To Our Children's Children's Children es el quinto álbum de Moody Blues , lanzado en noviembre de 1969.
El álbum fue el primero que se lanzó en el sello discográfico Threshold , recién formado por el grupo , que recibió su nombre del álbum anterior de la banda del mismo año, On the Threshold of a Dream . Se inspiró en el alunizaje de 1969. [2] El baterista Graeme Edge recuerda: "Fue una época muy emocionante. El hombre acababa de ir a la luna y pensamos en el álbum como una especie de cápsula del tiempo: todos nuestros pensamientos y sentimientos sobre vivir en una era que marcaría una época". [ 3] [4] El tecladista Mike Pinder añade: "Para mí, estábamos creando un cohete para cada persona que quiere ir a la luna pero no puede, y lo haría con los auriculares puestos o el estéreo a todo volumen, tumbados boca arriba sobre la alfombra". [3]
Al igual que los tres álbumes anteriores del grupo, To Our Children's Children's Children es un álbum conceptual con un tema común que une las canciones. Para Children , la banda se inspiró en la carrera espacial y el alunizaje del Apolo 11 en julio de 1969 , que ocurrió durante las sesiones del álbum. El tecladista Mike Pinder recuerda: "Estábamos viendo al hombre ir a la luna. En el estudio, lo estábamos viendo. Recuerdo a Neil Armstrong acomodándose. No estábamos en el estudio esa noche, pero recuerdo que eran como las 4 de la mañana y yo estaba en mi apartamento en Londres. Recuerdo esa parte. Pero el álbum giraba en torno a la misión a la luna y la aventura del hombre en el espacio. Este fue el comienzo de tal vez descubrir el verdadero legado del hombre". [5] Hayward recuerda que el productor Tony Clarke fue una fuerza impulsora detrás del concepto: " To Our Children's Children's Children ... fue realmente impulsado por Tony Clarke, nuestro productor. Era algo que realmente quería hacer, y me alegro de que pudiéramos compartirlo con él". [6] Explica: "Tenía una idea muy clara de hacer un álbum sobre el espacio; era astrónomo y seguía las estrellas. Construyó una cúpula en lo alto de su casa con grandes telescopios y, en realidad, ¡se aburría bastante con eso! Pero era un bebé suyo y su idea era intentar hacer coincidir el lanzamiento de un álbum (a nuestra manera pretenciosa habitual) con el aterrizaje del hombre en la Luna. Yo ya había escrito una canción llamada 'Watching and Waiting', que se hizo con un viejo órgano de tubos, y luego, para equilibrar eso, tuve la idea de 'Gypsy'. [7] Clarke confirma: "Tenía muchas ganas de que hiciéramos un álbum sobre el espacio y, en ese momento, estaba muy inmerso en ese tipo de cosas. Ésa era mi mentalidad y más bien lo empujé en esa dirección, así que todos capitularon". [3]
El bajista John Lodge recuerda que le dio forma al álbum preguntándose: "¿Cómo sería si fuéramos las personas en el cohete que se dirige al espacio... a la Luna, a Marte? ¿Qué pensaríamos? ¿Cuáles serían nuestros pensamientos? Y de eso trataba el álbum". [8] El álbum tiene el tema adicional del paso del tiempo. El baterista Graeme Edge explica: " To Our Children's Children fue como enterrado bajo una piedra para ser desenterrado en 200 años con una especie de sensación de cápsula del tiempo". [9] Continúa: "La idea detrás del álbum era imaginar que el disco había sido colocado bajo una piedra fundamental y no sería removido durante un par de cientos de años". [10]
El álbum, al igual que sus predecesores, comienza con un poema de Graeme Edge " Higher and Higher ", recitado por Mike Pinder. La introducción hablada está ambientada en una simulación musical del sonido del cohete Saturno V despegando. La banda tenía la intención de comenzar el álbum con el sonido real grabado del lanzamiento del cohete de la misión lunar, y se puso en contacto con la NASA , que proporcionó al grupo cintas. El sonido resultó insatisfactorio, lo que inspiró al grupo a grabar su propia interpretación en mellotrón e instrumentos de rock. Lodge recuerda: "De hecho, logramos que la NASA nos enviara una grabación del despegue real del cohete, pero cuando escuchamos la cinta sonaba como un petardo mojado. Tuvimos que empezar a crear nuestro propio sonido de cohete que terminó sonando más auténtico". [10] Pinder varía el tono de su entrega vocal en la pista, con su voz volviéndose más clara y fuerte a medida que avanza la canción. Para ayudar a lograr esto, se tapa la nariz y luego la relaja mientras recita los versos del poema. Recuerda: "Estuve tapándome la nariz hasta ese momento, y luego, cuando la 'mariposa estornuda', fue cuando me abrí". [5]
