemporáneas [16] y el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich . [17] Su obra pertenece a las colecciones públicas del Museo de Arte de Dallas, [18] Skulpturen Park Köln (Parque de Esculturas de Colonia), [3] y el Walker Art Center, [19] entre otros.
Collura nació en 1970 en Port Jefferson, Nueva York . [20] Recibió una licenciatura en Bellas Artes (1994) de la Virginia Commonwealth University (VCU), donde estudió con los escultores Elizabeth King y Myron Helfgott. [2] Sus primeros trabajos en la VCU y la Universidad de Yale (MFA, 1996) fueron figurativos y examinaron críticamente los personajes de dibujos animados y cuentos de hadas de Disney como imágenes construidas. [21] [2]
Poco después de graduarse, Collura comenzó a exponer, ganando reconocimiento a través de exposiciones colectivas en Apex Art , [22] el Museo Aldrich, [23] [24] [17] y Thread Waxing Space, [25] y exposiciones individuales en Janice Guy (1997), Basilico Fine Arts (1998, 1999) y Lehmann Maupin (2000) en Nueva York, [26] [27] [5] el Museo de Arte de Dallas (1998) [28] y Walker Art Center (2000). [10] Posteriormente tuvo exposiciones individuales en Susan Inglett Gallery (2003, 2004), [29] [4] Claire Oliver Fine Arts (2006), [30] Smack Mellon (2019), [12] y Hallwalls (2022), [31] entre otras.
Collura surgió a finales de los años 1990 entre los artistas que respondían a cuestiones como la negación de la referencialidad y la narrativa por parte del modernismo , la sobrecarga de información posmoderna y el colapso de varias distinciones universales (por ejemplo, organismo y máquina, humano y animal). [7] [22] [32] Su trabajo a menudo ha sido descrito como "híbrido", encajando elementos físicos y conceptuales dispares, procesos, referencias y significantes en conjuntos incómodos. [13] [33] [7] Emplea elementos reconocibles de la estatuaria premodernista clásica (como poses y gestos expresivos), al tiempo que desafía esa tradición a través de técnicas de construcción no convencionales y fusiones de formas abstractas y orgánicas. [13] [5] [6] Su método ha sido descrito como una "baraja barajada" de imágenes y significados [33] que cruza siglos, inspiraciones estéticas (el barroco religioso y erótico de Bernini , la animación de Disney, lo grotesco ) y fuentes culturales (historias míticas, bíblicas y religiosas, películas clásicas de Hollywood). [2] [9] [1] [34]
Los críticos atribuyen a su obra una sensación de mutabilidad (a pesar de su forma generalmente fija) y dualidad que la vuelve vagamente familiar, pero iconoclasta y ajena. [9] [32] [13] El curador John Massier la describió como "figurativa-fluida" -en un estado temporalizado de cambio y devenir, con cambios de apariencia y significado basados en la perspectiva del espectador. [13] [22] Ella adopta un enfoque similar a la literatura, en un estilo deconstructivo posmoderno diseccionando y reensamblando tropos -que a menudo involucran amor, lealtad, género y el cuerpo con consecuencias letales- a través de una lente feminista contemporánea. [14] [2] [33] [28] A lo largo de su carrera, Collura ha complementado su trabajo con una cosmología elaborada, aunque hermética, a veces transmitida en dibujos, gráficos o textos. [35] [32] [36] [2]
En su primera exposición individual, "To the Third" (Janice Guy, 1997), Collura fusionó el mito del inframundo griego de Perséfone y la historia de Blancanieves en una ambiciosa instalación escultórica que explora el tema neopagano de la Triple Diosa (Doncella/Madre/Anciana). [8] [32] El cuadro de elementos figurativos y paisajísticos entrelazados, de aspecto casi derretido (fragmentos semiorgánicos envueltos, miembros gesticulantes y formas que se asemejan a accesorios teatrales, prototipos o restos de juegos infantiles) fue tallado a mano a partir de aislamiento de espuma y pintado suavemente en un esquema de colores similar a una caricatura. [32] [8] [37] Jan Avgikos de Artforum escribió que "aprovechó una vanguardia en la que los cómics, los dibujos animados y las películas se encuentran con modelos generados por computadora, animación y efectos especiales... una realidad virtual de mutabilidad: todo es familiar, completamente genérico y en constante transformación. Los personajes se fusionan entre sí, cruzando límites temporales y espaciales". [32]
