Prism (con el estilo de Prism ) es una ópera de 2018 de Ellen Reid que explora la experiencia de estrés postraumático después de una agresión sexual. Reid recibió el Premio Pulitzer de Música 2019 por su trabajo en la ópera. [1]
Ellen Reid comenzó a componer Prism en 2015 junto con la libretista Roxie Perkins. Reid y Perkins, ambas sobrevivientes de agresión sexual, comenzaron a trabajar en la ópera como una forma de ayudar a superar su propio trauma. "Comenzamos a trabajar en la pieza hace unos cinco años, antes del movimiento #MeToo , antes de que hubiera una especie de cambio en la forma de pensar sobre lo que significaba ser una sobreviviente. Y nos pareció realmente importante", dijo Reid en una entrevista con NPR el 15 de abril de 2019. [2] La ópera requirió un total de 4 años de agotadora autorreflexión para representar con precisión el impacto emocional del abuso sexual y emocional.
A pesar de haber sido escrita antes de que el movimiento #MeToo arrasara en Internet, esta ópera caleidoscópica adquirió mayor importancia como resultado del movimiento, que buscaba crear conciencia sobre la prevalencia del acoso y la agresión sexual en la sociedad y ayudar a las sobrevivientes a comunicarse entre sí para comprender mutuamente sus experiencias. A medida que más y más sobrevivientes hablaban de sus experiencias, la ópera se volvió más importante para Reid. Cuando se le preguntó sobre la conexión de la pieza con el movimiento en una entrevista con San Francisco Classical Voice el 17 de noviembre de 2018, dijo: "Escribíamos y se nos ocurrían ideas que creíamos que harían que la historia fuera más emocionante. Luego decidíamos cortarlas porque eran demasiado intensas. ¡Luego, casi exactamente lo mismo que habíamos escrito aparecía en las noticias! La idea de que la vida reflejara el arte realmente sucedió con esta pieza". A pesar de los paralelismos con la vida real, estas representaciones gráficas nunca se agregaron a la actuación, ya que Reid buscó representar las formas más sutiles e invisibles en las que los sobrevivientes se ven afectados por el evento. Al ahondar en los efectos más sutiles del trauma sexual en la psique humana, la obra ofrece al público la oportunidad de experimentar íntimamente lo que es experimentar y enfrentar las consecuencias de la violencia sexual de maneras que solo podrían articularse a través de paisajes sonoros intensamente ricos y una coreografía impactante. [3] [4]
Prism se presentó en un estreno continuo en la iniciativa Off Grand de la Ópera de Los Ángeles en noviembre de 2018 y en el Festival Prototype en enero de 2019. La ópera fue recibida inmediatamente con elogios. Simon Williams, uno de los críticos que asistió al estreno, describió la pieza como una "embriagadora mezcla teatral que dejó al público a la vez entusiasmado y confundido". Mark Swed escribió sobre ella en el LA Times: "También se necesita un cierto coraje para pedirle a un compositor que le dé mucha importancia a la palabra 'sorber'. Sin embargo, Reid le da mucha importancia a eso y a todo lo demás. Su fabuloso sorbido no se parece a nada que hayas escuchado antes. Sus líneas vocales tienen una calidad lírica inherente que trasciende incluso los arrebatos emocionales más horrendos o el ritmo disco del club. Los estilos musicales son innumerables, pero este es el trabajo de una voz reconocible". [5] Catherine Womack escribió en I Care if You Listen: " Prism trata, sobre todo, del poder que surge de elegir sobrevivir. A través de una música ecléctica y de una creatividad infinita, Reid nos lleva a un lugar difuso donde los recuerdos reprimidos y la realidad se difuminan. No siempre es un espacio fácil en el que sentarse, pero es uno que se queda, permaneciendo en los oídos y las mentes durante días como la niebla. Sirve como recordatorio de que cuando las mujeres cuentan sus propias historias, cuando la complejidad de la experiencia interna de una víctima se desarrolla por completo, el resultado puede ser poderoso". [6] Además de los grandes elogios de los críticos, Prism recibió el Premio Pulitzer de Música en 2019.
El estreno mundial de Prism tuvo lugar en REDCAT , Los Ángeles , California , el 29 de noviembre de 2018, encargado por Beth Morrison Projects .[1] Luego se estrenó en Nueva York en el Prototype Festival . " Prism " hizo su debut internacional en São Paulo , Brasil, en agosto/septiembre de 2019.
