Una visión general del teatro de Francia .
Las discusiones sobre los orígenes del teatro no religioso ("théâtre profane") -tanto el drama como la farsa- en la Edad Media siguen siendo controvertidas, pero la idea de una tradición popular continua que surja de la comedia y la tragedia latinas hasta el siglo IX parece poco probable.
La mayoría de los historiadores sitúan el origen del drama medieval en los diálogos y "tropos" litúrgicos de la iglesia. Al principio simplemente eran dramatizaciones del ritual, particularmente en aquellos rituales relacionados con Navidad y Pascua (ver Misterio ), las obras eventualmente fueron trasladadas de la iglesia del monasterio a la sala capitular o al refectorio y finalmente al aire libre, y la lengua vernácula fue sustituida. para el latín. En el siglo XII se encuentran los primeros pasajes existentes en francés que aparecen como estribillos insertados en dramas litúrgicos en latín, como una obra de San Nicolás (patrón de los clérigos estudiantes) y una obra de San Esteban .
Obras dramáticas en francés de los siglos XII y XIII:
Los orígenes de la farsa y del teatro cómico siguen siendo igualmente controvertidos; algunos −los historiadores literarios creen en un origen no litúrgico (entre los "jugadores" o en festivales paganos y folclóricos), otros ven la influencia del drama litúrgico (algunos de los dramas enumerados anteriormente incluyen secuencias de farsa) y las lecturas monásticas de Plauto y el cómic latino. teatro.
Obras no dramáticas de los siglos XII y XIII:
Lista selecta de obras de teatro de los siglos XIV y XV:
En el siglo XV, la representación pública de obras de teatro estaba organizada y controlada por varios gremios profesionales y semiprofesionales:
Géneros de teatro practicados en la Edad Media en Francia:
El teatro francés del siglo XVI siguió los mismos patrones de evolución que los demás géneros literarios de la época. Durante las primeras décadas del siglo, el teatro público permaneció en gran medida ligado a su larga herencia medieval de obras de misterio , obras de moralidad , farsas y soties , aunque la obra de milagros ya no estaba de moda. Las actuaciones públicas estaban estrictamente controladas por un sistema gremial. El gremio "les Confrères de la Passion" tenía derechos exclusivos sobre las producciones teatrales de obras de misterio en París; En 1548, el miedo a la violencia o la blasfemia resultante de la creciente división religiosa en Francia obligó al Parlamento de París a prohibir las representaciones de los misterios en la capital, aunque continuaron realizándose en otros lugares. Otro gremio, los "Enfants Sans-Souci" se encargaban de las farsas y las soties, al igual que los "Clercs de la Basoche", que también representaban obras morales. Al igual que los "Confrères de la Passion", "la Basoche " estuvo bajo escrutinio político (las obras debían ser autorizadas por una junta de revisión; no se permitían máscaras o personajes que representaran a personas vivas), y finalmente fueron suprimidas en 1582. A principios de siglo, sólo los "Confrères de la Passion" mantuvieron el control exclusivo sobre las producciones teatrales públicas en París, y alquilaron su teatro en el Hôtel de Bourgogne a compañías de teatro por un alto precio. En 1597 [1] abandonaron este privilegio.
Además de los numerosos escritores de estas obras tradicionales (como los escritores de farsas Pierre Gringore , Nicolas de La Chesnaye y André de la Vigne), Marguerite de Navarre también escribió una serie de obras cercanas a la tradicional obra de misterio y moralidad.