La grabación de "Higher and Higher" representó un momento creativo destacado en la producción del álbum. El ingeniero Derek Varnals recuerda cómo la banda recreó el efecto utilizando sólo instrumentos musicales en la pista: "El sonido retumbante de un cohete despegando era de varias capas de instrumentos. Teníamos amplificadores de guitarra muy altos sin ningún instrumento sonando. Puedes conseguir el sonido de un ruido blanco general rugiendo en un amplificador. Teníamos un órgano Hammond y motores Mellotron funcionando con micrófonos justo al lado de los motores. Teníamos tambores amortiguados que se redoblaban y tal vez un par de cosas electrónicas allí. Creo que teníamos el Hammond y el Mellotron subiendo gradualmente [la escala] para darte la idea de un crescendo. La idea es darte la impresión de que estás subiendo a la órbita, dejando el [booster] atrás, ya que todos hemos visto películas de la tercera etapa separándose y cayendo de vuelta a la tierra". [3] Pinder añade: "Eran muchos teclados tocando. Eran brazos cruzados sobre las teclas, empezando por un extremo y avanzando hacia el otro. Todos hacíamos este tipo de cosas. Éramos cinco tipos con sus instrumentos, soltándose. Me gustó lo que hicimos, en cuanto al sonido: el hecho de que realmente evocamos el sonido de un cohete despegando con nada más que instrumentos musicales. Definitivamente sentí una sensación de logro con eso". [3]
"Eyes of a Child" de Lodge cambia de estado de ánimo y comienza con los sonidos más relajados de Pinder tocando un arpa dorada de 2 metros y Ray Thomas tocando una flauta baja. [3] La canción considera los primeros momentos de la experiencia espacial después de que se completa el despegue. Considera el asombro que proporciona el viaje espacial y cómo sería la experiencia de ver los planetas y la Tierra desde una nueva perspectiva. Explica: "Realmente pensé que si estuvieras allí, ¿qué esperarías? ¿Qué verías si estuvieras en la nave espacial saliendo? Y de repente me di cuenta de que si subieras allí con todas las ideas preconcebidas y preprogramadas en tu mente, probablemente te perderías todo. Y entonces me di cuenta de que así es como funciona un niño". [8] Continúa: “Cuando miras la vida a través de los ojos de un niño, hay asombro, ¿no es así? Los niños ven el mundo de manera diferente. Hay maravillas todos los días: cuando ves volar una mariposa o cuando ves volar un pájaro o cuando ves cualquier cosa, es simplemente un mundo maravilloso para que lo vean los niños. Pensé que, a medida que nos hacemos mayores, nos volvemos prejuiciosos y si puedes deshacerte de cualquier prejuicio que tengas, simplemente verás el mundo con ingenuidad, sin ninguna restricción. Es maravilloso para todos poder ver todo en la vida sin ningún prejuicio”. [11]
El extravagante tema "Floating" del flautista Ray Thomas imagina un paseo en baja gravedad por la luna [10] antes de una repetición eléctrica de "Eyes of a Child". El baterista Graeme Edge comparte: "Mi tema favorito de To Our Children's Children's Children es 'Floating'. Como siempre, puedes contar con que Ray se ría un poco de manera irreverente justo cuando todos nos pavoneamos con demasiada pomposidad". [3]
"I Never Thought I'd Live to Be a Hundred" y su contraparte "I Never Thought I'd Live to Be a Million" tratan sobre el paso del tiempo y las experiencias y emociones de un largo viaje espacial. Hayward recuerda su composición: "Nunca pensé que tendría cien años y nunca pensé que tendría un millón. Era simplemente algo que pensé que debía estar ahí de alguna manera para darle cierta distancia, para agregar a la distancia que el álbum proporcionaba. Éramos un grupo que grababa de noche cuando el resto del mundo estaba en silencio, y todavía lo hago ahora. Escribo cuando soy la única persona en el mundo que está despierta, y así es como me gusta. Tener la oportunidad de poner esa dimensión en un disco de vez en cuando de manera tranquila es muy gratificante. Particularmente con esas dos pequeñas canciones, no creo que haya nada más en ellas, solo una guitarra y una voz". [6]
