El ánfora de Dipylon (también conocida como Atenas 804) es un gran jarrón pintado de la Antigua Grecia , realizado alrededor del 760-750 a. C., y que ahora se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas . Descubierto en el cementerio de Dipylon, este recipiente estilístico que pertenece al período geométrico se atribuye a un artista desconocido: el Maestro de Dipylon. El ánfora está cubierta completamente de patrones ornamentales y geométricos , así como figuras humanas y motivos llenos de animales. También es estructuralmente precisa, ya que es tan alta como ancha. Estas decoraciones utilizan cada centímetro de espacio y están pintadas utilizando la técnica de figuras negras para crear las formas silueteadas. La inspiración para el jarrón griego no solo derivó de su propósito previsto como recipiente funerario , sino también de restos artísticos de la civilización micénica antes de su colapso alrededor de 1100 a. C. El ánfora Dipylon simboliza el fallecimiento de una mujer aristocrática, que se ilustra junto con la procesión de su funeral, compuesta por familiares y amigos de luto situados a lo largo del vientre del jarrón. La nobleza y el estatus de la mujer se enfatizan aún más mediante la plétora de detalles y animales caracterizados, todos los cuales permanecen en bandas que rodean el cuello y el vientre del ánfora.
El ánfora de Dipylon fue encontrada intacta en una tumba aristocrática en el cementerio de Dipylon, cerca de la Puerta de Dipylon , en Kerameikos , el antiguo barrio de los alfareros en el lado noroeste de la antigua ciudad de Atenas . [1] El cementerio se conoce como tal, ya que estaba ubicado cerca del Dipylon , o "puerta doble", que también era la puerta de la ciudad. [2]
Se trata de uno de los 50 ejemplos que existen entre las tumbas de Dipylon atribuidas a un artista desconocido que recibió el nombre de "el Maestro de Dipylon ". También conocido como el Pintor de Dipylon, el Maestro de Dipylon es uno de los primeros artistas griegos identificables individualmente, que se especializó no solo en grandes jarrones funerarios, sino también en jarras, cuencos de borde alto, jarras y enocóaos gigantes y de tamaño estándar . [3] Por lo tanto, este artista recibió su nombre por su supuesto trabajo en muchas piezas estilizadas encontradas dentro de estas tumbas que han sido atribuidas al mismo creador y taller por varios historiadores. [3]
Las principales características de las obras del Pintor de Dipylon incluyen figuras humanas características donde se utilizan formas geométricas incluyendo torsos triangulares que se estrechan en la cintura, pechos de contorno cóncavo, barbillas prominentes y patas de avispa que son más delgadas hacia los pies. [3] Estas figuras están silueteadas, así como los motivos animales , y todas están colocadas deliberadamente para que no se superpongan entre sí, enfatizando el tema del patrón del pintor. [4]
El ánfora fue hecha en un torno de alfarero en tres secciones que se unieron para formar un solo recipiente grande, de más de cinco pies de alto (1,55 m). La construcción del artista tenía la intención de adaptarse a las proporciones específicas de tener la misma altura y ancho, y poseer un cuello que es la mitad de la longitud del cuerpo. [5] La base tiene un agujero para permitir que se viertan libaciones para los muertos, y tiene pequeñas asas en los hombros del cuerpo ovoide.
