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El neoclasicismo en Francia

El neoclasicismo es un movimiento arquitectónico, artístico y de diseño que surgió en Francia en la década de 1740 y se volvió dominante en ese país entre 1760 y 1830. Surgió como una reacción a la frivolidad y el ornamento excesivo de los estilos barroco y rococó . En arquitectura se caracterizó por la sobriedad, las líneas rectas y las formas, como el frontón y la columnata , basadas en modelos de la antigua Grecia y Roma . En pintura se caracterizó por el heroísmo y el sacrificio en la época de los antiguos romanos y griegos. Comenzó a finales del reinado de Luis XV , se volvió dominante bajo Luis XVI y continuó durante la Revolución Francesa , el Directorio francés y el reinado de Napoleón Bonaparte , y la Restauración borbónica hasta 1830, cuando fue reemplazado gradualmente como estilo dominante por el romanticismo y el eclecticismo . [1]

Entre los arquitectos destacados del estilo se encuentran Ange-Jacques Gabriel (1698-1782), Jacques-Germain Soufflot (1713-1780), Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) y Jean-François Chalgrin (1739-1811); Entre los pintores se encontraban Jacques-Louis David (1748-1825) y su alumno, Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Historia

El neoclasicismo en Francia surgió a principios y mediados del siglo XVIII, inspirado en parte por los informes de las excavaciones arqueológicas en Herculano (1738) y especialmente en Pompeya (1748), que sacaron a la luz diseños y pinturas clásicas. Las noticias de estos descubrimientos, acompañadas de ilustraciones grabadas, circularon ampliamente. El anticuario, coleccionista de arte y arqueólogo aficionado francés Anne Claude de Caylus viajó por Europa y Oriente Medio, y describió lo que había visto en Recueil d'antiquités , publicado con ilustraciones en 1755. [2]

En la década de 1740, el estilo comenzó a cambiar lentamente; la decoración se volvió menos extravagante y más discreta. En 1754, el hermano de Madame de Pompadour , el marqués de Marigny , acompañó al diseñador Nicolas Cochin y a una delegación de artistas y eruditos a Italia para ver los recientes descubrimientos en Pompeya y Herculano, e hizo un gran recorrido por otros monumentos clásicos. Regresaron llenos de entusiasmo por un nuevo estilo clásico, basado en los monumentos romanos y griegos. En 1754 publicaron un manifiesto contra el estilo Rocaille , pidiendo un retorno al clasicismo. Marigny, después de la muerte de Luis XV , se convirtió más tarde en director de edificios de Luis XVI . [3]

El estilo recibió un atractivo filosófico por parte de los filósofos , entre ellos Denis Diderot y Jean-Jacques Rousseau , que pedían la restauración de los valores morales en la sociedad, y por el abad Marc-Antoine Laugier , que escribió L'essai sur l'architecture , un llamamiento a la vuelta a las formas puras y despejadas de la arquitectura. Los sitios arqueológicos de Grecia e Italia se convirtieron en paradas obligatorias para los visitantes aristocráticos y eruditos en el Grand Tour de Europa. Los mejores pintores jóvenes de Francia compitieron por becas para la Academia Francesa en Roma . Ingres estudió allí y más tarde se convirtió en su director. En 1757, el arquitecto belga Jean-François de Neufforge publicó Recueil élémentaire d'architecture , un libro de texto ilustrado del estilo. El nuevo gusto se llamó originalmente le goût grec (el gusto griego). Exigía formas geométricas y decoración en "el estilo sobrio y majestuoso de los arquitectos de la antigua Grecia". [4]

En los últimos años del reinado de Luis XV y durante todo el reinado de Luis XVI, el nuevo estilo apareció en las residencias reales, particularmente en los salones y muebles de la Delfina y luego de la reina María Antonieta , y de la aristocracia parisina. Combinaba estilos griegos, romanos y lo que se llamó vagamente etruscos con arabescos y grotescos tomados de Rafael y el Renacimiento, y con temas chinoiserie y turcos. Entre 1780 y 1792, el estilo también apareció en la arquitectura, en edificios de estilo clásico como el Petit Trianon de Versalles y el castillo de Bagatelle (1777). También apareció en otras formas de arte, incluidas en particular las pinturas de Jacques-Louis David , especialmente El juramento de los Horacios (1784).