"Beyond" incluye secciones instrumentales interpretadas por Pinder en su mellotrón altamente personalizado, apodado "Pindertron". [¿ Por quién? ] La canción demuestra la capacidad del instrumento para producir sonidos distintivos además de notas orquestales y servir como pieza central de una pista en lugar de ser solo un instrumento de acompañamiento. [12] La canción usa el mellotrón y paneo estéreo para crear efectos de otro mundo con el fin de transmitir la experiencia de observar a los gigantes gaseosos mientras viajas más allá, inspirándose en Los planetas de Gustav Holst . [3] Tony Clarke recuerda el desafío: "Recuerdo que pensé, '¿Ahora cómo obtenemos el sonido de Saturno o Júpiter?'" La canción se le atribuye a Edge, aunque Clarke recuerda que fue obra de Pinder, creada como preludio de "Out and In". [13]
"Out and In" se inspira en la fascinación que Pinder ha sentido durante toda su vida por el espacio y el cielo nocturno. Explica: "Sigue siendo una de mis canciones favoritas. Fue escrita 'dentro de mí' y se inspira en las experiencias que tuve cuando era niño mirando el cielo nocturno". [3] En una entrevista de 2014, relata cómo pasaba horas mirando las estrellas cuando era niño y cómo su interés se acentuó tras un par de experiencias con ovnis. Su temprana pasión le valió el apodo de niño de "Mickey the Moonboy". [14]
Las canciones del lado dos exploran la emoción de los viajes espaciales y la aceptación del aislamiento y la pérdida de la conexión personal que implica un largo viaje en solitario. Comienza con el tema rockero " Gypsy (Of a Strange and Distant Time) ", que se convertiría en el tema de apertura de los shows del grupo en 1969 y 1970.
"Eternity Road" de Ray Thomas comienza con las palabras "Escucha, escucha, aquí viene". En una entrevista, explica que las frases se inspiraron en sus primeras experiencias de niño en un refugio antiaéreo durante la Segunda Guerra Mundial: "Nací en 1941 y durante la guerra me llevaron al refugio antiaéreo. Allí estaba nuestra familia y otras dos familias que eran nuestros vecinos. A veces, la Luftwaffe estaba sobre nosotros antes incluso de que sonaran las sirenas. Todas las noches mi abuela decía 'Escucha' y su amiga la Sra. Ackland, de al lado, decía 'Escucha'. La Sra. James, que vivía al otro lado, decía 'Aquí viene'. Así que se conocieron como 'Escucha', 'Escucha' y 'Aquí viene'. Así que eso se me quedó grabado en la cabeza y así fue como empecé "Eternity Road". [15] La letra "Girando, girando, rueda de Catalina / Siempre cambiando, no hay principio" hace referencia a una rueda de Catalina , un tipo de diseño de fuegos artificiales que gira. La canción presenta florituras de guitarra de estilo flamenco durante los crescendos.
La emotiva “Vela de la vida” de Lodge considera la soledad y al mismo tiempo aboga por la compasión.
Pinder analiza su lugar en el universo en "Sun Is Still Shining". Pinder explica que la letra de la canción "So if you want to play, stay right back on Earth, waiting for rebirth" (Así que si quieres jugar, quédate en la Tierra, esperando a renacer) tiene la intención de ser una llamada de atención. Uno puede despertar y permanecer centrado, o prestar atención a las distracciones mundanas. Lamenta que esto último haya prevalecido: "Ha llegado a representar la monotonía de la mediocridad en la vida de nuestra civilización. Toda esta grandeza [tecnológica] solo ha dado como resultado la sensación de lo mundano que prevalece". [3]
El álbum cerró con su único single, " Watching and Waiting ", cantado por Hayward y compuesto por él y Thomas. El grupo tenía grandes esperanzas en el éxito de la canción. Hayward recuerda: "La gente siempre me decía que necesitaba escribir otra canción para igualar 'Nights in White Satin'. Cuando se me ocurrió 'Watching and Waiting' pensé que era una de mis mejores canciones en ese momento, y todos estábamos seguros de que sería un éxito seguro. Cuando el single no se vendió, todos nos quedamos perplejos, aunque con el beneficio de la retrospectiva entiendo por qué no capturó la imaginación del público de la manera en que lo hizo 'Nights in White Satin'". [10] Hayward escribió la canción antes de la concepción