El realismo en las artes es generalmente el intento de representar un tema con sinceridad, sin artificialidad y evitando elementos especulativos y sobrenaturales . El término suele utilizarse indistintamente con naturalismo , aunque estos términos no son sinónimos. El naturalismo, como idea relacionada con la representación visual en el arte occidental, busca representar objetos con la menor distorsión posible y está ligado al desarrollo de la perspectiva lineal y el ilusionismo en la Europa del Renacimiento . [1] El realismo, si bien se basa en la representación naturalista y un alejamiento de la idealización del arte académico anterior , a menudo se refiere a un movimiento histórico del arte específico que se originó en Francia después de la Revolución Francesa de 1848 . Con artistas como Gustave Courbet capitalizando lo mundano, lo feo o lo sórdido, el realismo fue motivado por el renovado interés en el hombre común y el surgimiento de la política de izquierda . [2] Los pintores realistas rechazaron el romanticismo , que había llegado a dominar la literatura y el arte franceses, con raíces a finales del siglo XVIII.
En la Europa del siglo XIX, el "naturalismo" o la "escuela naturalista" se erigió un tanto artificialmente como un término que representaba un submovimiento disidente del realismo, que intentaba (no del todo con éxito) distinguirse de su padre evitando la política y cuestiones sociales, y le gustaba proclamar una base cuasi científica, jugando con el sentido de "naturalista" como estudiante de historia natural , como se conocía entonces generalmente a las ciencias biológicas .
Ha habido diversos movimientos que invocan el realismo en las otras artes, como el estilo operístico del verismo , el realismo literario , el realismo teatral y el cine neorrealista italiano .
Cuando se usa como adjetivo, "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) se distingue del arte "realista" que se refiere a un tema. De manera similar, el término "ilusionista" podría usarse para referirse a la representación precisa de las apariencias visuales en una composición. [3] [4] En pintura, el naturalismo es la representación precisa, detallada y exacta en el arte de la apariencia de escenas y objetos. También se le llama mimesis o ilusionismo y se hizo especialmente marcado en la pintura europea en la pintura holandesa temprana de Robert Campin , Jan van Eyck y otros artistas en el siglo XV. En el siglo XIX, los pintores del movimiento artístico Realismo , como Gustave Courbet, no se destacaron especialmente por su representación totalmente precisa y cuidadosa de las apariencias visuales; en la época de Courbet esto era más a menudo una característica de la pintura académica , que muy a menudo representaba con gran habilidad y cuidado escenas artificiales y artificiales, o escenas históricas imaginadas.
El realismo, o naturalismo como estilo que representa la versión no idealizada del tema, se puede utilizar para representar cualquier tipo de tema sin comprometerse a tratar lo típico o lo cotidiano. A pesar del idealismo general del arte clásico, éste también tenía precedentes clásicos, que resultaron útiles a la hora de defender tales tratamientos en el Renacimiento y el Barroco . Demetrio de Alopecia fue un escultor del siglo IV a. C. cuyo trabajo (ahora perdido) se decía que prefería el realismo a la belleza ideal, y durante la antigua República Romana , los políticos preferían una representación veraz en los retratos, aunque los primeros emperadores favorecían el idealismo griego. Los retratos de Goya de la familia real española representan una especie de retrato honesto y poco halagador de personas importantes.
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Una tendencia recurrente en el arte cristiano fue el "realismo" que enfatizaba la humanidad de las figuras religiosas, sobre todo Cristo y sus sufrimientos físicos en su Pasión . Siguiendo las tendencias de la literatura devocional , esta se desarrolló en la Baja Edad Media , donde algunas esculturas de madera pintadas en particular se desviaron hacia lo grotesco al representar a Cristo cubierto de llagas y sangre, con la intención de estimular al espectador a meditar sobre el sufrimiento que Cristo había sufrido. de su parte. Estos se encontraron especialmente en Alemania y Europa Central. Tras amainar en el Renacimiento, obras similares reaparecieron en el Barroco , especialmente en la escultura española.
