Laura Aguilar (26 de octubre de 1959 - 25 de abril de 2018) fue una fotógrafa estadounidense. Nació con dislexia auditiva y atribuyó su inicio en la fotografía a su hermano, quien le mostró cómo revelar en cuartos oscuros . [1] Fue mayormente autodidacta, aunque tomó algunos cursos de fotografía en East Los Angeles College , donde se realizó su segunda exposición individual, Laura Aguilar: Show and Tell . [2] Aguilar usó el arte visual para sacar a la luz identidades marginadas, especialmente dentro de la escena queer de Los Ángeles y las comunidades latinas. Antes de que el término interseccionalidad se usara comúnmente, Aguilar capturó las identidades en gran parte invisibles de personas de gran tamaño, queer, de clase trabajadora y de color en forma de retratos. A menudo usando su cuerpo desnudo como sujeto, usó la fotografía para empoderarse a sí misma y sus luchas internas para reclamar su propia identidad como "Laura": una persona lesbiana, gorda, discapacitada y de color. [3] Aunque el trabajo sobre chicana/os es limitado, Aguilar se ha convertido en una figura esencial en la historia del arte chicano y a menudo se la considera una "pionera del feminismo interseccional" por su trabajo directo y sin censura. [4] Algunas de sus obras más conocidas son Three Eagles Flying, The Plush Pony Series y Nature Self Portraits. Aguilar se ha destacado por su colaboración con académicos culturales como Yvonne Yarbo-Berjano y por recibir inspiración de otros artistas como Judy Dater. [5] Era muy conocida por sus retratos, principalmente de ella misma, y también se centraba en personas de comunidades marginadas, incluidos sujetos LGBT y latinos , el amor propio y el estigma social de la obesidad .
Aguilar era hija de un padre mexicano-estadounidense de primera generación. Su madre es de ascendencia mixta mexicana e irlandesa. [1] Tenía dislexia auditiva y desarrolló un interés temprano por la fotografía como medio. [1] Asistió a la escuela secundaria Schurr en Montebello, California . En 1987, durante una clase de fotografía de la escuela secundaria, conoció a Gil Cuadros , un poeta mexicano-estadounidense a quien le diagnosticaron SIDA . [6] Cuadros acompañaba a Aguilar al centro de Los Ángeles para tomar fotografías.
Aguilar comenzó a trabajar como fotógrafa en la década de 1980. [7] Fue principalmente autodidacta, aunque estudió durante un tiempo en el East Los Angeles Community College y participó en The Friends of Photography Workshop y Santa Fe Photographic Workshop. [8]
Aguilar trabajó principalmente en el género del retrato. Su obra se centra en la forma humana [1] y desafía las construcciones sociales contemporáneas de belleza, centrándose en las lesbianas latinas, las personas negras y las personas obesas. [9] Según los críticos, a menudo utilizó el autorretrato para llegar a un acuerdo con su propio cuerpo mientras desafiaba las normas sociales de sexualidad, clase, género y raza. [10] [11] En su serie Stillness (1996-99), Motion (1999) y Center (2001), según los críticos, fusionó el retrato con los géneros del paisaje y la naturaleza muerta. [1] Aguilar afirmó que su objetivo artístico era "crear imágenes fotográficas que reflejaran con compasión la experiencia humana, revelada a través de las vidas de individuos en las comunidades lesbianas/gay y/o personas de color". [12]
Las obras de Aguilar han aparecido en más de 50 exposiciones nacionales e internacionales, [13] incluyendo la Bienal de Venecia de 1993 , Italia; la Galería del Puente del Ayuntamiento de Los Ángeles , las Exposiciones Contemporáneas de Los Ángeles (LACE), el Centro de Fotografía de Los Ángeles, la Galería del Centro de Mujeres de la Universidad de California en Santa Bárbara , [14] [15] y la exhibición de Artpace Visibilities: Intrepid Women of Artpace . [16] [17] Recibió en 2000 un premio Anonymous Was A Woman y el premio James D. Phelan en fotografía en 1995. [18]
Tuvo su primera retrospectiva en el Vincent Price Art Museum en East Los Angeles College como parte de la serie de exposiciones Pacific Standard Time LA/LA en 2017-18. [19] La exposición también hizo escala en Miami, Florida, en el Frost Art Museum y en el Museo Nacional de Arte Mexicano en Chicago, Illinois . [20] Se inauguró en el Leslie-Lohman Museum of Art en Nueva York en la primavera de 2021. [21]
