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1795–1820 en la moda occidental

A principios del siglo XIX , las mujeres usaban vestidos exteriores finos y vaporosos, mientras que los hombres usaban pantalones y abrigos . Rutger Jan Schimmelpenninck y su familia, 1801-02, por Pierre-Paul Prud'hon
Madame Raymond de Verninac por Jacques-Louis David , con ropa y silla de estilo Directorio . "Año 7", es decir, 1798-1799.
Pintura de un juego familiar de damas ("jeu de dames") del artista francés Louis-Léopold Boilly , c. 1803.
Una familia acomodada camina con cautela por una tabla para evitar las calles embarradas de París, por Boilly, 1803

La moda en el período 1795-1820 en Europa y los países con influencia europea vieron el triunfo final de la desnudez o los estilos informales sobre los brocados , encajes , pelucas y polvos de principios del siglo XVIII . Después de la Revolución Francesa , nadie quería parecer miembro de la aristocracia francesa , y la gente comenzó a usar la ropa más como una forma de expresión individual del verdadero yo que como una pura indicación de estatus social. [1] Como resultado, los cambios que ocurrieron en la moda a principios del siglo XIX brindaron la oportunidad de presentar nuevas identidades públicas que también proporcionaron información sobre sus yoes privados. Katherine Aaslestad indica cómo "la moda, encarnando nuevos valores sociales, emergió como un sitio clave de confrontación entre la tradición y el cambio". [2]

En cuanto al vestido de las mujeres, el estilo de falda y chaqueta era práctico y discreto, y recordaba a la mujer de clase trabajadora. [3] La moda femenina seguía los ideales clásicos y se abandonaron los corsés con ballenas rígidas en favor de corsés más suaves y con menos ballenas. [ 4] Esta figura natural se enfatizaba al poder ver el cuerpo debajo de la ropa. Los senos visibles eran parte de este estilo clásico y algunos caracterizaban los senos en la moda como algo puramente estético y sexual. [5]

Esta era de la historia británica se conoce como el período de la Regencia , marcado por la regencia entre los reinados de Jorge III y Jorge IV . Pero la definición más amplia del período, caracterizado por las tendencias en moda, arquitectura, cultura y política, comienza con la Revolución Francesa de 1789 y termina con el ascenso al trono de la reina Victoria en 1837. Los nombres de las personas populares que vivieron en esta época aún son famosos: Napoleón y Josefina , Juliette Récamier , Jane Austen , Percy Bysshe Shelley , Lord Byron , Beau Brummell , Lady Emma Hamilton , la reina Luisa de Prusia y su esposo y muchos más. Beau Brummell introdujo los pantalones , la sastrería perfecta y el lino inmaculado y sin adornos como los ideales de la moda masculina.

En Alemania , las ciudades-estado republicanas renunciaron a sus prendas tradicionales, modestas y prácticas y comenzaron a adoptar las tendencias de la moda francesa e inglesa de vestidos camiseros de manga corta y chaquetas Spencer . [6] Las tendencias de la moda estadounidense emularon la vestimenta francesa, pero de una manera más atenuada, con chales y túnicas para hacer frente a la transparencia de la camisa. [7] Los majos españoles , sin embargo, se rebelaron contra los ideales cursis de la Ilustración francesa al recuperar y elaborar la vestimenta tradicional española. [8]

A finales del siglo XVIII se produjo un importante cambio en la moda que se extendió más allá de los cambios en el estilo y se extendió a los ideales filosóficos y sociales. Antes de esa época, el estilo y las tradiciones del Antiguo Régimen impedían la conceptualización del "yo". En cambio, se consideraba que la identidad de cada uno era maleable, sujeta a cambios según la ropa que se llevara puesta. Sin embargo, hacia la década de 1780, el nuevo estilo "natural" permitió que el yo interior de cada uno trascendiera a la ropa. [9]

Durante la década de 1790, se impuso un nuevo concepto del yo interno y externo. Antes de esa época, solo había un yo, que se expresaba a través de la ropa. Cuando se iba a un baile de máscaras, la gente usaba ropa específica, por lo que no podían mostrar su individualidad a través de ella. [9] Este nuevo estilo "natural" incorporaba la importancia de la comodidad y la facilidad de la vestimenta. No solo se hizo hincapié en la higiene, sino que también la ropa se volvió mucho más ligera y se podía cambiar y lavar con más frecuencia. Incluso las mujeres de clase alta comenzaron a usar vestidos cortos en lugar de vestidos con largas colas o aros que les impedían salir de sus casas. La posterior casi estasis de la silueta inspiró volúmenes de nuevos adornos y detalles en faldas muy recortadas que volvieron a estar de moda. En los años de la Regencia, los complicados elementos históricos y orientalistas proporcionaron exhibiciones estilísticas suntuosas, ya que dichos detalles eran un vehículo vigoroso para el consumo conspicuo debido a sus fabricaciones que requerían mucha mano de obra y, por lo tanto, un poderoso significante de jerarquía para las clases altas que usaban esos estilos. Este tipo de declaración era particularmente notoria en los adornos profusos, especialmente en las faldas donde los detalles desenfrenados eran comunes, junto con detalles de bordes cortados y adornos en los bordes.

La moda femenina también se vio influenciada por la moda masculina, como los chalecos y chaquetas a medida para enfatizar la movilidad de las mujeres. Este nuevo movimiento hacia la practicidad en la vestimenta demostró que la vestimenta dejó de ser una forma de categorizar únicamente entre clases o géneros; la vestimenta estaba destinada a adaptarse a la rutina diaria personal. [10] También fue durante este período de tiempo que la industria de las revistas y periódicos de moda comenzó a despegar. En su mayoría, eran publicaciones periódicas mensuales (a menudo en competencia) que permitían a hombres y mujeres mantenerse al día con los estilos en constante cambio. [11]

Influencia de la Revolución Industrial

Lámina de moda (El gorro y la pelliza rusos y prusianos), publicada en La Belle Assemblée , 1 de julio de 1814

A finales del siglo XVIII, la ropa la vendían sobre todo comerciantes individuales, que a menudo eran los artesanos que fabricaban los productos. Los clientes vivían normalmente en el mismo barrio que las tiendas, y estas ganaban popularidad gracias a las recomendaciones de boca en boca de sus clientes, con la excepción de los almacenes (es decir, cualquier comercio minorista o mayorista), donde los productos que se vendían no se fabricaban necesariamente en la tienda. [12] Sin embargo, las cosas empezaron a cambiar durante la transición al siglo XIX. La gente buscaba eficiencia y variedad; bajo la influencia de la Revolución Industrial , la mejora del transporte y la introducción de máquinas en la fabricación permitieron que la moda se desarrollara a un ritmo aún más rápido.