Arquitectura

Luis XIV, Luis XV y Luis XVI

El clasicismo apareció en la arquitectura francesa durante el reinado de Luis XIV . En 1667, el rey rechazó un esquema barroco para la nueva fachada este del Louvre de Gian Lorenzo Bernini , el arquitecto y escultor más famoso de la era barroca , en favor de una composición más sobria con frontones y una columnata elevada de colosales columnas corintias adosadas , ideada por un comité formado por Louis Le Vau , Charles Le Brun y Claude Perrault . [5] El resultado, que incorpora elementos de la arquitectura romana, francesa e italiana antigua , "se resuelve en la fachada de palacio más grande de Europa". [6]

Bajo el reinado de Luis XIV, la cúpula romana y la fachada de columnas monumentales se convirtieron en los elementos dominantes de importantes iglesias nuevas, comenzando por la capilla de Val-de-Grâce (1645-1710), de Jules Hardouin-Mansart , Jacques Lemercier y Pierre Le Muet , seguida por la iglesia de Les Invalides (1680-1706). Si bien las características básicas de la arquitectura de estas iglesias eran clásicas, los interiores estaban profusamente decorados en estilo barroco. [7]

En la última parte del reinado de Luis XV , el neoclásico se convirtió en el estilo dominante tanto en la arquitectura civil como en la religiosa. El arquitecto jefe del rey fue Jacques Gabriel desde 1734 hasta 1742, y luego su hijo más famoso, Ange-Jacques Gabriel hasta el final del reinado. Sus principales obras incluyeron la Escuela Militar , el conjunto de edificios con vistas a la plaza Luis XV (ahora Place de la Concorde (1761-1770)) y el Petit Trianon en Versalles (1764). A lo largo del reinado de Luis XV, mientras que los interiores estaban profusamente decorados, las fachadas gradualmente se volvieron más simples, menos ornamentadas y más clásicas. Las fachadas que diseñó Gabriel estaban cuidadosamente rimadas y equilibradas por filas de ventanas y columnas, y, en edificios grandes como los de la Place de la Concorde, a menudo presentaban grandes arcadas en el nivel de la calle y frontones clásicos o balaustradas en la línea del techo. Las características ornamentales a veces incluían balcones de hierro forjado curvados con diseños de rocalla ondulantes, similares a la decoración de rocalla de los interiores. [8]

La arquitectura religiosa de la época también fue sobria y monumental y tendió, al final del reinado, hacia el neoclásico; los principales ejemplos incluyen la Iglesia de Sainte-Genevieve (ahora el Panteón ), construida entre 1758 y 1790 según un diseño de Jacques-Germain Soufflot , y la Iglesia de Saint-Philippe-du-Roule (1765-1777) de Jean Chalgrin , que presentaba una enorme nave con bóveda de cañón. [8]

Durante el reinado de Luis XVI, el neoclásico fue el estilo arquitectónico dominante en París y en las provincias. Ejemplos notables incluyen el Hôtel des Monnaies, París (1771-76) de Jacques Denis Antoine , así como el Palais de Justice, París del mismo arquitecto; y el teatro de Besançon (1775) y el Château de Bénouville en Calvados , ambos de Claude-Nicolas Ledoux . La École de Chirurgie , o Escuela de Cirugía en París de Jacques Gondoin (1769) adaptó las formas de la casa urbana neoclásica, con un patio de honor colocado entre un pabellón con una columnata en la calle y el edificio principal. También agregó un peristilo y otro piso sobre las columnas, y transformó la entrada al patio en un arco de triunfo en miniatura. [9]