Los teóricos del Renacimiento abrieron un debate, que duraría varios siglos, sobre el equilibrio correcto entre dibujar arte a partir de la observación de la naturaleza y de formas idealizadas, típicamente las que se encuentran en los modelos clásicos, o en el trabajo de otros artistas en general. Algunos admitieron la importancia de lo natural, pero muchos creían que debería idealizarse en diversos grados para incluir sólo lo bello. Leonardo da Vinci fue uno de los que defendió el estudio puro de la naturaleza y deseaba representar toda la gama de variedades individuales de formas en la figura humana y otras cosas. [5] Leon Battista Alberti fue uno de los primeros idealizadores, enfatizando lo típico, [6] y otros como Miguel Ángel apoyaron la selección de los más bellos; se negó a hacer retratos por ese motivo. [7]
En el siglo XVII el debate continuó. En Italia, generalmente se centraba en el contraste entre el relativo "idealismo clásico" de los Carracci y el estilo "naturalista" de los Caravaggisti , o seguidores de Caravaggio , que pintaban escenas religiosas como si estuvieran ambientadas en las calles secundarias de las ciudades italianas contemporáneas. y utilizó "naturalista" como autodescripción. Bellori , que escribe algunas décadas después de la temprana muerte de Caravaggio y no es partidario de su estilo, se refiere a "Aquellos que se glorían en nombre de los naturalistas" ( naturalisti ). [8]
Durante el siglo XIX, el naturalismo se desarrolló como un movimiento ampliamente definido en el arte europeo, aunque carecía de los fundamentos políticos que motivaron a los artistas realistas. El creador del término fue el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary , quien en 1863 anunció que: "La escuela naturalista declara que el arte es la expresión de la vida en todas las fases y en todos los niveles, y que su único objetivo es reproducir la naturaleza". llevándola a su máximo poder e intensidad: es verdad equilibrada con ciencia". [9] Émile Zola adoptó el término con un énfasis científico similar para sus objetivos en la novela. Muchas pinturas naturalistas cubrieron una gama de temas similar a la del impresionismo , pero utilizando estilos de pincelada más estrictos y tradicionales. [9]
El término "siguió utilizándose indiscriminadamente para varios tipos de realismo" durante varias décadas, a menudo como un término general para el arte que estaba fuera del impresionismo y los movimientos posteriores del modernismo y que tampoco era arte académico . Los últimos períodos de la Escuela francesa de Barbizon y la Escuela de pintura de Düsseldorf , con sus estudiantes de muchos países, y el regionalismo americano del siglo XX son movimientos que a menudo también se describen como "naturalistas", aunque el término rara vez se utiliza en la pintura británica. Algunos historiadores del arte recientes atribuyeron la etiqueta a Courbet o a los impresionistas. [9]
El desarrollo de representaciones cada vez más precisas de las apariencias visuales de las cosas tiene una larga historia en el arte. Incluye elementos como la representación precisa de la anatomía de humanos y animales, la perspectiva y los efectos de la distancia, y los efectos detallados de la luz y el color. El arte del Paleolítico Superior en Europa logró representaciones de animales notablemente realistas. El arte del antiguo Egipto desarrolló convenciones que implicaban tanto estilización como idealización. Se reconoce comúnmente que el arte griego antiguo ha logrado grandes avances en la representación de la anatomía. No sobrevive ninguna obra original en paneles o paredes de los grandes pintores griegos, pero según los relatos literarios y el corpus superviviente de obras derivadas (en su mayoría obras grecorromanas en mosaico ), el ilusionismo parece ser muy valorado en la pintura. La famosa historia de Plinio el Viejo sobre los pájaros picoteando las uvas, pintada por Zeuxis en el siglo V a. C., bien puede ser una leyenda.
