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Policromo

1883 reconstrucción de la combinación de colores del entablamento de un templo dórico

La policromía es la "práctica de decorar elementos arquitectónicos, esculturas, etc., en variedad de colores". [1] El término se utiliza para referirse a ciertos estilos de arquitectura , cerámica o escultura en múltiples colores.

Al observar obras de arte y arquitectura de la antigüedad y de la Edad Media europea , la gente tiende a creer que eran monocromáticas. En realidad, el pasado prerrenacentista estuvo lleno de color, y todas las esculturas grecorromanas y catedrales góticas , que ahora son blancas, beige o grises, fueron inicialmente pintadas con colores vivos. Como afirmó André Malraux , "Atenas nunca fue blanca pero sus estatuas, desprovistas de color, han condicionado la sensibilidad artística de Europa... todo el pasado nos ha llegado incoloro". [2] La policromía fue y es una práctica que no se limita sólo al mundo occidental . Las obras de arte no occidentales, como los templos chinos , las figuras de Uli de Oceanía o los jarrones de cerámica maya , también estaban decoradas con colores.

Antiguo Cercano Oriente

De manera similar al arte antiguo de otras regiones, el arte del Antiguo Cercano Oriente era policromado y a menudo estaban presentes colores brillantes. Muchas esculturas hoy en día ya no conservan su colorido original, pero todavía hay ejemplos que lo conservan. Una de las mejores es la Puerta de Ishtar , la octava puerta al centro de la ciudad de Babilonia (en el área de la actual Hillah , Gobernación de Babilonia , Irak ). Fue construido en c. 575 a. C. por orden del rey Nabucodonosor II en el lado norte de la ciudad. Formaba parte de un gran camino procesional amurallado que conducía a la ciudad. Sus colores son tan ricos como en el pasado porque las paredes estaban hechas de ladrillo vidriado.

También se pintaron muchas esculturas del Antiguo Cercano Oriente. Aunque hoy son grises, todos los relieves asirios que decoraban los palacios reales estaban pintados con colores muy saturados.

Antiguo Egipto

Gracias al clima seco de Egipto, se conservaron bien los colores originales de muchas esculturas antiguas en forma redonda, relieves, pinturas y diversos objetos. Algunos de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura del antiguo Egipto fueron las tumbas, cubiertas por dentro con relieves esculpidos pintados en colores brillantes o simplemente frescos . Los artistas egipcios trabajaron principalmente con pigmentos negros, rojos, amarillos, marrones, azules y verdes. Estos colores se derivaban de minerales molidos, materiales sintéticos ( azul egipcio , verde egipcio y fritas utilizadas para fabricar vidriados de vidrio y cerámica) y negros a base de carbón (hollín y carbón vegetal ). La mayoría de los minerales estaban disponibles en suministros locales, como pigmentos de óxido de hierro (ocre rojo, ocre amarillo y ámbar); el blanco derivado del carbonato de calcio que se encuentra en las extensas colinas de piedra caliza de Egipto; y azul y verde de azurita y malaquita .

Además de su efecto decorativo, los colores también se utilizaron por sus asociaciones simbólicas. Los colores de las esculturas, los ataúdes y la arquitectura tenían cualidades tanto estéticas como simbólicas. Los antiguos egipcios veían el negro como el color del suelo aluvial fértil y, por lo tanto, lo asociaban con la fertilidad y la regeneración. El negro también se asociaba con el más allá y era el color de deidades funerarias como Anubis . El blanco era el color de la pureza, mientras que el verde y el azul se asociaban con la vegetación y el rejuvenecimiento. Debido a esto, Osiris a menudo aparecía con la piel verde, y las caras de los ataúdes de la 26ª Dinastía solían ser verdes. El rojo, el naranja y el amarillo estaban asociados con el sol. El rojo también era el color de los desiertos y, por tanto, estaba asociado con Seth y las fuerzas de destrucción. [5] [6]

Posteriormente, durante el siglo XIX, se llevaron a cabo expediciones que tuvieron como finalidad catalogar el arte y la cultura del antiguo Egipto. Descripción de l'Égypte es una serie de publicaciones de principios del siglo XIX llenas de ilustraciones de monumentos y artefactos del Antiguo Egipto. La mayoría son en blanco y negro, pero algunas son de colores, por lo que pueden mostrar la policromía del pasado. En algunos casos, sólo quedaron algunos restos de pintura en las paredes, pilares y esculturas, pero los ilustradores intentaron con éxito mostrar en sus imágenes el estado original de los edificios. [7]

mundo clasico

Reliquias de policromía en un capitel jónico griego antiguo , de un edificio no identificado del siglo V a.C. Museo del Ágora Antigua, Atenas, Stoa de Atalo