Los nuevos teatros de París y Burdeos fueron ejemplos destacados del nuevo estilo. El arquitecto Victor Louis (1731-1811) completó el Gran Teatro de Burdeos (1780); su majestuosa escalera fue precursora de la escalera de la Ópera Garnier de París . [9] En 1791, en medio de la Revolución Francesa , completó la Salle Richelieu . El Teatro Odeón de París (1779-1782) fue construido por Marie-Joseph Peyre (1730-1785) y Charles de Wailly (1729-1798). Presentaba un pórtico en forma de galería cubierta y columnas delante de la fachada. [10]

Uno de los edificios neoclásicos más conocidos de la época es el castillo de Bagatelle (1777), diseñado y construido por François-Joseph Bélanger para el conde de Artois , hermano de Luis XVI. El pequeño castillo fue diseñado y terminado en solo sesenta y tres días, para ganar una apuesta con María Antonieta de que podía construir un castillo en menos de tres meses. María Antonieta tenía un pequeño mirador neoclásico similar creado por el arquitecto Richard Mique , que también había diseñado su pintoresco pueblo rústico en los jardines de Versalles . Se completó en 1789, el año de la Revolución Francesa.

Otro ejemplo notable del estilo neoclásico en París es el Hôtel de Salm (hoy Palacio de la Legión de Honor ), construido por Pierre Rousseau entre 1751 y 1783. La fachada se distingue por su sencillez y pureza, y por su armonía y equilibrio. Una columnata de columnas corintias sostiene el entablamento de la rotonda, que está coronada por estatuas. La fachada también está animada por bustos de emperadores romanos en nichos y esculturas en relieve sobre las ventanas del vanguardista central semicircular . [11]

Algunos arquitectos adaptaron el estilo neoclásico a fines más funcionales. Claude-Nicolas Ledoux diseñó las Salinas Reales de Arc-et-Senans con exagerados edificios neoclásicos dispuestos en círculos alrededor de un "templo" central, donde se ubicaba la casa y la oficina del director. También diseñó varias rotondas para las nuevas barreras aduaneras instaladas en París entre 1785 y 1789. Estas barreras se volvieron muy impopulares (debido a los impuestos, no a la arquitectura) y la mayoría fueron destruidas durante la Revolución, aunque las del Parc de la Villette y el Parc Monceau aún siguen en pie. [12]

El arquitecto neoclásico francés más visionario fue sin duda Étienne-Louis Boullée . Sus diseños para un inmenso monumento esférico a Isaac Newton (1784) y una enorme biblioteca real nueva en París en forma de una gigantesca bóveda de cañón (1785) nunca fueron considerados seriamente, pero prefiguraron la arquitectura del siglo XX. [13]

Revolución, Directorio e Imperio

Durante la Revolución Francesa, la construcción prácticamente se detuvo en París. Los aristócratas huyeron, las iglesias fueron cerradas y saqueadas. El único gran proyecto llevado a cabo entre 1795 y 1797 fue la construcción de una gran cámara nueva dentro del Palacio Borbón , que finalmente se convirtió en la sede de la Asamblea Nacional Francesa . La Escuela de Bellas Artes fue reorganizada y reconstituida, con el departamento de arquitectura a cargo de Quatremère de Quincy (1755-1849). De Quincy era un arqueólogo aficionado y un erudito clásico, además de arquitecto. Fue condenado a muerte por un tribunal revolucionario en 1793, pero se salvó tras la caída de Maximilien Robespierre . Se le encargó la conversión de la iglesia de Sainte-Geneviève en el moderno Panteón , y aseguró que los estudios de arquitectura enseñaban las tradiciones clásicas. [14]