En exposiciones posteriores, Collura amplió los métodos de ese trabajo. [38] Exhibió diez esculturas de varias partes en "From A to C and Back Again" (Basilico, 1998), que empleaba fragmentos rotos reensamblados en formas legibles y semilegibles, cubiertas de caramelo y múltiples narrativas no lineales. [33] [1] Sleeping Death (Martyr Yellow) (1997) revisó la transformación femenina, La beata Ludovica Albertoni de Bernini y el mito de la fertilidad de Perséfone, combinando la cabeza y el cuello de un ciervo joven y el torso y la cabeza de una mujer desmayada, similar a la Bella Durmiente, sobre un pedestal lleno de maíz. [39] [33] La exposición "Libertad" (Basilico, 1999) presentó dibujos de formas reconfiguradas construidas como guiones gráficos y esculturas igualmente cambiantes, como Modelo para la Libertad ( Dorothy Gale como Jesús ) (1999), que mezclaba elementos eróticos, naturales (un ciervo mudando sus astas) y religiosos (una corona de espinas). [9]
Entre 2000 y 2007, en exposiciones como "In the Gutter" (Lehmann Maupin, 2000) y "Rebel Angel" (Susan Inglett, 2003), Collura experimentó con esculturas cada vez más abstractas y monocromas. [5] [40] [4] [30] Fusionaron formas humanas y animales apenas reconocibles, ramas, ropajes clásicos y vestuario de la commedia dell'arte , aparentemente luchando por materializarse a partir de masas centrales amorfas (por ejemplo, Chain Reaction , 1999). [5] [41] [6] [4] Los críticos caracterizaron estas obras como representaciones "dramáticamente abyectas" [6] de éxtasis o angustia que sugerían almas atrapadas en el caos terrestre o ángeles expulsados a la corporeidad como monstruos y fenómenos retorcidos de la naturaleza. [4] [30] El crítico del New York Times , Holland Cotter , los comparó con "colisiones de varios vehículos... La escultura barroca, la animación de Disney y Las vidas de los santos de Butler parecen haberse encontrado a la velocidad de la fusión, dejando miembros sueltos y mitos mutilados que sobresalen de los escombros". [35] The Guardian (2003) retrató a una Madonna del siglo XXI con nariz de payaso y una mano en erupción, mientras que Death of a Virgin (2006–11) representó una figura destrozada, de orejas grandes, de espaldas sobre una masa vertical, como después de una gran caída. [29] [30]
Desde 2005, Collura ha trabajado en esculturas, textiles, performances, videos e instalaciones que forman The Prince Project . Consta de cuatro partes: "Dust", "Wicked", "Seven" y "White Light", y critica los patrones culturales que reciclan personajes icónicos, gestos y rasgos polarizadores en héroes masculinos. [42] [2] El proyecto se originó en el interés de Collura en construir una personalidad o un yo sustituto, al estilo de los mitos de Pigmalión , Galatea y Frankenstein ; sin embargo, como artista-creadora femenina, invierte las relaciones de género tradicionales de esas historias. [2] [42]
Las esculturas e instalaciones de la parte "Wicked" del proyecto trazan aproximadamente la evolución del personaje del Príncipe desde un Golem mítico (un ser hecho de materia inanimada como arcilla o barro) hasta su apoteosis como un ideal heroico construido a partir de aspectos de cuatro arquetipos masculinos: Jesús, San Sebastián , C-3PO y Abraham Lincoln . [43] [12] [2] Un hilo unificador entre esas cuatro figuras es que cada una sufrió una herida identificable asociada con el martirio y la fragilidad, agujeros que Collura ha reinterpretado como portales o aberturas vaginales que representan la energía potencialmente disruptiva de las mujeres. [2] [42]