Se han excavado piezas de cerámica policromada muy antigua en la Creta minoica , como en el yacimiento de Festos de la Edad del Bronce . [9] En la antigua Grecia las esculturas se pintaban con colores fuertes. La pintura se limitaba frecuentemente a partes que representaban ropa, cabello, etc., y la piel se dejaba en el color natural de la piedra. Pero podría abarcar las esculturas en su totalidad. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo de arte distinto. Por ejemplo, las esculturas del frontón del templo de Afaya en Egina han sido recientemente [ ¿cuándo? ] se ha demostrado que fue pintado con patrones atrevidos y elaborados, que representan, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra tuvo su paralelo en el uso de materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas , y en el uso de metales para representar labios, pezones, etc., en bronces de alta calidad como los bronces de Riace . La disponibilidad de métodos y técnicas digitales modernos ha permitido la reconstrucción y visualización de la antigua policromía en 3D con un método científicamente sólido y muchos proyectos han explorado estas posibilidades en los últimos años. [10]

Un ejemplo temprano de decoración policromada se encontró en el Partenón, en lo alto de la Acrópolis de Atenas . Sin embargo, cuando el anticuario europeo despegó en el siglo XVIII, la pintura que había en los edificios clásicos se había desgastado por completo. Así, las primeras impresiones de los anticuarios y arquitectos sobre estas ruinas fueron que la belleza clásica se expresaba sólo a través de la forma y la composición, careciendo de colores robustos, y fue esa impresión la que informó la arquitectura neoclásica . Sin embargo, algunos clasicistas como Jacques Ignace Hittorff notaron rastros de pintura en la arquitectura clásica y poco a poco esto llegó a ser aceptado. Esta aceptación se aceleró más tarde mediante la observación de diminutos rastros de color por medios microscópicos y de otro tipo, lo que permitió reconstrucciones menos provisionales que las que Hittorff y sus contemporáneos habían podido producir. Un ejemplo de policromía arquitectónica griega clásica se puede ver en la réplica a tamaño real del Partenón exhibida en Nashville, Tennessee , EE. UU.

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con la Policromía en el arte antiguo .

Asia Oriental

El arte chino es conocido por el uso de colores vibrantes. Las vasijas cerámicas chinas neolíticas, como las producidas por la cultura Yangshao , muestran el uso de pigmentos negros y rojos. Posteriormente aparecen tumbas y esculturas religiosas como consecuencia de la expansión del budismo . Las deidades más comunes en la escultura budista china son las formas de Buda y del bodhisattva Guanyin . Los restos de oro y los colores brillantes con los que se pintaron las esculturas aún dan una idea de su efecto. Durante las dinastías Han y Tang , en las tumbas de personas de clase alta se colocaban figuras de cerámica policromada de sirvientes, artistas, inquilinos y soldados. Estas figuras se produjeron en masa en moldes. Aunque la porcelana china es más conocida por ser azul y blanca, durante las dinastías Ming y Qing se produjeron muchos jarrones y figuras de cerámica de colores . Durante las mismas dos dinastías también se fabricaron vasijas cloisonné que utilizan alambres de cobre ( cloisons ) y esmalte brillante.

De manera similar a lo que estaba sucediendo en China, la introducción del budismo en Japón en 538 (o quizás 552 d.C.) condujo a la producción de esculturas budistas japonesas policromadas. Hasta entonces, la imaginería religiosa japonesa consistía en figuras de arcilla desechables utilizadas para transmitir oraciones al mundo de los espíritus. [19]

Medieval

En toda la Europa medieval, las esculturas religiosas en madera y otros materiales a menudo estaban pintadas o coloreadas de colores brillantes, al igual que los interiores de los edificios de las iglesias. A menudo fueron destruidos o blanqueados durante las fases iconoclastas de la Reforma Protestante o en otros disturbios como la Revolución Francesa , aunque algunos han sobrevivido en museos como el V&A , el Museo de Cluny y el Louvre . También se pintaron los exteriores de las iglesias, pero poco ha sobrevivido. La exposición a los elementos y los gustos cambiantes y la aprobación religiosa a lo largo del tiempo actuaron en contra de su preservación. El "Portal de Majestad" de la Colegiata de Toro es el ejemplo más extenso que se conserva, debido a la construcción de una capilla que la encerraba y protegía de la intemperie apenas un siglo después de su finalización. [23]

Siglos XVII y XVIII

Biblioteca de la Abadía de Wiblingen , Ulm , Alemania, por Christian Wiedemann  [sv] , 1737-1744. [31] Todos los elementos que parecen de mármol, en realidad están hechos de estuco policromado.