Tras la llegada al poder de Napoleón Bonaparte , los arquitectos más influyentes fueron Charles Percier (1764-1838) y Pierre-François-Léonard Fontaine (1762-1853). Entre sus grandes proyectos para Napoleón figuran la Rue de Rivoli , con sus fachadas neoclásicas uniformes, inspiradas en las plazas construidas por Luis XIV y Luis XV. También diseñaron el interior del Château de Malmaison , residencia de la emperatriz Josefina de Beauharnais , siguiendo el modelo del estilo neoclásico. (1803) Fontaine diseñó otro hito napoleónico, el Arco de Triunfo del Carrusel (1806-1808) en el patio del Palacio del Louvre . [14]

Otros proyectos neoclásicos napoleónicos incluyeron la gran escalera del Palacio de Luxemburgo (1801) de Jean Chalgrin (1801), y el Arco de Triunfo (comenzado por Chalgrin en 1808, pero no terminado hasta 1836). Pierre-Alexandre Vignon (1763-1828), un estudiante de Ledoux, fue encargado de rehacer la Iglesia de la Madeleine , comenzada en 1761 pero abandonada durante la Revolución, en un "Templo de la Gloria" dedicado al ejército de Napoleón. Este proyecto fue abandonado en 1813 después de una serie de derrotas; se convirtió en una iglesia de nuevo, pero no se completó hasta 1843. Napoleón también agregó una fachada neoclásica con doce columnas corintias a la fachada del Palacio Borbón . Era de un estilo completamente diferente al palacio detrás de él, y no estaba alineado con él; Estaba alineado, en cambio, con el nuevo Templo de la Gloria que estaba construyendo, frente a él, al otro lado de la Plaza de la Concordia .

La Restauración y la llegada del Romanticismo

Tras la derrota final de Napoleón en 1815, el estilo neoclásico siguió utilizándose durante la Restauración francesa , en particular en las iglesias de París. Entre los ejemplos se encuentran Notre-Dame-de-Lorette (1823-1826) de Louis-Hippolyte Lebas y Saint-Vincent-de-Paul de Jacques-Ignace Hittorff (1824-1844). En la década de 1830, el estilo arquitectónico fue reemplazado por el neobarroco y la arquitectura Beaux-Arts .

A principios del siglo XIX, se empezó a notar un cambio de estilo, sobre todo tras la publicación en 1802 de Le Génie du christianisme, de una de las figuras más destacadas del romanticismo francés , François-René de Chateaubriand (1768-1848). Chateaubriand abogaba por un retorno al estilo gótico , que, como estilo de las grandes catedrales, consideraba el único estilo francés verdaderamente grande. El movimiento hacia el romanticismo y el gótico se aceleró con la publicación de la exitosa novela El jorobado de Notre-Dame de Victor Hugo en 1821, y luego con el programa de restauración de monumentos góticos franceses dirigido por Prosper Mérimée y dirigido por Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879). Esto, junto con la Revolución de julio de 1830, puso fin a la era del neoclasicismo francés. [15]

Cuadro

La figura dominante en la pintura neoclásica francesa, incluso antes de la Revolución, fue Jacques Louis David (1748-1825). Comenzó como pintor clásico y religioso, admirador de Jean-Baptiste Greuze , el pintor de historia y género. Fue recomendado a la Académie royale de peinture et de sculpture por un amigo de la familia, François Boucher , maestro del estilo rococó . Ganó el prestigioso Prix de Rome y fue a estudiar allí en 1775. Descubrió los tesoros excavados en Pompeya y otros sitios antiguos, y cambió por completo su estilo. A partir de 1784 pintó obras basadas en historias de la literatura clásica, incluido El juramento de los Horacios (1781), una celebración del deber y el sacrificio en la época romana. Cuando comenzó la Revolución Francesa en 1789, David se convirtió en un participante activo en el ala más extrema, los jacobinos . Apoyó la disolución de la Real Academia de Pintura y Escultura, y diseñó decorados para desfiles y ceremonias revolucionarias. Su cuadro más famoso de la época, La muerte de Marat (1793), adaptó la expresión facial y el brazo flácido de Cristo en la Piedad de Miguel Ángel para representar al líder jacobino asesinado, Jean Paul Marat . Cuando los jacobinos cayeron en 1794, fue encarcelado dos veces durante varios meses, pero luego reanudó una carrera activa como retratista y luego como pintor de la corte de Napoleón Bonaparte . Cuando Napoleón cayó y se restableció la monarquía, se exilió en Bélgica. [16]

