No. 13 Finale es una performance del diseñador de moda Alexander McQueen , presentada al final del desfile de primavera/verano de 1999 para la casa de moda homónima de McQueen . Consiste en la modelo Shalom Harlow con un vestido blanco, parada sobre una plataforma giratoria en la pasarela del desfile y siendo pintada con aerosol por robots.
La pieza se considera un momento destacado de la carrera de McQueen [1] y uno de los momentos más emblemáticos de la historia de la moda. [2]
La colección n.° 13 (primavera/verano de 1999) es la decimotercera de McQueen. [3] Se inspiró en el movimiento Arts and Crafts , un movimiento de diseño que se centró en la artesanía tradicional por encima de los productos fabricados a máquina. [4] El desfile se realizó en Gatliff Warehouse, una antigua estación de autobuses en desuso donde McQueen realizó varios de sus desfiles, [5] y contó con la atleta paralímpica Aimee Mullins luciendo piernas protésicas intrincadamente talladas hechas de fresno . [6]
McQueen afirmó que la pieza se inspiró en High Moon , una instalación artística de Rebecca Horn de 1991. [1] [7 ]
La ex bailarina Shalom Harlow fue elegida para interpretar la pieza, y su experiencia en ballet contribuyó a la interpretación de la obra de arte. [8] Harlow llegó en un vuelo nocturno la mañana del espectáculo y no ensayó la actuación. Harlow comentó que "no hubo ninguna explicación, solo había un vestido" y que "lo que se ve es mi respuesta a los estímulos, solo un momento de lo que sucedió cuando me pusieron en esa situación". [9]
Los robots utilizados en la pieza fueron tomados prestados de una planta de fabricación de automóviles. [5] McQueen señaló que tardó una semana en programar sus movimientos. [1] Sam Gainsbury, uno de los productores del programa, dijo que "[McQueen] escribió instrucciones precisas a la fábrica sobre cómo quería que se movieran las máquinas, articulación por articulación, como cobras escupidoras". [8]
Después del espectáculo principal, la música electrónica que sonaba en el lugar cambió a "The Swan" de Camille Saint-Saëns . [10] Harlow caminó sola por la pasarela, luciendo un vestido de tul blanco sin tirantes con un cinturón sobre el busto y otro en la espalda. [11] Ella estaba de pie sobre una pequeña plataforma circular, entre dos brazos robóticos. Cuando la plataforma comenzó a girar, los brazos robóticos comenzaron a moverse lentamente como si despertaran de un sueño, luego se acercaron a Harlow, pareciendo investigarla. Los robots retrocedieron de golpe, luego se lanzaron hacia adelante, rociando a Harlow con pintura negra y amarilla ácida. [10] Harlow se encogió y agitó sus brazos en el aire en reacción a los movimientos de los robots. [12]
Cuando los robots terminaron de rociar su pintura, retrocedieron. Harlow se tambaleó fuera de la plataforma y se exhibió ante el público en, según Harlow, "abandono y rendición totales". [5]
La reacción inmediata del público fue de celebración. [7] Harlow dijo sobre la respuesta a la pieza: "En ese momento supe que era extraordinaria, que había sucedido algo único. La gente se puso a llorar, así que sí, lo supe". [9]
Suzy Menkes reseñó el desfile para el International Herald Tribune , llamándolo "el triunfo de la semana de la moda de Londres" y describiendo el final como "extraordinario". [13]
La reseña retrospectiva del desfile realizada por Vogue se centró exclusivamente en el final, calificándolo de "algo potente" y comentando que "no fue un desfile de moda. Fue arte escénico". [14]
En una reseña que celebraba el vigésimo aniversario de la pieza, la crítica de Vogue Sarah Mower, que asistió al desfile, lo describió como "seguramente entre los 10 desfiles de moda más emocionantes de todos los tiempos" y "tremendamente inspirador", señalando que McQueen "adormeció [al público] en una falsa sensación de tranquilidad" con el desfile relativamente largo y tranquilo antes del final. [15]
El propio McQueen estaba extasiado y dijo: "Fue el espectáculo más fantástico que he visto en mi vida. Fue simplemente increíble, fue poesía". [13] Afirmó que el espectáculo fue "el único que realmente lo hizo llorar". [5]
Se ha dedicado mucho análisis crítico, académico y popular a la pieza, con temas que incluyen la tecnología , la sexualidad , el papel del artista , el patriarcado y la propia vida de McQueen.