Mientras que la escultura en piedra y metal normalmente permanecía incolora, como las supervivencias clásicas, las esculturas en madera policromada fueron realizadas por artistas españoles: Juan Martínez Montañés , Gregorio Fernández (siglo XVII); Alemán: Ignaz Günther , Philipp Jakob Straub (siglo XVIII); o brasileño: Aleijadinho (siglo XIX).

Las soluciones de color monocromáticas de órdenes arquitectónicos también se diseñaron en el dinámico barroco tardío, basándose en las ideas de Borromini y Guarini. Se utilizó un revestimiento de piedra de un solo color: arenisca clara, como en el caso de la fachada de la iglesia jesuita de Bamberg (Gunzelmann 2016) diseñada por Georg y Leonhard Dientzenhofer (1686-1693), la fachada de la iglesia del monasterio de Michelsberg de Leonard Dientzenhofer (1696) y la iglesia abacial de Neresheim de JB Neumann (1747-1792). [32]

En el espacio de la actual Alemania, durante el siglo XVIII, los hermanos Asam ( Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam ) diseñaron iglesias con muros ondulados, frontones borken curvos y policromía. [33] En el espacio de habla alemana, se construyeron múltiples iglesias y bibliotecas rococó con estucos y columnas policromadas en colores pastel. Allí, las columnas de imitación de mármol están hechas de pilares de madera que están cubiertos con una capa de estuco policromado, una mezcla de yeso , cal y pigmento . Cuando se mezclan estos ingredientes, se crea una pasta de color homogéneo. Para lograr el aspecto de mármol, se hacen lotes más finos de pasta más oscura y más clara, de modo que comiencen a aparecer las vetas. Todo está mezclado a mano. Cuando el material endurece se pule frotando con una lija fina, y así esta capa de estuco policromado se vuelve brillante e imita de forma muy realista el mármol. Un buen ejemplo de ello es la Biblioteca de la Abadía de Wiblingen en Ulm , Alemania. El mármol falso hecho de estuco también se seguirá utilizando durante el siglo XIX y principios del XX. Se utiliza sólo para interiores, porque el estuco se disuelve en el exterior mediante el contacto con el agua.

En Valaquia , a finales del siglo XVII y principios del XVIII, el estilo Brâncovenesc fue popular en la arquitectura y las artes decorativas. Lleva el nombre del príncipe Constantin Brâncoveanu , durante cuyo reinado se desarrolló. Algunas de las iglesias de este estilo tienen fachadas policromadas, decoradas con murales, como la iglesia del Monasterio de Stavropoleos en Bucarest , Rumania .

La segunda mitad del siglo XVIII fue el surgimiento del neoclasicismo , un movimiento que intenta revivir los estilos de la antigua Grecia , Roma , la civilización etrusca y, a veces, incluso Egipto . Durante el reinado de Luis XVI (1760-1789), los interiores de estilo Luis XVI comienzan a decorarse con arabescos , inspirados en los descubiertos en casas antiguas de Pompeya y Herculano . Están pintados en colores pastel, pintados de blanco con las partes ornamentadas doradas o policromadas. El Comedor de Estado del Castillo de Inveraray en Escocia , decorado por dos pintores franceses, es un buen ejemplo de interior policromado de estilo Luis XVI.

Porcelana

Con la llegada de la porcelana europea en el siglo XVIII, se hicieron muy populares las figurillas de cerámica de colores brillantes y con una amplia gama de colores. La porcelana se desarrolló en China en el siglo IX. Su receta se mantuvo en secreto para otras naciones y solo los japoneses y vietnamitas la copiaron con éxito en el siglo XV. Durante el siglo XVIII, los hornos alemanes finalmente descubrieron cómo hacer porcelana, comenzando con el alquimista Johann Friedrich Böttger y el físico Ehrenfried Walther von Tschirnhaus , quienes fabricaron la primera variedad europea en 1709. Al año siguiente se fundó la fábrica de porcelana de Meissen . y se convirtió en el principal fabricante europeo de porcelana. Más tarde, otros hornos adoptaron la receta o desarrollaron su propia tecnología de porcelana. Otra fábrica realmente famosa fue la de Sèvres , que produjo porcelana impresionante para la élite francesa durante los siglos XVIII, XIX y XX. [45]

