La teoría musical es el estudio de los marcos teóricos para comprender las prácticas y posibilidades de la música . El Oxford Companion to Music describe tres usos interrelacionados del término "teoría musical": el primero son los " rudimentos ", necesarios para comprender la notación musical ( armadura de clave , compás y notación rítmica ); el segundo es aprender las opiniones de los académicos sobre la música desde la antigüedad hasta el presente; el tercero es un subtema de la musicología que "busca definir procesos y principios generales en la música". El enfoque musicológico de la teoría difiere del análisis musical "en que toma como punto de partida no la obra o interpretación individual sino los materiales fundamentales a partir de los cuales se construye". [1]
La teoría musical se ocupa con frecuencia de describir cómo los músicos y compositores hacen música, incluyendo sistemas de afinación y métodos de composición, entre otros temas. Debido a la concepción cada vez más amplia de lo que constituye la música , una definición más inclusiva podría ser la consideración de cualquier fenómeno sonoro, incluido el silencio. Sin embargo, esto no es una guía absoluta; por ejemplo, el estudio de la "música" en el plan de estudios universitario de artes liberales Quadrivium , que era común en la Europa medieval , era un sistema abstracto de proporciones que se estudiaba cuidadosamente a distancia de la práctica musical real. [n 1] Pero esta disciplina medieval se convirtió en la base de los sistemas de afinación en siglos posteriores y generalmente se incluye en los estudios modernos sobre la historia de la teoría musical. [n 2]
La teoría musical como disciplina práctica abarca los métodos y conceptos que los compositores y otros músicos utilizan para crear e interpretar música. El desarrollo, la preservación y la transmisión de la teoría musical en este sentido se pueden encontrar en las tradiciones orales y escritas de creación musical, los instrumentos musicales y otros artefactos . Por ejemplo, los instrumentos antiguos de sitios prehistóricos de todo el mundo revelan detalles sobre la música que produjeron y potencialmente algo de la teoría musical que podrían haber utilizado sus creadores. En las culturas antiguas y vivas de todo el mundo, las raíces profundas y largas de la teoría musical son visibles en los instrumentos, las tradiciones orales y la creación musical actual. Muchas culturas también han considerado la teoría musical de formas más formales, como los tratados escritos y la notación musical . Las tradiciones prácticas y académicas se superponen, ya que muchos tratados prácticos sobre música se ubican dentro de una tradición de otros tratados, que se citan regularmente al igual que los escritos académicos citan investigaciones anteriores.
En la academia moderna, la teoría musical es un subcampo de la musicología , el estudio más amplio de las culturas y la historia musicales. Guido Adler , sin embargo, en uno de los textos que fundaron la musicología a fines del siglo XIX, escribió que "la ciencia de la música se originó al mismo tiempo que el arte de los sonidos". [3] , donde "la ciencia de la música" ( Musikwissenschaft ) obviamente significaba "teoría musical". Adler agregó que la música solo podría existir cuando uno comenzara a medir tonos y compararlos entre sí. Concluyó que "todas las personas para las que se puede hablar de un arte de los sonidos también tienen una ciencia de los sonidos". [4] Se debe deducir que la teoría musical existe en todas las culturas musicales del mundo.
La teoría musical a menudo se ocupa de aspectos musicales abstractos como la afinación y los sistemas tonales, las escalas , la consonancia y la disonancia y las relaciones rítmicas. Además, también hay un cuerpo de teoría sobre aspectos prácticos, como la creación o la interpretación de música, la orquestación , la ornamentación , la improvisación y la producción de sonido electrónico . [5] Una persona que investiga o enseña teoría musical es un teórico musical. Se requieren estudios universitarios, generalmente a nivel de maestría o doctorado , para enseñar como teórico musical titular en una universidad estadounidense o canadiense. Los métodos de análisis incluyen matemáticas, análisis gráfico y especialmente análisis habilitado por la notación musical occidental. También se utilizan métodos comparativos, descriptivos, estadísticos y otros. Los libros de texto de teoría musical , especialmente en los Estados Unidos de América, a menudo incluyen elementos de acústica musical , consideraciones de notación musical y técnicas de composición tonal ( armonía y contrapunto ), entre otros temas.
Varias tablillas de arcilla sumerias y acádicas que han sobrevivido incluyen información musical de naturaleza teórica, principalmente listas de intervalos y afinaciones . [6] El erudito Sam Mirelman informa que el más antiguo de estos textos data de antes de 1500 a. C., un milenio antes de la evidencia sobreviviente de cualquier otra cultura de pensamiento musical comparable. Además, "Todos los textos mesopotámicos [sobre música] están unidos por el uso de una terminología para la música que, según la datación aproximada de los textos, estuvo en uso durante más de 1000 años". [7]
Gran parte de la historia y la teoría de la música china siguen sin estar claras. [8]
La teoría china parte de los números, siendo los principales números musicales el doce, el cinco y el ocho. El doce se refiere al número de tonos en los que se pueden construir las escalas. El Lüshi chunqiu de alrededor del 238 a. C. recuerda la leyenda de Ling Lun . Por orden del Emperador Amarillo , Ling Lun recolectó doce trozos de bambú con nudos gruesos y uniformes. Sopló uno de ellos como si fuera una flauta y encontró su sonido agradable y lo llamó huangzhong , la "campana amarilla". Entonces escuchó a los fénix cantar. El fénix macho y la hembra cantaban seis tonos cada uno. Ling Lun cortó sus flautas de bambú para que coincidieran con los tonos de los fénix, produciendo doce flautas de tono en dos juegos: seis del fénix macho y seis del fénix hembra: estos fueron llamados lülü o más tarde shierlü . [9]
Además de los aspectos técnicos y estructurales, la teoría musical china antigua también aborda temas como la naturaleza y las funciones de la música. El Yueji ("Registro de música", siglos I y II a. C.), por ejemplo, manifiesta las teorías morales confucianas sobre la comprensión de la música en su contexto social. Estudiadas e implementadas por los eruditos y funcionarios confucianos [...], estas teorías ayudaron a formar un confucianismo musical que eclipsó, pero no borró, los enfoques rivales. Estos incluyen la afirmación de Mozi (c. 468 - c. 376 a. C.) de que la música desperdiciaba recursos humanos y materiales, y la afirmación de Laozi de que la mejor música no tenía sonidos. [...] Incluso la música de la cítara qin , un género estrechamente afiliado a los eruditos y funcionarios confucianos, incluye muchas obras con referencias taoístas , como Tianfeng huanpei ("Brisa celestial y sonidos de colgantes de jade"). [8]
El Samaveda y el Yajurveda (c. 1200-1000 a. C.) se encuentran entre los primeros testimonios de la música india, pero, propiamente hablando, no contienen ninguna teoría. El Natya Shastra , escrito entre el 200 a. C. y el 200 d. C., analiza los intervalos ( Śrutis ), las escalas ( Grāmas ), las consonancias y disonancias, las clases de estructura melódica ( Mūrchanās , ¿modos?), los tipos melódicos ( Jātis ), los instrumentos, etc. [10]
Los primeros escritos griegos conservados sobre teoría musical incluyen dos tipos de obras: [11]
Se conocen varios nombres de teóricos anteriores a estas obras, entre ellos Pitágoras ( c. 570 ~ c. 495 a. C. ), Filolao ( c. 470 ~ c. 385 a. C. ), Arquitas (428-347 a. C. ) y otros.
