El modernismo fue un movimiento literario, artístico y musical de principios del siglo XX que hizo hincapié en la experimentación, la abstracción y la experiencia subjetiva . La filosofía, la política, la arquitectura y las cuestiones sociales fueron aspectos de este movimiento. El modernismo se centró en las creencias sobre una "creciente alienación " de la " moralidad , el optimismo y las convenciones " imperantes [1] y en el deseo de cambiar la forma en que " los seres humanos en una sociedad interactúan y viven juntos ". [2]
El movimiento modernista surgió a finales del siglo XIX como respuesta a los cambios significativos en la cultura occidental , incluida la secularización y la creciente influencia de la ciencia. Se caracteriza por un rechazo consciente de la tradición y la búsqueda de nuevos medios de expresión cultural . El modernismo estuvo influenciado por la innovación tecnológica generalizada , la industrialización y la urbanización, así como por los cambios culturales y geopolíticos que ocurrieron después de la Primera Guerra Mundial . [3] Los movimientos y técnicas artísticas asociados con el modernismo incluyen el arte abstracto , el flujo de conciencia literario , el montaje cinematográfico , la atonalidad musical y la dodecafónica , la arquitectura modernista y la planificación urbana . [4]
El modernismo adoptó una postura crítica hacia el concepto de racionalismo de la Ilustración . El movimiento también rechazó el concepto de originalidad absoluta —la idea de "creación de la nada"— defendido en el siglo XIX tanto por el realismo como por el romanticismo , reemplazándolo por técnicas de collage , [5] repetición , incorporación, reescritura, recapitulación , revisión y parodia. [a] [b] [6] Otra característica del modernismo fue la reflexividad sobre las convenciones artísticas y sociales, lo que llevó a la experimentación que destacaba cómo se hacen las obras de arte, así como el material del que se crean. [7] El debate sobre la cronología del modernismo continúa, y algunos académicos argumentan que evolucionó hacia el modernismo tardío o el alto modernismo . [8] El posmodernismo , por su parte, rechaza muchos de los principios del modernismo. [9] [10] [11]
El modernismo fue un movimiento cultural que impactó tanto en las artes como en el Zeitgeist más amplio . Se lo describe comúnmente como un sistema de pensamiento y comportamiento marcado por la autoconciencia o autorreferencia , predominante dentro de la vanguardia de varias artes y disciplinas. [13] También se lo percibe a menudo, especialmente en Occidente, como un movimiento socialmente progresista que afirma el poder de los seres humanos para crear, mejorar y remodelar su entorno con la ayuda de la experimentación práctica, el conocimiento científico o la tecnología. [c] Desde esta perspectiva, el modernismo fomenta el reexamen de cada aspecto de la existencia. Los modernistas analizan temas para encontrar los que creen que están frenando el progreso , reemplazándolos con nuevas formas de alcanzar el mismo fin.
Según el historiador Roger Griffin , el modernismo puede definirse como una amplia iniciativa cultural, social o política sostenida por el ethos de "la temporalidad de lo nuevo". Griffin creía que el modernismo aspiraba a restaurar un "sentido de orden y propósito sublime en el mundo contemporáneo, contrarrestando así la (percibida) erosión de un ' nomos ' general, o 'dosel sagrado', bajo el impacto fragmentador y secularizador de la modernidad". Por lo tanto, fenómenos aparentemente no relacionados entre sí como " el expresionismo , el futurismo , el vitalismo , la teosofía , el psicoanálisis , el nudismo , la eugenesia , el urbanismo y la arquitectura utópica, la danza moderna , el bolchevismo , el nacionalismo orgánico -e incluso el culto al autosacrificio que sostuvo la hecatombe de la Primera Guerra Mundial- revelan una causa común y una matriz psicológica en la lucha contra la (percibida) decadencia ". Todas ellas encarnan propuestas para acceder a una “experiencia suprapersonal de la realidad” en la que los individuos creían que podían trascender su mortalidad y, eventualmente, dejarían de ser víctimas de la historia para convertirse en sus creadores. [15]
El modernismo literario se resume a menudo en una frase de W. B. Yeats : «Las cosas se desmoronan; el centro no puede sostenerse» (en « La segunda venida »). [16] Los modernistas a menudo buscan un «centro» metafísico , pero experimentan su colapso. [17] ( El posmodernismo , por el contrario, celebra ese colapso, exponiendo el fracaso de la metafísica, como la deconstrucción de las afirmaciones metafísicas de Jacques Derrida .) [18]
Filosóficamente, el colapso de la metafísica se remonta al filósofo escocés David Hume (1711-1776), quien sostuvo que nunca percibimos un evento que cause otro. Solo experimentamos la " conjunción constante " de eventos, y no percibimos una "causa" metafísica. De manera similar, Hume sostuvo que nunca conocemos al yo como objeto, solo al yo como sujeto, y por lo tanto estamos ciegos a nuestra verdadera naturaleza. [19] Además, si solo "sabemos" a través de la experiencia sensorial (como la vista, el tacto y el tacto), entonces no podemos "saber" y tampoco podemos hacer afirmaciones metafísicas.
Así, el modernismo puede verse impulsado emocionalmente por el deseo de verdades metafísicas, aunque se comprenda su imposibilidad. Algunas novelas modernistas, por ejemplo, presentan personajes como Marlow en El corazón de las tinieblas o Nick Carraway en El gran Gatsby que creen haber encontrado una gran verdad sobre la naturaleza o el carácter, verdades que las propias novelas tratan irónicamente al tiempo que ofrecen explicaciones más mundanas. [20] De manera similar, muchos poemas de Wallace Stevens transmiten una lucha con el sentido del significado de la naturaleza, que se dividen en dos categorías: poemas en los que el hablante niega que la naturaleza tenga significado, pero la naturaleza aparece al final del poema; y poemas en los que el hablante afirma que la naturaleza tiene significado, pero ese significado se derrumba al final del poema.
El modernismo suele rechazar el realismo del siglo XIX , si se entiende que este último se centra en la materialización del significado dentro de una representación naturalista. Al mismo tiempo, algunos modernistas apuntan a un realismo más "real", uno que no esté centrado. La pintura protocubista de Picasso, Les Demoiselles d'Avignon de 1907 (ver imagen de arriba), no presenta a sus sujetos desde un único punto de vista (el de un solo espectador), sino que presenta un plano de imagen bidimensional plano . "El poeta" de 1911 está igualmente descentrado, presentando el cuerpo desde múltiples puntos de vista. Como lo expresa el sitio web de la Colección Peggy Guggenheim , "Picasso presenta múltiples vistas de cada objeto, como si se hubiera movido alrededor de él, y las sintetiza en una única imagen compuesta". [21]
El modernismo, con su sensación de que "las cosas se desmoronan", puede verse como la apoteosis del romanticismo , si el romanticismo es la búsqueda (a menudo frustrada) de verdades metafísicas sobre el carácter, la naturaleza, un poder superior y el significado del mundo. [22] El modernismo a menudo anhela un centro romántico o metafísico, pero luego encuentra su colapso.
