Las mujeres tatuadas eran mujeres de clase trabajadora que se hacían tatuajes y actuaban en circos , espectáculos secundarios y museos de espectáculos de diez centavos como medio para ganarse la vida de manera sustancial. En el apogeo de su popularidad a principios del siglo XX, las mujeres tatuadas transgredieron las normas de género victorianas al exhibir sus cuerpos con ropa ligera y ganaron un salario considerablemente mayor que sus contrapartes masculinas. Las mujeres tatuadas a menudo usaban historias de cautiverio como un medio para excusar su apariencia y para tentar a la audiencia. La popularidad de las mujeres tatuadas disminuyó con la aparición de la televisión.
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Treinta años antes de que las mujeres tatuadas aparecieran en los espectáculos de feria y en los museos de a centavos, una joven blanca llegó a los titulares nacionales con su apariencia inusual y su historia aterradora. Durante la emigración hacia el oeste de su familia a lo largo del Camino de Santa Fe en 1851, los yavapi tomaron cautivas a Olive Oatman , de trece años , junto con su hermana Mary Ann, de siete años. Las niñas Oatman vivieron con los yavapi hasta que fueron intercambiadas con los Mojave, con quienes vivieron hasta la muerte de Mary Ann y el posterior rescate de Olive el 22 de febrero de 1856. [2]
Bajo el supuesto de que toda su familia había fallecido y que el rescate era imposible, Oatman se asimiló a la cultura Mojave y se hizo tatuajes en el mentón y el brazo como una forma de identificarse en el más allá. Según Amelia Klem Osterud, la historia de Oatman se apartó de las narrativas tradicionales de cautiverio y las normas de género victorianas, ya que no se "marchitó y murió" debido a su experiencia. [3] Oatman reconcilió deliberadamente su identidad como una Mojave adoptada con su nueva identidad como mujer blanca marcada al viajar en un circuito de conferencias con su escritor fantasma, Royal B. Stratton.
La decisión de Oatman de sensacionalizar su narrativa para obtener ganancias y excluir aspectos íntimos de la misma para protegerse demuestra una astuta conciencia de su situación. Como la sociedad estadounidense no hubiera tolerado la decisión de Oatman de asimilarse a la cultura de Mojave, o incluso de aceptarla como una persona transcultural, ella se redefinió deliberadamente como una víctima de la brutalidad externa. De esta manera, Oatman cosechó más gestos de simpatía y apoyo que miradas de disgusto.
También se ha sugerido que la historia de cautiverio de Olive Oatman no habría sido tan popular en la época si no hubiera adquirido tatuajes Mojave. [4] También se afirma que Olive Oatman no solo se había asimilado a la vida Mojave, sino que también se había casado con un miembro de la tribu y había tenido un hijo. [4]
A su vez, su historia sirvió como modelo explotable para las narrativas míticas y escandalosamente reveladoras de las mujeres de la clase trabajadora del futuro. El uso de la narrativa de la víctima permitió a mujeres como Oatman, y a las que copiaron su historia, mantener la respetabilidad mientras exhibían sus cuerpos para obtener ganancias durante la era victoriana. [ cita requerida ]
Los circos y los museos de diez centavos buscaban actos nuevos y emocionantes, incluyendo la publicación de anuncios en los periódicos para mujeres tatuadas. [6] Durante finales de la década de 1890 y principios de la de 1900, los artistas del tatuaje normalmente cobraban menos de un dólar por tatuajes pequeños, mientras que un trabajo de cuerpo completo costaba 30 dólares y tardaba menos de dos meses en completarse. [7] Dependiendo de su popularidad, una mujer tatuada ganaba entre 100 y 200 dólares semanales durante el cambio de siglo, mientras que los maestros en 1900 ganaban un promedio de 7 dólares a la semana, más alojamiento y comida, y en 1909, los trabajadores administrativos ganaban alrededor de 22 dólares a la semana y los trabajadores industriales en Milwaukee , Wisconsin, ganaban 9 dólares. [8] El Roanoke Daily informó en 1895 que una mujer tatuada sin nombre recibía 100 dólares al día, y que