La primera máquina de coser apareció en 1790 y, más tarde, Josef Madersperger comenzó a desarrollar su primera máquina de coser en 1807, presentando su primera máquina de trabajo en 1814. La introducción de la máquina de coser aceleró la producción de prendas de vestir. [12] Sin embargo, no tuvo un impacto social generalizado hasta la década de 1840, y la ropa se hizo completamente a mano en el período hasta 1820. Mientras tanto, las técnicas avanzadas de hilado, tejido y estampado de algodón desarrolladas en el siglo XVIII ya habían traído telas lavables más baratas y ampliamente disponibles. Estas telas duraderas y asequibles se hicieron populares entre la población en general. Estas técnicas se desarrollaron aún más con la introducción de máquinas. Antes, los accesorios como el bordado y el encaje se fabricaban en una escala pequeña y limitada por artesanos expertos y se vendían en sus propias tiendas; en 1804, John Duncan construyó una máquina para bordar y la gente comenzó a producir estos accesorios esenciales en fábricas y a enviar los productos a tiendas de todo el país. Estos avances técnicos en la producción de ropa permitieron una mayor variedad de estilos; También se hicieron posibles cambios rápidos en la moda. [12]

La Revolución Industrial unió a Europa y América en lo que respecta a los viajes. Cuando Louis Simond llegó por primera vez a América, le sorprendió la movilidad de la población y la frecuencia con la que la gente viajaba a la capital, y escribió: "En ninguna parte se encuentran personas que nunca hayan salido de su lugar de origen y cuyos hábitos sean completamente locales; nadie que esté por encima de la pobreza no haya visitado Londres una vez en su vida; y la mayoría de los que pueden, lo visitan una vez al año". [12] Los nuevos canales y ferrocarriles no sólo transportaron gente, sino que crearon mercados nacionales e incluso más amplios al transportar bienes fabricados en fábricas a grandes distancias. El auge de la industria en todo el mundo occidental aumentó la producción de prendas de vestir y se animó a la gente a viajar más y comprar más bienes que nunca. [13]

La comunicación también mejoró en esta época. Las nuevas ideas sobre la moda se transmitían a través de pequeñas muñecas vestidas a la última moda, periódicos y revistas ilustradas; [14] por ejemplo, La Belle Assemblée , fundada por John Bell , fue una revista femenina británica publicada entre 1806 y 1837. Era conocida por sus láminas de moda contemporánea, que mostraban formas en que las mujeres podían vestirse y crear conjuntos. [15]

Cambios en la moda

Década de 1790:

Años 1800:

Década de 1810:

Década de 1820:

Moda femenina

Vestido de baile de 1811
En España , algunas damas de la sociedad se rebelaron contra la moda francesa vistiéndose de majas , como doña Isabel de Porcel , 1805.

Descripción general

En este período, los estilos de ropa de moda para mujeres se basaban en una cintura alta, debajo del busto, llamada silueta Imperio solo en el siglo XX: los vestidos se ajustaban al torso justo debajo del busto, cayendo holgadamente por debajo. En diferentes contextos, estos estilos ahora se denominan comúnmente " estilo Directorio " (en referencia al gobierno del Directorio de Francia durante la segunda mitad de la década de 1790), " estilo Imperio " (en referencia al imperio de Napoleón de 1804-1814/1815, y a menudo también a su "consulado" de 1800-1804) o " Regencia " (usado vagamente para referirse a varios períodos entre el siglo XVIII y la época victoriana). [19] La silueta Imperio y el estilo Directorio no se usaban en la época en que se usaban estos estilos. [20]

Estas modas de 1795-1820 eran bastante diferentes de los estilos prevalecientes durante la mayor parte del siglo XVIII y el resto del siglo XIX, cuando la ropa de las mujeres generalmente estaba ajustada al torso desde la cintura natural hacia arriba y con faldas muy amplias por debajo (a menudo infladas por medio de faldas de aro , crinolinas , alforjas , polisones , etc.). La moda femenina en esta época comenzó a seguir los ideales clásicos, inspirados en el estilo griego y romano antiguo con sus vestidos elegantes y sueltos que se fruncían o simplemente se acentuaban sobre la cintura natural debajo del busto. Para las mujeres, los corsés con mucho ballena dieron paso a una celebración de la forma natural. [20] Los corpiños eran cortos y la cintura caía justo debajo del busto. Las telas de moda como la muselina de algodón eran ligeras hasta el punto de ser transparentes, sin embargo, los algodones, lanas y otros textiles más pesados ​​​​estampados también eran populares. [21]

Vestidos

'Vestido de mañana' o 'Medio vestido', 1817.
'Vestido de noche', 1816.

Inspirado en los gustos neoclásicos, el "desnudo" era el estilo del día, casual e informal. Era el tipo de vestido que usaba una mujer desde la mañana hasta el mediodía o más tarde, dependiendo de sus compromisos sociales del día. Los vestidos de cintura corta lucían faldas suaves y sueltas y a menudo estaban hechos de muselina blanca, casi transparente , que se lavaba fácilmente y se colocaba de forma suelta como las prendas de las estatuas griegas y romanas. Dado que la tela se pegaba al cuerpo, revelando lo que había debajo, hacía de la desnudez à la grecque una pieza central del espectáculo público. El satén a veces se usaba para la noche. [22] Se piensa que el "medio vestido" es cómo se vestiría una persona para salir durante el día o reunirse con invitados. El "vestido completo" era lo que usaba una dama para eventos formales, de día o de noche. El "vestido de noche" solo era apropiado para los asuntos nocturnos. Así, durante el período 1795-1820, a menudo era posible que las mujeres de clase media y alta usaran ropa que no fuera muy ajustada ni engorrosa y, aun así, se las considerara vestidas decentemente y a la moda.

Entre las mujeres de clase media y alta existía una distinción básica entre el traje de mañana (que se usaba en casa tanto por la tarde como por la mañana) y el traje de noche: por lo general, tanto los hombres como las mujeres se cambiaban de ropa para prepararse para la cena y los posibles entretenimientos posteriores. También existían otras gradaciones, como el traje de tarde, el traje de paseo, los trajes de montar , el traje de viaje, el traje de cena, etc.

En El espejo de las gracias; o el traje de la dama inglesa , publicado en Londres en 1811, la autora ("una dama distinguida") aconsejaba:

Por la mañana, los brazos y el pecho deben estar completamente cubiertos hasta el cuello y las muñecas. Desde la hora de la cena hasta el final del día, los brazos pueden estar descubiertos hasta una elegante altura por encima del codo, y el cuello y los hombros descubiertos hasta donde lo permita la delicadeza. [23]

Una dama distinguida también aconsejaba a las jóvenes que usaran tonos de color más suaves, como el rosa, el azul violeta o el lila. La matrona madura podía usar colores más intensos, como el morado, el negro, el carmesí, el azul oscuro o el amarillo.