Esta distinción entre modernismo y romanticismo se extiende a sus respectivos tratamientos del «símbolo». Los románticos a veces ven una relación esencial (el «fundamento») entre el símbolo (o el «vehículo», en términos de IA Richards ) [23] y su «tenor» (su significado); por ejemplo, en la descripción que hace Coleridge de la naturaleza como «ese lenguaje eterno que tu Dios/ pronuncia». [24] Pero, aunque algunos románticos pueden haber percibido la naturaleza y sus símbolos como el lenguaje de Dios, para otros teóricos románticos sigue siendo inescrutable. Como dijo Goethe (que no era un romántico), «la idea [o el significado] permanece eterna e infinitamente activa e inaccesible en la imagen». [25] Esto se amplió en la teoría modernista que, basándose en sus precursores simbolistas , a menudo enfatiza la inescrutabilidad y el fracaso del símbolo y la metáfora. Por ejemplo, Wallace Stevens busca y no encuentra significado en la naturaleza, aunque a veces parezca percibirlo. Como tal, los simbolistas y modernistas a veces adoptan un enfoque místico para sugerir un sentido no racional de significado. [26]
Por estas razones, las metáforas modernistas pueden ser antinaturales, como por ejemplo en la descripción de TS Eliot de una tarde "extendida contra el cielo / como un paciente eterizado sobre una mesa". [27] De manera similar, para muchos poetas modernistas posteriores la naturaleza no está naturalizada y a veces está mecanizada, como por ejemplo en la imagen de Stephen Oliver de la luna afanosamente "elevándose" a la conciencia. [28]
El modernismo surgió de la rebelión del Romanticismo contra los efectos de la Revolución Industrial y los valores burgueses . El erudito literario Gerald Graff sostiene que "el motivo fundamental del modernismo fue la crítica al orden social burgués del siglo XIX y su visión del mundo; los modernistas, enarbolando la antorcha del Romanticismo". [d] [30] [31]
Aunque JMW Turner (1775-1851), uno de los pintores paisajistas más notables del siglo XIX, fue miembro del movimiento romántico, su trabajo pionero en el estudio de la luz, el color y la atmósfera "se anticipó a los impresionistas franceses " y, por lo tanto, al modernismo "al romper las fórmulas convencionales de representación; aunque a diferencia de ellos, creía que sus obras siempre debían expresar temas históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos significativos". [32] Sin embargo, los modernistas criticaron la creencia de los románticos de que el arte sirve como una ventana a la naturaleza de la realidad. Argumentaron que, dado que cada espectador interpreta el arte a través de su propia perspectiva subjetiva, nunca puede transmitir la verdad metafísica última que buscaban los románticos. No obstante, los modernistas no rechazaron por completo la idea del arte como un medio para comprender el mundo. Para ellos, era una herramienta para desafiar y perturbar el punto de vista del espectador, más que un medio directo para acceder a una realidad superior. [33]
El modernismo suele rechazar el realismo del siglo XIX cuando se entiende que este último se centra en la materialización del significado dentro de una representación naturalista. En cambio, algunos modernistas apuntan a un realismo más "real", que no está centrado. Por ejemplo, la pintura protocubista de Picasso de 1907 Les Demoiselles d'Avignon no presenta a sus sujetos desde un único punto de vista, sino que presenta un plano pictórico plano y bidimensional . El poeta de 1911 está igualmente descentrado, presentando el cuerpo desde múltiples puntos de vista. Como comenta la Colección Peggy Guggenheim , "Picasso presenta múltiples vistas de cada objeto, como si se hubiera movido alrededor de él, y las sintetiza en una única imagen compuesta". [34]
El modernismo, con su idea de que “las cosas se desmoronan”, se considera a menudo la apoteosis del romanticismo. Como lo describió August Wilhelm Schlegel, uno de los primeros románticos alemanes, mientras que el romanticismo busca verdades metafísicas sobre el carácter, la naturaleza, el poder superior y el significado del mundo, el modernismo, aunque anhela ese centro metafísico, sólo encuentra su colapso. [35]
En el contexto de la Revolución Industrial (~1760–1840), las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización impulsada por vapor , especialmente el desarrollo de los ferrocarriles a partir de Gran Bretaña en la década de 1830, [36] y los avances posteriores en física, ingeniería y arquitectura a los que condujeron. Un logro importante de la ingeniería del siglo XIX fue el Crystal Palace , la enorme sala de exposiciones de hierro fundido y vidrio plano construida para la Gran Exposición de 1851 en Londres. El vidrio y el hierro se utilizaron en un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias en toda la ciudad, incluida la estación de King's Cross (1852) [37] y la estación de Paddington (1854). [38] Estos avances tecnológicos se extendieron al extranjero, dando lugar a estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889), la última de las cuales rompió todas las limitaciones anteriores sobre la altura que podían tener los objetos hechos por el hombre. Si bien tales hazañas de ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas, la experiencia humana del tiempo en sí misma se alteró con el desarrollo del telégrafo eléctrico en 1837, [39] así como con la adopción del " tiempo estándar " por las compañías ferroviarias británicas a partir de 1845, un concepto que sería adoptado en el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años. [40]
A pesar de los continuos avances tecnológicos, las ideas de que la historia y la civilización eran inherentemente progresistas y que tales avances siempre eran buenos fueron objeto de crecientes ataques en el siglo XIX. Surgieron argumentos de que los valores del artista y los de la sociedad no solo eran diferentes, sino que de hecho a menudo eran opuestos, y que los valores actuales de la sociedad eran antitéticos a un mayor progreso; por lo tanto, la civilización no podía avanzar en su forma actual. A principios de siglo, el filósofo Schopenhauer (1788-1860) ( El mundo como voluntad y representación , 1819/20) puso en tela de juicio el optimismo anterior. Sus ideas tuvieron una importante influencia en pensadores posteriores, incluido Friedrich Nietzsche (1844-1900). [41] De manera similar, Søren Kierkegaard (1813–1855) [41] y Nietzsche [42] : 120 rechazaron posteriormente la idea de que la realidad pudiera entenderse a través de una lente puramente objetiva, un rechazo que tuvo una influencia significativa en el desarrollo del existencialismo y el nihilismo .
Alrededor de 1850, la Hermandad Prerrafaelita (un grupo de poetas, pintores y críticos de arte ingleses) comenzó a desafiar las tendencias dominantes de la Inglaterra industrial victoriana en "oposición a la habilidad técnica sin inspiración". [43] : 815 Fueron influenciados por los escritos del crítico de arte John Ruskin (1819-1900), quien tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar las vidas de las clases trabajadoras urbanas en las ciudades industriales en rápida expansión de Gran Bretaña. [43] : 816 El crítico de arte Clement Greenberg describió a la Hermandad Prerrafaelita como protomodernistas: "Allí los protomodernistas eran, entre todos, los prerrafaelitas (e incluso antes de ellos, como protoprotomodernistas, los nazarenos alemanes ). Los prerrafaelitas prefiguraron a Manet (1832-1883), con quien la pintura modernista comienza definitivamente. Actúan sobre la base de una insatisfacción con la pintura tal como se practicaba en su tiempo, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente veraz". [44]
Dos de los pensadores más importantes de mediados del siglo XIX fueron el biólogo Charles Darwin (1809-1882), autor de El origen de las especies por medio de la selección natural (1859), y el politólogo Karl Marx (1818-1883), autor de El capital (1867). A pesar de provenir de campos diferentes, las teorías de ambos amenazaban el orden establecido. La teoría de Darwin de la evolución por selección natural socavó la certeza religiosa y la idea de la singularidad humana ; en particular, la noción de que los seres humanos están impulsados por los mismos impulsos que los "animales inferiores" resultó ser difícil de conciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora . [45] Mientras tanto, los argumentos de Marx de que existen contradicciones fundamentales dentro del sistema capitalista y que los trabajadores son todo menos libres llevaron a la formulación de la teoría marxista . [46]
Los historiadores del arte han sugerido varias fechas como puntos de partida para el modernismo. El historiador William Everdell sostuvo que el modernismo comenzó en la década de 1870 cuando la continuidad metafórica (u ontológica ) comenzó a dar paso a la discreta con el corte de Dedekind del matemático Richard Dedekind (1831-1916) y la termodinámica estadística de Ludwig Boltzmann (1844-1906) . [13] Everdell también creía que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-1886 con el desarrollo del divisionismo del artista postimpresionista Georges Seurat , los "puntos" utilizados para pintar Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte . Por otra parte, el crítico de artes visuales Clement Greenberg llamó al filósofo alemán Immanuel Kant (1724-1804) "el primer modernista real", [48] aunque también escribió: "Lo que puede llamarse con seguridad modernismo surgió a mediados del siglo pasado, y más bien localmente, en Francia, con Charles Baudelaire (1821-1867) en literatura y Manet en pintura, y quizás con Gustave Flaubert (1821-1880), también, en ficción en prosa. (Fue un tiempo después, y no tan localmente, que el modernismo apareció en la música y la arquitectura)". [44] Les Fleurs du mal ( Las flores del mal ) del poeta Baudelaire y Madame Bovary del autor Flaubert se publicaron en 1857. El ensayo de Baudelaire " El pintor de la vida moderna " (1863) inspiró a los jóvenes artistas a romper con la tradición e innovar nuevas formas de retratar su mundo en el arte.