siglo 19

En comparación con el siglo XVIII, la policromía estuvo algo más extendida en el siglo XIX. Sin embargo, las fachadas de la mayoría de los edificios permanecieron blancas, la mayoría de las esculturas no estaban pintadas y la mayoría de los muebles tenían los tonos de sus materiales. Los colores generalmente se agregaban a través de cerámica vidriada en los edificios, diferentes tipos de piedra en las esculturas y, con mayor frecuencia, mediante pintura o intarsia en los muebles. Al igual que en el siglo XVIII, la porcelana siguió siendo bastante colorida y muchas figuras parecían reales. En contraste con sus exteriores, los interiores de muchas casas de los ricos a menudo estaban decorados con boiserie , estuco y/o pintados. Como en la segunda mitad del siglo XVIII, numerosos relojes y objetos decorativos de bronce presentan dos tintes mediante dorado y pátina . También se agregaron elementos de porcelana para darle más color.

Neoclasicismo

A pesar de que se han descubierto pruebas de policromía en la arquitectura y las esculturas de la antigua Grecia , la mayoría de los edificios neoclásicos tienen fachadas blancas o beige y carpintería metálica negra. Hacia 1840, el arquitecto francés Jacques Ignace Hittorff , publicó estudios sobre la arquitectura siciliana , documentando extensas evidencias de color. La "controversia de la policromía" se prolongó durante más de una década y resultó ser un desafío para los arquitectos neoclásicos de toda Europa. [18]

Debido al descubrimiento de frescos en las ciudades romanas de Pompeya y Herculano durante el siglo XVIII, varias casas neoclásicas de los siglos XVIII y XIX tienen sus interiores decorados con coloridos frescos de estilo pompeyano. A menudo presentan un color rojo brillante, conocido como "rojo pompeyano". La moda de los estilos de pintura pompeyanos dio como resultado habitaciones terminadas en vívidos bloques de colores. Los ejemplos incluyen la Sala Pompeyana del Hinxton Hall en Cambridgeshire , el Pompejanum en Aschaffenburg , el Dormitorio de la Emperatriz Joséfina del Castillo de Malmaison y los baños de Napoleón del Castillo de Rambouillet . A principios del siglo XIX, los pintores también pudieron crear efectos de veteado y veteado para imitar la madera.

maximalismo del siglo XIX

"Más es más" era el principio estético seguido en la época victoriana. El maximalismo está presente en muchos tipos de diseños de la época victoriana, como cerámica, muebles, cubertería, vajilla, moda, arquitectura, ilustración de libros, relojes, etc. A pesar del apetito por la ornamentación, muchos de ellos siguen decorados con unos pocos colores, especialmente los muebles. . La cerámica fue el campo donde se generalizó la policromía. Además de los objetos, la cerámica policromada también estuvo presente en la arquitectura y algunos muebles y la arquitectura a través del azulejo.

Los objetos y edificios del siglo XIX que se muestran en las galerías de esta página son sin duda impresionantes. Hoy estamos encantados con sus adornos, colores y estilos. Sin embargo, hasta la década de 1960, con el auge del posmodernismo , cuando la gente empezó a cuestionar el modernismo y empezó a apreciar las cosas del pasado premoderno, el veredicto sobre los diseños victorianos no fue bueno. A principios del siglo XX, e incluso cuando se fabricaron, algunos describieron la época victoriana como una que nos ha proporcionado algunos de los objetos más feos que jamás se hayan fabricado. En aquella época circulaban descripciones como "monstruosidades estéticas" o "abominaciones ornamentales", y la situación no hizo más que empeorar. A finales del siglo XIX, Marc-Louis Solon (1835-1913), un reconocido diseñador cerámico que trabajó para Minton and Company, no era extraño al comentar que el período "lleva el sello de un absoluto mal gusto". [51] Con el paso del tiempo, las opiniones negativas solo empeoraron. Los arquitectos pioneros de Mondern, Adolf Loos y Le Corbusier, sintieron que obras como ésta no eran simplemente malas, sino que eran una afrenta tal que deberían haberse declarado ilegales. [52]

Ladrillo policromado

El ladrillo policromado es un estilo de ladrillo arquitectónico que surgió en la década de 1860 y utilizaba ladrillos de diferentes colores (marrón, crema, amarillo, rojo, azul y negro) en combinaciones estampadas para resaltar las características arquitectónicas. Estos patrones se hacían alrededor de los arcos de las ventanas o simplemente se aplicaban en las paredes. A menudo se utilizaba para replicar el efecto del quoining . Los primeros ejemplos presentaban bandas, y los ejemplos posteriores exhibían complejos patrones diagonales, entrecruzados y escalonados, y en algunos casos incluso escritura con ladrillos. [55] También se utilizaron elementos de cerámica vidriada con detalles para adornos más complejos.