En 2024, la obra de Aguilar se incluyó en Xican-aox Body , una exposición grupal integral que narra historias sobre la experiencia de Chicago y las historias del arte, que abarca obras desde la década de 1960 hasta la actualidad y muestra una gran variedad de lenguajes artísticos. La muestra viajó desde el Cheech Marin Center for Chicano Art & Culture en el Riverside Art Museum , California, hasta el Pérez Art Museum Miami , Florida. The University of Chicago Press publicó una publicación complementaria. [22] [23]
Aguilar murió por complicaciones de la diabetes en un asilo de ancianos de Long Beach, California , Colonial Care Center, a la edad de 58 años. [24]
Su obra se conserva en varias colecciones públicas, incluidas las del Instituto Kinsey de Investigación sobre Sexo, Género y Reproducción , Universidad de Indiana, Bloomington ; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; el Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles; el Museo Whitney de Arte Estadounidense, Ciudad de Nueva York; y el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo, Ciudad de Nueva York. [25] [26] [27]
Desnudos y autorretratos Gran parte del trabajo de Aguilar es autorretratos al desnudo, estas series incluyen Stillness, Window (Nikki on My Mind), Motion [28] , Grounded , [29] Center [30] y Nature Self-Portraits [31].
Gran parte de la obra de Aguilar utiliza la forma femenina desnuda fusionada con diferentes paisajes. Algunas de sus piezas más notables, como Nature Self-Portraits, Grounded y Center, "fusionan" cuerpos femeninos en paisajes desérticos como "una parte integral del ecosistema". [32] [33] En 1996, Aguilar y su colega fotógrafa, Delilah Montoya, crearon la serie de desnudos en la naturaleza titulada Nature Self-Portraits "en un viaje por carretera a través de Nuevo México", donde Aguilar se encontró expandiendo los límites de su arte. [34] No solo los sujetos estaban desnudos, sino que eran cuerpos grandes y morenos, cuerpos que los historiadores del arte afirman que "nunca habrían sido incluidos en la fotografía modernista". [4] Los sujetos reflejaban la forma de las rocas, los árboles y el agua, haciendo que su cuerpo fuera parte de la tierra. [3] A través de la "proyección de su cuerpo", Aguilar obliga a los espectadores a reconocerla y rechaza los "parámetros de lo que se acepta como... normal, atractivo" y "atractivo". [35] [32] Al situarse en primera línea de la naturaleza, se le pide al espectador que vea su cuerpo por su belleza fuera de los estándares convencionales. Los académicos sostienen que Aguilar "desafía la idea del desnudo femenino, uno de los géneros más importantes del arte occidental" al utilizar cuerpos atípicos. [4] El desierto, específicamente el Valle de San Gabriel, representó una tierra natal para Aguilar, quien afirmó: "Mi madre creció aquí... mi abuela creció aquí, este era mi patio de juegos". [3] La autoaceptación de Aguilar en la naturaleza surgió de su sentido de conexión con la tierra. La curadora Pilar Thompkins Rivas reflexionó sobre la relación entre Aguilar y el aire libre, afirmando que "sentir el sol en su cuerpo era importante para ella... porque no tenía mucho contacto en su vida". [36] Esta interacción entre sujeto y paisaje abre un contexto diferente y una "nueva subjetividad" para que los chicanos sean representados. [37]
Serie Vestidos/Desnudos (1990-1994) [38] Serie de dípticos que representan una variedad de temas, incluidas personas de las comunidades LGBT, heterosexuales, latinas y negras. La primera fotografía muestra a los sujetos vestidos y la segunda desnudos.
En la habitación de Sandy de 1989 hay un autorretrato. [39] Muestra a Laura recostada en una silla frente a una ventana abierta.
Three Eagles Flying 1990 es un tríptico . [40] En el centro, Aguilar está atada con cuerdas con la bandera mexicana envuelta alrededor de su cabeza y la bandera estadounidense envuelta alrededor de sus caderas. El águila de la bandera mexicana cubre su rostro. [41] El panel a su izquierda es una foto de la bandera mexicana y a su derecha está la bandera estadounidense.