... el cuento de hadas que se cuenta sobre ella, tal como lo cuenta el empresario, no hizo más que aumentar el interés del público y no perjudicó a nadie. En la historia, se la representa como si hubiera naufragado en una de las islas Sandwich, junto con su marido, que fue condenado a muerte. Le perdonaron la vida, pero la torturaron y le tatuaron estos extraordinarios personajes por todo el cuerpo. En cada una de las 21 funciones diarias en las que se exhibía a esa mujer tatuada había entre 500 y 700 personas, y todos estaban contentos con el espectáculo, por el que pagaron 10 centavos. [9]
Muchos conocían la falsedad de estas historias de cautiverio, pero gastaron su dinero para escucharlas por el bien del entretenimiento, así como para tener la oportunidad de saciar su curiosidad de ver el cuerpo femenino en una forma inusual. [ cita requerida ]
En una entrevista de 1884 para Sedalia Weekly Bazoo , la mujer tatuada Mary Baum dijo, cuando se le preguntó de dónde sacó la idea de hacerse tatuajes, "Vi a otras mujeres tatuadas en museos y pensé que sería bueno". [10]
Los ingresos de una mujer tatuada dependían de las estaciones, la popularidad y el éxito del circo o del museo de diez centavos al que se asociaba y la competencia de otros artistas tatuados. Algunas mujeres tatuadas ampliaron su alcance más allá de la carpa y consiguieron ingresos adicionales mediante la publicidad de productos. Por ejemplo, en un anuncio titulado "Pureza perforada: una mujer maravillosamente tatuada: naturaleza y arte perfeccionados: una belleza", se utiliza el nombre de Irene Woodward para vender aceite de San Jacobo para aliviar el dolor;
La señorita Irene fue tatuada por su padre y atravesó lo que para ella fue un período de delicioso sufrimiento durante siete años. La joven sufrió durante ese tiempo, por supuesto, pero si tuviéramos que soportar tan delicioso bordado, no hace falta decir que necesitaríamos tener cerca una botella de... aceite de San Jacobo... Lo considero muy superior a cualquier otro medicamento en cuanto a poder curativo, así como la señorita Woodward, desde un punto de vista artístico, está por encima de un poco de baratija. [11]
La exposición mediática contribuyó a que ganara popularidad y una audiencia más amplia. La redacción positiva del anuncio, incluida la mención de que Irene está usando un producto defectuoso, la elevó a un estatus respetable. [ cita requerida ]
Las consecuencias de hacerse tatuajes y actuar con ropa escasa pesaban mucho en términos de respeto hacia las mujeres tatuadas. La apariencia de Irene Woodward era una marca de desviación y la mayoría de los miembros de la sociedad consideraban que su cuerpo tatuado al descubierto era repulsivo fuera de las zapatillas altas. Teniendo esto en cuenta, los victorianos no veían los circos y los museos de abarrotes como faros de diversión familiar sana y sana. No obstante, seguían sintiendo curiosidad y cautivados por la tentadora historia de Woodward. Para mantener el equilibrio entre la virtud y el inconformismo, la aparición mediática de Woodward en el New York Times proporcionó una idea de cómo tanto las mujeres tatuadas como los medios de comunicación creaban estratégicamente su imagen de respetables:
La señorita Woodward comentó que se sentía un poco avergonzada de que la miraran de esa manera, ya que nunca antes había usado el traje en presencia de hombres. ... El tatuaje, que se hizo con tinta china, parecía artístico y los elementos eran variados y atractivos. Alrededor del cuello se observó un collar floral. De éste colgaba un ramo de rosas en plena floración que colgaban hasta perder sus gráciles formas debajo del borde de encaje del corpiño. ... La señorita Woodward afirma que era hija de un marinero que comenzó a hacerse el tatuaje cuando tenía solo 6 años y lo terminó cuando tenía 12. [12]
La referencia a su renuencia a revelarse por primera vez frente a los hombres refleja el intento de legitimar su respetabilidad y suaviza la naturaleza transgresora de su apariencia. La "primera vez" de Woodward se producía cada vez que presentaba su cuerpo ante el público; [ cita requerida ] esto sirvió sin duda como una forma de "exclusivizar" su exhibición de ciudad en ciudad y atraer a multitudes de espectadores. Las vívidas y femeninas descripciones de sus tatuajes sirvieron como una forma de elevar y feminizar aún más la apariencia de Woodward. [ investigación original? ]
Otras artistas, como Miss Creole y Miss Alawanda, adoptaron herramientas mediáticas similares en sus presentaciones. A medida que las mujeres tatuadas se volvieron más comunes en los circos y los museos de abarrotes, las oportunidades que trajo consigo el siglo XX también obligaron a las mujeres tatuadas a enfrentar nuevos desafíos. Para seguir siendo exóticas en el ámbito de las ideas cambiantes sobre la respetabilidad, estas mujeres pensaron en narrativas innovadoras para competir entre sí y recuperar la atención del público. [ cita requerida ]
Estas mujeres cambiaron la narrativa victoriana de la víctima por una que muestra elementos de elección deliberada de convertirse en una "monstruo autodidacta". En un sentido más amplio, el acto de exponer sus cuerpos a cambio de dinero, e incluso de operar de manera independiente sin subordinarse a un jefe masculino, desafiaba las expectativas sociales tradicionalmente sostenidas en relación con la autonomía corporal de la mujer. [ ¿ Investigación original? ]
Fieles a su compromiso con su carrera, las mujeres tatuadas se cubrían el rostro no solo para evitar exhibiciones gratuitas, manteniendo así fresco su exotismo, sino también para evitar el desgaste que sufren los tatuajes con el paso del tiempo y la exposición regular al sol. [13] Las mujeres tatuadas colocaban sus tatuajes estratégicamente de tal manera que les permitiera vestir modestamente en público y funcionar en su vida diaria sin ser notadas. Las fotografías de mujeres tatuadas populares revelan que sus tatuajes no se extendían más allá de sus antebrazos, por encima de su cuello o por debajo de sus tobillos. Además, muchas de estas mujeres llevaban tatuajes que incluían iconografía religiosa y patriótica. No se sabe si esto era por preferencia personal o como un medio de autoexpresión, sin embargo, la organización y la naturaleza temática de estos tatuajes demuestran un patrón común. Las mujeres tatuadas usaban tales imágenes para elevar el estatus de sus tatuajes como una forma de arte adecuada digna de exhibición y como una forma de suavizar el golpe de sus cuerpos inconformistas para los espectadores. Incluso la dirección del Circo Ringling Brothers era consciente de ello y animaba a los empleados, especialmente a las mujeres, a mantener un comportamiento respetable dentro y fuera del escenario para disipar los estereotipos asociados a sus actos, diciendo: "Deberíamos querer que la 'gente del pueblo' sienta que la 'gente del espectáculo' son hombres y mujeres de verdad, damas y caballeros también". [14] De esta manera, la imagen de respetabilidad abarcaba no sólo a la mujer tatuada personalmente, sino toda la reputación del espectáculo para el que trabajaba.