Muchas mujeres de esta época comentaron que estar completamente vestida significaba que el pecho y los hombros estaban al descubierto, mientras que estar menos vestida significaba que el escote llegaba hasta la barbilla. [ cita requerida ]

Silueta

Debido a la importancia de mostrar el estatus social, la industria de la moda estuvo muy influenciada por la sociedad durante la era de la Regencia. La posición de una persona estaba determinada por su riqueza, etiqueta, estatus familiar, inteligencia y belleza. Las mujeres dependían económica y socialmente de sus maridos. Las únicas actividades socialmente aceptables en las que las mujeres podían participar se centraban en las reuniones sociales y la moda, cuyo componente más importante era asistir a fiestas nocturnas. Estas fiestas ayudaban a construir relaciones y conexiones con los demás. Como la etiqueta dictaba diferentes estándares de vestimenta para diferentes eventos, eran populares los vestidos de tarde, de noche, de gala, de gala y diferentes tipos de vestidos.

Hortensia de Beauharnais

La moda femenina en la época de la Regencia comenzó a cambiar drásticamente. Se popularizó la silueta imperio, que se caracterizaba por un corpiño ajustado y una cintura alta. Este "nuevo estilo natural" enfatizaba la belleza de las líneas naturales del cuerpo. La ropa se volvió más ligera y más fácil de cuidar que en el pasado. Las mujeres solían usar varias capas de ropa, generalmente ropa interior, vestidos y ropa de abrigo. La camisola, la prenda interior estándar de la época, impedía que los vestidos finos y vaporosos fueran completamente transparentes. Las prendas de abrigo, como la camisola y la pelliza, eran populares.

La silueta imperio se creó a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX y hace referencia al período del Primer Imperio francés. Esta adopción se había relacionado con el gusto neoclásico de Francia por los principios griegos. Sin embargo, de hecho, su genealogía es mucho más compleja. La primera vez que la usó fue la reina francesa, cuya referencia era el Caribe, no Grecia. [24] El estilo se usaba a menudo en blanco para denotar un alto estatus social. Josefina Bonaparte fue una de las figuras representativas de la cintura imperio, con sus elaborados y decorados vestidos de línea imperio. Las mujeres de la Regencia siguieron el estilo imperio junto con la misma tendencia de cinturas elevadas que los estilos franceses, incluso cuando sus países estaban en guerra. A partir de la década de 1780 y principios de la de 1790, la silueta de las mujeres se hizo más delgada y las cinturas subieron. Después de 1795, las cinturas aumentaron drásticamente y la circunferencia de la falda se redujo aún más. Unos años más tarde, Inglaterra y Francia comenzaron a mostrar el enfoque del estilo de cintura alta y esto llevó a la creación del estilo imperio.

Dama francesa en 1808; el estilo a menudo iba acompañado de un chal o una capa similar, o una chaqueta corta "Spencer", ya que los vestidos eran ligeros y dejaban mucho espacio al descubierto.

El estilo comenzó como parte de la moda neoclásica , reviviendo estilos del arte grecorromano que mostraban a las mujeres usando túnicas rectangulares holgadas conocidas como peplos que se ceñían con un cinturón debajo del busto, brindando soporte a las mujeres y un atuendo fresco y cómodo, especialmente en un clima cálido. La silueta imperio estaba definida por la cintura, que se colocaba directamente debajo del busto. La silueta imperio fue el estilo clave en la vestimenta femenina durante la era de la Regencia. Los vestidos eran generalmente ligeros, largos y holgados, generalmente eran blancos y, a menudo, transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, lo que enfatizaba fuertemente el dobladillo fino y se ataba alrededor del cuerpo. Un chal o envoltura rectangular largo, muy a menudo rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en el clima más frío y aparentemente se colocaba alrededor del abdomen cuando estaba sentada, para lo cual se favorecían las posturas semi-reclinadas. Los vestidos tenían un corpiño ajustado y daban una apariencia de cintura alta.

El estilo había experimentado altibajos en la moda durante cientos de años. La forma de los vestidos también ayudaba a alargar la apariencia del cuerpo. La ropa también se podía drapear para maximizar el busto. Se usaban telas livianas para crear un efecto fluido. Además, se usaban cintas, fajas y otros elementos decorativos para resaltar la cintura. Los vestidos estilo imperio solían tener un escote bajo y mangas cortas y las mujeres generalmente los usaban como para ocasiones formales. Por otro lado, los vestidos de día tenían un escote más alto y mangas largas. La camisola era un elemento básico para las damas de moda. Aunque ahora había diferencias entre vestidos y vestidos largos, la cintura alta no cambió.

Peinados y tocados

Retrato en miniatura de una dama rusa, escuela rusa, c. 1800
Retrato de Caroline Murat y su hija Letizia, pintado en 1807 por Elisabeth Vigée-Lebrun . Madame Murat lleva la formal cola roja del vestido de la corte sobre su vestido de talle alto.

Durante este período, la influencia clásica se extendió a los peinados. A menudo se usaban mechones de rizos sobre la frente y las orejas, y el pelo más largo de la parte posterior se recogía en moños sueltos o nudos psique influenciados por los estilos griegos y romanos. A finales de la década de 1810, el pelo de la parte delantera se separaba en el medio y se usaba en rizos apretados sobre las orejas. [17] Las mujeres aventureras como Lady Caroline Lamb usaban peinados cortos "a la Titus ", y el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca a la Titus ", un corte en capas generalmente con algunos mechones colgando. [25]

En el Espejo de las Gracias, una Dama Distinguida escribe:

Ahora bien, las trenzas sueltas, las trenzas brillantes, los bucles sueltos recogidos por el peine antiguo o el pasador, ofrecen ejemplos elegantes del gusto sencillo de la belleza moderna. Nada puede corresponder más elegantemente con el drapeado desenfadado de nuestra vestimenta clásica recientemente adoptada que este peinado natural sin adornos. [26]

Las mujeres casadas conservadoras siguieron usando cofias de lino , que ahora tenían alas más anchas a los lados para cubrir las orejas. Las mujeres elegantes usaban cofias similares para usarlas por la mañana (desnudarse en casa). [27]

Por primera vez en siglos, las mujeres respetables pero atrevidas y a la moda salían de casa sin sombrero o cofia , algo que antes se asociaba a menudo con las prostitutas. Sin embargo, la mayoría de las mujeres seguían llevando algo en la cabeza al aire libre, aunque estaban empezando a dejar de hacerlo en interiores durante el día (así como para la noche). El tocado antiguo, o cofia de la Reina María , el sombrero chino, el turbante de inspiración oriental y el casco de las Tierras Altas eran populares. En cuanto a las cofias, sus coronas y alas estaban adornadas con ornamentaciones cada vez más elaboradas, como plumas y cintas. [28] De hecho, las damas de la época adornaban sus sombreros con frecuencia, reemplazando las decoraciones antiguas con nuevos adornos o plumas.