Latina Lesbian Series 1986-1990 [42] es una serie de retratos en blanco y negro de mujeres lesbianas, en su mayoría encargados por Yolanda Retter y patrocinados por Connexxus. [43] Debajo de cada retrato hay notas escritas a mano de las mujeres que aparecen en las fotografías.
La serie Plush Pony de 1992 es el intento de Aguilar de mostrar todos los aspectos de la comunidad lésbica latina. Aguilar se instaló en el bar lésbico The Plush Pony del este de Los Ángeles y tomó fotografías de los clientes creando una serie de retratos en blanco y negro de la comunidad de clase trabajadora baja. [13] [44]
Aguilar se enfocó en sí misma después de documentar la comunidad en la que se encontraba: la escena queer latina en el este de Los Ángeles. Fue a principios de la década de 1990 cuando Aguilar tomó retratos en blanco y negro en un "bar de lesbianas en el barrio de El Sereno en Los Ángeles" llamado Plush Pony. [45] La serie se creó en un "estudio incorporado" en el bar que mostraba una "gama de parejas butch/femme, hombres gay, cuerpos de género queer y combinaciones de los mismos" que conformaban la comunidad queer e inmigrante de Los Ángeles. [45]
Aguilar era introvertida y tenía dificultades para reclutar sujetos, afirmando: "Al principio estaba nerviosa por hablar con las mujeres del bar. Parecían duras", pero su cámara la ayudó a superar esto y conectarse con la escena social. [45] Aguilar comenta que "usó [su] cámara como una forma de acercarse a la gente y como una forma de superar mi vacilación", lo que resultó en amistades de por vida entre ella y sus sujetos. [45] Este trabajo se diferenciaba del archivo fotográfico moreno y queer de la época porque la relación entre artistas y sujeto era borrosa. Aguilar no estaba documentando a personas marginadas, sino que estaba capturando la vida de su comunidad. Desde esta perspectiva, Aguilar captura las diversas composiciones de "placer, comunidad y amistad" a través de la lente del género, la raza, la sexualidad y la clase. [45] Al igual que la serie Latina Lesbian (1985-1991), la serie Plush Pony se convirtió en una expresión y "documentación viva de las redes queer marrones".
Los críticos y académicos identifican estrechamente el trabajo de Aguilar con el feminismo chicano ; un escritor observa que "Aguilar se aleja conscientemente de las imágenes socialmente normativas de los cuerpos femeninos chicanos y las disocia de la nostalgia o idealizaciones centradas en los hombres". [46] Chon A. Noriega , director del Centro de Investigación de Estudios Chicanos de la UCLA , señala que Aguilar es inusual por la forma en que "colabora con sujetos que son sus pares para que sus obras no traten sobre diferenciales de poder entre fotógrafo y sujeto como suele ser, aunque implícitamente, el caso de... la propia tradición documental social". [47] Al hacer referencia a la obra de Aguilar Three Eagles Flying , Charlene Villasenor Black, profesora de la UCLA que enseña la obra de Aguilar tanto en sus cursos de historia del arte como de estudios chicanos, dice: "[Aguilar] desafía la idea del desnudo femenino, uno de los géneros más importantes del arte occidental, como objeto pasivo de la mirada masculina. Está muy claro que es consciente de la tradición y es capaz de repetir ciertos elementos del canon de tal manera que nos muestra lo inestable que es ese significado y cuestiona estas ideas esencializadas sobre las mujeres". [20] Sus autorretratos más recientes, según los críticos, navegan por su intersección personal de identidades como latina, lesbiana, disléxica y gorda. [30] Su serie más conocida a menudo se considera Latina Lesbians (1986-89) [1] , que comenzó para ayudar a mostrar una imagen positiva de las lesbianas latinas para una conferencia de salud mental. [12] Otras obras populares incluyen Clothed/Unclothed (1990-94), Plush Pony (1992) y Grounded (2006-07), siendo esta última su primera obra realizada en color. [29] El crítico AM Rousseau señala: "[Aguilar] hace público lo que es más privado. Con este acto arriesgado, transgrede las imágenes familiares de representación del cuerpo humano y reemplaza los estereotipos con imágenes de autodefinición. Reclama su cuerpo para sí misma". [11]
Aguilar.