El supuesto propósito de la forma del ánfora Dipylon se deriva potencialmente del uso que el artista le dio a la composición para los registros decorados de la pieza. Un especialista en cerámica antigua, el Dr. Thomas Mannack, indica que el estilo del período geométrico derivó ciertos aspectos del protogeométrico y entrelazó nuevas características, de ahí las bandas separadas en el cuello y el cuerpo de la cerámica. Los patrones geométricos son los que definen el estilo, con una variedad de formas dentro y alrededor de los frisos : incluyendo almenas, círculos concéntricos , meandros y patrones clave . [6] La totalidad del vaso, excluyendo el friso principal, está ornamentada con patrones equilibrados con precisión que utilizan pigmentos claros y oscuros ; múltiples estudiosos han propuesto que estas formas decorativas, incluidos los meandros, son la invención del mismísimo Maestro Dipylon. [7]
El vientre del vaso entre las asas no es solo la sección más ancha, sino estructuralmente la más delicada ya que la arcilla es la más delgada en ancho en ese punto, lo que dicta además que el friso dentro de ese formato es el aspecto visual más importante de la escena. [8] Un panel rectangular entre las asas en un lado representa una escena de prótesis , el reposo de una mujer muerta envuelta en un féretro , con un sudario a cuadros sobre el cuerpo y dolientes estilizados a cada lado. Hay treinta y nueve figuras humanas en total, tanto hombres como mujeres, en la zona del asa de la pieza. Colocadas debajo de cada asa hay seis figuras, con ocho más en el panel posterior, y un gran grupo de diecinueve personas representadas en el friso frontal. [9] El cuello alto y cilíndrico incluye bandas de ciervos y cabras estilizados repetidos. Las cabras, en particular, se muestran con las patas metidas debajo y las cabezas giradas hacia atrás sobre sí mismas, casi como para simular los meandros a lo largo del ánfora. [9]
Los antiguos griegos se inspiraron en gran medida en las culturas de las regiones circundantes, pero el cambio de poder político y social probablemente influyó en la adopción de referencias artísticas hacia el estilo geométrico. Con el colapso de la cultura micénica , se cortó el contacto con los imperios orientales circundantes altamente desarrollados a los que los griegos recurrían en busca de arte e innovación. Como resultado, se supone que muchos artistas se vieron obligados a volver a las formas de arte de raíz griega. La cestería y el tejido fueron solo algunas de las artesanías posiblemente utilizadas para representar motivos visuales en la pintura de vasos geométricos. [10] Se pensó que este tipo de artesanías fueron integradas por primera vez por el Maestro Dipylon dentro del estilo geométrico, [8] y también explicaría por qué sus obras se encuentran entre algunas de las primeras escenas figurativas discernidas en vasos griegos desde la caída de la civilización micénica. [2]
El ánfora de Dipylon ilustra las prácticas funerarias de la población adinerada de Atenas, lo que se demuestra por su ubicación en el cementerio aristocrático. [4] Estas cráteras y ánforas se colocaban en posición vertical sobre las tumbas como marcadores y posiblemente funcionaban como canales de libación , como postuló RM Cook. [4] Alternativamente, Jeffery M. Hurwit sugiere que el vaso no solo recibía ofrendas, sino que servía principalmente como una pieza conmemorativa; simbolizaba el monumento conmemorativo de la noble y significaba su tumba. [11] Los atenienses en siglos anteriores incineraban a los muertos y colocaban sus cenizas en los recipientes designados adecuadamente. Sin embargo, esto cambió cuando las inhumaciones resurgieron en la práctica religiosa y la cultura griegas; y como resultado, los restos se colocaron debajo de las ánforas y cráteras, lo que se significa por los hallazgos cerca y debajo del ánfora de Dipylon. [5]
El tamaño de este monumento funerario enfatiza el estatus aparentemente elitista de la fallecida, que también se presume que es una mujer, debido a los jarrones que comúnmente indican el género: cráteras para hombres y ánforas para mujeres. [1] Hay más evidencia en las tumbas del cementerio de Dipylon que contienen artículos de mujeres ricas que indicaban su estatus; estos artefactos fueron descubiertos entre y dentro de las ánforas con asas de panza grande. [12] Las ánforas pintadas de este tamaño se hicieron como marcadores de tumbas . Se presume que el jarrón fue creado únicamente para la mujer muerta representada en el friso.
En el friso, el cuerpo de la mujer se muestra tendido sobre un féretro ; sobre ella se representa un sudario a cuadros que la cubre por completo desde la parte superior de la cabeza hasta los pies. [13] Curiosamente, el paño mortuorio se curva alrededor de la difunta para proporcionar claridad a la audiencia de la pieza para que puedan reconocer la dedicación de este individuo. [4] Las figuras cercanas que rodean a la noble probablemente sean amigos y familiares afligidos; todos los miembros del funeral se muestran mostrando un gesto simbólico de intenso dolor en el que las manos se elevan hacia la cabeza.
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