Ropa interior

Ilustración de ropa interior de 1811, que muestra una forma de "corsé" de la Regencia.

Las mujeres de moda de la época de la Regencia usaban varias capas de ropa interior . La primera era la camisola o camisón, una prenda fina con mangas cortas y ajustadas (y un escote bajo si se usaba debajo de la ropa de noche), hecha de algodón blanco y rematada con un dobladillo liso que era más corto que el vestido. Estas camisolas estaban destinadas a proteger la ropa exterior de la transpiración y se lavaban con más frecuencia que la ropa exterior. De hecho, las lavanderas de la época usaban jabón grueso para restregar estas prendas y luego las sumergían en agua hirviendo, de ahí la ausencia de color, encaje u otros adornos, que habrían desteñido o dañado la tela con un trato tan brusco. Las camisolas y los camisones también evitaban que los vestidos transparentes de muselina o seda fueran demasiado reveladores.

La siguiente capa era un par de corsés ( con menos varillas). Si bien las modas clásicas de cintura alta no requerían corsé para la figura delgada, la mayoría de las mujeres comunes todavía usaban algún tipo de soporte para el busto, aunque el objetivo era parecer que no lo tenían. [29] La desaparición del corsé o los corsés ha sido muy exagerada por los escritores del período de la Regencia. Hubo algunos experimentos para producir prendas que cumplieran las mismas funciones que un sostén moderno. [30] [31] [32] [33] (En el Espejo de las Gracias , un "divorcio" se describía como una prenda interior que servía para separar los pechos de una mujer. Hecho de acero o hierro que estaba cubierto por un tipo de relleno, y con forma de triángulo, este dispositivo se colocaba en el centro del pecho. [34] ) Los "corsés cortos" (corsés que se extendían solo una corta distancia debajo de los pechos) a menudo se usaban sobre el camisón o la camisola (no directamente al lado de la piel), y los "corsés largos" (corsés que se extendían hacia la cintura natural) eran usados ​​por mujeres que intentaban parecer más delgadas de lo que eran o que necesitaban más apoyo. Los ingleses los usaban más que los franceses, pero incluso esos corsés largos no estaban destinados principalmente a constreñir la cintura, a la manera de los corsés victorianos.

La capa final era la enagua , que era el nombre de cualquier falda que se usara debajo del vestido y podía ser una falda con corpiño, una falda sujeta al torso con cintas o una falda separada. [35] Estas enaguas a menudo se usaban entre la ropa interior y el vestido exterior y se consideraban parte de la ropa exterior, no de la ropa interior. El borde inferior de la enagua estaba destinado a ser visto, ya que las mujeres a menudo levantaban sus vestidos exteriores para proteger el material relativamente delicado del vestido exterior del barro o la humedad (exponiendo así solo el tejido más grueso y más barato de la enagua al riesgo). A menudo expuestas a la vista, las enaguas estaban decoradas en el dobladillo con filas de pliegues o encajes, o volantes.

En esa época, los "calzoncillos" (pantalones cortos grandes y holgados con botones en la entrepierna) solo se usaban ocasionalmente. [36] Las mujeres no llevaban ropa interior debajo de sus vestidos.

Las medias , hechas de seda o algodón tejido, se sujetaban con ligas debajo de la rodilla hasta que se introdujeron los tirantes a fines del siglo XIX y a menudo eran de color blanco o carne pálida. [37]

Ropa de abrigo y zapatos

Madame Rivière , 1806, Jean Auguste Dominique Ingres , Louvre .
Zapatillas de cuero, entre 1795 y 1805.

Durante este período, la ropa de las mujeres era mucho más fina que en el siglo XVIII, por lo que la ropa de abrigo más abrigada se volvió importante en la moda, especialmente en climas más fríos. Las prendas similares a abrigos, como las pellizas y los redingotes, eran populares, al igual que los chales, mantos, manteletes, capas y capas. El mantelete era una capa corta que con el tiempo se alargó y se convirtió en un chal. El redingote, otro ejemplo popular, era una prenda larga que se parecía en estilo a un abrigo de montar masculino (de ahí el nombre), que podía estar hecho de diferentes telas y patrones. [7] Durante todo el período, el chal indio era el abrigo favorito, [38] ya que las casas y la típica casa de campo inglesa eran generalmente ventosas, y los vestidos de muselina transparente y seda ligera populares durante este tiempo brindaban menos protección. Los chales estaban hechos de cachemira suave o seda o incluso muselina para el verano. Los patrones de cachemira eran extremadamente populares en ese momento. [39]

Las chaquetas cortas (de cintura alta) llamadas spencers [38] se usaban al aire libre, junto con capas con capucha larga , chal turco, mantos, capas, túnicas romanas, camisolas y abrigos llamados pellizas [40] (que a menudo no tenían mangas y llegaban hasta los tobillos). Estas prendas exteriores a menudo estaban hechas de sarsnet doble, tela merina fina o terciopelo, y adornadas con pieles, como plumón de cisne, zorro, chinchilla o marta cibelina. El 6 de mayo de 1801, Jane Austen le escribió a su hermana Cassandra: "Las capas de gasa negra se usan tanto como cualquier otra cosa". [41]

Generalmente se usaban zapatillas de tela fina y plana (seda o terciopelo) o de cuero (a diferencia de los zapatos de tacón alto de gran parte del siglo XVIII).

Se colocaban plantillas de metal en los zapatos para protegerlos de la lluvia o el barro, elevando los pies unos dos centímetros y medio del suelo.

Accesorios

Hacia 1813

Las mujeres siempre usaban guantes fuera de casa. Cuando los usaban en el interior, como cuando hacían una visita social, o en ocasiones formales, como un baile, se los quitaban para cenar. [42] Sobre la longitud del guante, A Lady of Distinction escribe:

Si la moda predominante es rechazar las mangas largas y mostrar parcialmente el brazo, deje que el guante avance considerablemente por encima del codo y se sujete allí con un cordón o brazalete. Pero esto sólo debe hacerse cuando el brazo es musculoso, tosco o flaco. Cuando es liso, suave y redondo, admitirá que el guante se deslice hacia abajo hasta un poco por encima de las muñecas. [43]

En esta época, los guantes más largos se usaban de forma bastante holgada, arrugándose por debajo del codo. Como se describe en el pasaje anterior, las "ligas" podían sujetar los guantes más largos.