Sin embargo, ya en 1503, las versiones originales en idiomas de Sófocles , Séneca , Eurípides , Aristófanes , Terencio y Plauto estaban disponibles en Europa y en los siguientes cuarenta años humanistas y poetas traducirían estos clásicos y los adaptarían. En la década de 1540, el entorno universitario francés (y especialmente, a partir de 1553, los colegios jesuitas) acogió un teatro neolatino (en latín) escrito por profesores como George Buchanan y Marc Antoine Muret que dejaría una profunda huella en los miembros de La Pléiade . A partir de 1550 se encuentra teatro humanista escrito en francés. Figuras destacadas como Catalina de Médicis proporcionaron apoyo financiero para muchas obras humanistas; en 1554, por ejemplo, encargó una traducción de La Sofonisba de Gian Giorgio Trissino , que fue la primera tragedia que apareció en lengua francesa. [2]
La influencia de Séneca fue particularmente fuerte en la tragedia humanista. Sus obras, que eran esencialmente obras de cámara destinadas a ser leídas por sus pasajes líricos y su oratoria retórica, hicieron que muchas tragedias humanistas se concentraran en la retórica y el lenguaje sobre la acción dramática.
La tragedia humanista tomó dos direcciones distintas:
Durante el apogeo de las guerras civiles (1570-1580), surgió una tercera categoría de teatro militante, que se sumó a los géneros existentes de tragedia y comedia antiguas. Esta nueva forma de teatro se caracterizó por sus temas políticos y religiosos explícitos, reflejando el turbulento contexto contemporáneo de la época. Este artículo tiene como objetivo explorar y ampliar el desarrollo y la importancia de este teatro militante durante el período de las guerras civiles.
El teatro militante de la época estuvo fuertemente influenciado por las tensiones políticas y religiosas predominantes. Las tramas a menudo se extraían de la mitología o la historia, presentando narrativas que tenían claros paralelismos con acontecimientos políticos y conflictos religiosos contemporáneos. Esto permitió al público conectarse con las actuaciones a un nivel personal e ideológico.
Las obras representadas en esta categoría de teatro a menudo sirvieron como vehículos para comentarios políticos y críticas sociales. Exploraron temas como las luchas de poder, el abuso de autoridad, la corrupción, la persecución religiosa y las consecuencias de la guerra. A través de una narración vívida y provocativa, estas obras buscaron involucrar e incitar al público, animándolos a reflexionar sobre los tiempos turbulentos en los que vivieron.
Un aspecto notable del teatro militante fue el uso de alegorías y simbolismos. Los dramaturgos emplearon metáforas y personajes alegóricos para representar figuras políticas, facciones religiosas o movimientos ideológicos. Este enfoque velado les permitió abordar temas delicados evitando la censura directa o las represalias.
Los actores y dramaturgos involucrados en el teatro militante enfrentaron riesgos considerables debido a la naturaleza políticamente cargada de su trabajo. La censura, la vigilancia e incluso el encarcelamiento eran amenazas constantes. Sin embargo, el atractivo y el impacto de estas actuaciones atrajeron a un público que buscaba catarsis, validación y una comprensión más profunda del clima sociopolítico.
Si bien el teatro militante durante las guerras civiles fue producto de su época, su influencia se extendió más allá del contexto histórico inmediato. Sentó las bases para el desarrollo de formas posteriores de teatro con conciencia política y social, dejando un impacto duradero en el panorama teatral.
Además de su trabajo como traductores y adaptadores de obras de teatro, los humanistas también investigaron las teorías clásicas de la estructura dramática, la trama y la caracterización. Horacio fue traducido en la década de 1540, pero estuvo disponible durante toda la Edad Media. Una versión completa de la Poética de Aristóteles apareció más tarde (por primera vez en 1570 en una versión italiana), pero sus ideas habían circulado (en una forma extremadamente truncada) ya en el siglo XIII en la traducción latina de Hermann el Alemán de la glosa árabe de Averroes . y otras traducciones de la Poética habían aparecido en la primera mitad del siglo XVI; También fueron importantes los comentarios sobre la poética de Aristóteles realizados por Julio César Scaligero que aparecieron en la década de 1560. Los gramáticos del siglo IV Diomedes y Elio Donato también fueron una fuente de teoría clásica. Los italianos del siglo XVI desempeñaron un papel central en la publicación e interpretación de la teoría dramática clásica y sus obras tuvieron un efecto importante en el teatro francés. El Arte de la poesía basado en Aristóteles (1570) de Lodovico Castelvetro fue una de las primeras enunciaciones de las tres unidades ; esta obra informaría el Art de la tragedie (1572) de Jean de la Taille . El teatro italiano (como la tragedia de Gian Giorgio Trissino ) y los debates sobre el decoro (como los provocados por la obra Canace de Sperone Speroni y la obra Orbecche de Giovanni Battista Giraldi ) también influirían en la tradición francesa.