A partir de la década de 1860, se desarrollaron por separado en Francia dos enfoques en las artes y las letras. El primero fue el impresionismo, una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo no realizado en estudios, sino al aire libre ( en plein air ). Las pinturas impresionistas intentaron transmitir que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados del salón comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones grupales anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, coincidiendo con el Salón oficial. En 1863, el Salon des Refusés , creado por el emperador Napoleón III , exhibió todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría eran de estilos estándar, pero de artistas inferiores, el trabajo de Manet atrajo la atención y abrió las puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue el simbolismo , que los historiadores literarios consideran que comenzó con Charles Baudelaire y que incluyó a los poetas posteriores Arthur Rimbaud (1854-1891) con Une Saison en Enfer ( Una temporada en el infierno , 1873), Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) y Paul Valéry (1871-1945). Los simbolistas "subrayaron la prioridad de la sugerencia y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita", y estaban especialmente interesados en "las propiedades musicales del lenguaje". [49]
Se puede decir que el cabaret , que dio origen a muchas de las artes del modernismo, incluidos los precursores inmediatos del cine, comenzó en Francia en 1881 con la inauguración de El Gato Negro en Montmartre , el comienzo del monólogo irónico y la fundación de la Sociedad de Artes Incoherentes. [50]
Las teorías de Sigmund Freud (1856-1939), Krafft-Ebing y otros sexólogos fueron influyentes en los primeros días del modernismo. La primera obra importante de Freud fue Estudios sobre la histeria (con Josef Breuer , 1895). En el centro del pensamiento de Freud está la idea de "la primacía de la mente inconsciente en la vida mental", de modo que toda la realidad subjetiva se basaba en las interacciones entre los impulsos básicos y los instintos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción de Freud de los estados subjetivos implicaba una mente inconsciente llena de impulsos primarios y restricciones autoimpuestas que se contrarrestaban derivadas de los valores sociales. [43] : 538
Las obras de Friedrich Nietzsche (1844-1900) fueron otro gran precursor del modernismo, [52] con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la " voluntad de poder " ( Wille zur macht ), eran de importancia central: "Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con la 'voluntad de poder', es decir, con un instinto de crecimiento y durabilidad". [53] [54] Henri Bergson (1859-1941), por otro lado, enfatizó la diferencia entre el tiempo científico, el del reloj, y la experiencia humana directa y subjetiva del tiempo. [42] : 131 Su trabajo sobre el tiempo y la conciencia "tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX", especialmente en aquellos modernistas que usaron la técnica de la " corriente de conciencia ", como Dorothy Richardson , James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941). [55] También fue importante en la filosofía de Bergson la idea del élan vital , la fuerza vital, que "provoca la evolución creativa de todo". [42] : 132 Su filosofía también le daba un gran valor a la intuición , aunque sin rechazar la importancia del intelecto. [42] : 132
Entre los precursores literarios más importantes del modernismo se encuentran escritores de renombre como Fiódor Dostoyevski (1821-1881), cuyas novelas incluyen Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamázov (1880); [56] Walt Whitman (1819-1892), que publicó la colección de poesía Hojas de hierba (1855-1891); y August Strindberg (1849-1912), especialmente sus últimas obras de teatro, entre ellas la trilogía Hasta Damasco (1898-1901), Un sueño (1902) y La sonata de los fantasmas (1907). También se ha sugerido a Henry James como un precursor significativo del modernismo en obras tan tempranas como El retrato de una dama (1881). [57]
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De la colisión de ideales derivados del Romanticismo y de un intento de encontrar una manera de que el conocimiento explicara lo que aún era desconocido, surgió la primera ola de obras modernistas en la primera década del siglo XX. Aunque sus autores las consideraban extensiones de tendencias artísticas existentes, estas obras rompieron la comprensión implícita que el público general tenía del arte: que los artistas eran los intérpretes y representantes de la cultura y las ideas burguesas. Entre estos hitos "modernistas" se encuentran el final atonal del Segundo Cuarteto de Cuerdas de Arnold Schoenberg en 1908, las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky a partir de 1903 y que culminaron con su primera pintura abstracta y la fundación del grupo El Jinete Azul en Múnich en 1911, y el auge del fauvismo y las invenciones del cubismo en los estudios de Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque y otros, en los años entre 1900 y 1910.
Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición a través de la adopción de técnicas como la repetición, la incorporación, la reescritura, la recapitulación, la revisión y la parodia en nuevas formas. [a] [b]
TS Eliot hizo comentarios significativos sobre la relación del artista con la tradición, incluyendo: "A menudo encontraremos que no sólo las mejores, sino también las partes más individuales de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos, sus antepasados, afirman su inmortalidad con más vigor." [59] Sin embargo, la relación del modernismo con la tradición era compleja, como lo indica el erudito literario Peter Child: "Había tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, miedo a lo nuevo y deleite por la desaparición de lo viejo, nihilismo y entusiasmo fanático, creatividad y desesperación." [6]
Un ejemplo de cómo el arte modernista puede aplicar tradiciones más antiguas y al mismo tiempo incorporar nuevas técnicas se puede encontrar en la música del compositor Arnold Schoenberg . Por un lado, rechazó la armonía tonal tradicional , el sistema jerárquico de organización de obras musicales que había guiado la composición musical durante al menos un siglo y medio. Schoenberg creía que había descubierto una forma completamente nueva de organizar el sonido basada en el uso de filas de doce notas . Sin embargo, si bien se trataba de una técnica completamente nueva, sus orígenes se remontan a la obra de compositores anteriores como Franz Liszt , [60] Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss y Max Reger . [61] [62]
En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, jóvenes pintores como Pablo Picasso y Henri Matisse causaron mucha controversia y atrajeron grandes críticas con su rechazo de la perspectiva tradicional como medio para estructurar pinturas, [63] [64] aunque el impresionista Claude Monet ya había sido innovador en su uso de la perspectiva. [65] En 1907, mientras Picasso pintaba Les Demoiselles d'Avignon , Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen ( Asesino, esperanza de las mujeres ), la primera obra de teatro expresionista (producida con escándalo en 1909), y Arnold Schoenberg estaba componiendo su Cuarteto de cuerdas n.º 2 en fa sostenido menor (1908), su primera composición sin un centro tonal.
Una influencia primaria que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne , que se exhibieron en una retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907. [66] En las obras de arte cubistas, los objetos se analizan, se dividen y se vuelven a ensamblar en una forma abstracta; en lugar de representar objetos desde un punto de vista, el artista representa al sujeto desde una multitud de puntos de vista para representarlo en un contexto más amplio. [67] El cubismo llamó la atención del público en general por primera vez en 1911 en el Salón de los Independientes en París (celebrado del 21 de abril al 13 de junio). Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye se mostraron juntos en la Sala 41, provocando un "escándalo" del cual surgió el cubismo y se extendió por todo París y más allá. También en 1911, Kandinsky pintó Bild mit Kreis ( Cuadro con círculo ), que más tarde llamó la primera pintura abstracta. [68] : 167 En 1912, Metzinger y Gleizes escribieron el primer (y único) manifiesto cubista importante, Du "Cubisme" , publicado a tiempo para el Salon de la Section d'Or , la exposición cubista más grande hasta la fecha. En 1912, Metzinger pintó y exhibió su encantadora La Femme au Cheval (Mujer con caballo) y Danseuse au Café ( Bailarina en un café ) . Albert Gleizes pintó y exhibió sus Les Baigneuses (Las bañistas) y su monumental Le Dépiquage des Moissons ( Trilla de la cosecha ). Esta obra, junto con La Ville de Paris ( Ciudad de París ) de Robert Delaunay , fue la pintura cubista más grande y ambiciosa realizada durante el período cubista de preguerra. [69]
En 1905, un grupo de cuatro artistas alemanes, liderados por Ernst Ludwig Kirchner , formó Die Brücke (El Puente) en la ciudad de Dresde . Podría decirse que esta fue la organización fundadora del movimiento expresionista alemán , aunque no utilizaron la palabra en sí. Unos años más tarde, en 1911, un grupo de jóvenes artistas con ideas afines formó Der Blaue Reiter (El jinete azul) en Múnich. El nombre proviene de la pintura Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky de 1903. Entre sus miembros estaban Kandinsky , Franz Marc , Paul Klee y August Macke . Sin embargo, el término "expresionismo" no se estableció firmemente hasta 1913. [68] : 274 Aunque inicialmente fue principalmente un movimiento artístico alemán, [e] más predominante en la pintura, la poesía y el teatro entre 1910 y 1930, la mayoría de los precursores del movimiento no eran alemanes. Además, ha habido escritores expresionistas de ficción en prosa, así como escritores expresionistas que no hablaban alemán y, aunque el movimiento había declinado en Alemania con el ascenso de Adolf Hitler en la década de 1930, hubo obras expresionistas posteriores.