Las obras del primer tipo (manuales técnicos) incluyen
Otros tratados filosóficos del segundo tipo incluyen:
El instrumento pipa trajo consigo una teoría de modos musicales que posteriormente condujo a la teoría Sui y Tang de 84 modos musicales. [8]
Los teóricos de la música árabe medieval incluyen: [n 3]
El tratado latino De institutione musica del filósofo romano Boecio (escrito alrededor del año 500, traducido como Fundamentos de la música [2] ) fue una piedra de toque para otros escritos sobre música en la Europa medieval. Boecio representó la autoridad clásica en música durante la Edad Media, ya que los escritos griegos en los que basó su trabajo no fueron leídos ni traducidos por los europeos posteriores hasta el siglo XV. [21] Este tratado mantiene cuidadosamente la distancia con la práctica real de la música, centrándose principalmente en las proporciones matemáticas involucradas en los sistemas de afinación y en el carácter moral de modos particulares. Varios siglos después, comenzaron a aparecer tratados que trataban sobre la composición real de piezas de música en la tradición del canto llano . [22] A fines del siglo IX, Hucbald trabajó hacia una notación de tono más precisa para los neumas utilizados para registrar el canto llano.
Guido d'Arezzo escribió una carta a Miguel de Pomposa en 1028, titulada Epistola de ignoto cantu [23] , en la que introdujo la práctica de utilizar sílabas para describir notas e intervalos. Esta fue la fuente de la solfeo hexacordal que se utilizaría hasta el final de la Edad Media. Guido también escribió sobre las cualidades emocionales de los modos, la estructura de las frases del canto llano, el significado temporal de los neumas, etc.; sus capítulos sobre polifonía "se acercan más a la descripción e ilustración de la música real que cualquier otro relato anterior" en la tradición occidental. [21]
Durante el siglo XIII, un nuevo sistema de ritmo llamado notación mensural surgió de un método anterior, más limitado, de notación de ritmos en términos de patrones repetitivos fijos, los llamados modos rítmicos, que se desarrollaron en Francia alrededor de 1200. Una forma temprana de notación mensural fue descrita y codificada por primera vez en el tratado Ars cantus mensurabilis ("El arte del canto medido") de Franco de Colonia (c. 1280). La notación mensural usaba diferentes formas de notas para especificar diferentes duraciones, lo que permitía a los escribas capturar ritmos que variaban en lugar de repetir el mismo patrón fijo; es una notación proporcional, en el sentido de que cada valor de nota es igual a dos o tres veces el valor más corto, o la mitad o un tercio del valor más largo. Esta misma notación, transformada a través de varias extensiones y mejoras durante el Renacimiento, forma la base de la notación rítmica en la música clásica europea actual.
D'Erlanger divulga que la escala musical árabe se deriva de la escala musical griega, y que la música árabe está conectada con ciertas características de la cultura árabe, como la astrología. [20]
La música se compone de fenómenos auditivos ; la "teoría musical" estudia cómo se aplican esos fenómenos en la música. La teoría musical considera la melodía, el ritmo, el contrapunto, la armonía, la forma, los sistemas tonales, las escalas, la afinación, los intervalos, la consonancia, la disonancia, las proporciones duracionales, la acústica de los sistemas de alturas, la composición, la interpretación, la orquestación, la ornamentación, la improvisación, la producción de sonido electrónico, etc. [27]
El tono es la gravedad o la agudeza de un tono , por ejemplo, la diferencia entre un do central y un do más agudo. La frecuencia de las ondas sonoras que producen un tono se puede medir con precisión, pero la percepción del tono es más compleja porque las notas individuales de fuentes naturales suelen ser una mezcla compleja de muchas frecuencias. En consecuencia, los teóricos a menudo describen el tono como una sensación subjetiva en lugar de una medición objetiva del sonido. [28]
A las frecuencias específicas se les asignan a menudo nombres de letras. Hoy en día, la mayoría de las orquestas asignan la frecuencia A de concierto (la A que se encuentra sobre la C central del piano) a la frecuencia de 440 Hz. Esta asignación es algo arbitraria; por ejemplo, en Francia en 1859, la misma A estaba afinada a 435 Hz. Tales diferencias pueden tener un efecto notable en el timbre de los instrumentos y otros fenómenos. Por lo tanto, en la interpretación de música antigua informada históricamente , la afinación a menudo se establece para que coincida con la afinación utilizada en el período en que se escribió. Además, muchas culturas no intentan estandarizar el tono, a menudo considerando que se debe permitir que varíe según el género, el estilo, el estado de ánimo, etc.
La diferencia de tono entre dos notas se denomina intervalo . El intervalo más básico es el unísono , que son simplemente dos notas del mismo tono. El intervalo de octava son dos tonos que tienen el doble o la mitad de frecuencia uno del otro. Las características únicas de las octavas dieron lugar al concepto de clase de tono : los tonos del mismo nombre de letra que aparecen en diferentes octavas se pueden agrupar en una única "clase" ignorando la diferencia de octava. Por ejemplo, un do alto y un do bajo son miembros de la misma clase de tono, la clase que contiene todos los do. [29]
Los sistemas de afinación musical , o temperamentos, determinan el tamaño preciso de los intervalos. Los sistemas de afinación varían ampliamente dentro de las culturas del mundo y entre ellas. En la cultura occidental , desde hace mucho tiempo existen varios sistemas de afinación que compiten entre sí, todos con diferentes cualidades. A nivel internacional, el sistema conocido como temperamento igual es el más utilizado en la actualidad porque se considera el compromiso más satisfactorio que permite que los instrumentos de afinación fija (por ejemplo, el piano) suenen aceptablemente afinados en todas las tonalidades.