Con el mismo espíritu de imitación (y adaptación) de las fuentes clásicas que habían informado las composiciones poéticas de La Pléiade , los escritores humanistas franceses recomendaron que la tragedia estuviera en cinco actos y tuviera tres personajes principales de rango noble; la obra debe comenzar en mitad de la acción ( in medias res ), utilizar un lenguaje noble y no mostrar escenas de horror en el escenario. Algunos escritores (como Lazare de Baïf y Thomas Sébillet ) intentaron vincular la tradición medieval de obras morales y farsas con el teatro clásico, pero Joachim du Bellay rechazó esta afirmación y elevó la tragedia y la comedia clásicas a una dignidad superior. De mayor dificultad para los teóricos fue la incorporación de la noción aristotélica de " catarsis " o purga de emociones al teatro renacentista, que seguía profundamente apegado tanto al agrado del público como al objetivo retórico de mostrar ejemplos morales ( exemplum ).
Cléopâtre cautiva (1553), de Étienne Jodelle , que cuenta los apasionados temores y dudas de Cleopatra cuando contempla el suicidio, tiene la distinción de ser la primera obra original francesa que sigue los preceptos clásicos de Horacio sobre la estructura (la obra consta de cinco actos y respecto a más o menos las unidades de tiempo, lugar y acción) y se acerca mucho al modelo antiguo: el prólogo es introducido por una sombra, hay un coro clásico que comenta la acción y habla directamente con los personajes, y el final trágico es descrito por un mensajero.
La traducción de Mellin de Saint-Gelais de La Sophonisbe de Gian Giorgio Trissino , la primera tragedia regular moderna basada en modelos antiguos que cuenta la historia del suicidio de la noble Sophonisba (en lugar de ser tomada cautiva por Roma), fue una enorme éxito en la corte cuando se representó en 1556.
Lista selecta de autores y obras de tragedia humanista:
(Véanse los dramaturgos Antoine de Montchrestien , Alexandre Hardy y Jean de Schelandre para la tragedia alrededor de 1600-1610.)
Además de la tragedia, los humanistas europeos también adaptaron la antigua tradición cómica y ya en el siglo XV, la Italia del Renacimiento había desarrollado una forma de comedia latina humanista. Aunque los antiguos habían sido menos teóricos sobre la forma cómica, los humanistas utilizaron los preceptos de Elio Donato (siglo IV d.C.), Horacio , Aristóteles y las obras de Terencio para elaborar una serie de reglas: la comedia debía buscar corregir el vicio mostrando la verdad; debería haber un final feliz; la comedia utiliza un estilo de lenguaje más bajo que la tragedia; La comedia no pinta los grandes acontecimientos de estados y líderes, sino la vida privada de las personas, y su tema principal es el amor.
Aunque algunos autores franceses se mantuvieron cerca de los modelos antiguos ( Pierre de Ronsard tradujo una parte de "Plutus" de Aristófanes en la universidad), en general la tradición cómica francesa muestra un gran préstamo de todas las fuentes: la farsa medieval (que continuó ser inmensamente popular a lo largo del siglo), el cuento, las comedias humanistas italianas y "La Celestina" (de Fernando de Rojas ).
Lista selecta de autores y obras de comedia renacentista:
En las últimas décadas del siglo, otras cuatro modalidades teatrales procedentes de Italia, que no seguían las rígidas reglas del teatro clásico, inundaron los escenarios franceses:
A finales de siglo, el dramaturgo francés más influyente —por la variedad de sus estilos y por su dominio de las nuevas formas— sería Robert Garnier .