Nora Hildebrandt, una de las primeras mujeres tatuadas que actuó en los EE. UU., ficcionó de manera salvaje su pasado para atraer a audiencias cautivadas por sus atuendos escandalosos, así como por los matices sexuales de los tatuajes forzados que le hacían los nativos americanos. [15] En un panfleto publicado alrededor de 1882, la extravagante historia de fondo de Hildebrandt incluía no solo el cautiverio en la tribu de Toro Sentado , sino también los tatuajes forzados que le hacía su propio padre:
"Uno de los guerreros de Toro Sentado lo acusó de intentar envenenarlos, y el jefe le dijo al prisionero que si tatuaba a su hija le daría la libertad, que debía tatuarla desde los dedos de los pies hasta la cabeza... Se vio obligado a trabajar seis horas al día durante un año antes de que ella fuera recusada, logrando trescientos sesenta y cinco diseños". [16]
En realidad, Hildebrandt nació en la pobreza bajo un nombre diferente en Londres, Inglaterra, en algún momento de la década de 1850. Hildebrandt conoció al tatuador profesional Martin Hildebrandt , quien a menudo era presentado como su padre o esposo aunque en realidad no se casaron, y le permitió tatuarle todo el cuerpo en 1882. [17] Aunque el proceso de tatuarse durante este período de tiempo implicaba imágenes toscamente hechas a mano y largas horas de intenso dolor, la recompensa de Hildebrandt por convertirse en una "rara" hecha a sí misma no se mantuvo en secreto. Por ejemplo, el New York Clipper informó el 22 de marzo de 1884 que durante su visita a México, recibió "un poni mustang, una jaula montada en plata que contenía un águila americana y un león, un tigre mascota que la sigue a todas partes, un mono bailarín, loros, sinsontes, etc." [18] En una reseña de 1882, el New York Times criticó la robusta estatura de Hildebrandt y sus rasgos faciales masculinos: "su rostro es [tan] duro que uno se pregunta si alguna vez lograron atravesar la piel con una aguja sin un martillo". [12] La forma en que los medios trataron a una mujer tatuada determinó en última instancia su capacidad para ascender a la fama. Una vez que las mujeres tatuadas comenzaron a cambiar sus historias y a usar los medios a su favor, experimentaron una mayor longevidad en sus carreras. [ ¿ Investigación original? ]
No se sabe mucho sobre los orígenes de Irene Woodward antes de su carrera como mujer tatuada. El New York Times afirmó que:
"Era hija de un marinero que empezó a tatuarse cuando tenía apenas 6 años y lo terminó cuando tenía 12. Nació cerca de Dallas, Texas, y ha pasado la mayor parte de su vida en las tierras salvajes del Oeste. Concibió la idea de exhibirse después de ver al griego tatuado en Denver". [12]
De hecho, Samuel O'Reilly y su todavía no famoso aprendiz, Charles Wagner, tatuaron a Woodward. A diferencia de Hildebrandt, Miss Creole y Miss Alawanda, Woodward no utilizó la narrativa del cautiverio en su totalidad. Aunque sus tatuajes fueron impuestos por un individuo externo, la implicación de que su padre los hizo sugirió que la imposición provino de prácticas culturales occidentales más que externas. Ella vio a un artista masculino tatuado, la posibilidad de ganarse la vida copiándolo, y se reinventó.
A medida que las mujeres comenzaron a experimentar una mayor libertad social gracias al sufragio, el Movimiento de la Nueva Mujer y la ausencia de competencia masculina en la fuerza laboral durante ambas guerras mundiales, el tatuaje se convirtió en un símbolo consolidado del arte popular de la clase trabajadora. A partir de la década de 1930, las mujeres tatuadas se desviaron de las narrativas ficticias de cautiverio y explicaron su elección de profesión con mayor libertad.
Cuando en 1931 le preguntaron por qué se había hecho tatuajes, Mae Vandermark bromeó: "Me encanta el arte... y eso también es cierto, hasta cierto punto... quiero decir, me gusta comer de forma normal". [19] Vandermark descubrió que actuar como una mujer tatuada le reportaba mayores beneficios que trabajar como taquígrafa. Según un artículo de 1927 del Milwaukee Sentinel , Vandermark vio a otra mujer con un pequeño tatuaje mientras nadaba en Coney Island y decidió que quería uno. Tras hacerse dos, conoció y se convirtió en "gran amiga" de la artista tatuada Lotta Pictoria, "que convenció a Mae de que se convirtiera en profesional". [20] En el mismo artículo, se hace referencia a Pictoria como la persona que presentó a Vandermark a Charles Wagner y la ayudó a conseguir un traje de cuerpo entero en el transcurso de diez meses por el precio de ganga de 130 dólares. Esto sugiere que Pictoria orientó o le mostró a Vandermark los trucos para actuar como una mujer tatuada al compartir sus conexiones sociales con Vandermark, lo que en última instancia ayudó a lanzar su carrera.