Encerradas en una habitación estéril, Bibi, una niña enferma, y su cariñosa madre Lumee son las únicas protectoras de lo desconocido. Cuando una misteriosa enfermedad que acecha fuera de su puerta deja a Bibi incapaz de caminar, su curiosidad juvenil comienza a arder y ya no puede ignorar una seductora existencia externa. Prism , de Ellen Reid y Roxie Perkins, es una obra de teatro operístico inquietante y caleidoscópica que recorre la elasticidad de la memoria después de un trauma. La música de la compositora Ellen Reid estalla con color, utilizando la manipulación coral y orquestal para ofrecer un mundo sonoro inquietantemente distinto. [8]
El primer acto, titulado "El santuario como debería ser", utiliza un paisaje sonoro onírico. Bibi está encerrada en una habitación con su madre, Lumee, que está demasiado preocupada y es su cuidadora. La puesta en escena de esta escena se basa en una habitación cerrada en el escenario, que representa el espacio estrecho y cerrado donde se mantiene a Bibi. Dentro de la caja hay una luz suave y amarilla que representa la "seguridad" del santuario. Este paisaje sonoro, que Reid describe como "onírico e impresionista", presenta duetos líricos entre Bibi y Lumee, y los trajes (vestidos blancos sueltos) dejan una impresión inquietante de que las cosas son demasiado buenas para ser verdad. Bibi no puede (o se niega a) caminar, ya que tiene las piernas magulladas hasta el punto de que no puede mantenerse en pie. Parece tímida, frágil, indefensa y demasiado dependiente del cuidado de su madre. Lumee se obsesiona con Bibi, juega con ella, le da medicamentos y hace todo lo que está en su poder para asegurarse de que su hija esté bien. Aunque la música es hermosa, el coro, representado en parte por una luz azul, le da un tono un tanto siniestro, la más sutil insinuación de que algo no está bien. Llama a Bibi, invitándola a abandonar el santuario. Se presta a preguntas: ¿Bibi está realmente enferma? ¿Lumee es en realidad una cuidadora, o está fingiendo desesperadamente que todo está bien? El público debe considerar estas cuestiones durante el intermedio. [6]
El segundo acto, titulado "El santuario tal como era", tiene lugar fuera del cubo, en un ambiente tipo club con música de club extremadamente agresiva, instrumentos llevados al extremo de su rango para atenuar la dureza de su sonido. De repente nos transportamos atrás en el tiempo a recuerdos fragmentados del pasado de Bibi y Lumee. El paisaje sonoro se vuelve más moderno y tecno, un contraste drástico con la música impresionista del primer acto. Se utiliza una iluminación estroboscópica para crear un ambiente repentinamente desorientador, dejando que el público reconstruya a través de la dura iluminación lo que se desarrolla frente a ellos. En esta escena, Bibi está sola, fascinada por el entorno lleno de sensaciones. El público obtiene una nueva perspectiva de Lumee: una mujer grosera y egoísta. Una luz azul se proyecta sobre Bibi mientras los bailarines la levantan y se la llevan. De manera abstracta, a través de una música y una coreografía duras, el público se da cuenta de que Lumee abandonó a Bibi en el club y que Bibi fue violada. Aunque no se muestra violencia en el escenario, está claro que se está representando una tragedia. Para representar los recuerdos inconexos y reconstruidos que los sobrevivientes a menudo tienen de sus agresiones, el libreto se centra vívidamente en detalles menores, como el coletero que Bibi perdió en medio de la agresión. [6]
El tercer acto, titulado "El santuario tal como es", vuelve al cubo, pero muestra una realidad significativamente diferente a la que se presentó inicialmente en el primer acto. En lugar de una habitación impecable llena de tela blanca, el público se encuentra con una habitación abarrotada de basura y trapos. El público aprende definitivamente que la realidad en el primer acto es meramente una invención, y la realidad es que ambas mujeres están traumatizadas, abandonadas con una existencia trágica. Lumee está desesperada por olvidar, por hacer que su hija olvide, por enmendar el daño arrojando la realidad debajo de la alfombra. El coro comienza a tener un mayor significado para Bibi; aprendemos que el coro representa la necesidad de enfrentar la realidad de lo que sucedió de frente. Aprendemos que todo el tiempo Bibi quiere recordar los eventos, abrazarlos y sanarlos de verdad. Para escapar, debe correr del santuario y salir al mundo. A pesar de enviar a la audiencia a un viaje emocional desgarrador, Prism termina con el mensaje más conmovedor y empoderador: que al aceptar la verdad, al hablar sobre sus experiencias, es posible sanar del abuso sexual y emocional. [9] [6]
La ópera está orquestada para una orquesta de cámara de 14 piezas, compuesta por cuerdas , arpa , piano , flauta , clarinete bajo , trompa , percusión (incluyendo vibráfono , flexatone y un SPD-SX Sampling Pad) y un coro de 12. [10]
Mark Swed del Los Angeles Times elogió a Reid, diciendo que "ella evoca un mundo propio a través de una orquesta de cámara de cuerdas, percusión brillante, arpa, piano, flauta, clarinete bajo y trompa que se convierte en una creadora de asombro, misterio, suspenso, miedo y gloria... las melodías son infinitas y se transforman inventivamente, la presión atmosférica siempre cambia". [11] Swed también elogió a las cantantes Anna Schubert (Bibi) y Rebecca Jo Loeb (Lumee) afirmando que ambas son "cantantes fuertes y fuerzas teatrales con las que hay que luchar". [11]
Jim Farber, en su reseña para San Francisco Classical Voice, dijo que "la ópera transita una delgada línea entre la abstracción poética y la realidad desgarradora... es la excepcional partitura de Reid con su amplia gama de vocabularios musicales y el poder dramático de las interpretaciones de Loeb y Schubert lo que le da a Prism su abrumador poder". [12] Farber también elogió a Reid por pasar libremente de "melodías altísimas y ricas armonías corales a una disonancia abrasiva acentuada por el trino de las cuerdas de col legno y los efectos electrónicos pregrabados". [12] También quedó impresionado con la dirección de James Darrah, afirmando que "combinó la confrontación y el realismo doloroso con la abstracción poética". [12]