del tema del álbum, e hizo modificaciones para alinearla con el tema de los viajes espaciales. Recuerda: "Para que encajara con el tema, lo cambié para que fuera, ya sabes, sobre un ser de un mundo perdido. Un mundo hermoso y solitario. Lo modifiqué para que no fuera una simple canción de amor, para darle esa dimensión por el bien del álbum. Probablemente lo hice mucho más oscuro de lo que necesitaba ser, pero aún así me conmueve, y no estoy seguro de poder explicar por qué. Siento cada palabra, invoca imágenes dentro de mí que encuentro particularmente conmovedoras. Tiene una dimensión espiritual, una dimensión casi religiosa". [7]
El álbum se grabó en gran parte en Decca Studio One en West Hampstead en mayo, junio y julio de 1969 con sobregrabaciones adicionales en agosto y la mezcla final en septiembre de 1969. [10] [3] Tony Clarke una vez más trabajó como productor con el ingeniero Derek Varnals. Según los registros de Varnals, las pistas de acompañamiento de las canciones "Gypsy", "Eyes of a Child" (I y II), "Sun is Still Shining", "Watching and Waiting", "Floating" y "Beyond" datan de mayo. "Candle of Life" se grabó en Wessex Sound Studios el 25 de junio. "Out in In" se grabó el 11 y 12 de julio y "Eternity Road", "Higher and Higher" y "I Never Thought I'd Live to Be a Hundred/Million" se grabaron del 29 al 31 de julio, todas en West Hampstead. Al igual que su predecesor, On the Threshold of a Dream , el álbum fue grabado en el nuevo equipo de grabación de 8 pistas Sculley de Decca. [3]
La cuidadosa producción, las capas de doblajes y la exuberante instrumentación hicieron que el álbum fuera difícil de reproducir en vivo en un concierto. Los Moody Blues solo pudieron tocar "Gypsy" en vivo en el momento de su lanzamiento, lo que llevó a una decisión creativa de reducir la producción de su siguiente álbum, A Question of Balance . Hayward reflexiona sobre la situación y recuerda la producción como "completamente oscura y egocéntrica... donde no podíamos tocar las canciones en el escenario; el doblaje era tan imposible, tan excesivo, y superpuesto". [16] Continúa: "Creo que To Our Children's Children's Children es el único álbum de los Moodies que no sonó en la radio. No saltó; fue suave, fue tranquilo. Todos fueron muy delicados con él y lo trataron con guantes de seda. La forma en que se masterizó fue silenciosa, y la forma en que se transfirió al disco fue delicada. Al final, terminó un poco perdido. "Watching and Waiting" —cuando escuchamos esa canción en su belleza de estudio, pensamos, "¡Esto es! Toda esa gente que nos había estado diciendo durante los últimos 3 o 4 años, "Probablemente haréis otro "Nights in White Satin" con ella", ¡no! Teníamos escalofríos en la columna vertebral, y ese tipo de cosas. Pero cuando salió y lo escuchaste en la radio, seguiste diciendo, "¡Sube el volumen! ¡Sube el volumen! Oh no, no va a funcionar". Así que no sucedió". [17] Pinder sugiere que la banda apuntó demasiado alto con la canción: "Esperábamos que un público amplio estuviera listo para una canción como esa. Por supuesto, no funcionó bien como single y esa fue nuestra decepción. Sin embargo, fue una de nuestras canciones más progresistas e intrincadas. Encarnaba mucho de lo bueno de ser un ser humano y vivir en este planeta, en este sistema solar, en este universo. ¿Cómo puedo decirlo? Era simplemente demasiada calidad. Era como un Rolls-Royce que era asequible para todos, pero todos estaban programados para pensar que nunca podrían tener un Rolls-Royce". [3]
La banda recuerda con cariño las sesiones, intensamente creativas y marcadas por un maravilloso sentido del trabajo en equipo. Según Clarke, "La intensidad era tremenda: la camaradería, la interacción, las dudas, la diversión y la exploración. Creo que eso se refleja en la música. Tengo buenos recuerdos de ese álbum". [3] Pinder añade que el álbum "todavía te eleva por encima del planeta. En cierto sentido, se adelantó a su tiempo, como lo fueron los alunizajes cuando los recuerdas ahora". [3]