El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque "se superpuso con otros 'ismos' importantes del período modernista: con el futurismo , el vorticismo , el cubismo, el surrealismo y el dadaísmo ". [71] Richard Murphy también comenta: "[La] búsqueda de una definición que lo incluya todo es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes", como el novelista Franz Kafka , el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin fueron simultáneamente los antiexpresionistas más vociferantes. [72] : 43 Lo que sí se puede decir es que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania como reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que "uno de los medios centrales por los que el expresionismo se identifica como un movimiento de vanguardia, y por el que marca su distancia con las tradiciones y la institución cultural en su conjunto es a través de su relación con el realismo y las convenciones dominantes de representación". [72] : 43 Más explícitamente: los expresionistas rechazaron la ideología del realismo. [72] : 43–48 [73] Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables incluyeron a Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen . Los autores se remontan al dramaturgo sueco August Strindberg y al actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos . El asesino, la esperanza de las mujeres de Oskar Kokoschka fue la primera obra completamente expresionista para teatro, que se estrenó el 4 de julio de 1909 en Viena . [74] La simplificación extrema de los personajes a tipos míticos , los efectos corales, el diálogo declamatorio y la intensidad aumentada se convertirían en características de las obras expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue El hijo de Walter Hasenclever, que se publicó en 1914 y se representó por primera vez en 1916. [75]
El futurismo es otro movimiento modernista. [76] En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de F.T. Marinetti . Poco después, un grupo de pintores ( Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo y Gino Severini ) firmaron conjuntamente el Manifiesto Futurista . Siguiendo el modelo del famoso " Manifiesto Comunista " de Marx y Engels (1848), estos manifiestos planteaban ideas que pretendían provocar y reunir seguidores. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta se limitaban, en ese momento, en gran medida a "pequeñas revistas" que tenían una circulación mínima. El primitivismo y el pesimismo modernistas eran controvertidos, y la corriente dominante en la primera década del siglo XX todavía se inclinaba por la fe en el progreso y el optimismo liberal.
Los artistas abstractos , tomando como ejemplos a los impresionistas, así como a Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), comenzaron con la suposición de que el color y la forma , no la representación del mundo natural, formaban las características esenciales del arte. [78] El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sustentado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas a la europea se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A fines del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. [79] Wassily Kandinsky , Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en la necesidad de redefinir el arte como la disposición de colores puros. El uso de la fotografía, que había dejado obsoleta gran parte de la función representativa del arte visual, afectó fuertemente este aspecto del modernismo. [80]
Los arquitectos y diseñadores modernistas , como Frank Lloyd Wright [81] y Le Corbusier [82], creían que las nuevas tecnologías volvían obsoletos los viejos estilos de construcción. Le Corbusier pensaba que los edificios debían funcionar como "máquinas para vivir en ellos", análogos a los coches, que él veía como máquinas para viajar. [83] Así como los coches habían sustituido al caballo, el diseño modernista debía rechazar los viejos estilos y estructuras heredadas de la Antigua Grecia o la Edad Media . Siguiendo esta estética de las máquinas , los diseñadores modernistas normalmente rechazaban los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales utilizados y las formas geométricas puras. [84] El rascacielos es el edificio modernista arquetípico, y el edificio Wainwright , un edificio de oficinas de 10 pisos terminado en 1891 en St. Louis, Missouri , Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. [85] El edificio Seagram de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956-1958) se considera a menudo el pináculo de esta arquitectura modernista de gran altura. [86] Muchos aspectos del diseño modernista persisten dentro de la corriente principal de la arquitectura contemporánea , aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, la cita histórica y el drama espacial.
En 1913, año de las Ideas del filósofo Edmund Husserl , del átomo cuantizado del físico Niels Bohr , de la fundación del imaginismo por Ezra Pound , de la Armory Show de Nueva York y de la «primera ópera futurista» de San Petersburgo , La victoria sobre el sol de Mijail Matyushin , otro compositor ruso, Ígor Stravinski , compuso La consagración de la primavera , un ballet que representa sacrificios humanos y tiene una partitura musical llena de disonancias y ritmo primitivo. Esto provocó un gran revuelo en su primera representación en París. En esa época, aunque el modernismo todavía era «progresista», veía cada vez más las formas tradicionales y los acuerdos sociales como obstáculos al progreso y redefinía al artista como un revolucionario, comprometido con el derrocamiento de la sociedad en lugar de con la iluminación. También en 1913, un acontecimiento menos violento se produjo en Francia con la publicación del primer volumen de la importante serie de novelas de Marcel Proust À la recherche du temps perdu (1913-1927) ( En busca del tiempo perdido ). Esto se presenta a menudo como un ejemplo temprano de un escritor que utiliza la técnica del flujo de conciencia , pero Robert Humphrey comenta que Proust "se preocupa sólo por el aspecto reminiscente de la conciencia" y que "estaba recapturando deliberadamente el pasado con el propósito de comunicarse; por lo tanto, no escribió una novela de flujo de conciencia". [87]
El flujo de conciencia fue una innovación literaria modernista importante, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en hacer un uso completo de él en su cuento "Leutnant Gustl" ("Nadie más que los valientes") (1900). [88] Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en utilizarlo, en los primeros volúmenes de su serie de novelas Pilgrimage (1915-1967). [f] Otros novelistas modernistas que están asociados con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulises (1922) e Italo Svevo en La coscienza di Zeno (1923). [90]
Sin embargo, con la llegada de la Gran Guerra de 1914-1918 (Primera Guerra Mundial) y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y se puso en duda las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del status quo anterior parecía evidente para una generación que había visto morir a millones de personas luchando por pedazos de tierra: antes de 1914, se había argumentado que nadie lucharía en una guerra así, ya que el costo era demasiado alto. El nacimiento de una era de máquinas, que había producido cambios importantes en las condiciones de la vida diaria en el siglo XIX, ahora había cambiado radicalmente la naturaleza de la guerra. La naturaleza traumática de la experiencia reciente alteró los supuestos básicos, y una representación realista de la vida en las artes parecía inadecuada frente a la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras . La visión de que la humanidad estaba haciendo un progreso moral constante ahora parecía ridícula frente a la matanza sin sentido, descrita en obras como la novela Sin novedad en el frente (1929) de Erich Maria Remarque . Por lo tanto, la visión modernista de la realidad, que había sido un gusto minoritario antes de la guerra, comenzó a ser aceptada de manera más generalizada en la década de 1920.
En la literatura y las artes visuales, algunos modernistas buscaron desafiar las expectativas principalmente para hacer que su arte fuera más vívido o para obligar al público a tomarse la molestia de cuestionar sus propias preconcepciones. Este aspecto del modernismo a menudo ha parecido una reacción a la cultura del consumo , que se desarrolló en Europa y América del Norte a fines del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes intentan hacer productos que sean comercializables apelando a las preferencias y los prejuicios, los altos modernistas rechazan tales actitudes consumistas para socavar el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde and Kitsch . [91] Greenberg etiquetó los productos de la cultura del consumo como " kitsch ", porque su diseño apuntaba simplemente a tener el máximo atractivo, con cualquier característica difícil eliminada. Para Greenberg, el modernismo formó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de cultura de consumo moderna como la música popular comercial , Hollywood y la publicidad. Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.
Algunos modernistas se consideraban parte de una cultura revolucionaria que incluía la revolución política. En Rusia, después de la Revolución de 1917 , hubo de hecho un florecimiento inicial de la actividad cultural de vanguardia, que incluía el futurismo ruso . Sin embargo, otros rechazaron la política convencional, así como las convenciones artísticas, creyendo que una revolución de la conciencia política tenía mayor importancia que un cambio en las estructuras políticas. Pero muchos modernistas se consideraban apolíticos. Otros, como TS Eliot , rechazaron la cultura popular de masas desde una posición conservadora. Algunos incluso sostienen que el modernismo en la literatura y el arte funcionó para sostener una cultura de élite que excluía a la mayoría de la población. [91]
El surrealismo , que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema del modernismo, o "la vanguardia del modernismo". [92] La palabra "surrealista" fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias , que fue escrita en 1903 y estrenada en 1917. Entre los surrealistas más importantes se encuentran Paul Éluard , Robert Desnos , [93] Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau , Joan Miró y Marcel Duchamp . [94]
En 1930, el modernismo había ganado un lugar en el establishment político y artístico, aunque para ese entonces el modernismo mismo ya había cambiado.
El modernismo continuó evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932 el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moses und Aron , una de las primeras óperas en hacer uso de la técnica dodecafónica, [95] Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica , su condena cubista del fascismo , mientras que en 1939 James Joyce amplió los límites de la novela moderna con Finnegans Wake . También en 1930 el modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, de modo que, por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar obras, influenciadas por el modernismo, de jóvenes escritores y humoristas como Dorothy Parker , [96] Robert Benchley , EB White , S. J. Perelman y James Thurber , entre otros. [97] Perelman es muy apreciado por sus cuentos humorísticos que publicó en revistas en las décadas de 1930 y 1940, con mayor frecuencia en The New Yorker , que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. [98] Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en comerciales y logotipos, un ejemplo temprano de lo cual, de 1916, es el famoso logotipo del metro de Londres diseñado por Edward Johnston . [99]
Uno de los cambios más visibles de este período fue la adopción de nuevas tecnologías en la vida cotidiana de la gente común de Europa occidental y Norteamérica. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil (y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y vivir con ellos) generaron un cambio social. El tipo de momento disruptivo que sólo unos pocos conocieron en la década de 1880 se convirtió en algo habitual. Por ejemplo, la velocidad de las comunicaciones reservada a los corredores de bolsa de 1890 pasó a formar parte de la vida familiar, al menos en la clase media norteamericana. Asociada a la urbanización y al cambio de las costumbres sociales también vinieron las familias más pequeñas y las relaciones entre padres e hijos.