Betty Broadbent actuó inicialmente como la mujer tatuada más joven de la historia durante la década de 1920. Cuando los trajes de baño y los dobladillos se hicieron populares, Broadbent decidió sorprender al público al participar en un concurso de belleza en la Feria Mundial de 1939. [21] Si bien no tenía ninguna posibilidad de ganar, Broadbent disfrutó de la atención y la publicidad gratuita, y aseguró a su público que su acto saludable se diferenciaba de "esas fulanas de feria con uno o dos tatuajes que chocaban y se meneaban". [21] Al igual que Vandermark, los tatuajes de Broadbent también tenían referencias a íconos de la cultura pop y otros que se adaptaban a su gusto individual; lucía imágenes de Charlie Chaplin y Charles Lindberg. De esta manera, Broadbent refleja la permanencia del tatuaje en la cultura popular estadounidense como una forma de arte que gana reconocimiento de manera constante. Los tatuajes de Broadbent sugieren un intento deliberado de expresarse a través de la elección en lugar de la imposición o la aflicción. En su postal de recuerdo se podía leer: "Lo hice sólo por razones profesionales. No me arrepiento de haber elegido esta carrera tan inusual". [22] El recibo de sueldo de Broadbent de 1956 por 220 dólares sugiere que sus ingresos eran significativamente altos. [23]
Maud Arizona (n. 1888 como Genovefa Weisser, m. Forst, presumiblemente en Löchau (Lachov) / distrito de Braunau (Reino de Bohemia); † 1963) fue una conocida showwoman durante la década de 1920, que apareció bajo su nombre artístico Maud Arizona como una "dama tatuada" y fue modelo para varias obras de Otto Dix . [24]
Durante las décadas de 1950 y 1960, el negocio comenzó a decaer para muchos artistas y mujeres tatuadas, ya que los espectáculos de circo y los museos de diez centavos pasaron de moda. A medida que la era de la posguerra aclamó un sentido de conformidad y normalidad, los tatuajes disminuyeron en popularidad y una vez más fueron estigmatizados debido a su asociación de larga data con la actividad delictiva. Aún así, un pequeño grupo de mujeres tatuadas, cuya juventud y tinta se desvanecieron considerablemente en ese momento, continuó actuando donde se reunía una audiencia. Artoria Gibbons , una de las últimas mujeres en actuar, actuó hasta bien entrada la década de 1980. Gibbons actuó no necesariamente por dinero, sino por amor al arte escénico. [25] Las mujeres tatuadas trabajaban como artistas durante sus temporadas bajas junto con sus esposos. Muchas de estas mujeres tatuadas aprendieron el oficio del tatuaje profesional de sus parejas y allanaron el camino para que una nueva generación de mujeres se asegurara la vida creando estilos femeninos de flash en sus propios talleres.
Aunque la mujer tatuada de feria ya no es algo común, el hecho de hacerse tatuajes entre las mujeres tiene correlaciones significativas con la sexualización y los estereotipos de género que refuerzan las expectativas de género. [26] Un estudio reciente sobre mujeres con tatuajes orientadas a su carrera profesional descubrió que sentían un fuerte apoyo por sus tatuajes por parte de sus parejas y amigos, pero no tanto por parte de sus madres, hermanos e hijos. Los padres, médicos, enfermeras tituladas y el público con el que las mujeres tatuadas entraban en contacto eran los menos propensos a expresar su aceptación de los tatuajes. [27]
Debido al estigma, las mujeres tienden a determinar la ubicación de sus tatuajes de manera diferente a los hombres. Por lo general, las mujeres eligen una zona del cuerpo donde el tatuaje no se vea de inmediato o que se pueda cubrir cuando sea necesario. Las mujeres suelen tener el primer tatuaje colocado en una parte no expuesta de su cuerpo. Si más tarde eligen otro tatuaje, es posible que se seleccione una zona del cuerpo más visible. [28] Mientras que las mujeres suelen elegir la parte superior del pie, la parte interna de la muñeca, el costado de la caja torácica y el hombro, los hombres eligen el brazo, el pecho, el antebrazo y la espalda para sus tatuajes.