Las retículas contenían objetos personales, como vinagretas . Los vestidos ajustados de la época no tenían bolsillos, por lo que estos pequeños bolsos con cordón eran esenciales. Estos bolsos a menudo se llamaban botines o balantines. Tenían forma rectangular y se usaban suspendidos de una banda tejida desde un cinturón colocado alrededor de la figura por encima de la cintura. [44]

Las sombrillas (como se muestra en la ilustración) protegían la piel de las mujeres del sol y se consideraban un importante accesorio de moda. Eran delgadas y ligeras y venían en una variedad de formas, colores y tamaños.

Las damas (y caballeros) de moda usaban abanicos para refrescarse y realzar los gestos y el lenguaje corporal. Fabricados en papel o seda sobre varillas de marfil y madera, e impresos con motivos orientales o escenas populares de la época, estos omnipresentes accesorios presentaban una variedad de formas y estilos, como plisados ​​o rígidos. Una hoja informativa del Museo de Cheltenham describe los abanicos y su uso en el lenguaje corporal y la comunicación (haga clic y desplácese hasta la página 4). [45]

Directorio (1795-1799)

Retrato de Emma, ​​Lady Hamilton, por Elisabeth Vigée-Lebrun, ca. década de 1790.
Una representación idealizada y clasicista de una escena doméstica de la Regencia inglesa.

A mediados de la década de 1790, la ropa neoclásica se había puesto de moda en Francia. [46] Varias influencias se habían combinado para generar esta simplificación en la ropa de las mujeres: aspectos de la ropa de campo práctica de las mujeres inglesas se filtraron en la alta moda francesa, y hubo una reacción en la Francia revolucionaria contra los corsés de ballenas rígidas y los satenes de colores brillantes y otras telas pesadas que estaban de moda en el Antiguo Régimen (ver 1750-1795 en la moda ). Pero en última instancia, el neoclasicismo fue adoptado por su asociación con las ideas republicanas clásicas [con referencia a Grecia, en lugar de la Roma republicana, que ahora se consideraba políticamente peligrosa]. [46] Esta renovada fascinación por el pasado clásico fue alentada por los recientes descubrimientos de Pompeya y Herculano , y probablemente no hubiera sido posible fuera de un entorno geográfico e histórico tan específico que permitió que la idea del pasado hecho presente se volviera primordial. [47]

Junto con las influencias de las excavaciones de Pompeya y Herculano, varios otros factores se unieron para popularizar la vestimenta neoclásica. A principios de la década de 1790, Emma Hamilton comenzó a realizar sus representaciones de actitudes, algo que sus contemporáneos consideraban completamente nuevo. Estas actitudes se basaban vagamente en la antigua práctica de la pantomima, aunque las representaciones de Emma carecían de máscaras y acompañamiento musical. [47] Sus representaciones crearon una fusión entre el arte y la naturaleza; el arte cobró vida y su cuerpo se convirtió en un tipo de arte. [16] Como ayuda para sus representaciones de figuras históricas y mitológicas trágicas, Emma vestía la ropa á la grecque que se volvería popular en la Francia dominante en los años siguientes. Se usaba una sencilla camisola de color claro hecha de un material fino y fluido y fruncida con una cinta estrecha debajo del pecho. Se usaban sencillos chales de cachemira como tocados o para dar más volumen al drapeado de la camisola. También ayudaron a evitar líneas discontinuas en la actuación, de modo que los brazos extendidos siempre estaban conectados con el cuerpo, intensificando el efecto de movimiento fluido, y a menudo, se usaba una capa o un manto para enfatizar las líneas del cuerpo en ciertas poses. Esto resaltaba la continuidad de la superficie de la línea y la forma en el cuerpo de la intérprete para enfatizar la unidad, la simplicidad y el movimiento continuo y fluido de una parte del cuerpo a la siguiente. El cabello se usaba de manera natural, suelta y fluida. Todas estas propiedades se combinaban para permitir un amplio juego de luces y sombras para revelar y acentuar ciertas partes del cuerpo durante la actuación mientras cubría otras. [16] Emma era muy capaz en sus actitudes, y la influencia de su vestimenta se extendió desde Nápoles a París cuando los parisinos adinerados hicieron el Grand Tour.

Un contraste satírico de 1796 entre los antiguos estilos de vestimenta isabelinos y del Directorio: Demasiado y demasiado poco , se lee en el epígrafe de esta caricatura de Isaac Cruikshank.

También hay algunas pruebas de que el vestido camisero de muselina blanca se hizo popular después de Termidor a través de la influencia de la vestimenta de prisión. Las mujeres revolucionarias como Madame Tallien se retrataron de esta manera porque era la única ropa que poseían durante su tiempo en prisión. La camisa a la griega también representaba la lucha por la representación del yo y el despojo de los valores culturales pasados. [48] Además, una simplificación de la vestimenta que usaban las niñas preadolescentes en la década de 1780 (que ya no estaban obligadas a usar versiones en miniatura de los corsés y las alforjas de los adultos ) probablemente allanó el camino para la simplificación de la vestimenta que usaban las adolescentes y las mujeres adultas en la década de 1790. Las cinturas se volvieron algo altas en 1795, pero las faldas todavía eran bastante amplias y las influencias neoclásicas aún no eran dominantes.

Fue durante la segunda mitad de la década de 1790 cuando las mujeres de moda en Francia comenzaron a adoptar un estilo clásico absoluto, basado en una versión idealizada de la vestimenta griega y romana antigua (o lo que en ese momento se creía que era la vestimenta griega y romana antigua), con faldas estrechas y ajustadas. Algunas de las versiones parisinas extremas del estilo neoclásico (como los tirantes estrechos que dejaban al descubierto los hombros y los vestidos diáfanos sin suficiente corsé, enaguas o vestidos camiseros debajo) no fueron ampliamente adoptadas en otros lugares, pero muchas características del estilo neoclásico de finales de la década de 1790 tuvieron una amplia influencia y sobrevivieron en formas sucesivas modificadas en la moda europea durante las siguientes dos décadas.

Con este estilo clásico llegó la voluntad de exponer los pechos. Con la nueva iconografía de la Revolución, así como un cambio en el énfasis en la lactancia materna, el vestido camisero se convirtió en un signo de la nueva sociedad igualitaria. [49] El estilo era simple y apropiado para la comodidad de una mujer embarazada o lactante, ya que se enfatizaban los pechos y se aumentaba su disponibilidad. La maternidad se puso de moda y no era raro que las mujeres caminaran con los pechos al descubierto. Algunas mujeres llevaron la "maternidad de moda" un paso más allá y usaron una "toalla de seis meses" debajo del vestido para parecer embarazadas. [50]

El blanco se consideraba el color más adecuado para la vestimenta neoclásica (los accesorios solían ser de colores contrastantes). Las colas cortas que se arrastraban por detrás eran comunes en los vestidos de finales de la década de 1790.