La pintura francesa estuvo dominada durante años por David y sus alumnos, entre ellos Antoine-Jean Gros (1771-1835) y, más tarde, Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867). Los pintores neoclásicos posteriores dejaron de lado los mensajes políticos y se concentraron en figuras idealizadas e ideas de belleza; entre ellos se encontraban François Gérard , quien, como David, hizo un famoso Retrato de Juliette Récamier , para gran disgusto de David; Jean-Baptiste Regnault (1754-1829); Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823); Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) y Anne Louis Girodet-Trioson (1767-1824). [17]

Escultura

El escultor francés más destacado del período neoclásico temprano fue Étienne Maurice Falconet (1716-1791), cuya obra incluye el Jinete de bronce de Pedro el Grande en San Petersburgo , Rusia (modelo realizado en 1770, pero no fundido hasta 1782). Fue nombrado profesor de la Académie royale de peinture et de sculpture en París en 1766, y desde 1757 en adelante dirigió el modelado de pequeñas esculturas en porcelana en la fábrica de porcelana de Sèvres . Su obra se mantuvo más cerca de las estatuas en pleno movimiento del barroco francés que del nuevo estilo, más sereno. En sus últimos años diseñó pequeñas esculturas ornamentales de bronce fundido como la Niña sentada (1788), ahora en el Museo Metropolitano de Arte . [18]

La primera figura importante más claramente neoclásica fue Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Estudió en la Academia Francesa de Roma , donde realizó estudios detallados de la anatomía de las antiguas estatuas romanas y griegas que allí se exhibían. Se hizo famoso por sus bustos y esculturas de retratos, en particular su estatua sedente de Voltaire (1779-1781), ahora expuesta en la Comédie-Française , y sus bustos de Benjamin Franklin y otras figuras políticas de la época. También creó varias obras alegóricas que ilustran el invierno y el verano en un estilo completamente más expresivo que el clasicismo tradicional, como su La Frileuse (Mujer en invierno), en el Museo Fabre de Montpellier . [19]

El escultor Claude Michel (1738-1814), también conocido como Clodion , también estudió en la Academia de Roma entre 1762 y 1771. Sus obras variaron ampliamente del neoclásico al rococó; concibió un modelo de terracota para una extraordinaria escultura monumental, cubierta con estatuas de ángeles y cupidos, para celebrar el primer vuelo en globo en París de los hermanos Montgolfier (1784).

Augustin Pajou (1730-1809) también estudió en la Academia Francesa de Roma entre 1752 y 1756. Regresó a París para enseñar en la Académie royale de peinture et de sculpture, y se convirtió en rector en 1792. Realizó una serie de estatuas muy expresivas sobre temas mitológicos, entre ellas Psique y Amor .

Música

Los efectos del neoclasicismo en el arte son muy visibles a través de obras de arte y esculturas, pero cuando se trata de música, a veces se pasan por alto. Con el surgimiento de nuevos ideales y el cambio hacia la independencia de la corona, la sociedad francesa comenzó a ver un cambio en la arquitectura y el diseño, así como en las artes. Su cambio en la música inició el comienzo de la era romántica en la historia musical. Las revueltas en Francia en ese momento crearon un ambiente de hostilidad e inquietud, lo que obligó a muchos escritores de ópera a mirar al pasado de Francia para retratar un sentido de unificación para los plebeyos franceses. [20] En muchos sentidos, estas óperas y configuraciones musicales desempeñaron un papel político al poder transmitir creencias políticas sobre temas, con el fin de evocar un mayor sentido de unidad en los espectadores, creyendo que muchos otros vieron las causas como ellos personalmente lo hicieron.