Las notas se pueden organizar en una variedad de escalas y modos . La teoría musical occidental generalmente divide la octava en una serie de doce tonos, llamada escala cromática , dentro de la cual el intervalo entre tonos adyacentes se llama semitono o medio paso. Al seleccionar tonos de este conjunto de 12 y organizarlos en patrones de semitonos y tonos enteros se crean otras escalas. [30]
Las escalas más comunes son la mayor de siete tonos , la menor armónica , la menor melódica y la menor natural . Otros ejemplos de escalas son la escala octatónica y la escala pentatónica o de cinco tonos, que es común en la música folclórica y el blues . Las culturas no occidentales a menudo usan escalas que no se corresponden con una división de doce tonos igualmente dividida de la octava. Por ejemplo, los sistemas musicales clásicos otomano , persa , indio y árabe a menudo hacen uso de múltiplos de cuartos de tono (la mitad del tamaño de un semitono, como indica el nombre), por ejemplo en segundos "neutrales" (tres cuartos de tono) o tercios "neutrales" (siete cuartos de tono); normalmente no usan el cuarto de tono en sí como un intervalo directo. [30]
En la notación tradicional occidental, la escala utilizada para una composición suele indicarse mediante una armadura de clave al principio para designar los tonos que componen esa escala. A medida que avanza la música, los tonos utilizados pueden cambiar e introducir una escala diferente. La música se puede transponer de una escala a otra con diversos fines, a menudo para adaptarse al rango de un vocalista. Dicha transposición aumenta o disminuye el rango de tono general, pero conserva las relaciones interválicas de la escala original. Por ejemplo, la transposición de la tonalidad de do mayor a re mayor eleva todos los tonos de la escala de do mayor por igual en un tono entero . Dado que las relaciones interválicas permanecen inalteradas, la transposición puede pasar desapercibida para un oyente, sin embargo, otras cualidades pueden cambiar notablemente porque la transposición cambia la relación del rango de tono general en comparación con el rango de los instrumentos o voces que interpretan la música. Esto a menudo afecta el sonido general de la música, además de tener implicaciones técnicas para los intérpretes. [31]
La interrelación de las tonalidades más comúnmente utilizadas en la música tonal occidental se muestra convenientemente mediante el círculo de quintas . A veces también se idean armaduras de tonalidad únicas para una composición en particular. Durante el período barroco, las asociaciones emocionales con tonalidades específicas, conocidas como la doctrina de los afectos , fueron un tema importante en la teoría musical, pero las coloraciones tonales únicas de las tonalidades que dieron lugar a esa doctrina se borraron en gran medida con la adopción del temperamento igual. Sin embargo, muchos músicos siguen sintiendo que ciertas tonalidades son más apropiadas para ciertas emociones que otras. La teoría de la música clásica india continúa asociando fuertemente las tonalidades con estados emocionales, momentos del día y otros conceptos extramusicales y, notablemente, no emplea el temperamento igual.
La consonancia y la disonancia son cualidades subjetivas de la sonoridad de los intervalos que varían ampliamente en diferentes culturas y a lo largo de las épocas. La consonancia (o concordancia) es la cualidad de un intervalo o acorde que parece estable y completo en sí mismo. La disonancia (o discordia) es lo opuesto, ya que parece incompleta y "quiere" resolverse en un intervalo consonante. Los intervalos disonantes parecen chocar. Los intervalos consonantes parecen sonar cómodos juntos. Comúnmente, las cuartas, quintas y octavas perfectas y todas las terceras y sextas mayores y menores se consideran consonantes. Todos los demás son disonantes en mayor o menor grado. [32]
El contexto y muchos otros aspectos pueden afectar la disonancia y consonancia aparentes. Por ejemplo, en un preludio de Debussy, una segunda mayor puede sonar estable y consonante, mientras que el mismo intervalo puede sonar disonante en una fuga de Bach. En la era de la práctica común , la cuarta perfecta se considera disonante cuando no está respaldada por una tercera o quinta inferior. Desde principios del siglo XX, el concepto de disonancia "emancipada" de Arnold Schoenberg , en el que los intervalos tradicionalmente disonantes pueden tratarse como consonancias "superiores", más remotas, ha sido más ampliamente aceptado. [32]
El ritmo se produce por la disposición secuencial de sonidos y silencios en el tiempo. El compás mide la música en grupos de pulsos regulares, llamados compases o compases . La signatura de tiempo o compás especifica cuántos pulsos hay en un compás y qué valor de nota escrita se cuenta o se siente como un solo pulso.
Mediante un mayor énfasis o variaciones en la duración o la articulación, se pueden acentuar tonos particulares. Existen convenciones en la mayoría de las tradiciones musicales para la acentuación regular y jerárquica de los pulsos para reforzar un compás determinado. Los ritmos sincopados contradicen esas convenciones al acentuar partes inesperadas del pulso. [33] Tocar ritmos simultáneos en más de un compás se denomina polirritmia . [34]
En los últimos años, el ritmo y el compás se han convertido en un área importante de investigación entre los estudiosos de la música. Los más citados de estos estudiosos recientes son Maury Yeston , [35] Fred Lerdahl y Ray Jackendoff , [36] Jonathan Kramer , [37] y Justin London. [38]
Una melodía es un grupo de sonidos musicales en una sucesión o disposición agradable. [40] Debido a que la melodía es un aspecto tan destacado en gran parte de la música, su construcción y otras cualidades son de interés primordial para la teoría musical.
Los elementos básicos de la melodía son el tono, la duración, el ritmo y el tempo. Los tonos de una melodía suelen extraerse de sistemas de tonos como las escalas o los modos . La melodía puede constar, en mayor o menor medida, de figura, motivo, semifrase, frase antecedente y consecuente, y período u oración. El período puede considerarse la melodía completa, sin embargo, algunos ejemplos combinan dos períodos o utilizan otras combinaciones de constituyentes para crear melodías de forma más amplia. [41]
Un acorde, en música, es cualquier conjunto armónico de tres o más notas que se escucha como si sonaran simultáneamente . [42] : pp. 67, 359 [43] : p. 63 En realidad, no es necesario tocarlas juntas: los arpegios y los acordes quebrados pueden, para muchos propósitos prácticos y teóricos, constituir acordes. Los acordes y las secuencias de acordes se utilizan con frecuencia en la música moderna occidental, de África occidental [44] y de Oceanía [45] , mientras que están ausentes en la música de muchas otras partes del mundo. [46] : p. 15
Los acordes más frecuentes son las tríadas , llamadas así porque constan de tres notas distintas: se pueden añadir notas adicionales para dar acordes de séptima , acordes extendidos o acordes de tono añadido . Los acordes más comunes son las tríadas mayores y menores y luego las tríadas aumentadas y disminuidas . Las descripciones mayor , menor , aumentada y disminuida a veces se denominan colectivamente calidad de acorde . Los acordes también se clasifican comúnmente por su nota fundamental ; así, por ejemplo, el acorde C mayor puede describirse como una tríada de calidad mayor construida sobre la nota C. Los acordes también pueden clasificarse por inversión , el orden en el que se apilan las notas.