  1. Este retrato de las hermanas Frankland realizado por John Hoppner da una idea de los estilos de 1795.
  2. "Ruth suplica a Noemí y Orfa que regresen a la tierra de Moab", de William Blake. Blake no es un neoclásico típico, pero esta muestra una idealización algo similar de la antigüedad (además de predecir la futura alta moda de finales de la década de 1790). La imagen en particular fue compuesta en 1795 y actualmente se conserva en el Museo Fitzwilliam . [51]
  3. Lámina de moda de Leipzig que muestra a una mujer y una niña con modelos elegantes y sencillos de cintura alta, que sin embargo no son marcadamente neoclásicos.
  4. Retrato de Gabrielle Josephine du Pont.
  5. Imagen de 1798 que muestra a una dama que no parece muy bien vestida para un viaje en globo, con su vestido Directorio, escotado y de aspecto fino.
  6. Lámina de moda de vestido Directorio blanco combinado con chal rojo en contraste con borde de clave griega.
  7. Un boceto de 1798 de un traje de día con chaqueta corta "Spencer" (menos neoclásica, aunque todavía siguiendo la silueta imperio).
  8. Marie-Denise Villers lleva un vestido blanco casi transparente.
  9. Gertrud Hage lleva un vestido blanco transparente sobre una enagua blanca.
  10. Traje de montar de 1799. El traje de la derecha presenta una chaqueta corta con faldones. El traje verde de la izquierda puede ser un redingote en lugar de una chaqueta y enaguas.
Caricaturas
  1. "TOO MUCH and TOO LITTLE, or Summer Clothing of 1556 & 1796" (Demasiado y muy poco, o la ropa de verano de 1556 y 1796) , caricatura del 8 de febrero de 1796 grabada por Isaac Cruikshank (padre de George ) a partir de un dibujo de George M. Woodward. (En 1796, los estilos con una fuerte influencia neoclásica todavía eran muy nuevos en Inglaterra). Observe la única pluma vertical que brota del cabello de la mujer de 1796.
  2. "Tippies of 1796" , una parodia muy estilizada que caricaturiza los tocados de plumas de las mujeres y los pantalones ajustados de los dandies, entre otras cosas.
  3. "La galería de la moda" satiriza las primeras modas influenciadas por el neoclásico.
  4. "Damas parisinas con sus trajes de invierno completos" , una caricatura exagerada de Isaac Cruikshank de estilos supuestamente excesivamente diáfanos que se usaban a fines de la década de 1790 en París.
  5. "Una invasión francesa en la vestimenta de moda de 1798", caricatura británica, que también muestra pantalones ajustados, pelucas y escote cuadrado.
  6. "Monstruosidades de 1799" .

Imperio (1800–1815)

Modas inglesa y francesa, 1815. El vestido de mañana tiene frunces en la espalda y mangas largas y, al igual que el traje de paseo, tiene ribetes en el dobladillo y un nuevo detalle en la manga superior.

Durante las dos primeras décadas del siglo XIX, la moda siguió siguiendo la silueta básica del imperio de cintura alta , pero en otros aspectos, las influencias neoclásicas se diluyeron progresivamente. Los vestidos siguieron siendo estrechos en la parte delantera, pero el volumen en la cintura elevada de la espalda permitía espacio para caminar. Se pusieron de moda otros colores además del blanco, la moda de las telas exteriores diáfanas se desvaneció (excepto en ciertos contextos formales) y algunos elementos de ornamentación obviamente visible volvieron a usarse en el diseño del vestido (a diferencia de la elegante simplicidad o el sutil bordado blanco sobre blanco del vestido de ca. 1800).

  1. Dolley Madison lleva un vestido rosa claro de manga corta y cintura alta. También lleva un collar de cadena fina, un chal de color dorado y el pelo recogido en un moño con ondas sueltas; la sencillez, pero a la vez la elegancia, de su atuendo es típica de la época.
  2. 1804 French painting by Marguerite Gérard showing two different dresses, one more elaborate than the other. Note the low neckline then in fashion.
  3. Paris Fashion of 1804. Note the even more generous neckline.
  4. Conservative fashion: Mob cap of c. 1805 is pleated in the front and has a narrow frilled brim that widens to cover the ears. America.
  5. Morning dress: Cotton Morning dress c. 1806.
  6. Mrs. Harrison Gray Otis wears a dress with a sheer top layer over a partial lining and a patterned shawl. She wears a gold armlet on her left arm. Her hair is styled in loose waves at the temples and over her ears. Massachusetts, 1809.
  7. 1809 gown worn with elbow-length gloves.
  8. 1810 gown, shown with elbow-length gloves.
  9. 1810 sketch of a woman in "Schute" bonnet and blue-striped dress with flounces.
  10. Portrait of a woman by Henri Mulard, ca. 1810.
  11. Fashion plate of a panniered English court gown, 1810.
  12. Marguerite-Charlotte David wears a simple white satin gown and the ubiquitous shawl. Her headdress is trimmed with ostrich plumes.
Caricatures
  1. "The Fashions of the Day, or Time Past and Present", a caricature purporting to show the provocative and revealing character of 1807 fashions as compared to those of the 18th century (deliberately exaggerating the contrast).
  2. "Three Graces in a High Wind", 1810 caricature by Gillray. A satire of clinging dresses worn with few layers of petticoats beneath.
  3. "The Invisible Ones", 1810 caricature of impractical hat styles.
  4. "Almack's Longitude and Latitude", 1813 caricature by George Cruikshank.

Regency (1815–1820) gallery

This era signaled the loss of any lingering neoclassical, pseudo-Grecian styles in women's dress. This decline was especially evident in France due to the Emperor Napoleon's suppression of trade in the fabrics used in neoclassical dress.[52] While waistlines were still high, they were beginning to drop slightly. Larger and more abundant decoration, especially near the hem and neckline foreshadowed greater extravagance in the coming years. More petticoats were being worn, and a stiffer, more cone-shaped skirt became popular. Stiffness could be supplemented by layers of ruffles and tucks on a hem, as well as corded or flounced petticoats. Sleeves began to be pulled, tied, and pinched in ways that were more influenced by romantic and gothic styles than neoclassical. Hats and hairstyles became more elaborate and trimmed, climbing higher to balance widening skirts.