Además de la precisión en la forma, la luz y el color, las pinturas romanas muestran un conocimiento poco científico pero eficaz para representar objetos distantes más pequeños que los más cercanos y representar formas geométricas regulares, como el techo y las paredes de una habitación, con perspectiva. Este progreso en los efectos ilusionistas no significó en modo alguno un rechazo del idealismo; Las estatuas de dioses y héroes griegos intentan representar con precisión formas idealizadas y hermosas, aunque a otras obras, como las cabezas del famoso y feo Sócrates , se les permitió caer por debajo de estos estándares ideales de belleza. El retrato romano , cuando no está bajo demasiada influencia griega, muestra un mayor compromiso con una representación veraz de sus sujetos, llamado verismo .
El arte de la Antigüedad tardía rechazó el ilusionismo a cambio de fuerza expresiva, un cambio que ya estaba en marcha cuando el cristianismo comenzó a afectar el arte de la élite. En Occidente, los estándares clásicos del ilusionismo no comenzaron a alcanzarse nuevamente hasta los períodos de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento y fueron favorecidos primero en los Países Bajos a principios del siglo XV y alrededor de la década de 1470 en Italia por el desarrollo de nuevas técnicas de pintura al óleo. pintura que permitía realizar efectos de luz muy sutiles y precisos mediante varias capas de pintura y esmalte. Los métodos científicos para representar la perspectiva se desarrollaron en Italia a principios del siglo XV y gradualmente se extendieron por toda Europa, redescubriendo la precisión en la anatomía bajo la influencia del arte clásico. Como en la época clásica, el idealismo siguió siendo la norma.
La representación precisa del paisaje en la pintura también se había desarrollado en la pintura del Renacimiento holandés temprano y del norte temprano y en la pintura del Renacimiento italiano y luego fue llevada a un nivel muy alto en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII , con técnicas muy sutiles para representar una variedad de clima. Condiciones y grados de luz natural. Después de ser otro desarrollo de la pintura holandesa temprana, los retratistas europeos de 1600 a menudo eran idealizados suavizando los rasgos o dándoles una pose artificial. Las naturalezas muertas y los elementos de naturalezas muertas de otras obras desempeñaron un papel considerable en el desarrollo de la pintura ilusionista, aunque en la tradición holandesa de pintura floral carecieron durante mucho tiempo de "realismo", ya que normalmente se utilizaban flores de todas las estaciones, ya sea por el hábito de ensamblar composiciones a partir de dibujos individuales o como una convención deliberada; las grandes exhibiciones de ramos en jarrones eran atípicas de las costumbres del siglo XVII; las flores se exhibieron una a la vez.
La representación de temas cotidianos y ordinarios en el arte también tiene una larga historia, aunque a menudo se exprimió en los bordes de las composiciones o se mostró en una escala más pequeña. Esto se debía en parte a que el arte era caro y normalmente se encargaba por motivos religiosos, políticos o personales específicos, lo que permitía dedicar sólo una cantidad relativamente pequeña de espacio o esfuerzo a tales escenas. Las bromas en los márgenes de los manuscritos iluminados medievales a veces contienen pequeñas escenas de la vida cotidiana, y el desarrollo de la perspectiva creó grandes áreas de fondo en muchas escenas ambientadas al aire libre. El arte medieval y del Renacimiento temprano generalmente mostraba figuras no sagradas con vestimenta contemporánea por convención.
La pintura holandesa temprana llevó la pintura de retratos a niveles tan bajos en la escala social como los prósperos comerciantes de Flandes , y algunos de ellos, en particular el Retrato de Arnolfini de Jan van Eyck (1434) y más a menudo en escenas religiosas como el Retablo de Merode de Robert Campin y su taller (hacia 1427) incluyen representaciones muy detalladas de interiores de clase media llenos de objetos representados con cariño. Sin embargo, estos objetos están ahí, al menos en gran medida, porque conllevan capas de significado y simbolismo complejos que socavan cualquier compromiso con el realismo por sí mismo. Los ciclos de los Trabajos de los Meses en el arte medieval tardío, de los cuales sobreviven muchos ejemplos de libros de horas , se concentran en campesinos que trabajan en diferentes tareas a lo largo de las estaciones, a menudo en un rico fondo paisajístico, y fueron significativos tanto en el desarrollo del arte paisajístico como en la representación de la gente común y corriente de la clase trabajadora.
