Apolo en la Fragua de Vulcano ( en español : Apolo en la Fragua de Vulcano ), a veces denominada la Forja de Vulcano , es una pintura al óleo de Diego de Velázquez terminada después de su primera visita a Italia en 1629. Los críticos coinciden en que la obra debe fecharse hasta 1630, el mismo año en que su compañero pintó La túnica de José . Parece que ninguno de los dos cuadros fue encargado por el rey, aunque ambos pasaron a formar parte de las colecciones reales al poco tiempo. El cuadro pasó a formar parte de la colección del Museo del Prado , en Madrid , en 1819. [1] [2]
Apolo en la fragua de Vulcano ha sido citada como una de las obras más importantes del primer viaje de Velázquez a Italia [3] y "una de sus composiciones más exitosas en cuanto a la interacción unificada y natural de las figuras". [4]
La pintura representa el momento en que el dios Apolo , identificable por la corona de laurel en su cabeza, visita a Vulcano , quien se encuentra fabricando armas para la guerra. El dios Apolo le dice a Vulcano que su esposa, Venus , está teniendo una aventura con Marte , el dios de la guerra. Por esta razón, las demás figuras en la sala miran con sorpresa al dios que acaba de aparecer ante ellos, incluso algunos de ellos abren la boca para indicar sorpresa. [2]
Velázquez se inspiró para crear esta obra en un grabado de Antonio Tempesta , modificándolo mucho y centrando la acción narrativa en la llegada de Apolo, utilizando un estilo barroco clásico . [1] Destaca el interés contemporáneo por las figuras desnudas, influenciado por la estatuaria grecorromana y el movimiento clásico de Guido Reni . [2] El método de composición estilo friso también podría provenir de Reni. Por otro lado, los claros matices de la figura de Apolo recuerdan a Guercino .
Esta obra fue realizada en Roma sin encargo a petición del pintor Peter Paul Rubens que también había visitado España en 1629. Velázquez pintó dos grandes lienzos en casa del embajador español. Estos dos lienzos formaron pareja y fueron traídos de regreso a España con su equipaje: Túnica de José y Apolo en la fragua de Vulcano .
El tema está tomado de la mitología romana , concretamente de las Metamorfosis de Ovidio . Velázquez interpretó la escena en una versión estrictamente humana, con figuras contemporáneas. Se ve a Apolo vistiendo una toga que deja su torso expuesto a la vista. Vulcano, en esta imagen, es sólo un herrero, al igual que sus ayudantes, que son hombres del pueblo que conocen el oficio. Vulcano lo mira asombrado después de haber escuchado la noticia del adulterio de su esposa con el dios Marte, para quien está forjando una armadura en este mismo momento. La cueva en la que el dios herrero forja armas para las demás deidades de este cuadro se muestra como una herrería, similar a las que Velázquez pudo ver en España o en Roma. Con su característica maestría Velázquez también pintó una variedad de objetos que comúnmente se encontrarían en una fragua .
El interés de Velázquez por los desnudos no es sorprendente, y la evidencia de ello aparece ya a su llegada a Madrid en 1623, aunque la aparición de ellos en sus obras aumentó después de su primera visita a Italia en los años 1629-1631.
Durante su viaje a Italia también recibió la influencia de la pintura veneciana, lo que se puede ver en su uso del color, por ejemplo en la llamativa toga naranja de Apolo. De sus viajes por Roma fue influenciado por Miguel Ángel para crear figuras extremadamente grandes y fuertes. La musculatura de Vulcano y las demás figuras que lo rodean no es insignificante; son figuras atléticas que muestran su fuerza sin pudor, incluso de pie en posiciones que muestran sus músculos con mayor efecto.
Por otro lado, Velázquez siempre estuvo obsesionado por lograr profundidad en sus obras. En este caso empezó a utilizar lo que se conoce como "space sandwiching", es decir, anteponer unas figuras a otras para que la sensación de profundidad exista en la mente de los espectadores. De esta manera retrata la profundidad, en lugar de utilizar únicamente la vista a través de la ventana que se ve al fondo de la habitación. Como en muchas de sus obras, la calidad fotográfica de los objetos (en su mayoría metálicos: armaduras, el yunque, los martillos y el propio hierro candente) que aparecen en el cuadro muestran un realismo llevado al extremo. Al fondo, en la parte superior derecha, se pueden ver sobre una estantería diversos objetos que forman por sí solos un bodegón , característico de las primeras obras de Velázquez.
Como pintor español sus personajes son gente corriente, no idealizados como en las obras italianas. Incluso se podría decir que Vulcano es bastante feo, y el rostro de Apolo, a pesar de estar rodeado de un aura que lo diferencia del resto, tampoco está idealizado. [5]
Parte de los pigmentos utilizados por Velázquez en este cuadro [6] han cambiado de color por lo que el lienzo perdió su equilibrio cromático original. La corona de Apolo se pintó originalmente de verde mezclando azurita (azul) , laca amarilla y ocre amarillo . El pigmento lacustre no es muy estable, por lo que el color actual de la corona es casi azul. El color de los taparrabos cambió a marrón oscuro, mientras que el color de la carne, que contiene principalmente amarillo ocre, bermellón y azurita, permaneció sin cambios. [7]