Todas estas tradiciones eclécticas continuarían evolucionando en el teatro "barroco" de principios del siglo XVII, antes de que finalmente se impusiera el "clasicismo" francés.
Durante la Edad Media y el Renacimiento, las representaciones teatrales públicas en París estaban bajo el control de los gremios, pero en las últimas décadas del siglo XVI sólo uno de ellos siguió existiendo: aunque "les Confrèrie de la Passion" ya no tenían el derecho para representar obras de misterio (1548), se les concedió el derecho exclusivo de supervisar todas las producciones teatrales en la capital y alquilaron su teatro (el Hôtel de Bourgogne ) a compañías teatrales a un precio elevado. En 1597, este gremio abandonó su privilegio, lo que permitió la eventual apertura de otros teatros y compañías teatrales en la capital.
Además de los teatros públicos, se representaron obras en residencias privadas, ante los tribunales y en la universidad. En la primera mitad del siglo, el público, el teatro humanista de los colegios y el teatro de la corte mostraban gustos sumamente divergentes. Por ejemplo, si bien la tragicomedia estuvo de moda en la corte en la primera década, el público estaba más interesado en la tragedia.
Los primeros teatros de París a menudo se ubicaban en estructuras existentes, como canchas de tenis ; sus escenarios eran extremadamente estrechos y las instalaciones para los decorados y cambios de escena a menudo eran inexistentes (esto fomentaría el desarrollo de la unidad del lugar). Con el tiempo, los teatros desarrollaron sistemas de elaboradas máquinas y decorados, de moda para los vuelos caballerescos de los caballeros que se encuentran en las tragicomedias de la primera mitad del siglo.
A principios de siglo, las representaciones teatrales se realizaban dos veces por semana a partir de las dos o tres de la tarde. Las representaciones teatrales a menudo abarcaban varias obras, comenzando con un prólogo cómico, luego una tragedia o una tragicomedia, luego una farsa y finalmente una canción. Los nobles a veces se sentaban al costado del escenario durante la actuación. Dado que era imposible bajar las luces de la sala, el público siempre estaba consciente de los demás y los espectadores hablaban notablemente durante las actuaciones. El lugar directamente frente al escenario, sin asientos, el "parterre", estaba reservado para los hombres, pero al ser las entradas más baratas, el parterre solía ser una mezcla de grupos sociales. Gente elegante observó el espectáculo desde las galerías. Príncipes, mosqueteros y pajes reales tuvieron entrada gratuita. Antes de 1630, una mujer honesta no iba al teatro.
A diferencia de Inglaterra, Francia no impuso restricciones a las mujeres que actuaban en el escenario, pero la Iglesia católica (los actores fueron excomulgados ) y el movimiento religioso ascético jansenista consideraban moralmente incorrecta la carrera de los actores de ambos sexos . Los actores normalmente tenían nombres artísticos fantásticos que describían roles típicos o personajes estereotipados.
Además de las comedias y tragedias con guión, los parisinos también eran grandes admiradores del grupo de actores italianos que representaban su Commedia dell'arte , una especie de teatro improvisado basado en tipos. Los personajes de la Commedia dell'arte tendrían un profundo efecto en el teatro francés, y se encuentran ecos de ellos en los fanfarrones, tontos, amantes, viejos y astutos sirvientes que pueblan el teatro francés.
La ópera llegó a Francia en la segunda mitad del siglo.
Los teatros y compañías más importantes de París:
Fuera de París, en los suburbios y en las provincias, había muchas compañías de teatro ambulantes. Molière se inició en una compañía de este tipo.