En el siglo XVI estuvo de moda representar en grandes cuadros escenas de personas trabajando, especialmente en los mercados de alimentos y en las cocinas; en muchos, la comida tiene tanto protagonismo como los trabajadores. Entre los artistas se encontraban Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, que trabajaron en un estilo esencialmente manierista, y en Italia el joven Annibale Carracci en la década de 1580, utilizando un estilo sin pulir, con Bartolomeo Passerotti en algún punto intermedio entre ambos. Pieter Bruegel el Viejo fue pionero en grandes escenas panorámicas de la vida campesina. Estas escenas actuaron como preludio de la popularidad de las escenas de obras de pintura de género en el siglo XVII, que aparecieron en toda Europa, y en la pintura holandesa del Siglo de Oro surgieron varios subgéneros diferentes de tales escenas, los Bamboccianti (aunque en su mayoría de los Países Bajos ). en Italia y en España el género de los bodegones y la introducción de campesinos no idealizados en las pinturas de historia de Jusepe de Ribera y Velázquez . Los hermanos Le Nain en Francia y muchos artistas flamencos, incluidos Adriaen Brouwer y David Teniers el Viejo y el Joven, pintaron campesinos, pero rara vez gente de la ciudad. En el siglo XVIII, las pequeñas pinturas de trabajadores siguieron siendo populares, en su mayoría basadas en la tradición holandesa y protagonizadas por mujeres.
Gran parte del arte que representaba a gente común, especialmente en forma de grabados , era cómico y moralista, pero la mera pobreza de los sujetos parece haber sido relativamente raramente parte del mensaje moral. A partir de mediados del siglo XIX se hicieron hincapié en las dificultades de la vida de los pobres. A pesar de que esta tendencia coincidió con la migración a gran escala del campo a las ciudades en la mayor parte de Europa, los pintores todavía tendían a pintar a la población rural pobre. Las escenas callejeras de ciudades abarrotadas eran populares entre los impresionistas y pintores afines, especialmente las que mostraban París.
A menudo se pedía a los iluminadores de manuscritos medievales que ilustraran la tecnología, pero después del Renacimiento, tales imágenes continuaron en ilustraciones de libros y grabados, con la excepción de la pintura marina , que en gran medida desapareció en las bellas artes hasta principios de la Revolución Industrial , cuyas escenas fueron pintadas por unos pocos. pintores como Joseph Wright de Derby y Philip James de Loutherbourg . Estos temas probablemente no se vendieron muy bien, y hay una notable ausencia de industria, aparte de algunas escenas ferroviarias, en la pintura hasta finales del siglo XIX, cuando comenzaron a encargarse obras, generalmente por industriales o para instituciones en ciudades industriales. a menudo a gran escala y, a veces, con un trato casi heroico.
El realismo americano , un movimiento de principios del siglo XX, es uno de los muchos movimientos modernos que utilizan el realismo en este sentido.
