La Maternelle (título internacional: Los niños de Montmartre ) es una película francesa de 1933 dirigida y escrita por Jean Benoît-Lévy y Marie Epstein. Fue adaptada dela novela ganadora del premio Goncourt de Léon Frapié La Maternelle (1904). [1] Esta película fue una nueva versión de una versión muda menos exitosa realizada en 1925 por Gaston Roudès . [2] En 1935, fue clasificada como la sexta mejor película extranjera por la National Board of Review of Motion Pictures , [3] y ha recibido una calificación de 7.3 (sobre 10) por 127 críticos en la Internet Movie Database . [4]
La novela homónima fue escrita por Léon Frapié en 1904 y recibió el premio de literatura francesa conocido como Prix Goncourt. La película fue una adaptación libre de la novela, transformándola en una mirada más psicológica a la experiencia de los niños en los barrios marginales parisinos. [5]
Rose, una niña de una familia acomodada, se enfrenta a una serie de acontecimientos trágicos que la dejan sin dinero y sin hogar. Es contratada como cuidadora en una guardería de París con 150 niños pobres. Se encuentra cuidándolos con ternura y pronto ellos se encariñan mucho con ella. Una niña llamada Marie, que es la hija abandonada de una prostituta, se encariña tanto con Rose que se pone celosa cuando alguien más le roba la atención. Rose descubre que Marie ha sido descuidada y abandonada y se la lleva a vivir con ella. Marie incluso intenta suicidarse cuando se entera de los planes de Rose de casarse con el Dr. Libois, el médico de la escuela. Además, Marie es despedida de ser la cuidadora de la escuela, debido a que su formación académica la hace sobrecalificada. A pesar de esto, La Maternelle finalmente encuentra su camino hacia un final feliz, con Rose comprometiéndose con el Dr. Libois y siendo contratada como maestra en la escuela. [1]
El enfoque realista de la película se apoya en la utilización de niños de clase trabajadora como escolares y en la filmación en exteriores. [6] Con la cinematografía, este estilo documental se fomenta. Mediante tomas exploratorias y rupturas en la cuarta pared, la película establece este estilo y el entorno. [5] Hay escenas cortas dentro de la película que no impulsan la narrativa hacia adelante y, en cambio, sirven para fortalecer el realismo dentro del entorno. [7] Además, la película se basa en un espíritu de improvisación, especialmente para los niños involucrados. [7] Sin embargo, hay influencia del género cinematográfico de vanguardia europeo. La cámara se transforma en la mirada de Marie para mostrar su trauma y el período previo a su intento de suicidio. [5] Al fusionar elementos de estos dos estilos, la película es notable y sirve como un ejemplo temprano y definitorio del realismo poético en el cine. [8]
La Maternelle, que actuó como directora y guionista, fue una de las películas que surgieron de la colaboración entre Epstein y Benoît-Lévy que duró más de una década. [9] Aunque la escritura de guiones estaba abierta por lo general a las mujeres, pocas eran directoras de cine. Epstein era la única directora de cine francés en ese momento y, a pesar de su papel, siempre aparece después de Benoît-Lévy. [5] Como investigación para la película, ambas pasaron meses visitando escuelas en las zonas de clase baja de París para entender cómo integrar a los escolares en la película y cómo construir mejor el decorado. [10]
Paul Rotha, en su libro “Sight and Sound”, elogia La Maternelle y otras películas de la época por su uso de actores infantiles para contribuir a la comprensión de la psicología infantil, y la califica de “una de las mejores películas francesas de los últimos meses”. [11] Sus directores, Benoit-Lévy y Marie Epstein, elogian la interpretación natural de los actores infantiles por su realismo y su representación del bienestar infantil. Este artículo elogia la representación que hace la película de la “mente de los niños” y su perspectiva sobre la vida escolar, un tema poco frecuente en aquella época. Además, la actuación, en concreto la de Paulette Elambert, que interpreta a Marie, es considerada por muchos como una de las mejores del cine de ese período. El New York Times continúa describiendo la actuación como “memorable”. [12] En su reseña del 7 de septiembre de 1933, Lucien Wahl elogia el rango emocional de Elambert y su capacidad interpretativa para dar vida a sentimientos de amistad, afecto y celos en el personaje de Marie. [2] A menudo se la considera la estrella de esta película.