Otra fuerte influencia en esta época fue el marxismo . Después del aspecto generalmente primitivista/irracionalista del modernismo anterior a la Primera Guerra Mundial (que para muchos modernistas excluía cualquier apego a soluciones meramente políticas) y el neoclasicismo de la década de 1920 (representado más famosamente por TS Eliot e Igor Stravinsky , que rechazaban las soluciones populares a los problemas modernos), el ascenso del fascismo , la Gran Depresión y la marcha hacia la guerra ayudaron a radicalizar a una generación. Bertolt Brecht , WH Auden , André Breton , Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin son quizás los ejemplos más famosos de esta forma modernista del marxismo. Sin embargo, también hubo modernistas explícitamente de "la derecha", incluidos Salvador Dalí , Wyndham Lewis , TS Eliot, Ezra Pound , el autor holandés Menno ter Braak y otros. [100]
En las décadas de 1920 y 1930 se siguieron creando obras literarias modernistas importantes, incluidas otras novelas de Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil y Dorothy Richardson . La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O'Neill comenzó en 1914, pero sus obras más importantes aparecieron en las décadas de 1920, 1930 y principios de 1940. Otros dos dramaturgos modernistas importantes que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca . El amante de Lady Chatterley de DH Lawrence se publicó de forma privada en 1928, mientras que otro hito importante para la historia de la novela moderna llegó con la publicación de El ruido y la furia de William Faulkner en 1929. En la década de 1930, además de otras obras importantes de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera obra importante, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, apareció Finnegans Wake de James Joyce . Está escrito en un lenguaje en gran parte idiosincrásico , que consiste en una mezcla de elementos léxicos del inglés estándar y juegos de palabras multilingües neologistas y palabras compuestas , que intenta recrear la experiencia del sueño y los sueños. [101] En poesía, TS Eliot, EE Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la de 1950. Si bien la poesía modernista en inglés a menudo se considera un fenómeno estadounidense, con exponentes principales como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , HD y Louis Zukofsky , hubo importantes poetas modernistas británicos, entre ellos David Jones , Hugh MacDiarmid , Basil Bunting y WH Auden . Los poetas modernistas europeos incluyen a Federico García Lorca , Anna Akhmatova , Constantine Cavafy y Paul Valéry .
El movimiento modernista continuó durante este período en la Rusia soviética . En 1930 se estrenó la ópera La nariz del compositor Dimitri Shostakovich (1906-1975), en la que utiliza un montaje de diferentes estilos, incluyendo música folclórica , canción popular y atonalidad. Entre sus influencias estaba la ópera Wozzeck (1925 ) de Alban Berg (1885-1935 ), que "había causado una tremenda impresión en Shostakovich cuando se representó en Leningrado". [102] Sin embargo, a partir de 1932 el realismo socialista comenzó a desplazar al modernismo en la Unión Soviética, [103] y en 1936 Shostakovich fue atacado y obligado a retirar su Cuarta Sinfonía. [104] Alban Berg escribió otra ópera modernista significativa, aunque incompleta, Lulu , que se estrenó en 1937. El Concierto para violín de Berg se interpretó por primera vez en 1935. Al igual que Shostakovich, otros compositores enfrentaron dificultades en este período.
En Alemania, Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a huir a los EE. UU. cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo atonal modernista y a su ascendencia judía. [105] Sus principales obras de este período son un Concierto para violín , Op. 36 (1934/36), y un Concierto para piano , Op. 42 (1942). Schoenberg también escribió música tonal en este período con la Suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Sinfonía de cámara n.º 2 en mi bemol menor, Op. 38 (comenzada en 1906, completada en 1939). [105] Durante este tiempo, el modernista húngaro Béla Bartók (1881-1945) produjo una serie de obras importantes, entre ellas Música para cuerdas, percusión y celesta (1936) y el Divertimento para orquesta de cuerdas (1939), Cuarteto de cuerdas n.º 5 (1934) y n.º 6 (su último, 1939). Pero él también se fue a los EE. UU. en 1940, debido al ascenso del fascismo en Hungría. [105] Igor Stravinsky (1882-1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), Sinfonía en do (1940) y Sinfonía en tres movimientos (1945). También emigró a los EE. UU. debido a la Segunda Guerra Mundial . Olivier Messiaen (1908-1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y fue encarcelado por los alemanes en el Stalag VIII-A , donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps ("Cuarteto para el fin de los tiempos"). El cuarteto se interpretó por primera vez en enero de 1941 ante un público de prisioneros y guardias de prisión. [106]
En pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión , el modernismo se definió por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus , De Stijl , el dadaísmo , el expresionismo alemán y los pintores modernistas y magistrales del color como Henri Matisse y Pierre Bonnard, así como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky , que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Estados Unidos, el modernismo se ve en forma de pintura de escena americana y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían comentarios políticos y sociales dominaron el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. El modernismo es definido en América Latina por los pintores Joaquín Torres-García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado , y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo , iniciaron un renacimiento de las artes para la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.
Diego Rivera es quizás más conocido por el mundo público por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y la obra inacabada fue finalmente destruida por el personal de Rockefeller. Las obras de Frida Kahlo a menudo se caracterizan por sus crudas representaciones del dolor. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo que es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos también se representan a menudo en su trabajo; combinó elementos de la tradición religiosa clásica mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos. Las obras simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura.
El activismo político fue una parte importante de la vida de David Siqueiros y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estaba profundamente arraigado en la Revolución Mexicana . El período de la década de 1920 a la de 1950 se conoce como el Renacimiento Mexicano y Siqueiros participó activamente en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.
Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso . [107] El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española , la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes estaban atacando para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica del tamaño de un mural para conmemorar los horrores del bombardeo.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y durante los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena americana , en la obra de Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles en el arte estadounidense. La escena se inspiró en un restaurante de Greenwich Village . Hopper comenzó a pintarla inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este evento hubo una gran sensación de tristeza en el país, un sentimiento que se retrata en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y dentro ninguno de los tres clientes aparentemente está mirando o hablando con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930 que retrata a un granjero con una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo gótico carpintero . Es una de las imágenes más familiares en el arte estadounidense del siglo XX . Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura; como Gertrude Stein y Christopher Morley , asumieron que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson de 1919, Main Street de Sinclair Lewis de 1920y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura. [108] Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura llegó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.
La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que el poder nazi en Alemania y en toda Europa del Este aumentaba. El término "arte degenerado" fue adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno. Este tipo de arte fue prohibido porque no era alemán o era de naturaleza judía bolchevique , y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sujetos a sanciones. Estas incluían ser despedidos de puestos de enseñanza, se les prohibía exhibir o vender su arte y, en algunos casos, se les prohibía producir arte en absoluto. " Arte degenerado" también fue el título de una exposición, organizada por los nazis en Munich en 1937. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción que muchos se fueron a las Américas. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de pintores modernistas jóvenes y emocionantes liderados por Arshile Gorky , Willem de Kooning y otros estaban comenzando a alcanzar la mayoría de edad.
El retrato que Arshile Gorky hizo de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto a partir del contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham , Gorky creó composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas que, en la década de 1940, evolucionaron hasta convertirse en pinturas totalmente abstractas. La obra de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.
El énfasis del modernismo en la libertad de expresión , la experimentación, el radicalismo y el primitivismo hace caso omiso de las expectativas convencionales. En muchas formas de arte, esto a menudo significaba sorprender y alienar a las audiencias con efectos extraños e impredecibles, como en las extrañas y perturbadoras combinaciones de motivos en el surrealismo o el uso de la disonancia extrema y la atonalidad en la música modernista. En la literatura, esto a menudo implicaba el rechazo de tramas o caracterizaciones inteligibles en las novelas, o la creación de poesía que desafiaba una interpretación clara. Dentro de la Iglesia católica , el espectro del protestantismo y Martín Lutero estaba en juego en las ansiedades sobre el modernismo y la noción de que la doctrina se desarrolla y cambia con el tiempo. [109]
A partir de 1932, el realismo socialista comenzó a desbancar al modernismo en la Unión Soviética, [103] donde anteriormente había respaldado el futurismo y el constructivismo rusos , principalmente bajo la filosofía local del suprematismo .