Una serie de acordes se denomina progresión de acordes . Aunque, en principio, cualquier acorde puede ir seguido de cualquier otro, se han aceptado ciertos patrones de acordes como los que establecen la tonalidad en la armonía de práctica común . Para describir esto, los acordes se numeran, utilizando números romanos (de arriba a abajo desde la nota clave), [47] según su función diatónica . Las formas comunes de notar o representar acordes [48] en la música occidental, distintas de la notación convencional de pentagrama , incluyen números romanos , bajo cifrado (muy utilizado en la era barroca ), letras de acordes (a veces utilizadas en la musicología moderna ) y varios sistemas de diagramas de acordes que se encuentran típicamente en las partituras principales utilizadas en la música popular para diseñar la secuencia de acordes de modo que el músico pueda tocar acordes de acompañamiento o improvisar un solo.
En música, la armonía es el uso de tonos simultáneos ( tonos , notas ) o acordes . [46] : p. 15 El estudio de la armonía involucra acordes y su construcción y progresiones de acordes y los principios de conexión que los gobiernan. [49] A menudo se dice que la armonía se refiere al aspecto "vertical" de la música, a diferencia de la línea melódica , o el aspecto "horizontal". [50] El contrapunto , que se refiere al entrelazamiento de líneas melódicas, y la polifonía , que se refiere a la relación de voces independientes separadas, a veces se distinguen de la armonía. [51]
En la armonía popular y del jazz , los acordes se nombran por su raíz más varios términos y caracteres que indican sus cualidades. Por ejemplo, una partitura principal puede indicar acordes como Do mayor, Re menor y Sol séptima dominante. En muchos tipos de música, en particular el barroco, el romántico, el moderno y el jazz, los acordes suelen aumentarse con "tensiones". Una tensión es un miembro adicional del acorde que crea un intervalo relativamente disonante en relación con el bajo. Es parte de un acorde, pero no es uno de los tonos del acorde (1 3 5 7). Por lo general, en el período de práctica común clásica , un acorde disonante (acorde con tensión) "se resuelve" en un acorde consonante. La armonización suele sonar agradable al oído cuando hay un equilibrio entre los sonidos consonantes y disonantes. En palabras simples, eso ocurre cuando hay un equilibrio entre los momentos "tensos" y "relajados". [52] [ ¿ fuente poco confiable? ]
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El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es el fenómeno principal que nos permite distinguir un instrumento de otro cuando ambos tocan al mismo tono y volumen, una cualidad de una voz o instrumento que a menudo se describe en términos como brillante, apagado, estridente, etc. Es de considerable interés en la teoría musical, especialmente porque es un componente de la música que aún no tiene una nomenclatura estandarizada. Se lo ha llamado "... la categoría multidimensional de la papelera psicoacústica para todo lo que no se puede etiquetar como tono o volumen", [53] pero que se puede describir y analizar con precisión mediante el análisis de Fourier y otros métodos [54] porque resulta de la combinación de todas las frecuencias de sonido , envolventes de ataque y liberación y otras cualidades que comprende un tono.
El timbre está determinado principalmente por dos cosas: (1) el equilibrio relativo de los armónicos producidos por un instrumento determinado debido a su construcción (por ejemplo, forma, material), y (2) la envolvente del sonido (incluidos los cambios en la estructura de los armónicos a lo largo del tiempo). El timbre varía ampliamente entre diferentes instrumentos, voces y, en menor grado, entre instrumentos del mismo tipo debido a las variaciones en su construcción y, significativamente, a la técnica del intérprete. El timbre de la mayoría de los instrumentos se puede cambiar empleando diferentes técnicas al tocar. Por ejemplo, el timbre de una trompeta cambia cuando se inserta una sordina en la campana, el intérprete cambia su embocadura o volumen. [ cita requerida ]
Una voz puede cambiar su timbre por la forma en que el intérprete manipula su aparato vocal (por ejemplo, la forma de la cavidad vocal o la boca). La notación musical con frecuencia especifica la alteración del timbre mediante cambios en la técnica de sonorización, el volumen, el acento y otros medios. Estos se indican de diversas formas mediante instrucciones simbólicas y verbales. Por ejemplo, la palabra dolce (dulcemente) indica un timbre suave y "dulce" no específico, pero comúnmente entendido. Sul tasto indica a un músico de cuerdas que toque el diapasón con el arco o sobre él para producir un sonido menos brillante. Cuivre indica a un músico de metales que produzca un sonido metálico forzado y estridente. Los símbolos de acento como marcato (^) y las indicaciones dinámicas ( pp ) también pueden indicar cambios en el timbre. [55]
En música, la " dinámica " normalmente se refiere a variaciones de intensidad o volumen, como las que pueden medir los físicos e ingenieros de audio en decibelios o fonios . Sin embargo, en notación musical, la dinámica no se trata como valores absolutos, sino como valores relativos. Debido a que generalmente se mide de manera subjetiva, existen factores además de la amplitud que afectan la interpretación o la percepción de la intensidad, como el timbre, el vibrato y la articulación.
Las indicaciones convencionales de dinámica son abreviaturas de palabras italianas como forte ( f ) para fuerte y piano ( p ) para suave. Estas dos notaciones básicas se modifican con indicaciones que incluyen mezzo piano ( mp ) para moderadamente suave (literalmente "medio suave") y mezzo forte ( mf ) para moderadamente fuerte, sforzando o sforzato ( sfz ) para un ataque repentino o "empujado", o fortepiano ( fp ) para un ataque fuerte con una disminución repentina a un nivel suave. El rango completo de estas marcas generalmente varía desde un pianissississimo casi inaudible ( pppp ) hasta un fortissississimo lo más fuerte posible ( ffff ).
En ocasiones se encuentran extremos mayores de pppppp y fffff y matices como p+ o più piano . También se utilizan otros sistemas de indicación de volumen tanto en notación como en análisis: dB (decibelios), escalas numéricas, notas de colores o de diferentes tamaños, palabras en idiomas distintos del italiano y símbolos como los de aumento progresivo del volumen ( crescendo ) o decrecimiento del volumen ( diminuendo o decrescendo ), a menudo llamados " horquillas " cuando se indican con líneas divergentes o convergentes como se muestra en el gráfico anterior.