La portada del álbum, desplegable, presenta ilustraciones de Phil Travers, quien creó las dos portadas anteriores del grupo. La portada del álbum refleja el tema del álbum como un disco perdurable que se descubriría siglos después como un artefacto. Muestra una pintura rupestre, pero con elementos anacrónicos, como un avión y un rifle. La funda interior muestra una imagen de la banda alrededor de una fogata en un planeta lejano. Hayward explica: "Fue el interior de la funda lo que realmente dijo algo. Estábamos representados reunidos alrededor de una fogata en una cueva con solo instrumentos musicales y una grabadora y afuera no había nada. No sé dónde estábamos, pero estábamos tratando de proyectar la idea de que estábamos en un planeta que no era la Tierra, en algún lugar que era una utopía para nosotros". [10]
En 1969, la banda fundó su propio sello, Threshold Records, bajo licencia de Decca Records. To Our Children's Children's Children fue el primero de sus álbumes que se publicó con su propio sello. Lodge recuerda la motivación del grupo para tener su propia compañía discográfica: "Queríamos tener nuestro propio sello, donde no tuviéramos que discutir sobre tener fundas plegables o encartes en nuestros álbumes. Veíamos tanto la música como el arte como un paquete completo y sentíamos que la publicidad y la promoción también deberían formar parte de este paquete". [18] Continúa: "Control artístico total. Sentó un precedente de exactamente lo que queríamos hacer con nuestra música. Todo tenía que ser correcto. Y no solo la música, no queríamos que nada pareciera una farsa o una exageración". [19] Lodge recuerda: "Llegamos a un punto en el que hacíamos cada vez más cosas nosotros mismos. Empezamos a trabajar en nuestros propios diseños para los paquetes. Y nos enganchábamos cada vez más, así que finalmente fuimos a verlos y les dijimos: '¿Qué tal si nos dan el paquete completo y ustedes solo lo distribuyen?' ¡Y dijeron que sí! En realidad no encajábamos en ninguno de los sellos. El grupo y Sir Edward pensamos colectivamente en tener nuestro propio sello dentro de Decca. De hecho, Graeme Edge y yo tuvimos una reunión con Mick Jagger para ver si podíamos empezar un sello juntos". [20] Tanto los Rolling Stones como los Moody Blues terminaron teniendo sus propios sellos dentro de Decca. Hayward recuerda que "el precedente fue Apple , los Beatles eran los líderes y todos tendían a hacer lo que hacían. Nuestra idea era un taller de artistas porque Decca estaba dispuesta a darnos tiempo de estudio y al final nos dieron un estudio. Nos dio control sobre nuestros propios masters y fundas, que era lo que realmente queríamos". [21]
El grupo promocionó el álbum a través de una serie de giras por Norteamérica y el Reino Unido. Uno de los momentos más destacados de la gira "Threshold Roadshow" de la banda por el Reino Unido fue una actuación el 12 de diciembre de 1969 en el Royal Albert Hall , que fue grabada profesionalmente. El concierto fue lanzado en 1977 en Caught Live + 5 y nuevamente como lanzamiento independiente en 2023. [22]
To Our Children's Children's Children fue bien recibido por la crítica y se vendió bien, alcanzando el número 2 en la lista de álbumes del Reino Unido [23] y el número 14 en los EE. UU., su mejor desempeño hasta esa fecha en ese país. [24] Si bien el sencillo lanzado a partir de él, " Watching and Waiting ", no tuvo buen desempeño, " Gypsy (Of a Strange and Distant Time) " se convirtió en un favorito de la radio rock orientada a los fanáticos y los álbumes , a pesar de nunca ser lanzado como sencillo, y permaneció en la lista de canciones de los conciertos de la banda hasta la década de 1970. El álbum fue mezclado y lanzado tanto en estéreo como en cuadrafónico .
El álbum jugó un papel en la diplomacia del ping-pong y fue el primer álbum de un grupo pop occidental que se tocó en China durante la era de Mao Zedong. En abril de 1971, el jugador de tenis de mesa inglés Trevor Taylor fue invitado a tocar en China como parte de la misión diplomática centrada en el deporte. [25] Compró una copia del disco en Singapur de camino al torneo en la China Roja e hizo que su intérprete lo tocara en público. Recuerda: "Al principio no estaban seguros; solo hay seis discos allí y todos son políticos". Era la primera vez que el público escuchaba música popular occidental, sin exposición a Elvis Presley o The Beatles. [26]
El álbum fue uno de los escuchados, en cinta de casete , por la tripulación del Apolo 15 en 1971. [27]
Fuentes: [28]