Aunque sencilla, la banda sonora de esta película ayuda a recrear el entorno real. En su reseña de 1993 en “Pour Vous”, Janine Auscher elogia el trabajo del compositor de la película, Edouard Flamant. [13] Auscher llama a la película “una de las mejores de la producción francesa”. [13] Flamant creó una banda sonora sencilla. La banda sonora incluía música de Alice Verlay, que escribió la canción que Rose cantó a los niños en el aula. [13] La repetición de canciones se hace en varias escenas de la película para conectar temas generales y momentos importantes. [7]
Marie ve el reflejo de Rose y su nuevo amante potencial, el Dr. Libois, en la misma ventana en la que vio a su madre con el hombre con el que se fue al principio de la película. Este tema continúa cuando Marie mira al agua y ve el reflejo de dos amantes, lo que provoca su posterior intento de suicidio en un esfuerzo por borrar estas imágenes que la persiguen. [12]
A lo largo de la película, se hace hincapié en los ojos de los personajes y en las diferentes formas de mirar. En concreto, la mirada y el trauma de Marie son fundamentales en la película. En la escena del bar, hay un juego de planos que muestran fragmentos de lujuria entre la madre de Marie y el hombre con el que está, y Marie los mira con enojo. Después de esto, cuando la madre de Marie la lleva a casa, se ve a Marie mirando a través de los barrotes de su cama a su madre abrazada al hombre. Aunque en realidad no puede mirar a su madre (porque está dentro mientras que su madre está fuera), la cámara sirve como una forma para que el público y Marie vean cómo su madre la ha abandonado. [14] En otra escena, Marie escucha al Dr. Libois proponiéndole matrimonio a Rose. Una vez que saben que ha escuchado, hay un intercambio de primeros planos, centrados en los ojos, entre los tres personajes. Estas escenas sirven para poner al espectador en la perspectiva de Marie y establecer el trauma y la naturaleza de las relaciones entre Marie y sus figuras maternas: su madre y Rose. [15] En el clímax de la película en el que Marie intenta suicidarse, su mirada se refleja en el agua y le muestra la vista de una pareja abrazada cercana, fragmentos anteriores de su madre y Rose, y un reflejo de ella misma.
Esta película retrata una desviación de las normas sociales tradicionales de las mujeres, modificando las expectativas durante este período de tiempo. En esta película, Rose es una mujer educada que consigue un trabajo de tiempo completo antes de buscar el matrimonio y una familia. Finalmente, encuentra el amor y una familia, pero la película sostiene que tanto el amor como el trabajo pueden ser mantenidos con éxito por las mujeres, una idea no tan común durante su época. [16]
A lo largo de la película hay una yuxtaposición entre dos personajes (la madre de Marie y Rose) y su estatus maternal. La madre de Marie (una prostituta) funciona como una "mala madre"; descuida a Marie y abandona a su hija para irse con un hombre. [17] En la escena en la que arropa a Marie y la deja, la madre de Marie le da un beso con lápiz labial en la frente, lo que demuestra las cicatrices metafóricas que ha dejado en su hija a través de su inmoralidad. [14] En contraste, Rose personifica lo que debería ser una "buena madre". Rose adopta a Marie y se convierte en una figura maternal para todos los niños, mostrando constantemente su amor y devoción hacia ellos a lo largo de la película. [6]
En 1935, el New York Times la calificó como "una película de extraordinaria perspicacia, ternura y belleza trágica", y agregó: "Benoit-Levy presenta una muestra desgarradora de este jardín de infantes destartalado en retratos menores como el del niño que nunca aprendió a sonreír". [12]
En su reseña en Pour Vous , Lucian Wahl describe a los directores como hábiles y que muestran gran "habilidad" y "corazón" en la película y elogia la técnica de los directores. Sin embargo, considera que el intento de suicidio de Marie no es esencial, afirmando que, aunque tiene excelentes imágenes, no eleva la película. Al mismo tiempo, se destaca la "sinceridad del tema" y Wahl elogia a los actores infantiles por "servir a la verdad". [2]
En su artículo de 1933 para la revista Cinémagazine , Marcel Carné afirma que esta película es una de las primeras en las que el público puede ver una película "interpretada por niños pequeños". Aplaude a los directores Jean Benoît-Levy y Marie Epstein por reunir a muchos niños inteligentes y producir una película conmovedora que transmite "emociones discretas". [18]
Cinema Quarterly publicó una crítica particularmente mixta de la película en 1933, con tantos elogios como reproches. Afirmaba que "la película es notable por su brillante tratamiento de la mente infantil", y describía la escena final como "una de las mejores del cine del año", pero no dudaba en decir que la película es "la película infantil que acabará con las películas infantiles por el momento". [19]