Estilo renacentista rumano

En el Reino de Rumanía , el estilo Renacimiento rumano apareció a finales del siglo XIX. Es el equivalente rumano del estilo romántico nacional que era popular al mismo tiempo en el norte de Europa . El movimiento está fuertemente inspirado en la arquitectura Brâncovenesc , un estilo que fue popular en Valaquia a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Los interiores de las casas de este estilo construidas antes de la Primera Guerra Mundial suelen estar decorados con una variedad de colores brillantes. En el caso de algunos edificios, la policromía se extiende también al exterior, mediante el uso de coloridas baldosas cerámicas esmaltadas. El estilo se hizo más popular en el siglo XX. Una casa del Renacimiento rumano que destaca por su variedad de colores es la Casa Gheorghe Petrașcu ( Piața Romană nº 5) en Bucarest , de Spiru Cegăneanu, 1912 [59]

siglo 20

En el siglo XX hubo períodos notables de policromía en la arquitectura, desde las expresiones del Art Nouveau en toda Europa, pasando por el florecimiento internacional del Art Déco o Art Moderne, hasta el desarrollo del posmodernismo en las últimas décadas del siglo. Durante estos períodos, se diseñaron fachadas de ladrillo, piedra, tejas, estuco y metal centrándose en el uso de nuevos colores y patrones, mientras que los arquitectos a menudo buscaban inspiración en ejemplos históricos que iban desde los azulejos islámicos hasta el ladrillo victoriano inglés.

Antes de la Primera Guerra Mundial

A principios del siglo XX, antes de las guerras mundiales, el Renacimiento (incluido el Neoclasicismo y el Renacimiento gótico ) y el eclecticismo de estilos históricos eran muy populares en el diseño y la arquitectura. Muchas de las cosas que se dijeron sobre el siglo XIX aún se encuentran en esta época. Muchos de los edificios de esta época tienen sus interiores decorados con colores, a través de azulejos, mosaicos, estucos o murales. En cuanto al exterior, la mayoría de fachadas policromadas están decoradas con azulejos cerámicos.

El Art Nouveau también estuvo de moda durante el siglo XX en todo el mundo occidental . Sin embargo, se fragmentó en 1911 y desde entonces se fue desvaneciendo constantemente, hasta que desapareció con la Primera Guerra Mundial. Algunos edificios regulares de estilo Art Nouveau tienen sus fachadas decoradas con coloridos adornos de cerámica vidriada. Los colores utilizados suelen ser más terrosos y descoloridos en comparación con los intensos utilizados por el neoclasicismo. En comparación con otros movimientos en diseño y arquitectura, el Art Nouveau tuvo diferentes versiones en varios países. La forma belga y francesa se caracteriza por formas orgánicas, adornos tomados del mundo vegetal, líneas sinuosas, asimetría (especialmente cuando se trata de diseño de objetos), el motivo del latigazo cervical , la mujer fatal y otros elementos de la naturaleza. En Austria, Alemania y el Reino Unido adoptó una forma geométrica más estilizada, como forma de protesta contra el revivalismo y el eclecticismo. Los ornamentos geométricos que se encuentran en las pinturas de Gustav Klimt y en los muebles de Koloman Moser son representativos de la Secesión de Viena (Art Nouveau austriaco). En algunos países, los artistas se inspiraron en la tradición y el folclore nacionales. En el Reino Unido, por ejemplo, varios plateros utilizaron entrelazados tomados del arte celta . De manera similar, los arquitectos húngaros, rusos y ucranianos utilizaron motivos folclóricos policromáticos en sus edificios, generalmente a través de coloridos adornos cerámicos.