  1. 1815 walking costume
  2. 1816 day dresses
  3. Italian woman with an ornate hat. 1816.
  4. Comtesse Vilain and her daughter wear their hair parted in the front center with tight ringlets over each ear; back hair is brushed back into a bun. 1816.
  5. Countess Thekla Ludolf wears a red dress over a white chemise. 1816.
  6. 1817 dancing illustration, showing the beginning of the trend towards a conical silhouette.
  7. 1817 walking costume is heavily trimmed and tasseled.
  8. 1818 gown
  9. Mary Lodge wears the new fashion for rich color. Her crimson gown with frills at neck and sleeves is worn with an ivory shawl with a wide paisley-patterned border, 1818.
  10. 1818 gown
  11. 1819 gown, with ornamentation near the hem.
  12. "Morning dress" (for staying inside the house during the mornings and early afternoons), 1819.

Caricature

  1. "Monstrosities of 1818", a satire by George Cruikshank of the female trend towards a conical silhouette, and male high cravats and dandyism.
  2. "A peep at the French Monstrosities", a French fashion satire by George Cruikshank.

Russian fashion

Spanish fashion

British fashion

German fashion

French fashion

Men's fashion

Pierre Seriziat in riding dress, 1795. His snug leather breeches have a tie and buttons at the knee and a fall front. The white waistcoat is double-breasted, a popular style at this time. His tall hat is slightly conical.
Artist Jean-Baptiste Isabey wears a cropped riding coat and dark breeches tucked into boots. He carries his hat and gloves, 1795.
A Directoire dandy in 1797, by Girodet; Portrait of Jean-Baptiste Belley, Deputy for Saint-Domingue.
This gentleman wears a double-breasted frockcoat in dark blue over a buff waistcoat. His gray trousers have straps under his shoes. His slightly conical tall hat sits in the windowsill, Germany, c. 1815 (by Georg Friedrich Kersting).

Overview

This period saw the final abandonment of lace, embroidery, and other embellishments from serious men's clothing outside of formalized court dress—it would not reappear except as an affectation of Aesthetic dress in the 1880s and its successor, the "Young Edwardian" look of the 1960s. Instead, cut and tailoring became much more important as an indicator of quality.[18] This transformation can be attributed in part to an increased interest in antiquity stemming from the discovery of classical engravings, including the Elgin Marbles. The figures depicted in classical art were viewed as an exemplar of the ideal natural form, and an embodiment of Neoclassical ideas. The style in London for men became more and more refined and this was due to the influence of two things: the dandy and the romantic movement. The dandy (a man who placed high importance on personal aesthetics and hobbies but wanted to seem totally nonchalant about it) arguably emerged as early as the 1790s. Dark colors were all but mandatory. (Dark doesn't necessarily mean dreary though; many items, particularly vests and coats were cut from rich, vivid fabrics.) Blue tailcoats with gold buttons were everywhere. White muslin shirts (sometimes with ruffles on the neck/sleeves) were extremely popular. Breeches were officially on their way out, with pants/trousers taking their place. Fabrics in general were becoming more practical silk and more wool, cotton, and buckskin.[53] Therefore, in the 18th century, the dress was simplified and greater emphasis was put on tailoring to enhance the natural form of the body.[54]

This was also the period of the rise of hair wax for styling men's hair, as well as mutton chops as a style of facial hair.

Breeches became longer—tightly fitted leather riding breeches reached almost to the boot tops—and were replaced by pantaloons or trousers for fashionable streetwear. The French Revolution is largely responsible for altering the standard male dress. During the revolution, clothing symbolized the division between the upper classes and the working-class revolutionaries. French rebels earned the nickname sans-culottes, or "the people without breeches," because of the loose floppy trousers they popularized.[55]

Coats were cutaway in front with long skirts or tails behind, and had tall standing collars. Lapels were not as large as they had been in years before and often featured an M-shaped notch unique to the period.[18]

Shirts were made of linen, had attached collars, and were worn with stocks or wrapped in a cravat tied in various fashions. Pleated frills at the cuffs and the front opening went out of fashion by the end of the period.[18]

Waistcoats were high-waisted, and squared off at the bottom, but came in a broad variety of styles. They were often double-breasted, with wide lapels and stand collars. Around 1805 large lapels that overlapped those of the jacket began to fall out of fashion, as did the 18th-century tradition of wearing the coat unbuttoned, and gradually waistcoats became less visible. Shortly before this time waistcoats were commonly vertically striped but by 1810 plain white waistcoats were increasingly fashionable, as did horizontally striped waistcoats. High-collared waistcoats were fashionable until 1815, then collars were gradually lowered as the shawl collar came into use toward the end of this period.[18]

Overcoats or greatcoats were fashionable, often with contrasting collars of fur or velvet. The garrick, sometimes called a coachman's coat, was a particularly popular style, and had between three and five short caplets attached to the collar.[18]

Boots, typically Hessian boots with heart-shaped tops and tassels were a mainstay in men's footwear. After the Duke of Wellington defeated Napoleon at Waterloo in 1815, Wellington boots, as they were known, became the rage; tops were knee-high in front and cut lower in back. The jockey boot, with a turned-down cuff of lighter colored leather, had previously been popular but continued to be worn for riding.[56] Court shoes with elevated heels became popular with the introduction of trousers.

The rise of the dandy

The clothes-obsessed dandy first appeared in the 1790s, both in London and Paris. In the slang of the time, a dandy was differentiated from a fop in that the dandy's dress was more refined and sober. The dandy prided himself in "natural excellence" and tailoring allowed for exaggeration of the natural figure beneath fashionable outerwear.[57]

In High Society: A Social History of the Regency Period, 1788–1830, Venetia Murray writes:

Other admirers of dandyism have taken the view that it is a sociological phenomenon, the result of a society in a state of transition or revolt. Barbey d'Aurevilly, one of the leading French dandies at the end of the nineteenth century, explained:

"Some have imagined that dandyism is primarily a specialisation in the art of dressing oneself with daring and elegance. It is that, but much else as well. It is a state of mind made up of many shades, a state of mind produced in old and civilised societies where gaiety has become infrequent or where conventions rule at the price of their subject's boredom...it is the direct result of the endless warfare between respectability and boredom."

In Regency London dandyism was a revolt against a different kind of tradition, an expression of distaste for the extravagance and ostentation of the previous generation, and of sympathy with the new mood of democracy.[58]

Beau Brummell set the fashion for dandyism in British society from the mid-1790s, which was characterized by immaculate personal cleanliness, immaculate linen shirts with high collars, perfectly tied cravats, and exquisitely tailored plain dark coats[18] (contrasting in many respects with the "maccaroni" of the earlier 18th century).