Copia impresa de Le Chant du départ

En la era de la Revolución Francesa, particularmente bajo el gobierno de Napoleón, el famoso compositor Étienne Méhul fue conocido por componer muchas piezas patrióticas para el pueblo y la nación de Francia. La más famosa de las cuales es Le Chant du départ , que luego se convirtió en el himno oficial del Imperio francés en 1794. A menudo comparado con el himno nacional actual de Francia, La Marsellesa , Le Chant du départ tiene vínculos con la unidad del pueblo francés, así como con la diversidad de la sociedad francesa. Los puntos de vista de quienes cantan varían desde un diputado hasta sus soldados, madre, esposas, esposos y padres, representando los roles que deben asumir y vivir durante esta era de revolución. [21] La composición gramatical en sí de la pieza generaliza a los personajes, para que se vean como iguales bajo la premisa de la victoria y el éxito. Prohibida tanto por Napoleón como por Luis XVIII por sus vínculos revolucionarios, La Marsellesa, logra el objetivo similar de unir al pueblo de Francia evocando en ellos un sentido de patriotismo, ya que fue apodada "Chant de guerre pour l'Armée du Rhin" (Canción de guerra para el Ejército del Rin) . [22] Escrita por Claude Joseph Rouget de Lisle , mostró los aspectos primarios de la música neoclásica de esta época, La Marsellesa cuenta la historia de la fuerza del pueblo y el ejército, en este escenario de su fuerza contra las tropas austriacas y prusianas. [23] Uniéndolos a través de una renovación de la música barroca y clásica, [24] no es de la gloriosa historia de Francia, sino de la resistencia de su gente que luchó, y todavía lucha, para crear la nación en la que soñaban construir. Finalmente, al ser devuelta como la canción del pueblo, fue restaurada a su posición como himno nacional, como permanece hasta el día de hoy.

Decoración de interiores

El goût Grec o "gusto griego" en el diseño fue introducido en Francia en 1757 por Jean-François de Neufforge en su libro Recueil élémentaire d'architecture , que elogiaba "el estilo majestuoso y sobrio de los arquitectos de la antigua Grecia". Ofreció grabados de bóvedas clásicas, guirnaldas de hojas de laurel, palmitos y guilloches (cintas entrelazadas trenzadas) y otros motivos que pronto aparecieron en los salones de París. [25]

A partir de la década de 1770, el estilo pompeyano o estilo pompeyano se puso de moda en París, basado en reproducciones de diseños encontrados en Pompeya, aumentados con arabescos , grifos , esfinges , cuernos de la abundancia y jarrones sobre trípodes, entrelazados con vides y medallones y pintados en altos paneles rectangulares en las paredes pintadas de blanco y bordeadas con estuco dorado. El nuevo estilo también se inspiró en los grotescos decorativos de Rafael pintados en el Palacio Apostólico del Vaticano en 1510. El tocador de María Antonieta en el Palacio de Fontainebleau , diseñado por Rousseau de la Routière en 1790, justo después de que comenzara la Revolución, es un ejemplo notable. [26]

Durante la Revolución Francesa , la aristocracia huyó de París y la mayoría de los palacios y casas adosadas fueron despojados de sus muebles y decoración. Una nueva versión del neoclasicismo apareció brevemente durante el Directorio francés (1795-1799), que mezcló elementos del estilo pompeyano con el estilo Adam de Inglaterra. Cuando Napoleón Bonaparte arrebató el poder al Directorio, el estilo neoclásico comenzó a adoptar una nueva forma, llamada estilo Imperio (1799-1815).