La corte real y otras casas nobles también eran importantes organizadores de representaciones teatrales, ballets de cour , simulacros de batallas y otros tipos de "diversión" para sus festividades, y en algunos casos los roles de bailarines y actores eran desempeñados por los propios nobles. Los primeros años en Versalles, antes de la expansión masiva de la residencia, estuvieron enteramente consagrados a esos placeres, y espectáculos similares continuaron durante todo el reinado. Los grabados muestran a Luis XIV y la corte sentados afuera ante la "Cour du marbre" de Versalles viendo la representación de una obra de teatro.
La gran mayoría de las obras de teatro del siglo XVII se escribieron en verso (las excepciones notables incluyen algunas de las comedias de Molière). Salvo los pasajes líricos de estas obras, la métrica utilizada era un verso de doce sílabas (el " alejandrino ") con una pausa regular o " cesura " después de la sexta sílaba; estas líneas se pusieron en coplas rimadas ; los pareados alternaban entre rimas "femeninas" (es decir, que terminaban en una e muda) y "masculinas" (es decir, que terminaban en una vocal distinta de una e muda, o en una consonante o nasal).
El teatro francés del siglo XVII se reduce a menudo a tres grandes nombres —Pierre Corneille , Molière y Jean Racine— y al triunfo del "clasicismo"; Sin embargo, la verdad es mucho más complicada.
El teatro de principios de siglo estaba dominado por los géneros y dramaturgos de la generación anterior. La más influyente a este respecto fue Verenice Flores. Aunque la corte real se había cansado de la tragedia (prefiriendo la tragicomedia más escapista ), el público del teatro prefirió la primera. Esto cambiaría en las décadas de 1630 y 1640 cuando, influenciada por las largas novelas barrocas de la época, la tragicomedia (una aventura heroica y mágica de caballeros y doncellas) se convirtió en el género dominante. El sorprendente éxito de "Le Cid" de Corneille en 1637 y "Horacio" en 1640 volvería a poner la tragedia de moda, donde permanecería durante el resto del siglo.
La fuente más importante del teatro trágico fue Séneca y los preceptos de Horacio y Aristóteles (y los comentarios modernos de Julio César Scaligero y Lodovico Castelvetro ), aunque los argumentos fueron tomados de autores clásicos como Plutarco , Suetonio , etc. y de colecciones de cuentos ( italiano, francés y español). Los autores trágicos griegos ( Sófocles , Eurípides ) adquirirían cada vez más importancia a mediados de siglo. Los dramaturgos españoles Pedro Calderón de la Barca , Tirso de Molina y Lope de Vega también proporcionaron importantes modelos para la comedia, la tragedia y la tragicomedia del siglo , muchas de cuyas obras fueron traducidas y adaptadas para la escena francesa. La escena italiana (incluida la pastoral ) también proporcionó importantes modelos teatrales , e Italia también fue una fuente importante de debates teóricos sobre el teatro, especialmente en lo que respecta al decoro (véanse, por ejemplo, los debates sobre la obra Canace de Sperone Speroni y Giovanni Battista La obra de Giraldi Orbecche ). [3]
Las comedias regulares (es decir, comedias en cinco actos inspiradas en Plauto o Terencio y los preceptos de Elio Donato ) eran menos frecuentes en el escenario que las tragedias y las tragicomedias de principios de siglo, ya que el elemento cómico de la primera etapa estaba dominado por la farsa. , el monólogo satírico y por la commedia dell'arte italiana . Jean Rotrou y Pierre Corneille volverían a la comedia regular poco antes de 1630.
Las tragedias de Corneille eran extrañamente poco trágicas (su primera versión de "Le Cid" incluso fue catalogada como una tragicomedia), ya que tenían finales felices. En sus trabajos teóricos sobre teatro, Corneille redefinió tanto la comedia como la tragedia en torno a los siguientes supuestos:
La historia de la reacción del público y de la crítica ante "Le Cid" de Corneille se puede encontrar en otros artículos (fue criticado por el uso de fuentes, por su violación del buen gusto y por otras irregularidades que no se ajustaban a las reglas aristocianas u horacianas). ), pero su impacto fue sorprendente. El cardenal Richelieu pidió a la recién formada Académie française que investigara y se pronunciara sobre las críticas (fue el primer fallo oficial de la Academia), y la controversia revela un intento creciente de controlar y regular el teatro y las formas teatrales. Este sería el comienzo del "clasicismo" del siglo XVII.