La articulación es la forma en que el intérprete hace sonar las notas. Por ejemplo, el staccato es la reducción de la duración en comparación con el valor de la nota escrita, mientras que el legato interpreta las notas en una secuencia unida de forma suave y sin separación. La articulación suele describirse en lugar de cuantificarse, por lo que hay margen para interpretar cómo ejecutar con precisión cada articulación.
Por ejemplo, el staccato suele denominarse "separado" o "desprendido" en lugar de tener una cantidad definida o numerada por la cual reducir la duración anotada. Los violinistas utilizan una variedad de técnicas para interpretar diferentes calidades de staccato. La forma en que un intérprete decide ejecutar una articulación determinada generalmente se basa en el contexto de la pieza o frase, pero muchos símbolos de articulación e instrucciones verbales dependen del instrumento y del período musical (por ejemplo, viola, viento; clásico, barroco; etc.).
Existe un conjunto de articulaciones que la mayoría de los instrumentos y voces realizan en común. Son, de larga a corta: legato (suave, conectado); tenuto (presionado o tocado hasta la duración completa de la notación); marcato (acentuado y separado); staccato ("separado", "separado"); martelé (fuertemente acentuado o "martillado"). [ contradictorio ] Muchas de estas pueden combinarse para crear ciertas articulaciones "intermedias". Por ejemplo, portato es la combinación de tenuto y staccato . Algunos instrumentos tienen métodos únicos para producir sonidos, como spiccato para cuerdas frotadas, donde el arco rebota en la cuerda.
En música, la textura es la forma en que se combinan los materiales melódicos , rítmicos y armónicos en una composición , determinando así la calidad general del sonido de una pieza. La textura se describe a menudo en relación con la densidad o el grosor y el rango o la amplitud entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos, así como también se distingue más específicamente según el número de voces o partes y la relación entre estas voces. Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una de estas capas podría ser una sección de cuerdas u otro instrumento de viento.
El grosor también se ve afectado por el número y la riqueza de los instrumentos que tocan la pieza. El grosor varía de ligero a grueso. Una pieza con una textura ligera tendrá una puntuación ligera y escasa. Una pieza con una textura gruesa o muy fuerte tendrá puntuación para muchos instrumentos. La textura de una pieza puede verse afectada por el número y el carácter de las partes que se tocan a la vez, el timbre de los instrumentos o las voces que tocan estas partes y la armonía, el tempo y los ritmos utilizados. [57] Los tipos categorizados por número y relación de partes se analizan y determinan a través del etiquetado de elementos texturales primarios: melodía primaria, melodía secundaria, melodía de apoyo paralela, apoyo estático, apoyo armónico, apoyo rítmico y apoyo armónico y rítmico. [58] [ cita corta incompleta ]
Los tipos más comunes incluyen la textura monofónica (una sola voz melódica, como una pieza para soprano solista o flauta solista), la textura bifónica (dos voces melódicas, como un dúo para fagot y flauta en el que el fagot toca una nota de zumbido y la flauta toca la melodía), la textura polifónica y la textura homofónica (acordes que acompañan a una melodía). [ cita requerida ]
El término forma musical (o arquitectura musical) se refiere a la estructura o plan general de una pieza musical, y describe el diseño de una composición dividida en secciones. [60] En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un medio exitoso entre los extremos opuestos de la repetición sin alivio y la alteración sin alivio". [61] Según Richard Middleton , la forma musical es "la forma o estructura de la obra". La describe a través de la diferencia: la distancia recorrida desde una repetición ; siendo esta última la diferencia más pequeña. La diferencia es cuantitativa y cualitativa: hasta qué punto y de qué tipo es diferente. En muchos casos, la forma depende de la declaración y la reformulación , la unidad y la variedad, y el contraste y la conexión. [62]
La expresión musical es el arte de tocar o cantar música con comunicación emocional. Los elementos musicales que componen la expresión incluyen indicaciones dinámicas, como el forte o el piano, el fraseo , diferentes calidades de timbre y articulación, color, intensidad, energía y entusiasmo. El intérprete puede incorporar todos estos recursos. Un intérprete tiene como objetivo provocar respuestas de sentimiento de simpatía en el público y excitar, calmar o influir de otro modo en las respuestas físicas y emocionales del público. A veces se piensa que la expresión musical se produce mediante una combinación de otros parámetros y, a veces, se describe como una cualidad trascendente que es más que la suma de cantidades mensurables como el tono o la duración.
La expresión en los instrumentos puede estar estrechamente relacionada con el papel de la respiración al cantar y la capacidad natural de la voz para expresar sentimientos, emociones y emociones profundas. [ aclaración necesaria ] Si estos pueden categorizarse de alguna manera es quizás el ámbito de los académicos, quienes ven la expresión como un elemento de la interpretación musical que encarna una emoción consistentemente reconocible , idealmente causando una respuesta emocional comprensiva en sus oyentes. [ 63 ] El contenido emocional de la expresión musical es distinto del contenido emocional de sonidos específicos (por ejemplo, un 'bang' sorprendentemente fuerte) y de asociaciones aprendidas (por ejemplo, un himno nacional ), pero rara vez puede separarse completamente de su contexto. [ cita requerida ]
Los componentes de la expresión musical siguen siendo objeto de una disputa extensa y sin resolver. [64] [65] [66] [67] [68] [69]
La notación musical es la representación escrita o simbolizada de la música. Esto se logra con mayor frecuencia mediante el uso de símbolos gráficos de comprensión común e instrucciones verbales escritas y sus abreviaturas. Existen muchos sistemas de notación musical de diferentes culturas y diferentes épocas. La notación occidental tradicional evolucionó durante la Edad Media y sigue siendo un área de experimentación e innovación. [70] En la década de 2000, los formatos de archivos informáticos también han adquirido importancia. [71] El lenguaje hablado y los signos con las manos también se utilizan para representar simbólicamente la música, principalmente en la enseñanza.
En la notación musical occidental estándar, los tonos se representan gráficamente mediante símbolos (notas) colocados en uno o varios pentagramas, donde el eje vertical corresponde al tono y el eje horizontal al tiempo. Las formas de las cabezas de las notas, las plicas, las banderas, las ligaduras y los puntos se utilizan para indicar la duración. Otros símbolos indican tonalidades, dinámicas, acentos, silencios, etc. Las instrucciones verbales del director se utilizan a menudo para indicar el tempo, la técnica y otros aspectos.