Cuando se le preguntó sobre las interpretaciones de la pieza, Shalom Harlow dijo:
"No quiero expresar con palabras cuál era su intención, pero desde dentro definitivamente sentí una sexualización agresiva y depredadora de la mecanización del mundo moderno y una interferencia con un aspecto muy crudo de la feminidad, y no me refiero a eso como mujeres, sino en términos de nuestro propio ser virginal interno. Esta superposición de lo que el mundo externo nos impone a todos en este mundo moderno mecanizado y enérgico con el que se supone que debemos interactuar. Eso es lo que sentí en ese momento, eso es lo que estaba expresando". [9]
Para la exposición retrospectiva de la carrera de Alexander McQueen: Savage Beauty del Museo Metropolitano de Arte , Harlow le comentó al curador Andrew Bolton :
"De alguna manera, se convirtió en una especie de experiencia sexual agresiva. Y creo que ese momento realmente resume, en cierto modo, cómo Alexander se relacionaba con la creación, al menos en ese momento en particular. ¿Es eso toda la creación? ¿Es el acto de la creación de un ser humano, el acto sexual? ¿Es el acto, ya sabes, del Big Bang , por así decirlo, esa violencia, ese caos y esa rendición que tiene lugar?" [1]
Katherine Gleason, autora de Alexander McQueen: Evolution , escribe que “estos robots parecen tener emociones. ¿Son en cierto modo humanos? Y si lo son, ¿qué somos nosotros?” [16]
El historiador de arte Robert McCaffrey escribió sobre el compromiso de la pieza con el tema filosófico de lo sublime , argumentando que "McQueen inquieta a su audiencia y al hacerlo crea una puerta de entrada a lo sublime, pero no a lo sublime en la naturaleza, sino a lo sublime en el poder sobrenatural de la era de las máquinas". McCaffrey escribe que la pieza desafía la comprensión común de la mecanización, ya que los robots parecen percibir, sentir y pensar, creando un efecto de valle inquietante . También conecta el trabajo de McQueen con Anthropométries de Yves Klein en su énfasis en el género y el patriarcado, anclando así la máquina "a la tendencia humana a dominar y oprimir". [10]
Kate Bethune, del Victoria and Albert Museum, relacionó la obra con la inspiración de la muestra, el movimiento Arts and Crafts , sugiriendo que el final puede haber sido "pensado como un contrapunto a la ética antiindustrial de William Morris , provocando comentarios sobre la interacción entre el hombre y la máquina a principios del siglo XXI". [3]
Rachel Tashjian, directora de noticias de moda de Harper's Bazaar , interpretó el momento como autobiográfico y dijo que "siempre [lo leyó] como una declaración sobre la creatividad torturada de McQueen, la forma en que la creación es violencia infligida a los materiales (y personas) encargados de llevar a cabo la visión. Es una imagen hermosa, pero también es brutal". [11]
Muchos han interpretado la obra como una referencia al motivo cultural del cisne moribundo , ya que este es el tema de la música utilizada en la pieza. [1] El vestido en sí y los movimientos de Harlow también han sido descritos como de cisne. [13] [12]
Vogue incluyó la pieza en una lista de los momentos más memorables de McQueen en la pasarela, señalando que "consolidó [su] reputación como el showman definitivo". [17]
Varios diseños de la casa de moda Alexander McQueen en años posteriores, bajo la dirección creativa de Sarah Burton tras la muerte de McQueen, han sido comparados con la final del número 13. [18] [19]
El estreno de la cuarta temporada de RuPaul's Drag Race en 2012 rindió homenaje a la pieza, ya que los concursantes se pararon en una plataforma giratoria mientras eran rociados con pintura neón. [20] [21]
Para la inauguración en 2019 del hotel Times Square EDITION, el hotelero Ian Schrager encargó una instalación de arte en referencia a McQueen, con personajes destacados de la moda como Alex Lundqvist con trajes completamente blancos, girando en una plataforma y rociados con pintura por brazos robóticos. [22]
La final del desfile de primavera/verano 2022 de Coperni, en la que Bella Hadid fue rociada con Fabrican , se comparó con la final del número 13 , y varios comentaristas calificaron la final de Coperni de homenaje a la de McQueen. [23] [11] [24] La marca hizo comparaciones similares para su desfile de otoño/invierno 2023, que incluyó perros robóticos interactuando con las modelos. [25]