El gobierno nazi de Alemania consideró que el modernismo era narcisista y sin sentido, así como "judío" (ver Antisemitismo ) y "negro". [110] Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto a obras de enfermos mentales en una exposición titulada " Arte degenerado ". Las acusaciones de "formalismo" podían llevar al final de una carrera, o algo peor. Por esta razón, muchos modernistas de la generación de posguerra sintieron que eran el baluarte más importante contra el totalitarismo, el " canario en la mina de carbón ", cuya represión por parte de un gobierno u otro grupo con supuesta autoridad representaba una advertencia de que las libertades individuales estaban siendo amenazadas. Louis A. Sass comparó la locura, específicamente la esquizofrenia , y el modernismo de una manera menos fascista al notar sus narrativas disyuntivas compartidas, imágenes surrealistas e incoherencia. [111]
Si bien The Oxford Encyclopedia of British Literature afirma que el modernismo terminó alrededor de 1939 [112] con respecto a la literatura británica y estadounidense, "Cuándo (si) el modernismo se extinguió y comenzó el posmodernismo ha sido objeto de debates casi tan acalorados como cuándo se produjo la transición del victorianismo al modernismo". [113] Clement Greenberg considera que el modernismo terminó en la década de 1930, con la excepción de las artes visuales y escénicas, [44] pero con respecto a la música, Paul Griffiths señala que, si bien el modernismo "parecía ser una fuerza agotada" a fines de la década de 1920, después de la Segunda Guerra Mundial, "una nueva generación de compositores - Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis " revivió el modernismo". [114] De hecho, muchos modernistas literarios vivieron hasta las décadas de 1950 y 1960, aunque en general ya no producían obras importantes. El término " modernismo tardío " también se aplica a veces a las obras modernistas publicadas después de 1930. [115] [116] Entre los modernistas (o modernistas tardíos) que todavía publicaron después de 1945 se encontraban Wallace Stevens , Gottfried Benn , TS Eliot , Anna Akhmatova , William Faulkner , Dorothy Richardson , John Cowper Powys y Ezra Pound . Basil Bunting , nacido en 1901, publicó su poema modernista más importante, Briggflatts en 1965. Además, La muerte de Virgilio de Hermann Broch se publicó en 1945 y Doctor Fausto de Thomas Mann en 1947. Samuel Beckett , que murió en 1989, ha sido descrito como un "modernista tardío". [117] Beckett es un escritor con raíces en la tradición expresionista del modernismo, que produjo obras desde la década de 1930 hasta la de 1980, incluyendo Molloy (1951), Esperando a Godot (1953), Días felices (1961) y Rockaby (1981). Los términos " minimalista " y " posmodernista " también se han aplicado a sus obras posteriores. [118] Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (nacido en 1936) se encuentran entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX que han sido descritos como modernistas tardíos. [119]
Más recientemente, el término "modernismo tardío" ha sido redefinido por al menos un crítico y utilizado para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue significativamente reconfigurada por los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y el lanzamiento de la bomba atómica. [120]
El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en estado de agitación, con una urgencia de reconstrucción económica y física y de reagrupamiento político. En París (antiguo centro de la cultura europea y antigua capital del mundo del arte), el clima para el arte era un desastre. Importantes coleccionistas, comerciantes y artistas modernistas, escritores y poetas huyeron de Europa hacia Nueva York y Estados Unidos. Los surrealistas y artistas modernos de todos los centros culturales de Europa habían huido de la embestida de los nazis en busca de refugio seguro en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Unos pocos artistas, en particular Pablo Picasso , Henri Matisse y Pierre Bonnard , permanecieron en Francia y sobrevivieron.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró , el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham . Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y el grupo de André Breton , la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim The Art of This Century , así como otros factores.
Además, París recuperó gran parte de su brillo en los años 1950 y 1960 como centro de un florecimiento del arte de las máquinas, ya que los dos principales escultores de este arte, Jean Tinguely y Nicolas Schöffer, se habían mudado allí para lanzar sus carreras, y dicho florecimiento, a la luz del carácter tecnocéntrico de la vida moderna, bien puede tener una influencia particularmente duradera. [121]
El término " Teatro del Absurdo " se aplica a obras de teatro, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana no tiene sentido ni propósito y, por lo tanto, toda comunicación se interrumpe. La construcción y la argumentación lógicas dan paso al discurso irracional e ilógico y a su conclusión final, el silencio. [122] Si bien hay precursores significativos, incluido Alfred Jarry (1873-1907), se considera que el Teatro del Absurdo comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett .
El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960 "Teatro del absurdo". Relacionó estas obras basándose en un amplio tema de lo absurdo, similar a la forma en que Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo . [123] El absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre a un mundo aparentemente sin sentido, y/o al hombre como una marioneta controlada o amenazada por fuerzas externas invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de las obras: comedia amplia, a menudo similar al vodevil , mezclada con imágenes horrorosas o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas obligados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; diálogo lleno de clichés, juegos de palabras y tonterías; tramas que son cíclicas o absurdamente expansivas; ya sea una parodia o rechazo del realismo y el concepto de la " obra bien hecha ".
Entre los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo se incluyen Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nacido en 1937), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-1990), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936-2011) y Edward Albee (1928-2016).
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de la pintura de Jackson Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte en sí. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma de hacer arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y el convencionalismo fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock (colocar lienzo crudo sin estirar en el suelo donde se podía atacar desde los cuatro lados utilizando materiales artísticos e industriales; gotear y arrojar madejas lineales de pintura; dibujar, teñir y pincelar; utilizar imágenes y no imágenes) esencialmente hizo estallar la creación artística más allá de cualquier límite previo. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte.
Los demás expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que los siguió. Las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadores del arte como Linda Nochlin [124] , Griselda Pollock [125] y Catherine de Zegher [126] muestran de manera crítica, sin embargo, que las mujeres artistas pioneras que produjeron innovaciones importantes en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia.
Henry Moore (1898-1986) surgió después de la Segunda Guerra Mundial como el escultor más importante de Gran Bretaña. Fue más conocido por sus esculturas monumentales de bronce semiabstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas son generalmente abstracciones de la figura humana, que suelen representar a madres e hijos o figuras reclinadas, que suelen sugerir el cuerpo femenino, a excepción de una fase en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Sus formas suelen estar perforadas o contienen espacios huecos.
En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes, incluida una figura reclinada para el edificio de la UNESCO en París en 1958. [127] Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar, con varias retrospectivas importantes que tuvieron lugar en todo el mundo, en particular una exposición destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vista a Florencia . A fines de la década de 1970, había unas 40 exposiciones al año que presentaban su trabajo. En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se presentó Energía nuclear de Moore. [128] [129] También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente El hombre entra en el cosmos (1980), que fue encargado para reconocer el programa de exploración espacial . [130]
La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, entre ellos Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nacido en 1931), Leon Kossoff (nacido en 1926) y Michael Andrews (1928-1995), ha recibido un amplio reconocimiento internacional. [131]
Francis Bacon fue un pintor figurativo británico nacido en Irlanda conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente crudas. [132] Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero contra fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar cuando tenía poco más de 20 años, pero trabajó solo esporádicamente hasta mediados de los 30. Su gran avance llegó con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión que selló su reputación como un cronista excepcionalmente sombrío de la condición humana. [133] Su producción puede describirse crudamente como consistente en secuencias o variaciones sobre un solo motivo; comenzando con las cabezas masculinas de la década de 1940 aisladas en habitaciones, los papas gritando de principios de la década de 1950 y los animales y figuras solitarias de mediados y finales de la década de 1950 suspendidos en estructuras geométricas. A estos les siguieron sus variaciones modernas de la crucifixión de principios de la década de 1960 en formato tríptico. Desde mediados de los años 1960 hasta principios de los años 1970, Bacon produjo principalmente retratos de amigos sorprendentemente compasivos. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, introspectivo y preocupado por temas y motivos de muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente vilipendiado y aclamado. [134]
Lucian Freud fue un pintor británico nacido en Alemania, conocido principalmente por sus retratos y pinturas de figuras con una espesa capa de empasto , que fue ampliamente considerado el artista británico más destacado de su tiempo. [135] [136] [137] [138] Sus obras son conocidas por su penetración psicológica y por su examen a menudo incómodo de la relación entre el artista y el modelo. [139] Según William Grimes de The New York Times , "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como La joven del perro blanco (1951-1952), [140] Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura tradicional europea al servicio de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que despojaba al descubierto la fachada social del retratado. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la inspección despiadada del artista". [135]
En la pintura abstracta de los años 1950 y 1960, varias nuevas tendencias, como la pintura de bordes duros y otras formas de abstracción geométrica, comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radical como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica cuando organizó una influyente exposición de nueva pintura que recorrió importantes museos de arte de los Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica [141] surgieron como nuevas tendencias radicales.