El estilo Imperio tenía una coherencia extraordinaria y una simplicidad audaz, gracias a los dos enérgicos diseñadores principales de Napoleón, Charles Percier (1764-1838) y Pierre-François-Léonard Fontaine (1762-1853). Los motivos eran generalmente símbolos del imperio, incluyendo coronas y coronas de laurel, medallas, liras, cuernos de la abundancia y cabezas clásicas vistas de perfil. Las habitaciones a veces tenían las paredes cubiertas de tela, representando las tiendas de un ejército en campaña. Los interiores y los muebles a menudo presentaban columnas clásicas talladas en madera. Los motivos egipcios y las bestias míticas de la antigüedad, como la esfinge , el grifo y la quimera , eran populares. Los emblemas imperiales, incluyendo el águila, la abeja y la letra N con una corona, también eran comunes. [27]

Muebles

Los primeros muebles de "gusto griego" en Francia, fabricados en 1756 y 1757 según diseños de Jean-François de Neufforge (1714-1791) y Jean-Charles Delafosse (1734-1791), eran macizos, rectangulares y profusamente decorados, con columnas doradas, frisos y guirnaldas colgantes. Sin embargo, poco después, el ebanista real Jean-François Oeben produjo obras mucho más ligeras y elegantes para Luis XV y Madame de Pompadour . Eran un híbrido de las curvas del rococó con los ángulos rectos del neoclasicismo. Las sillas tenían patas curvas tipo cabriolet y respaldos en forma de cartucho, combinados con guirnaldas y frisos neoclásicos. Oeben redecoró Versalles y otros palacios reales con nuevos tipos de muebles innovadores: el escritorio cilíndrico o de tapa enrollable; la mesa con una superficie de escritura mecánica que se podía elevar; y el escritorio de frente abatible. [28]

Tras la muerte de Oeben, su lugar fue ocupado por dos de sus discípulos, Jean-Henri Riesener (1734-1806) (que se casó con la viuda de Oeben) y Jean-François Leleu . Riesener y Leleu produjeron muebles con magníficas incrustaciones de madera o marquetería, a menudo con diseños florales, y armarios de caoba decorados con motivos florales de bronce y patas de columna. [28]

En el mobiliario Luis XVI , particularmente en la década de 1780, los estilos de mobiliario se volvieron más ligeros, más geométricos y con una ornamentación más simple, siguiendo los gustos de María Antonieta . Los principales diseñadores franceses durante este período fueron Jean-Baptiste-Claude Sené (1748-1803) y Georges Jacob (1739-1814). Al final del reinado de Luis XVI, Sené y Jacob estaban produciendo formas muy originales e imaginativas, incluidas sillas con respaldos de madera tallada en forma de lira y la "silla etrusca", un tipo concebido por el pintor Hubert Robert para la " aldea rural " de fantasía de María Antonieta en Versalles. El adorno de la silla, que siguió siendo popular mucho después de que terminara el período, fue tomado de los antiguos jarrones griegos. [29]

La Revolución Francesa trastocó la artesanía del mueble; los clientes aristocráticos huyeron y los muebles de los palacios reales se vendieron en enormes subastas; una gran parte se fue al extranjero. Un avance positivo para los fabricantes de muebles fue la abolición de las antiguas reglas gremiales; después de 1791, los fabricantes de marcos de muebles pudieron colaborar con los que hacían las marqueterías. El gusto etrusco desapareció, pero el estilo neoclásico floreció bajo el Directorio francés (1793-1799), el Consulado francés (1799-1804) y el Imperio de Napoleón Bonaparte .