Durante muchos años, las mujeres con tatuajes fueron clasificadas en categorías específicas: artistas de circo, motociclistas, hippies o prostitutas. La presencia de un tatuaje en el cuerpo de una mujer en la sociedad actual no necesariamente va en contra de la norma, aunque todavía existe cierta connotación sexual. Históricamente, los tatuajes se han visto como una tendencia masculina, pero las mujeres están desafiando este estigma al elegir realzar artísticamente sus cuerpos como una forma de autoexpresión. Cuando el cuerpo de una mujer es un objeto sexual, el cuerpo de una mujer tatuada es un objeto sexual lascivo; cuando el cuerpo de una mujer es naturaleza, el cuerpo de una mujer tatuada es primitivo. Sus tatuajes son sobrescritos culturalmente para enfatizar significados ya asociados al cuerpo femenino dentro de un dominio cultural más amplio. [29]
Una de las razones más comunes para hacerse un tatuaje es tener una representación visual con un significado más profundo para quien lo lleva y quizás para que lo vean los demás. Hoy en día, las feministas modernas a menudo usan los tatuajes como un medio para impulsar una causa y como un medio semiótico material de autoexpresión. [30] Un ejemplo de ambos usos son los tatuajes que subvierten ideologías para satisfacer la visión de sí mismo y las interpretaciones de un individuo, como los tatuajes de simbolismo cristiano tradicional de Marquis Bey, como una cruz y el Salmo 23:4, para reforzar su propio ateísmo, negritud y cualidades feministas. [31] Los tatuajes pueden agregar una capa adicional de significado a la piel, de la misma manera que la edad, el género, la raza y otros factores de la piel tienen significado. Algunas feministas usan los tatuajes para autodefinir la carne femenina, confrontando las ideas esencialistas que definen el cuerpo de una mujer y las visiones sociales de cómo deberían ser los cuerpos de las mujeres. [32] Por lo tanto, las mujeres usan los tatuajes para desafiar el esencialismo y las metanarrativas . [33]
Aunque las actitudes hacia las mujeres con tatuajes han mejorado en la sociedad occidental durante los últimos 30 años, sigue existiendo un estigma contra las mujeres que llevan tatuajes. Un estudio reciente de la Universidad de Windsor, en Ontario, Canadá, registró las actitudes de los estudiantes universitarios hacia las personas con tatuajes. Los principales factores que influyeron en las actitudes incluyeron el género del portador del tatuaje, seguido de la ubicación y el tamaño del tatuaje. [34] Este sentimiento se popularizó en películas como La chica del dragón tatuado . En el libro original y en las interpretaciones cinematográficas suecas, el tatuaje del dragón en Lisbeth es enorme y ocupa casi toda la superficie de su espalda. En la versión americanizada de la película, el tatuaje del dragón es considerablemente más pequeño y cubre solo su hombro izquierdo. [35]
Las actitudes prejuiciosas y la minimización tanto del tamaño como de la visibilidad de los tatuajes en las mujeres no son la única forma de percepción negativa hacia las mujeres con tatuajes. Existe una relación significativa entre los tatuajes y la forma en que las personas perciben a sus portadores, en particular en el mundo de la aplicación de la ley, con casos que involucran a oficiales, jueces, fiscales, administradores de prisiones, guardias y otros prisioneros. En estos casos, las personas leen el tatuaje como un texto y a menudo tienen opiniones más duras sobre el portador del tatuaje debido a una lectura sesgada. [36]
El auge de los tatuajes como una forma de arte en lugar de un identificador de motociclistas, bandas de prisioneros y marineros ha hecho de los tatuajes una declaración de moda. Algunos tatuajes de moda se eligen por razones cosméticas, como las cejas y los labios permanentes, o para enmascarar cicatrices después de una mastectomía en lugar de la reconstrucción en la cultura del cáncer de mama y el autocuidado. [37] Otras formas de tatuajes como moda se pueden ver en la moda de los " primitivos modernos " que apunta a una estética tribal o "primitiva", [38] y en las tendencias "Indo-Chic", que han popularizado los tatuajes temporales utilizando materiales como la henna, especialmente entre las mujeres y las niñas en los Estados Unidos. [39] Algunas mujeres usan los tatuajes como un símbolo sexual de moda, comenzando con tatuajes y piercings pequeños y discretos cuando son jóvenes, para satisfacer a los hombres heterosexuales. Muchas de estas mismas mujeres eventualmente evolucionan sus tatuajes a piezas más grandes con más significado, a menudo para ayudar a impulsar una causa o hacer una declaración sobre un tema importante. [40]
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