Sin embargo, a finales de la década de 1960, el posminimalismo , el arte procesual y el arte povera [142] también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaron tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista, y en el arte conceptual temprano . [142] El arte procesual, inspirado por Pollock, permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo, espacio aplástico y real. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Pat Lipsky , Sam Gilliam , Mario Merz y Peter Reginato fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que generó el apogeo del arte de fines de la década de 1960. [143]
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En 1962, la galería Sidney Janis organizó The New Realists , la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la zona alta de la ciudad de Nueva York. Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería. La muestra tuvo un gran impacto en la Escuela de Nueva York, así como en la escena artística mundial en general. Anteriormente, en Inglaterra, en 1958, Lawrence Alloway utilizó el término "arte pop" para describir las pinturas asociadas con el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. [144] Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico a favor del arte que representaba la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (que crearon la innovadora I was a Rich Man's Plaything , 1947 [144] ) se consideran ejemplos seminales del movimiento. Mientras tanto, en la escena del centro de la ciudad, en las galerías de la calle 10 del East Village de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate, y la Green Gallery de la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist . Más tarde, Leo Castelli expuso las obras de otros artistas estadounidenses, incluidas las de Andy Warhol y Roy Lichtenstein durante la mayor parte de sus carreras. Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes con sentido del humor, y los artistas pop como Claes Oldenburg , Andy Warhol y Roy Lichtenstein , cuyas pinturas reproducen el aspecto de los puntos Ben-Day , una técnica utilizada en la reproducción comercial.
El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente las artes visuales y la música , en los que los artistas intentan exponer la esencia o identidad de un tema mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que se utilizan los elementos más simples y en menor cantidad para crear el máximo efecto.
Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en la década de 1960 y principios de la década de 1970. Los artistas destacados asociados con este movimiento incluyen a Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt y Frank Stella . [145] Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y a menudo se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimalistas . A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich , [146] la Bauhaus y Piet Mondrian ) que rechazaba la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu de la época emocional y las polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo sostenía que la simplicidad extrema podía captar toda la representación sublime que necesitaba el arte. El minimalismo se interpreta de diversas maneras, ya sea como precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. Desde esta última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas como Robert Morris cambiaron de dirección a favor del movimiento antiforma .
Hal Foster , en su ensayo The Crux of Minimalism , [147] examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas del minimalismo. [147] Sostiene que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan elaborándose hoy en día". [147]
The terms have expanded to encompass a movement in music that features such repetition and iteration as those of the compositions of La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, and John Adams. Minimalist compositions are sometimes known as systems music. The term 'minimal music' is generally used to describe a style of music that developed in America in the late 1960s and 1970s; and that was initially connected with the composers.[148] The minimalism movement originally involved some composers, and other lesser known pioneers included Pauline Oliveros, Phill Niblock, and Richard Maxfield. In Europe, the music of Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt and John Tavener.
In the late 1960s, Robert Pincus-Witten[142] coined the term "postminimalism" to describe minimalist-derived art which had content and contextual overtones that minimalism rejected. The term was applied by Pincus-Witten to the work of Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra and new work by former minimalists Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va, and others. Other minimalists, including Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken and others, continued to produce late modernist paintings and sculpture for the remainder of their careers.
Since then, many artists have embraced minimal or post-minimal styles, and the label "postmodern" has been attached to them.
Related to Abstract Expressionism was the emergence of combining manufactured items with artist materials, moving away from previous conventions of painting and sculpture. The work of Robert Rauschenberg exemplifies this trend. His "combines" of the 1950s were forerunners of pop art and installation art, and used assemblages of large physical objects, including stuffed animals, birds and commercial photographs. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, and Edward Kienholz were among important pioneers of both abstraction and pop art. Creating new conventions of art-making, they made acceptable in serious contemporary art circles the radical inclusion in their works of unlikely materials. Another pioneer of collage was Joseph Cornell, whose more intimately scaled works were seen as radical because of both his personal iconography and his use of found objects.
In 1917, Marcel Duchamp submitted a urinal as a sculpture for the inaugural exhibition of the Society of Independent Artists, which was to be staged at the Grand Central Palace in New York.[149] He professed his intent that people look at the urinal as if it were a work of art because he said it was a work of art. This urinal, named Fountain was signed with the pseudonym "R. Mutt". It is also an example of what Duchamp would later call "readymades". This and Duchamp's other works are generally labelled as Dada. Duchamp can be seen as a precursor to conceptual art, other famous examples being John Cage's 4′33″, which is four minutes and thirty three seconds of silence, and Rauschenberg's Erased de Kooning Drawing. Many conceptual works take the position that art is the result of the viewer viewing an object or act as art, not of the intrinsic qualities of the work itself. In choosing "an ordinary article of life" and creating "a new thought for that object", Duchamp invited onlookers to view Fountain as a sculpture.[150]
Marcel Duchamp famously gave up "art" in favor of chess. Avant-garde composer David Tudor created a piece, Reunion (1968), written jointly with Lowell Cross, that features a chess game in which each move triggers a lighting effect or projection. Duchamp and Cage played the game at the work's premier.[151]
Steven Best and Douglas Kellner identify Rauschenberg and Jasper Johns as part of the transitional phase, influenced by Duchamp, between modernism and postmodernism. Both used images of ordinary objects, or the objects themselves, in their work, while retaining the abstraction and painterly gestures of high modernism.[152]
During the late 1950s and 1960s artists with a wide range of interests began to push the boundaries of contemporary art. Yves Klein in France, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman and Yoko Ono in New York City, and Joseph Beuys, Wolf Vostell and Nam June Paik in Germany were pioneers of performance-based works of art. Groups like The Living Theatre with Julian Beck and Judith Malina collaborated with sculptors and painters to create environments, radically changing the relationship between audience and performer, especially in their piece Paradise Now. The Judson Dance Theater, located at the Judson Memorial Church, New York; and the Judson dancers, notably Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton and others; collaborated with artists Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg, and engineers like Billy Klüver. Park Place Gallery was a center for musical performances by electronic composers Steve Reich, Philip Glass, and other notable performance artists, including Joan Jonas.
These performances were intended as works of a new art form combining sculpture, dance, and music or sound, often with audience participation. They were characterized by the reductive philosophies of Minimalism and the spontaneous improvisation and expressivity of Abstract Expressionism. Images of Schneemann's performances of pieces meant to create shock within the audience are occasionally used to illustrate these kinds of art, and she is often photographed while performing her piece Interior Scroll. However, according to modernist philosophy surrounding performance art, it is cross-purposes to publish images of her performing this piece, for performance artists reject publication entirely: the performance itself is the medium. Thus, other media cannot illustrate performance art; performance is momentary, evanescent, and personal, not for capturing; representations of performance art in other media, whether by image, video, narrative or, otherwise, select certain points of view in space or time or otherwise involve the inherent limitations of each medium. The artists deny that recordings illustrate the medium of performance as art.
During the same period, various avant-garde artists created Happenings, mysterious and often spontaneous and unscripted gatherings of artists and their friends and relatives in various specified locations, often incorporating exercises in absurdity, physicality, costuming, spontaneous nudity, and various random or seemingly disconnected acts. Notable creators of happenings included Allan Kaprow—who first used the term in 1958,[153] Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms, and Robert Whitman.[154]
Another trend in art which has been associated with the term postmodern is the use of a number of different media together. Intermedia is a term coined by Dick Higgins and meant to convey new art forms along the lines of Fluxus, concrete poetry, found objects, performance art, and computer art. Higgins was the publisher of the Something Else Press, a concrete poet married to artist Alison Knowles and an admirer of Marcel Duchamp. Ihab Hassan includes "Intermedia, the fusion of forms, the confusion of realms," in his list of the characteristics of postmodern art.[155] One of the most common forms of "multi-media art" is the use of video-tape and CRT monitors, termed video art. While the theory of combining multiple arts into one art is quite old, and has been revived periodically, the postmodern manifestation is often in combination with performance art, where the dramatic subtext is removed, and what is left is the specific statements of the artist in question or the conceptual statement of their action.
Fluxus was named and loosely organized in 1962 by George Maciunas (1931–1978), a Lithuanian-born American artist. Fluxus traces its beginnings to John Cage's 1957 to 1959 Experimental Composition classes at The New School for Social Research in New York City. Many of his students were artists working in other media with little or no background in music. Cage's students included Fluxus founding members Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht and Dick Higgins.