El último diseñador de muebles de Luis XVI, Georges Jacob, formó una nueva firma con sus dos hermanos y, entre 1796 y 1803, se convirtió en el diseñador más destacado del período neoclásico tardío. Hizo un esfuerzo por encontrar formas clásicas que fueran más auténticas. El tipo de silla griega llamada klismos se hizo especialmente popular; Jacob produjo una variedad de divanes y taburetes neoclásicos, así como el Lit de Repos , o cama de día, que apareció en el Retrato de Madame Récamier de Jacques-Louis David . Otra forma popular fue el taburete plegable, inspirado en los que se usaban en los campamentos del ejército romano. Después de la invasión de Egipto por Napoleón en 1798, los diseños egipcios, en forma geométrica estilizada, aparecieron en los muebles. Los adornos de bronce dorado de artesanía extremadamente fina se hicieron en los talleres de París y se exportaron a las casas reales de Europa. Las continuas guerras y bloqueos europeos dificultaron la importación de maderas exóticas, y a veces se utilizaron maderas locales como los limoneros; La caoba siguió siendo la opción preferida para los muebles de prestigio. Entre los maestros artesanos del estilo Imperio tardío se encontraban Bernard Molitor , que hizo los muebles para el castillo de Saint Cloud , y los arquitectos Charles Percier y Pierre-François-Léonard Fontaine , que hicieron muebles lo más auténticos posible según los modelos griegos y romanos para las residencias de Napoleón y para los clientes de la nueva aristocracia napoleónica. [30]

Citas

  1. ^ Riley 2004, pág. 126.
  2. ^ de Morant 1970, pág. 389.
  3. ^ Wiegandt 2005, pág. 54.
  4. ^ Riley 2004, pág. 128.
  5. ^ Summerson 1963, Lámina 47; Ayers 2004, págs. 36–37.
  6. ^ desde Summerson 1963, Lámina 47.
  7. ^ Ducher 1988, pág. 124.
  8. ^ desde Ducher 1988, pág. 140.
  9. ^ ab Prina y Demartini 2006, pág. 249.
  10. ^ Renault y Lazé 2006, pag. 77.
  11. ^ Ducher 1988, págs. 162-3.
  12. ^ Toman 2007, págs. 77–85.
  13. ^ Toman 2007, págs. 84–86.
  14. ^Ab Toman 2007, pág. 87.
  15. ^ Toman 2007, pág. 101.
  16. ^ Toman 2007, págs. 367–79.
  17. ^ Toman 2007, págs. 378–396.
  18. ^ Toman 2007, pág. 254.
  19. ^ Toman 2007, págs. 256–57.
  20. ^ Dotson, Savannah J. (primavera de 2014). «La ópera francesa y la Revolución Francesa, Etienne Nicolas Mehul». Archivado desde el original el 23 de marzo de 2022. Consultado el 12 de abril de 2022 .
  21. ^ Domine, Jean-François (1 de septiembre de 2002). "Le chant du départ de Marie-Joseph Chénier et Etienne Méhul". Annales historiques de la Révolution française (en francés) (329): 89–100. doi : 10.4000/ahrf.701 . ISSN  0003-4436. Archivado desde el original el 12 de abril de 2022 . Consultado el 12 de abril de 2022 .
  22. ^ "Libros de consulta sobre la historia de Internet". sourcebooks.fordham.edu . Archivado desde el original el 19 de abril de 2022 . Consultado el 12 de abril de 2022 .
  23. ^ "¿Cuál es el significado de La Marsellesa?". BBC News . 17 de noviembre de 2015. Archivado desde el original el 12 de abril de 2022. Consultado el 12 de abril de 2022 .
  24. ^ "¿Qué es el neoclasicismo en la música? Una descripción general". HelloMusicTheory . 2021-10-29. Archivado desde el original el 2022-04-12 . Consultado el 2022-04-12 .
  25. ^ Riley, Noël, Grammaire des arts decoratis (2004), pág. 126
  26. ^ Ducher 1988, págs. 158-59.
  27. ^ Renault y Lazé 2006, pag. 90.
  28. ^ desde Riley 2004, pág. 130.
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  30. ^ Riley 2004, págs. 136-137.

Bibliografía