Corneille continuó escribiendo obras de teatro hasta 1674 (principalmente tragedias, pero también algo que llamó "comedias heroicas") y muchas continuaron teniendo éxito, aunque las "irregularidades" de sus métodos teatrales fueron cada vez más criticadas (en particular por François Hédelin, abbé d'Aubignac ) y el éxito de Jean Racine a partir de finales de la década de 1660 marcó el fin de su preeminencia.
Lista selecta de dramaturgos y obras de teatro, con indicación del género (las fechas suelen ser aproximadas, ya que la fecha de publicación suele ser mucho posterior a la fecha de la primera representación):
La expresión clasicismo aplicada a la literatura implica nociones de orden, claridad, propósito moral y buen gusto. Muchas de estas nociones están directamente inspiradas en las obras de Aristóteles y Horacio y en las obras maestras clásicas griegas y romanas.
En el teatro clásico francés (también llamado clasicismo francés ), [5] una obra debe seguir las Tres Unidades :
Aunque basadas en ejemplos clásicos, las unidades de lugar y tiempo se consideraban esenciales para la completa absorción del espectador en la acción dramática; escenas salvajemente dispersas en China o África, o durante muchos años, sostenían los críticos, romperían la ilusión teatral. A veces, junto con la unidad de acción está la noción de que ningún personaje debe aparecer inesperadamente al final del drama.
Vinculados con las unidades teatrales están los siguientes conceptos:
Estas reglas excluían muchos elementos comunes en la "tragicomedia" barroca: caballos voladores, batallas de caballerías, viajes mágicos a tierras extranjeras y el deus ex machina . El ataque a Hipólito por parte de un monstruo en Fedra sólo podía tener lugar fuera del escenario.
Estas "reglas" o "códigos" rara vez se seguían por completo, y muchas de las obras maestras del siglo rompieron estas reglas intencionalmente para aumentar el efecto emocional:
En la década de 1660, el clasicismo finalmente se había impuesto en el teatro francés. La obra teórica clave sobre el teatro de este período fue la "Pratique du théâtre" (1657) de François Hedelin, abad de Aubignac , y los dictados de esta obra revelan hasta qué punto el "clasicismo francés" estaba dispuesto a modificar las reglas del teatro clásico. tragedia para mantener la unidad y el decoro (d'Aubignac, por ejemplo, consideraba que las tragedias de Edipo y Antígona no eran adecuadas para la escena contemporánea).
Aunque Pierre Corneille continuó produciendo tragedias hasta el final de su vida, las obras de Jean Racine desde finales de la década de 1660 eclipsaron por completo las últimas obras del dramaturgo mayor. Las tragedias de Racine, inspiradas en los mitos griegos, Eurípides , Sófocles y Séneca , condensaron su trama en un apretado conjunto de conflictos apasionados y obligados por deberes entre un pequeño grupo de personajes nobles, y se concentraron en los dobles vínculos de estos personajes y la geometría de sus vidas. Deseos y odios insatisfechos. La habilidad poética de Racine estaba en la representación del patetismo y la pasión amorosa (como el amor de Fedra por su hijastro) y su impacto fue tal que la crisis emocional sería el modo dominante de tragedia hasta finales de siglo. Las dos últimas obras de Racine ("Esther" y "Athalie") abrieron nuevas puertas a la temática bíblica y al uso del teatro en la educación de las mujeres jóvenes.