Fluxus encouraged a do-it-yourself aesthetic and valued simplicity over complexity. Like Dada before it, Fluxus included a strong current of anti-commercialism and an anti-art sensibility, disparaging the conventional market-driven art world in favor of an artist-centered creative practice. Fluxus artists preferred to work with whatever materials were at hand, and either created their own work or collaborated in the creation process with their colleagues.
Andreas Huyssen criticizes attempts to claim Fluxus for postmodernism as "either the master-code of postmodernism or the ultimately unrepresentable art movement—as it were, postmodernism's sublime."[156] Instead he sees Fluxus as a major Neo-Dadaist phenomenon within the avant-garde tradition. It did not represent a major advance in the development of artistic strategies, though it did express a rebellion against "the administered culture of the 1950s, in which a moderate, domesticated modernism served as ideological prop to the Cold War."[156]
Modernism had an uneasy relationship with popular forms of music (both in form and aesthetic) while rejecting popular culture.[157] Despite this, Stravinsky used jazz idioms on his pieces like "Ragtime" from his 1918 theatrical work Histoire du Soldat and 1945's Ebony Concerto.[158]
In the 1960s, as popular music began to gain cultural importance and question its status as commercial entertainment, musicians began to look to the post-war avant-garde for inspiration.[159] In 1959, music producer Joe Meek recorded I Hear a New World (1960), which Tiny Mix Tapes' Jonathan Patrick calls a "seminal moment in both electronic music and avant-pop history [...] a collection of dreamy pop vignettes, adorned with dubby echoes and tape-warped sonic tendrils" which would be largely ignored at the time.[160] Other early Avant-pop productions included the Beatles's 1966 song "Tomorrow Never Knows", which incorporated techniques from musique concrète, avant-garde composition, Indian music, and electro-acoustic sound manipulation into a 3-minute pop format, and the Velvet Underground's integration of La Monte Young's minimalist and drone music ideas, beat poetry, and 1960s pop art.[159]
The continuation of Abstract Expressionism, color field painting, lyrical abstraction, geometric abstraction, minimalism, abstract illusionism, process art, pop art, postminimalism, and other late 20th-century modernist movements in both painting and sculpture continued through the first decade of the 21st century and constitute radical new directions in those mediums.[161][162][163]
At the turn of the 21st century, well-established artists such as Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein, and younger artists including Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile, and others continued to produce vital and influential paintings and sculpture.
Many skyscrapers in Hong Kong and Frankfurt have been inspired by Le Corbusier and modernist architecture, and his style is still used as influence for buildings worldwide.[164]
The terms "modernism" and "modernist", according to scholar William J. Tyler, "have only recently become part of the standard discourse in English on modern Japanese literature and doubts concerning their authenticity vis-à-vis Western European modernism remain". Tyler finds this odd, given "the decidedly modern prose" of such "well-known Japanese writers as Kawabata Yasunari, Nagai Kafu, and Jun'ichirō Tanizaki". However, "scholars in the visual and fine arts, architecture, and poetry readily embraced "modanizumu" as a key concept for describing and analysing Japanese culture in the 1920s and 1930s".[165] In 1924, various young Japanese writers, including Kawabata and Riichi Yokomitsu started a literary journal Bungei Jidai ("The Artistic Age"). This journal was "part of an 'art for art's sake' movement, influenced by European Cubism, Expressionism, Dada, and other modernist styles".[166]
Japanese modernist architect Kenzō Tange (1913–2005) was one of the most significant architects of the 20th century, combining traditional Japanese styles with modernism, and designing major buildings on five continents. Tange was also an influential patron of the Metabolist movement. He said: "It was, I believe, around 1959 or at the beginning of the sixties that I began to think about what I was later to call structuralism",[167] He was influenced from an early age by the Swiss modernist, Le Corbusier, Tange gained international recognition in 1949 when he won the competition for the design of Hiroshima Peace Memorial Park.[citation needed]
In China, the "New Sensationists" (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) were a group of writers based in Shanghai who in the 1930s and 1940s, were influenced, to varying degrees, by Western and Japanese modernism. They wrote fiction that was more concerned with the unconscious and with aesthetics than with politics or social problems. Among these writers were Mu Shiying and Shi Zhecun.[citation needed]
In India, the Progressive Artists' Group was a group of modern artists, mainly based in Mumbai, India formed in 1947. Though it lacked any particular style, it synthesized Indian art with European and North America influences from the first half of the 20th century, including Post-Impressionism, Cubism and Expressionism.[citation needed]
Peter Kalliney suggests that "Modernist concepts, especially aesthetic autonomy, were fundamental to the literature of decolonization in anglophone Africa."[168] In his opinion, Rajat Neogy, Christopher Okigbo, and Wole Soyinka, were among the writers who "repurposed modernist versions of aesthetic autonomy to declare their freedom from colonial bondage, from systems of racial discrimination, and even from the new postcolonial state".[169]
By the early 1980s, the postmodern movement in art and architecture began to establish its position through various conceptual and intermedia formats. Postmodernism in music and literature began to take hold earlier. In music, postmodernism is described in one reference work as a "term introduced in the 1970s",[170] while in British literature, The Oxford Encyclopaedia of British Literature sees modernism "ceding its predominance to postmodernism" as early as 1939.[112] However, dates are highly debatable, especially as, according to Andreas Huyssen: "one critic's postmodernism is another critic's modernism."[171] This includes those who are critical of the division between the two, see them as two aspects of the same movement, and believe that late modernism continues.[171]
Modernism is an all-encompassing label for a wide variety of cultural movements. Postmodernism is essentially a centralized movement that named itself, based on socio-political theory, although the term is now used in a wider sense to refer to activities from the 20th century onwards which exhibit awareness of and reinterpret the modern.[172][173][174]
Postmodern theory asserts that the attempt to canonize modernism "after the fact" is doomed to unresolvable contradictions.[175] And since the crux of postmodernism critiques any claim to a single discernible truth, postmodernism and modernism conflict on the existence of truth. Where modernists approach the issue of 'truth' with different theories (correspondence, coherence, pragmatist, semantic, etc.), postmodernists approach the issue of truth negatively by disproving the very existence of an accessible truth.[176]
In a narrower sense, what was modernist was not necessarily also postmodernist. Those elements of modernism which accentuated the benefits of rationality and socio-technological progress were only modernist.[177]
Modernist reactions against postmodernism include remodernism, which rejects the cynicism and deconstruction of postmodern art in favor of reviving early modernist aesthetic currents.[178][179]
Although artistic modernism tended to reject capitalist values such as consumerism, 20th century civil society embraced global mass production and the proliferation of cheap and accessible commodities. This period of social development is known as "late or high modernity" and originates in advanced in Western societies. The German sociologist Jürgen Habermas, in The Theory of Communicative Action (1981), developed the first substantive critique of the culture of late modernity. Another important early critique of late modernity is the American sociologist George Ritzer's The McDonaldization of Society (1993). Ritzer describes how late modernity became saturated with fast food consumer culture. Other authors have demonstrated how modernist devices appeared in popular cinema, and later on in music videos. Modernist design has entered the mainstream of popular culture, as simplified and stylized forms became popular, often associated with dreams of a space age high-tech future.[180][181]
In 2008, Janet Bennett published Modernity and Its Critics through The Oxford Handbook of Political Theory.[182] Merging of consumer and high -end versions of modernist culture led to a radical transformation of the meaning of "modernism". First, it implied that a movement based on the rejection of tradition had become a tradition of its own. Second, it demonstrated that the distinction between elite modernist and mass consumerist culture had lost its precision. Modernism had become so institutionalized that it was now "post avant-garde", indicating that it had lost its power as a revolutionary movement. Many have interpreted this transformation as the beginning of the phase that became known as postmodernism. For others, such as art critic Robert Hughes, postmodernism represents an extension of modernism.
"Anti-Modern" or "Counter-Modern" movements seek to emphasize holism, connection and spirituality as remedies or antidotes to modernism. Such movements see modernism as reductionist, and therefore subject to an inability to see systemic and emergent effects.
Some traditionalist artists like Alexander Stoddart reject modernism generally as the product of "an epoch of false money allied with false culture".[183]
In some fields, the effects of modernism have remained stronger and more persistent than in others. Visual art has made the most complete break with its past. Most major capital cities have museums devoted to modern art as distinct from post-Renaissance art (c. 1400 to c. 1900). Examples include the Museum of Modern Art in New York, the Tate Modern in London, and the Centre Pompidou in Paris. These galleries make no distinction between modernist and postmodernist phases, seeing both as developments within modern art.
{{cite journal}}: CS1 maint: DOI inactive as of September 2024 (link){{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)Mies van der Rohe, one of the great figures of 20th-century architecture.
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