En la música occidental se utilizan distintos sistemas de notación musical. En la música clásica occidental, los directores utilizan partituras impresas que muestran todas las partes de los instrumentos y los miembros de la orquesta leen las partes con sus líneas musicales escritas. En los estilos populares de música, es posible que se escriba una parte mucho menor de la música. Una banda de rock puede empezar una sesión de grabación con tan solo un diagrama de acordes escrito a mano que indica la progresión de acordes de la canción utilizando los nombres de los acordes (por ejemplo, do mayor, re menor, sol séptima, etc.). Todos los acordes, ritmos y figuras de acompañamiento son improvisados por los miembros de la banda.
El estudio académico de la teoría musical en el siglo XX tiene varios subcampos diferentes, cada uno de los cuales adopta una perspectiva diferente sobre cuáles son los principales fenómenos de interés y los métodos más útiles para la investigación.
El análisis musical es el intento de responder a la pregunta ¿cómo funciona esta música? El método empleado para responder a esta pregunta, y de hecho exactamente lo que se quiere decir con la pregunta, difiere de un analista a otro, y de acuerdo con el propósito del análisis. Según Ian Bent , "el análisis, como una actividad en sí misma, llegó a establecerse recién a fines del siglo XIX; su surgimiento como enfoque y método se remonta a la década de 1750. Sin embargo, existió como una herramienta académica, aunque auxiliar, desde la Edad Media en adelante". [72] [ cita corta incompleta ] Adolf Bernhard Marx influyó en la formalización de conceptos sobre composición y comprensión musical hacia la segunda mitad del siglo XIX. El principio del análisis ha sido criticado de diversas formas, especialmente por compositores, como la afirmación de Edgard Varèse de que "explicar por medio del [análisis] es descomponer, mutilar el espíritu de una obra". [73]
El análisis schenkeriano es un método de análisis musical de la música tonal basado en las teorías de Heinrich Schenker (1868-1935). El objetivo de un análisis schenkeriano es interpretar la estructura subyacente de una obra tonal y ayudar a leer la partitura de acuerdo con esa estructura. Los principios básicos de la teoría pueden verse como una forma de definir la tonalidad en la música. Un análisis schenkeriano de un pasaje de música muestra relaciones jerárquicas entre sus tonos y extrae conclusiones sobre la estructura del pasaje a partir de esta jerarquía. El análisis hace uso de una forma simbólica especializada de notación musical que Schenker ideó para demostrar varias técnicas de elaboración . El concepto más fundamental de la teoría de la tonalidad de Schenker puede ser el de espacio tonal . [74] Los intervalos entre las notas de la tríada tónica forman un espacio tonal que se llena de notas de paso y vecinas, produciendo nuevas tríadas y nuevos espacios tonales, abiertos a elaboraciones posteriores hasta que se alcanza la superficie de la obra (la partitura).
Aunque el propio Schenker suele presentar sus análisis en la dirección generativa, partiendo de la estructura fundamental ( Ursatz ) para llegar a la partitura, la práctica del análisis schenkeriano es más a menudo reductiva, partiendo de la partitura y mostrando cómo se puede reducir a su estructura fundamental. El grafo del Ursatz es arrítmico, como lo es un ejercicio de cantus firmus de contrapunto estricto. [75] Incluso en niveles intermedios de la reducción, la notación rítmica (cabezas de nota abiertas y cerradas, barras y banderas) no muestra el ritmo sino las relaciones jerárquicas entre los eventos de tono. El análisis schenkeriano es subjetivo . No hay ningún procedimiento mecánico involucrado y el análisis refleja las intuiciones musicales del analista. [76] El análisis representa una forma de escuchar (y leer) una pieza musical.
La teoría transformacional es una rama de la teoría musical desarrollada por David Lewin en la década de 1980, e introducida formalmente en su obra de 1987, Intervalos musicales generalizados y transformaciones . La teoría, que modela las transformaciones musicales como elementos de un grupo matemático , se puede utilizar para analizar tanto la música tonal como la atonal . El objetivo de la teoría transformacional es cambiar el enfoque de los objetos musicales, como el " acorde de do mayor " o el "acorde de sol mayor", a las relaciones entre objetos. Así, en lugar de decir que un acorde de do mayor es seguido por un acorde de sol mayor, un teórico transformacional podría decir que el primer acorde ha sido "transformado" en el segundo por la " operación dominante ". (Simbólicamente, se podría escribir "Dominante (do mayor) = sol mayor"). Mientras que la teoría de conjuntos musicales tradicional se centra en la composición de los objetos musicales, la teoría transformacional se centra en los intervalos o tipos de movimiento musical que pueden ocurrir. Según la descripción que hace Lewin de este cambio de énfasis, "la actitud [transformacional] no pide alguna medida observada de extensión entre 'puntos' reificados; más bien pregunta: 'Si estoy en s y deseo llegar a t, ¿qué gesto característico debo realizar para llegar allí?'" [77].
La psicología musical o psicología de la música puede considerarse una rama tanto de la psicología como de la musicología . Su objetivo es explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musicales , incluidos los procesos a través de los cuales se percibe, crea, responde a la música y se incorpora a la vida cotidiana. [78] [79] La psicología musical moderna es principalmente empírica ; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de interpretaciones de datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con participantes humanos . La psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical , la composición , la educación , la crítica y la terapia , así como las investigaciones sobre la aptitud , la habilidad, la inteligencia , la creatividad y el comportamiento social humanos .
La psicología musical puede arrojar luz sobre aspectos no psicológicos de la musicología y la práctica musical. Por ejemplo, contribuye a la teoría musical a través de investigaciones sobre la percepción y el modelado computacional de estructuras musicales como la melodía , la armonía , la tonalidad , el ritmo , la métrica y la forma . La investigación en historia de la música puede beneficiarse del estudio sistemático de la historia de la sintaxis musical o de los análisis psicológicos de compositores y composiciones en relación con las respuestas perceptivas, afectivas y sociales a su música.