Modernism

During the interwar period and the middle of the 20th century, Modernism was in fashion. To Modernists, form was more important than ornament, so solid blocks of strong colour were often used to emphasize shape and create contrast. Primary colours and black and white were preferred. This is really the case of the Dutch De Stijl movement, which began in 1917. The style involved reducing an object (whether a painting or a design) to its essentials, using only black, white and primary colours, and a simple geometry of straight lines and planes. Gerrit Rietveld's Red and Blue Chair (1917-1918) and Rietveld Schröder House in Utrecht (1924) show this use of colour. Polychromy in Modernist design was not limited to De Stijl. The Unité d'habitation, a residential housing typology developed by Le Corbusier, has some flat colourful parts.

Some Art Deco objects, buildings and interiors stand out through their polychromy and use of intense colours. Fauvism, with its highly saturated colours, like the paintings of Henri Matisse, was an influence for some Art Deco designers. Another influence for polychromy were the Ballets Russes. Leon Bakst's stage designs filled Parisian artistic circles with enthusiasm for bright colours.[72]

Despite their lack of ornamentation, multiple Mid-century modern designs, like Lucienne Day's textiles, Charles and Ray Eames's Hang-It-All coat hanger (1953), or Irving Harper's Marshmallow sofa (1956), are decorated with colours. Aside from individual objects, mid-century modern interiors were also quite colourful. This was also caused by the fact that after WW2, plastics became increasingly popular as a material for kitchenware and kitchen units, light fixtures, electrical appliances and toys, and by the fact that plastic could be produced in a wide range of colours, from jade green to red.[73]

Postmodernism

The use of vivid colours continued with Postmodernism, in the 1970s, 1980s and 1990s. Compared to Mid-century modern objects, which often had intense colours but were monochrome, Postmodern design and architecture stand out through the use of a variety of colours on single objects or buildings. Postmodern architects working with bold colors included Robert Venturi (Allen Memorial Art Museum addition; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building), and James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), among others. In the UK, John Outram created numerous bright and colourful buildings throughout the 1980s and 90s, including the "Temple of Storms" pumping station. Aside from architecture, bright colours were present on everything, from furniture to textiles and posters. Neon greens and yellows were popular in product design, as were fluorescent tones of scarlet, pink, and orange used together. Injection-moulded plastics gave designers new creative freedom, making it possible to mass produce almost any shape (and colour) quickly and cheaply.[82]

An artist well known for her polychrome artworks is Niki de Saint Phalle, who produced many sculptures painted in bold colours. She devoted the later decades of her life to building a live-in sculpture park in Tuscany, the Tarot Garden, with artworks covered in vibrant colourful mosaics.[83]

United States

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Anne architecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

Early 20th Century polychrome pediment, Philadelphia Museum of Art (1928)
Water pot, Acoma Pueblo, c. 1889-1903, earthenware decorated with slip - De Young Museum

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings — all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.[93]

21st century

In the 2000s, the art of designing art toys was taking off. Multiple monochrome or polychrome vinyl figurines were produced during this period, and are still produced during the 2020s. A few artists who designed vinyl toys include Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress, and CoonOne1.

During the 2010s and the early 2020s, a new interest for Postmodern architecture and design appeared. One of the causes were memorial exhibitions that presented the style, the most comprehensive and influential one being held at the Victoria & Albert Museum in London in 2011, called Postmodernism: Style and Subversion, 1975-1990. The Salone del Mobile in Milan since 2014 showcased revivals, reinterpretations, and new postmodern-influenced designs.[94] Because of this, multiple funky polychrome buildings were erected, like the House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014[95] or the Miami Museum Garage, Miami, USA, by WORKac, 2018.[96]

Besides revivals of Postmodernism, another key design movement of the early 2020s is Maximalism. Since its philosophy can be summarized as "more is more", contrasting with the minimalist motto "less is more", it is characterized by a wide use of intense colours and patterns.

Polychromatic light

The term polychromatic means having several colors. It is used to describe light that exhibits more than one color, which also means that it contains radiation of more than one wavelength. The study of polychromatics is particularly useful in the production of diffraction gratings.

See also

Notes

  1. ^ Harris, Cyril M., ed. Illustrated Dictionary of Historic Architecture, Dover Publications, New York, c. 1977, 1983 edition
  2. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 65. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
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  4. ^ Fortenberry 2017, p. 6.
  5. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 62 & 63. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  6. ^ Wilkinson, Toby (2008). Dictionary of ANCIENT EGYPT. Thames and Hudson. p. 55. ISBN 978-0-500-20396-5.
  7. ^ Rose Marie, Rainer Hagen (2022). EGYPT - People Gods Pharaohs. Taschen. p. 242. ISBN 978-3-8365-2054-6.
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References

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