La tragedia de las dos últimas décadas del siglo y los primeros años del siglo XVIII estuvo dominada por las producciones de clásicos de Pierre Corneille y Racine, pero en general el entusiasmo del público por la tragedia había disminuido considerablemente: la tragedia teatral palidecía frente a los oscuros problemas económicos y económicos. Los problemas demográficos de finales de siglo y la "comedia costumbrista" (ver más abajo) habían incorporado muchos de los objetivos morales de la tragedia. Otros trágicos del siglo posterior incluyen: Claude Boyer , Michel Le Clerc , Jacques Pradon , Jean Galbert de Campistron , Jean de La Chapelle , Antoine d'Aubigny de la Fosse, l'abbé Charles-Claude Geneste, Prosper Jolyot de Crébillon . A finales de siglo, en particular en las obras de Crébillon, se produjo ocasionalmente un retorno a la teatralidad de principios de siglo: episodios múltiples, miedo y piedad extravagantes y representación de acciones espantosas en escena.
La ópera francesa temprana fue particularmente popular entre la corte real en este período, y el compositor Jean-Baptiste Lully fue extremadamente prolífico (consulte el artículo del compositor para obtener más información sobre los ballets y la ópera de la corte en este período). Estas obras musicales continuaron con la tradición de la tragicomedia (especialmente las "pièces à Machines") y el ballet de la corte, y en ocasiones también presentaron tramas trágicas (o "tragédies en musique"). Los dramaturgos que trabajaron con Lully incluyeron a Pierre Corneille y Molière , pero el más importante de estos libretistas fue Philippe Quinault , escritor de comedias, tragedias y tragicomedias.
La comedia de la segunda mitad del siglo estuvo dominada por Molière . Actor veterano, maestro de la farsa, el slapstick, el teatro italiano y español (ver arriba) y el teatro "normal" inspirado en Plauto y Terencio , la producción de Molière fue amplia y variada. Se le atribuye haber dado a la " comedia de costumbres " francesa ("comédie de mœurs") y a la "comedia de personajes" ("comédie de caractère") su forma moderna. Sus hilarantes sátiras de padres avaros, " précieuses ", advenedizos sociales, Los médicos y los tipos literarios pomposos tuvieron un gran éxito, pero sus comedias sobre la hipocresía religiosa (" Tartufo ") y el libertinaje (" Don Juan ") le trajeron muchas críticas por parte de la iglesia, y "Tartufo" sólo se representó gracias a la intervención del rey. Muchas de las comedias de Molière, como "Tartufo", "Don Juan" y " El Misántropo ", pueden oscilar entre la farsa y el drama más oscuro, y los finales de "Don Juan" y del "Misántropo" están lejos de ser puramente cómicos.
La comedia de finales de siglo seguiría los caminos trazados por Molière: dominarían la sátira de la moral y las costumbres contemporáneas y la comedia "normal", y la última gran "comedia" del reinado de Luis XIV, la de Alain-René Lesage . "Turcaret", es una obra inmensamente oscura en la que casi ningún personaje muestra rasgos redentores.
Lista selecta de teatro francés posterior a 1659:
La principal batalla del romanticismo en Francia se libró en el teatro, pero no contra el teatro. Los primeros años del siglo estuvieron marcados por un renacimiento del clasicismo y tragedias de inspiración clásica, a menudo con temas de sacrificio nacional o heroísmo patriótico de acuerdo con el espíritu de la Revolución, pero la producción de Hernani de Víctor Hugo en 1830 marcó el comienzo. triunfo del movimiento romántico en el escenario (una descripción de la turbulenta noche de estreno se puede encontrar en Théophile Gautier). Se abolieron las unidades dramáticas de tiempo y lugar, aparecieron juntos elementos trágicos y cómicos y se ganó la libertad métrica. Marcados por las obras de Friedrich Schiller , los románticos eligieron a menudo temas de períodos históricos (el Renacimiento francés , el reinado de Luis XIII de Francia ) y personajes nobles condenados (príncipes rebeldes y proscritos) o artistas incomprendidos (la obra de Vigny basada en la vida de Thomas Chatterton ).