El movimiento Realista se inició a mediados del siglo XIX como reacción al Romanticismo y a la pintura de Historia . En favor de las representaciones de la vida "real", los pintores realistas utilizaron como sujetos de sus obras a trabajadores comunes y a personas comunes y corrientes en entornos ordinarios dedicados a actividades reales. Sus principales exponentes fueron Gustave Courbet , Jean-François Millet , Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot . [10] [11] [12] Según Ross Finocchio, ex miembro del Departamento de Pintura Europea del Museo Metropolitano de Arte , los realistas utilizaron detalles sencillos que representan la existencia de la vida contemporánea ordinaria, coincidiendo con la literatura naturalista contemporánea de Émile Zola . Honoré de Balzac y Gustave Flaubert . [13]
El movimiento realista francés tuvo equivalentes en todos los demás países occidentales y se desarrolló algo más tarde. En particular, el grupo Peredvizhniki o Wanderers en Rusia, que se formó en la década de 1860 y organizó exposiciones a partir de 1871, incluía a muchos realistas como Ilya Repin , Vasily Perov e Ivan Shishkin , y tuvo una gran influencia en el arte ruso. En Gran Bretaña, artistas como Hubert von Herkomer y Luke Fildes tuvieron gran éxito con pinturas realistas que abordaban cuestiones sociales.
Definido ampliamente como "la representación fiel de la realidad", [14] El realismo como movimiento literario se basa en la " realidad objetiva ". Se centra en mostrar las actividades y la vida cotidiana, principalmente entre la sociedad de clase media o baja, sin idealización ni dramatización romántica. [15] Según Kornelije Kvas, "la figuración realista y la refiguración de la realidad forman construcciones lógicas que son similares a nuestra noción habitual de la realidad, sin violar el principio de tres tipos de leyes: las de las ciencias naturales, las psicológicas y las sociales. ". [16] Puede considerarse como un intento general de representar a los sujetos tal como se considera que existen en la realidad objetiva en tercera persona, sin adornos ni interpretación y "de acuerdo con reglas empíricas seculares". [17] Como tal, el enfoque implica inherentemente la creencia de que dicha realidad es ontológicamente independiente de los esquemas conceptuales, prácticas lingüísticas y creencias de la humanidad y, por lo tanto, puede ser conocida por el artista, quien a su vez puede representar esta "realidad" fielmente. Como afirma Ian Watt , el realismo moderno "parte de la posición de que la verdad puede ser descubierta por el individuo a través de los sentidos" y como tal, "tiene sus orígenes en Descartes y Locke , y recibió su primera formulación completa por parte de Thomas Reid a mediados de siglo". del siglo XVIII." [18]
Si bien la era romántica anterior fue también una reacción contra los valores de la Revolución Industrial , el realismo fue a su vez una reacción contra el Romanticismo, y por esta razón también se le conoce comúnmente despectivamente como "realismo burgués tradicional". [19] Algunos escritores de literatura victoriana produjeron obras de realismo. [20] Las rigideces, convenciones y otras limitaciones del "realismo burgués" provocaron a su vez la revuelta más tarde etiquetada como modernismo ; A partir de 1900, el motivo impulsor de la literatura modernista fue la crítica del orden social y la visión del mundo burgueses del siglo XIX, a la que se respondía con un programa antirracionalista, antirrealista y antiburgués. [19] [21] [22]
Se dice que el realismo teatral surgió por primera vez en el teatro europeo en el siglo XIX como una rama de la Revolución Industrial y la era de la ciencia. [23] [24] Algunos también citaron específicamente la invención de la fotografía como base del teatro realista [25] [26] mientras que otros ven que la asociación entre realismo y drama es mucho más antigua, como lo demuestran los principios de las formas dramáticas como la presentación del mundo físico que se aproxima mucho a la realidad. [27]