Un género musical es una categoría convencional que identifica algunas piezas musicales como pertenecientes a una tradición compartida o un conjunto de convenciones. [80] Debe distinguirse de la forma musical y el estilo musical , aunque en la práctica estos términos a veces se usan indistintamente. [81] [ verificación fallida ]
La música se puede dividir en diferentes géneros de muchas maneras diferentes. La naturaleza artística de la música significa que estas clasificaciones son a menudo subjetivas y controvertidas, y algunos géneros pueden superponerse. Incluso existen diferentes definiciones académicas del término género en sí. En su libro Form in Tonal Music , Douglass M. Green distingue entre género y forma . Enumera el madrigal , el motete , la canzona , el ricercar y la danza como ejemplos de géneros del período del Renacimiento . Para aclarar aún más el significado de género , Green escribe: "El Op. 61 de Beethoven y el Op. 64 de Mendelssohn son idénticos en género (ambos son conciertos para violín), pero diferentes en forma. Sin embargo, el Rondo para piano, K. 511, de Mozart, y el Agnus Dei de su Misa, K. 317 son bastante diferentes en género, pero resultan ser similares en forma". [82] Algunos, como Peter van der Merwe , tratan los términos género y estilo como si fueran lo mismo, diciendo que el género debería definirse como piezas musicales que provienen del mismo estilo o "lenguaje musical básico". [83]
Otros, como Allan F. Moore, afirman que género y estilo son dos términos separados, y que características secundarias como el tema también pueden diferenciar entre géneros. [84] Un género o subgénero musical también puede definirse por las técnicas musicales , el estilo, el contexto cultural y el contenido y espíritu de los temas. El origen geográfico a veces se utiliza para identificar un género musical, aunque una única categoría geográfica a menudo incluirá una amplia variedad de subgéneros. Timothy Laurie sostiene que "desde principios de la década de 1980, el género ha pasado de ser un subconjunto de los estudios de música popular a ser un marco casi omnipresente para constituir y evaluar objetos de investigación musical". [85]
La técnica musical es la capacidad de los músicos instrumentales y vocales de ejercer un control óptimo de sus instrumentos o cuerdas vocales para producir efectos musicales precisos. Mejorar la técnica generalmente implica practicar ejercicios que mejoren la sensibilidad y la agilidad muscular. Para mejorar la técnica, los músicos a menudo practican patrones fundamentales de notas como las escalas natural , menor , mayor y cromática , tríadas menores y mayores , séptimas dominantes y disminuidas , patrones de fórmulas y arpegios . Por ejemplo, las tríadas y las séptimas enseñan a tocar acordes con precisión y velocidad. Las escalas enseñan a moverse rápidamente y con gracia de una nota a otra (generalmente por pasos). Los arpegios enseñan a tocar acordes rotos en intervalos más amplios. Muchos de estos componentes de la música se encuentran en las composiciones, por ejemplo, una escala es un elemento muy común de las composiciones de la era clásica y romántica. [ cita requerida ]
Heinrich Schenker sostuvo que la "característica más llamativa y distintiva" de la técnica musical es la repetición . [86] Las obras conocidas como études (que significa "estudio") también se utilizan con frecuencia para mejorar la técnica.
Los teóricos de la música a veces usan las matemáticas para entender la música, y aunque la música no tiene una base axiomática en las matemáticas modernas, las matemáticas son "la base del sonido" y el sonido en sí mismo "en sus aspectos musicales... exhibe una notable variedad de propiedades numéricas", simplemente porque la naturaleza misma "es asombrosamente matemática". [87] El intento de estructurar y comunicar nuevas formas de componer y escuchar música ha llevado a aplicaciones musicales de la teoría de conjuntos , el álgebra abstracta y la teoría de números . Algunos compositores han incorporado la proporción áurea y los números de Fibonacci en su trabajo. [88] [89] Existe una larga historia de examen de las relaciones entre la música y las matemáticas. Aunque se sabe que los antiguos chinos, egipcios y mesopotámicos estudiaron los principios matemáticos del sonido, [90] los pitagóricos (en particular Filolao y Arquitas ) [91] de la antigua Grecia fueron los primeros investigadores conocidos por haber investigado la expresión de escalas musicales en términos de proporciones numéricas .
En la era moderna, la teoría de conjuntos musicales utiliza el lenguaje de la teoría matemática de conjuntos de una manera elemental para organizar objetos musicales y describir sus relaciones. Para analizar la estructura de una pieza de música (típicamente atonal) utilizando la teoría de conjuntos musicales, uno usualmente comienza con un conjunto de tonos, que podrían formar motivos o acordes. Aplicando operaciones simples como la transposición y la inversión , uno puede descubrir estructuras profundas en la música. Operaciones como la transposición y la inversión son llamadas isometrías porque preservan los intervalos entre tonos en un conjunto. Ampliando los métodos de la teoría de conjuntos musicales, algunos teóricos han usado álgebra abstracta para analizar la música. Por ejemplo, las clases de tonos en una octava igualmente temperada forman un grupo abeliano con 12 elementos. Es posible describir la entonación justa en términos de un grupo abeliano libre . [92]
En teoría musical, el serialismo es un método o técnica de composición que utiliza una serie de valores para manipular diferentes elementos musicales . El serialismo comenzó principalmente con la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg , aunque sus contemporáneos también estaban trabajando para establecer el serialismo como un ejemplo de pensamiento postonal . La técnica dodecafónica ordena las doce notas de la escala cromática , formando una fila o serie y proporcionando una base unificadora para la melodía , la armonía , las progresiones estructurales y las variaciones de una composición . Otros tipos de serialismo también trabajan con conjuntos , colecciones de objetos, pero no necesariamente con series de orden fijo, y extienden la técnica a otras dimensiones musicales (a menudo llamadas " parámetros "), como la duración , la dinámica y el timbre . La idea del serialismo también se aplica de diversas formas en las artes visuales, el diseño y la arquitectura [93]
El «serialismo integral» o «serialismo total» es el uso de series para aspectos como la duración, la dinámica y el registro, así como el tono. [94] Otros términos, utilizados especialmente en Europa para distinguir la música serial posterior a la Segunda Guerra Mundial de la música dodecafónica y sus extensiones estadounidenses, son «serialismo general» y «serialismo múltiple». [95]
La teoría de conjuntos musicales proporciona conceptos para categorizar objetos musicales y describir sus relaciones. Muchas de las nociones fueron elaboradas por primera vez por Howard Hanson (1960) en relación con la música tonal, y luego desarrolladas principalmente en relación con la música atonal por teóricos como Allen Forte (1973), basándose en el trabajo sobre la teoría dodecafónica de Milton Babbitt. Los conceptos de la teoría de conjuntos son muy generales y se pueden aplicar a estilos tonales y atonales en cualquier sistema de afinación igualmente temperado, y en cierta medida de manera más general. [ cita requerida ]
Una rama de la teoría de conjuntos musicales se ocupa de las colecciones (conjuntos y permutaciones) de tonos y clases de tonos (teoría de conjuntos de clases de tonos), que pueden estar ordenados o no, y pueden relacionarse mediante operaciones musicales como la transposición , la inversión y la complementación . Los métodos de la teoría de conjuntos musicales se aplican también a veces al análisis del ritmo. [ cita requerida ]
La semiología musical ( semiótica ) es el estudio de los signos en relación con la música en distintos niveles. Siguiendo a Roman Jakobson , Kofi Agawu adopta la idea de que la semiosis musical es introversiva o extroversiva, es decir, signos musicales dentro de un texto y fuera de él. [ cita requerida ] Los "temas", o diversas convenciones musicales (como los llamados de trompa, las formas de danza y los estilos), han sido tratados de manera sugerente por Agawu, entre otros. [ cita requerida ] La noción de gesto está comenzando a desempeñar un papel importante en la investigación semiótica-musical. [ cita requerida ]
Entre los escritores sobre semiología musical se incluyen Kofi Agawu (sobre teoría temática), [ cita requerida ] Heinrich Schenker , [104] [105] Robert Hatten (sobre el tema, el gesto) [ cita requerida ] , Raymond Monelle (sobre el tema, el significado musical) [ cita requerida ] , Jean-Jacques Nattiez (sobre análisis taxonómico introversivo y aplicaciones etnomusicológicas) [ cita requerida ] , Anthony Newcomb (sobre narratividad) [ cita requerida ] y Eero Tarasti [ cita requerida ] .