A mediados de siglo, el teatro empezó a reflejar cada vez más una tendencia realista, asociada al Naturalismo . Estas tendencias pueden verse en los melodramas teatrales de la época y, bajo una luz aún más espeluznante y espantosa, en el Gran Guiñol de finales de siglo. Además de los melodramas, el teatro popular y burgués de mediados de siglo viró hacia el realismo en las farsas burguesas "bien hechas" de Eugène Marin Labiche y los dramas morales de Émile Augier . También fueron populares las operetas, farsas y comedias de Ludovic Halévy , Henri Meilhac y, a principios de siglo, Georges Feydeau . Antes de la guerra, la obra de mayor éxito fue la gran comedia de Octave Mirbeau Les affaires sont les affaires ( Negocios son negocios ) (1903).
La poesía de Baudelaire y gran parte de la literatura de la segunda mitad del siglo (o " fin de siècle ") fueron caracterizadas a menudo como " decadentes " por su contenido escabroso o su visión moral, pero con la publicación del "Manifiesto simbolista" de Jean Moréa en 1886, era el término simbolismo el que se aplicaba con mayor frecuencia al nuevo entorno literario. El simbolismo apareció en el teatro en las obras de los escritores Villiers de l'Isle-Adam y Maurice Maeterlinck, entre otros.
El dramaturgo más importante de la Francia de principios de siglo fue Alfred Jarry . El impacto de sus obras, principalmente Ubu Roi , tuvo un gran impacto en el público contemporáneo y ha seguido siendo una gran influencia, entre otros, en Flying Circus y The Young Ones de Monty Python .
El teatro de vanguardia en Francia después de la Primera Guerra Mundial estuvo profundamente marcado por el dadaísmo y el surrealismo . El movimiento surrealista fue una fuerza importante en la escritura experimental y en el mundo del arte internacional hasta la Segunda Guerra Mundial, y la técnica de los surrealistas era particularmente adecuada para la poesía y el teatro, sobre todo en las obras teatrales de Antonin Artaud y Guillaume Apollinaire .
El teatro en las décadas de 1920 y 1930 experimentó nuevos cambios en una asociación informal de teatros (llamada "Cartel") en torno a los directores y productores Louis Jouvet , Charles Dullin , Gaston Baty , Ludmila y Georges Pitoëff . Produjeron obras francesas de Jean Giraudoux , Jules Romains , Jean Anouilh y Jean-Paul Sartre , así como obras griegas y shakesperianas y obras de Luigi Pirandello , Anton Chekhov y George Bernard Shaw .
Inspirado en los experimentos teatrales de la primera mitad del siglo y en los horrores de la guerra, el teatro parisino de vanguardia, el "Nuevo Teatro", denominado " Teatro del Absurdo " por el crítico Martin Esslin en referencia a Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Jean Genet , Arthur Adamov , Fernando Arrabal... rechazaron explicaciones simples y abandonaron personajes, tramas y puestas en escena tradicionales. Otros experimentos teatrales incluyeron la descentralización, el teatro regional, el "teatro popular" (diseñado para llevar a la clase trabajadora al teatro), el teatro brechtiano (en gran parte desconocido en Francia antes de 1954) y las producciones de Arthur Adamov y Roger Planchon . El festival de Aviñón fue iniciado en 1947 por Jean Vilar , quien también fue importante en la creación del " Théâtre national populaire " o TNP.
Los acontecimientos de mayo de 1968 marcaron un hito en el desarrollo de una ideología radical de cambio revolucionario en la educación, las clases, la familia y la literatura. En teatro, la concepción de "creación colectiva" desarrollada por el Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine rechazaba la división entre escritores, actores y productores: el objetivo era una colaboración total, múltiples puntos de vista, la eliminación de la separación entre actores y público y que la audiencia busque su propia verdad.
Historia del teatro occidental: de griegos a isabelinos en WikibooksHistoria del teatro occidental: del siglo XVII hasta la actualidad en Wikilibros
Materiales de aprendizaje relacionados con la traducción de drama francés en Wikiversity