El logro del realismo en el teatro fue dirigir la atención a los problemas sociales y psicológicos de la vida cotidiana. En sus dramas, las personas emergen como víctimas de fuerzas más grandes que ellos mismos, como individuos enfrentados a un mundo que se acelera rápidamente. [28] Estos dramaturgos pioneros presentan a sus personajes como personas corrientes, impotentes e incapaces de llegar a respuestas a sus dificultades. Este tipo de arte representa lo que vemos con nuestros ojos humanos. Anton Chekov , por ejemplo, utilizó trabajos de cámara para reproducir una parte de la vida sin modificaciones . [29] Eruditos como Thomas Postlewait señalaron que a lo largo de los siglos XIX y XX, hubo numerosas uniones de formas y funciones melodramáticas y realistas, que podrían demostrarse en la forma en que existían elementos melodramáticos en formas realistas y viceversa. [30]
En Estados Unidos, el realismo dramático precedió al realismo ficticio en aproximadamente dos décadas, cuando los historiadores del teatro identificaron el primer impulso hacia el realismo a finales de la década de 1870 y principios de la de 1880. [31] Su desarrollo también se atribuye a William Dean Howells y Henry James, quienes sirvieron como portavoces del realismo y articuladores de sus principios estéticos. [31]
El enfoque realista del teatro colapsó en el nihilismo y el absurdo después de la Segunda Guerra Mundial. [23]
El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que incorporaba elementos del realismo que se desarrolló en la Italia posterior a la Segunda Guerra Mundial. Entre los neorrealistas notables se encuentran Vittorio De Sica , Luchino Visconti y Roberto Rossellini . Las películas realistas generalmente se centran en temas sociales. [32] Hay dos tipos de realismo en el cine: realismo continuo y realismo estético. El realismo fluido intenta utilizar estructuras narrativas y técnicas cinematográficas para crear un "efecto de realidad" para mantener su autenticidad . [32] El realismo estético, que fue solicitado por primera vez por los cineastas franceses en la década de 1930 y promovido por André Bazin en la década de 1950, reconoce que "no se puede arreglar una película para que signifique lo que muestra", ya que existen múltiples realismos; como tal, estos cineastas utilizan rodajes en exteriores, luz natural y actores no profesionales para garantizar que el espectador pueda tomar su propia decisión en función de la película, en lugar de ser manipulado para que adopte una "lectura preferida". [32] Siegfried Kracauer también se destaca por argumentar que el realismo es la función más importante del cine. [33]
Los cineastas estéticamente realistas utilizan tomas largas , enfoque profundo y tomas de 90 grados a la altura de los ojos para reducir la manipulación de lo que ve el espectador. [32] Los cineastas italianos del neorrealismo posterior a la Segunda Guerra Mundial tomaron los enfoques cinematográficos realistas existentes en Francia e Italia que surgieron en la década de 1960 y los utilizaron para crear un cine de orientación política. Los cineastas franceses hicieron algunas películas realistas de orientación política en la década de 1960, como el cinéma vérité y los documentales de Jean Rouch [32], mientras que en las décadas de 1950 y 1960, las nuevas olas cinematográficas británica, francesa y alemana produjeron "recuentos de la vida". películas (por ejemplo, dramas de cocina en el Reino Unido). [32]
El verismo fue una tradición operística posromántica asociada a compositores italianos como Pietro Mascagni , Ruggero Leoncavallo , Umberto Giordano , Francesco Cilea y Giacomo Puccini . Intentaron llevar a la ópera el naturalismo de escritores influyentes de finales del siglo XIX como Émile Zola , Gustave Flaubert y Henrik Ibsen . Este nuevo estilo presentaba un drama realista que presentaba protagonistas valientes y defectuosos de clase baja [34], mientras que algunos lo describían como una representación realzada de un evento realista. [35] Aunque un relato consideró Luisa Miller y La traviata de Giuseppe Verdi como los primeros indicios del verismo, [36] algunos afirmaron que comenzó en 1890 con la primera representación de Cavalleria rusticana de Mascagni , que alcanzó su punto máximo a principios del siglo XX. . [37] Fue seguido por Pagliacci de Leoncavallo, que trataba los temas de la infidelidad, la venganza y la violencia. [34]
El verismo también llegó a Gran Bretaña, donde entre los pioneros se encontraba la sociedad teatral de la época victoriana del dramaturgo WS Gilbert y el compositor Arthur Sullivan (1842-1900). [35] En concreto, su obra Iolanthe se considera una representación realista de la nobleza, aunque incluía elementos fantásticos.
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