Roland Barthes , semiótico y pianista aficionado experto, escribió sobre música en Imagen-Música-Texto, [ cita completa requerida ] Las responsabilidades de la forma, [ cita completa requerida ] y La Torre Eiffel, [ cita completa requerida ] aunque no consideraba que la música fuera un sistema semiótico [ cita completa requerida ] .
Los signos, los significados en la música, ocurren esencialmente a través de las connotaciones de los sonidos, y a través de la construcción social, apropiación y amplificación de ciertos significados asociados con estas connotaciones. El trabajo de Philip Tagg ( Ten Little Tunes , [ cita completa requerida ] Fernando the Flute , [ cita completa requerida ] Music's Meanings [ cita completa requerida ] ) proporciona uno de los análisis más completos y sistemáticos de la relación entre las estructuras musicales y las connotaciones en la música occidental y especialmente popular, televisiva y cinematográfica. El trabajo de Leonard B. Meyer en Style and Music [ cita completa requerida ] teoriza la relación entre las ideologías y las estructuras musicales y los fenómenos del cambio de estilo, y se centra en el romanticismo como estudio de caso.
La teoría musical en el sentido práctico ha sido parte de la educación en conservatorios y escuelas de música durante siglos, pero el estatus que tiene actualmente la teoría musical dentro de las instituciones académicas es relativamente reciente. En la década de 1970, pocas universidades tenían programas dedicados a la teoría musical, muchos teóricos de la música se habían formado como compositores o historiadores y existía la creencia entre los teóricos de que la enseñanza de la teoría musical era inadecuada y que la materia no estaba debidamente reconocida como una disciplina académica por derecho propio. [106] Un número cada vez mayor de académicos comenzó a promover la idea de que la teoría musical debería ser enseñada por teóricos, en lugar de compositores, intérpretes o historiadores de la música. [106] Esto condujo a la fundación de la Society for Music Theory en los Estados Unidos en 1977. En Europa, la Société d'Analyse musicale francesa se fundó en 1985. Convocó la Primera Conferencia Europea de Análisis Musical en 1989, que resultó en la fundación de la Société belge d'Analyse musicale en Bélgica y el Gruppo analisi e teoria musicale en Italia el mismo año, la Society for Music Analysis en el Reino Unido en 1991, la Vereniging voor Muziektheorie en los Países Bajos en 1999 y la Gesellschaft für Musiktheorie en Alemania en 2000. [107] Más tarde les siguieron la Sociedad Rusa de Teoría Musical en 2013, la Sociedad Polaca de Análisis Musical en 2015 y la Sociedad de Análisis y Teoría Musical en España en 2020, y otras están en construcción. Estas sociedades coordinan la publicación de trabajos sobre teoría musical y apoyan el desarrollo profesional de los investigadores en esta materia. En 2018 formaron una red de sociedades europeas de teoría y/o análisis de la música, la EuroT&AM.
Como parte de su formación inicial, los teóricos de la música normalmente completarán una licenciatura en música (o un campo relacionado) y , en muchos casos, una maestría en teoría musical. Algunas personas postulan directamente desde una licenciatura a un doctorado y, en estos casos, es posible que no reciban una maestría. En la década de 2010, dada la naturaleza cada vez más interdisciplinaria de los programas de posgrado universitarios, algunos solicitantes de programas de doctorado en teoría musical pueden tener formación académica tanto en música como fuera de ella (por ejemplo, un estudiante puede postularse con una licenciatura en música y una maestría en composición musical o filosofía de la música).
La mayoría de los teóricos de la música trabajan como instructores, profesores o catedráticos en colegios, universidades o conservatorios . El mercado laboral para los puestos de profesor titular es muy competitivo: con un promedio de alrededor de 25 puestos de profesor titular anunciados por año en la última década, se producen entre 80 y 100 graduados de doctorado cada año (según la Encuesta de Doctorados Obtenidos) que compiten no solo entre sí por esos puestos, sino también con solicitantes de empleo que recibieron doctorados en años anteriores y que todavía están buscando un trabajo titular. Los solicitantes deben tener un doctorado completo o el título equivalente (o esperar recibir uno dentro de un año de ser contratados, llamado etapa "ABD", por " All But Dissertation ") y (para puestos más altos) tener un sólido historial de publicación en revistas revisadas por pares. Algunos teóricos de la música con doctorado solo pueden encontrar puestos inseguros como profesores temporales . Las tareas laborales de un teórico musical son las mismas que las de un profesor de cualquier otra disciplina de humanidades: impartir clases de grado y/o posgrado en esta área de especialización y, en muchos casos, algunos cursos generales (como Apreciación musical o Introducción a la teoría musical), realizar investigaciones en esta área de especialización, publicar artículos de investigación en revistas arbitradas, escribir capítulos de libros, libros o libros de texto, viajar a congresos para presentar trabajos y aprender sobre investigaciones en el campo y, si el programa incluye una escuela de posgrado, supervisar a los estudiantes de maestría y doctorado y orientarlos en la preparación de sus tesis y disertaciones. Algunos profesores de teoría musical pueden asumir puestos administrativos de alto nivel en su institución, como decano o presidente de la Facultad de Música.
sosteniendo la nota sobre los pulsos fuertes e introduciendo un cambio repentino en el compás.
La superposición de diferentes ritmos o metros.
