Ayana M. Evans es una artista de performance y educadora afroamericana radicada en la ciudad de Nueva York y profesora adjunta de artes visuales en la Universidad de Nueva York y el Brooklyn College. También se desempeña como editora general de Cultbytes, una publicación de arte en línea. [1]
La formación profesional de Ayana Evans se centra en las formas de arte tradicionales, como la pintura, la escultura y el diseño de moda. Sus performances utilizan actividades cotidianas como cruzar la calle, cambiarse de ropa y hacer ejercicio para llamar la atención sobre su experiencia como mujer afroamericana. Ha actuado en las calles, museos y festivales de arte de Estados Unidos, Martinica y Ghana .
Ayana Evans creció en Chicago. Su madre y su padre, ambos terapeutas de salud conductual, eran de Alabama y Mississippi, respectivamente. [2] Obtuvo una maestría en Bellas Artes en pintura de la Tyler School of Art de la Universidad de Temple y una licenciatura en Artes Visuales de la Universidad de Brown . También asistió a la Skowhegan School of Painting and Sculpture y tiene un título asociado en Diseño de Accesorios del Fashion Institute of Technology .
Ayana Evans pasó de la moda y la pintura al arte de performance para desafiar a sus espectadores. "En el arte de performance [a diferencia de la moda], no te preocupas por el capitalismo. Puedes hacer la pintura más enojada, pero cuando la pones en la pared, alguien puede alejarse de ella. Pero, si eres un artista de performance, puedo insultarte en persona, puedo arrojarte una silla, y tienes que saltar", dijo a The Conversation. [3] Desde que hizo la transición, ha actuado en museos, galerías y festivales de arte de performance en los Estados Unidos y África, incluidos el Museo de Newark , el Museo de Queens , el Museo del Bronx , la Fundación Barnes , la Galería Medium Tings, [4] [5] Cuchifritos Gallery + Project Space, [6] NADA en Governor's Island, [7] Panoply Performance Lab, [8] y el festival Chale Wote de Ghana.
Entre sus actuaciones en directo se incluyen "Operation Catsuit", en la que camina por el centro de Manhattan vistiendo un mono con estampado de cebra verde neón y zapatos de tacón de aguja morados para medir las reacciones de los transeúntes, y "I Just Came Here to Find a Husband" [9] [10] [11] en la que se ata un cartel laminado con ese eslogan a la espalda mientras asiste a eventos públicos. "I Just Came Here to Find a Husband" requiere resistencia física y mental, que incluye caminar durante 2 a 4 horas, a menudo durante el calor del día, responder preguntas personales, escuchar consejos románticos, posar para fotos cuando se lo piden y explicar su práctica de actuación. [12]
En 2017, realizó "Throwing Hexes" como parte de la exposición "A Person of the Crowd" de la Fundación Barnes. [13] [14] También en 2017, realizó "African Body Snatchers" en el 7º Festival Anual de Arte Callejero Chale Wote en Accra, Ghana.
En 2020, durante la crisis sanitaria mundial de COVID-19, Evans actuó en línea como parte del Inverse Performance Festival, [15] "Performance-in-Place: 4 Bodies 1 Screen" en The 8th Floor, Wa Na Wari, [16] y Company Gallery, entre otros.
Ha sido invitada como conferenciante en Black Portraitures. [17]
Ayana Evans centra su trabajo en las historias íntimas de la feminidad negra, explorando los constructos sociales de su propia vida. Formada como pintora y en moda, la teoría del color, la textura y la moda influyen en su trabajo. A menudo, sus performances incorporan telas de colores brillantes, tiaras de plástico, tacones altos, maquillaje, alimentos y objetos encontrados para involucrar aún más a los espectadores y fundamentar su trabajo tanto en la cultura queer como en la popular. [2]
En 2012, Evans encontró el mono de cuerpo entero en la venta de muestras de Butch Diva de la diseñadora Tiffany Rhodes. Era una de las pocas prendas que le quedaban bien, por lo que se convirtió en su uniforme en la escena artística, su marca registrada. Evans dice que hay un aspecto en el hecho de que ella use el mono de cuerpo entero de color neón que tiene que ver con la autoaceptación y la confianza. [2]
Según Evans, "mi personaje de Operation Catsuit es yo siendo 100% yo. Mi esperanza es que esto anime a otros a ser 100% ellos mismos. Tanto dentro como fuera de la serie Operation Catsuit , a menudo realizo acciones durativas en solitario como saltos de tijera y patadas altas con tacones durante 2 o 3 horas en una galería con la cara llena de maquillaje o flexiones con tacones en una intersección. Estas acciones de performance están diseñadas para resaltar las repercusiones del racismo y la misoginia, así como el poder de una mujer que ocupa un espacio en formas que tradicionalmente están reservadas para los hombres heterosexuales cisgénero en los Estados Unidos". [21]
En 2019, fue invitada a presentar el proyecto en curso en la conferencia anual de la Asociación de Arte Universitario . [22]
Esta intervención de performance participativa y continua, que combina resistencia física y mental, consiste en que la artista lleva un cartel que dice: "Solo vine aquí para encontrar un marido". La pieza nació del anhelo de la artista de crear su propia familia y de la frustración de no poder encontrar un marido en 2015. [23] A través del humor para algunos y la incomodidad para otros, la pieza desenmascara las presiones sociales que sienten las mujeres en relación con la procreación y la pareja y, como señala un escritor de The Root , sirve como un comentario sobre la mirada masculina y femenina. [24]
Cofundado en 2014 por Ayana Evans, Esther Neff y Elizabeth Lamb, Social Health Performance Club se reúne como un colectivo de artistas para producir eventos, exposiciones y otros proyectos de arte público. SHPC se enmarca como actuaciones para trabajar a través de las relaciones sociales como procesos artísticos que requieren una crítica constante, un registro y una conversación en un espacio seguro. SHPC ha actuado en JACK, Abrons Arts Center , [25] ABC No Rio, Queens Museum , [26] y Gallery Sensei.
Ayana Evans coeditó Institution is a Verb: A Panoply Performance Lab Compilation , publicado por The Operating System, con Esther Neff, Tsedaye Makonnen y Elizabeth Lamb. Seph Rodney, redactor de Hyperallergic , elogió el libro como "un archivo histórico que relata cómo los artistas de PPL usaron ese espacio para descubrir sus poderes y aprender a escupir fuego". Sobre la importancia de la publicación, Martha Wilson comentó: "Es imperativo [documentar la práctica del arte efímero] si se quiere comprender y analizar la performance del arte visual contemporáneo en el futuro. El trabajo de Panoply Performance Laboratory, que presentó artistas de 2012 a 2018, se erige como una organización modelo, responsable de galvanizar a la comunidad a la que sirvió". [27]
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