Las figuras del Príncipe se remontan en la obra de Collura a Spiral (2005-6), una escultura vertical y arremolinada colgada del techo de una figura atrapada que es elevada hacia arriba por globos y arrastrada hacia abajo por perforaciones de flechas de aluminio, inspirada en San Sebastián, la noción de visión mística en la muerte y Mickey Mouse . [30] [44] Las obras "Seven" del Príncipe también se centran en la figura; sus siete tríadas figurativas tejen tropos que involucran vicios y virtudes (por ejemplo, la obra al aire libre, Doc/Pride/Humility , 2011, Ehrenbreitstein Fortress). Las figuras equilibran el caos y la compostura, cambiando ópticamente entre formas y estados de inquietud o devenir, dependiendo del punto de vista. [45] [46] [47]
En su trabajo posterior, Collura recurrió a menudo a construcciones de formas suaves hechas con telas y materiales encontrados que evocan una sensación de identidad en constante cambio. [13] [2] Los métodos de construcción cosidos de estas obras coinciden con los de sus esculturas sólidas (fundidas o moldeadas, conchas delgadas ajustadas o "fusionadas" entre sí), al tiempo que desafían la norma masculina de la forma figurativa estable. [12] [43] [2] La Armadura para Luz Blanca (2012-14), parte de un proyecto de video/instalación "Luz Blanca" más grande, era una escultura portátil de diez capas cosida como una armadura samurái en capas usando tiras de papel cortadas de dibujos aerografiados que ella hizo. [43] En su exposición de 2019, "Príncipe" (Smack Mellon), Collura emparejó cuatro esculturas sólidas de técnica mixta (una que representa a cada figura del Príncipe ) con cuatro contrapartes translúcidas correspondientes cosidas en organza de seda y suspendidas del techo como vainas o pieles mudadas. [12] [42] La crítica del New York Times Martha Schwendener los describió como "un trabajo complicado y antiheroico [que] rebaja el patriarcado a un nivel inferior". [12]
La exposición de Collura, Mutable Bodies (Hallwalls, 2022), yuxtapuso obras cosidas, fundidas y talladas (algunas, como Rebuke: Two Months Until Fifty , 2020, empleando los tres métodos) que compartían propiedades formales, formas y modos de expresión: por ejemplo, la obra textil Guardian Blue (2018), una maraña vertical de tela acolchada unida y reutilizada cuyas superficies brillantes y coloreadas desmentían su forma colgada y hastiada del mundo, y Matriarch/HeavyMetal/Jesus (2018), una escultura de plata sólida, ondulada y ascendente. [13] [31]
Collura ha sido profesora de arte en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Estatal de Pensilvania desde 2007. [48] [21] Antes de eso, enseñó en la Universidad Commonwealth de Virginia, la Escuela de Diseño de Rhode Island , la Escuela de Arte de Tyler , la Universidad de Yale y la Escuela de Diseño Parsons , entre otras. [21] [49] En 2021, fue reconocida por el Centro Internacional de Escultura con un Premio al Educador Destacado; [2] [48] [50] también ha recibido varias becas de investigación de la Universidad Estatal de Pensilvania. [21] [51]
En 2021-22, Penn State apoyó su proyecto transdisciplinario, "Together, Tacit", que permite a las personas con discapacidad visual y a las que tienen visión colaborar en esculturas inspiradas en cómo ambos grupos "ven" y aprenden haciendo. [21] El proyecto utiliza un guante háptico de realidad virtual que simula la escultura en el espacio virtual. Estas acciones se pueden traducir en marcas tridimensionales que se imprimen en 3D y se convierten en modelos tangibles que los participantes pueden fabricar en nuevas formas. [51]
En 2005, Collura recibió una beca Guggenheim. [15] También recibió una beca de la Fundación para las Artes Contemporáneas (2022), [16] una beca de MacDowell Colony (2010), [47] y un premio para artistas emergentes del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich (1999). [52]
Su obra pertenece a las colecciones públicas de la Colección Lambert (Francia), [53] Dallas Museum of Art, [18] Skulpturen Park Köln, [3] Kunstwegen (Alemania), [54] Walker Art Center, [19] y Weatherspoon Art Museum , entre otros.