Brummell abandoned his wig and cut his hair short in a Roman fashion dubbed à la Brutus, echoing the fashion for all things classical seen in women's wear of this period. He also led the move from breeches to snugly tailored pantaloons or trousers, often light-colored for day and dark for the evening, based on working-class clothing adopted by all classes in France in the wake of the Revolution. In fact, Brummel's reputation for taste and refinement was such that, fifty years after his death, Max Beerbohm, wrote:

In certain congruities of dark cloth, in the rigid perfection of his linen, in the symmetry of his glove with his hand, lay the secret of Mr Brummell's miracles.

Not every male aspiring to attain Brummel's sense of elegance and style succeeded, however, and these dandies were subject to caricature and ridicule. Venetia Murray quotes an excerpt from Diary of an Exquisite, from The Hermit in London, 1819:

Took four hours to dress; and then it rained; ordered the tilbury and my umbrella, and drove to the fives' court; next to my tailors; put him off after two years tick; no bad fellow that Weston...broke three stay-laces and a buckle, tore the quarter of a pair of shoes, made so thin by O'Shaughnessy, in St. James's Street, that they were light as brown paper; what a pity they were lined with pink satin, and were quite the go; put on a pair of Hoby's; over-did it in perfuming my handkerchief, and had to recommence de novo; could not please myself in tying my cravat; lost three quarters of an hour by that, tore two pairs of kid gloves in putting them hastily on; was obliged to go gently to work with the third; lost another quarter of an hour by this; drove off furiously in my chariot but had to return for my splendid snuff-box, as I knew that I should eclipse the circle by it.[58]

Transformation of men's fashion during a lifetime

Hairstyles and headgear

The three Consuls of French Republic in 1799-1804 : (L-R) Jean-Jacques-Régis de Cambacérès (1753-1824), Napoleon Bonaparte (1769-1821), and Charles-François Lebrun (1739-1824). While the older ones, Cambacérès and Lebrun, wear old-fashioned powdered wigs, younger Napoleon wears a fashionable short unpowdered hairstyle.

The French Revolution (1789-1799) in France and the Pitt's hair powder tax in 1795 in Britain effectively ended the fashion for both wigs and powder in these countries and younger men of fashion in both countries began to wear their own unpowdered hair without a queue in short curls, often with long sideburns. The new styles like the Brutus ("à la Titus") and the Bedford Crop became fashionable and subsequently spread also in other European and European-influenced countries including the United States.

Many notable men during this period, especially younger ones, followed this new fashion trend of short unpowdered hairstyles, e.g. Napoleon Bonaparte (1769-1821), initially wearing long hair tied in a queue, changed his hairstyle and cut his hair short while in Egypt in 1798.[59] Likewise the future U.S. President John Quincy Adams (1767-1848) who had worn a powdered wig and long hair tied in a queue in his youth, abandoned this fashion during this period while serving as the U.S. Minister to Russia (1809-1814)[60] and later became the first president to adopt a short haircut instead of long hair tied in a queue.[61] Older men, military officers, and those in conservative professions such as lawyers, judges, physicians, and servants retained their wigs and powder. Formal court dress of European monarchies also still required a powdered wig or long powdered hair tied in a queue until the accession of Napoleon to the throne as emperor (1804-1814).

Tricorne and bicorne hats were still worn, but the most fashionable hat was tall and slightly conical; this would soon, however, be displaced by the top hat and reign as the only hat for formal occasions for the next century.[62]

Style gallery 1795–1809

  1. Portrait of boxer "Jem" Belcher wearing a patterned cravat and a double-breasted brown coat with a dark (fur or velvet?) collar, c. 1800.
  2. Watercolor of Beau Brummell by Richard Dighton.
  3. In this self-portrait of 1805, Washington Allston wears a tan cravat with his high white collar and dark coat. Boston.
  4. Rubens Peale wears a white waistcoat with a tall upright notched collar over his high shirt collar and wide cravat. America, 1807.
  5. Friedrich von Schiller wears a brown double-breasted coat with a contrasting collar and brass buttons. The pleated frill of his shirt front can be seen next to the knot of his white cravat, Germany, 1808–09.
  6. Chateaubriand has fashionably tousled hair. He wears a long redingote over his coat, tan waistcoat, white shirt, and dark cravat, 1808.
  7. Count Victor Kochubey's collar reaches his chin, and his cravat is wrapped around his neck and tied in a small bow. His short hair is casually dressed and falls over his forehead, 1809.
  8. Portrait of Gwyllym Lloyd Wardle depicts him in a dark coat over a tan waistcoat and high collar and cravat, 1809.
  9. Elaborate embroidery remained a feature of formal court suits like this one, which pairs a red wool coat with a cloth-of-silver waistcoat, both embroidered in silver thread. Italy, c. 1800–1810. Los Angeles County Museum of Art, M.80.60a-b.
  10. Portrait of Danish adventurer Jørgen Jørgensen shows how Scandinavian society has viewed men's fashion in the Age of Revolution.

Style gallery 1810–1820

  1. Les Modernes Incroyables, a satire on French fashions of 1810; long tight breeches or pantaloons, short coats with tails, and massive cravats.
  2. Marcotte d'Argenteuil wears a high-collared shirt with a dark cravat, a buff waistcoat, a double-breasted brown coat with covered buttons, and a dark gray overcoat with contrasting collar (perhaps sealskin). 1810. His bicorne hat lies on the table.
  3. Back-facing figures demonstrating different male fashions, Paris, 1812.
  4. Daniel la Motte, a Baltimore, Maryland, merchant and landowner, strikes a romantic pose that displays details of his white waistcoat, frilled shirt, and fall-front breeches with covered buttons at the knee, 1812–13.
  5. German physician Johann Abraham Albers wears a striped waistcoat under a black double-breasted coat, 1813.
  6. American artist Samuel Lovett Waldo wears a frilled shirt with a knotted white cravat.
  7. Lord Grantham wears a double-breasted coat which shows a bit of the waistcoat beneath at the waist, tight pantaloons tucked into boots, and a high collar and cravat, 1816.
  8. Nicolas-Pierre Tiolier wears a rich blue tailcoat and brown fall-front trousers over a white waistcoat, shirt, and cravat. His tall hat sits on an antique plinth, 1817.
  9. Unknown artist wears a double-breasted tailcoat with turned-back cuffs and a matching high collar of velvet (or possibly fur). Note that, while the man's obvious wasp-like torso is not overly emphasized in a caricature-like fashion, as was often the case in male fashion plates of the day, there is a definite and deliberate nipping of the waist. It is highly likely that the sitter in this portrait wore some sort of tight-laced corset or similar undergarment. The coat-sleeves are puffed at the shoulder. He wears a white waistcoat, shirt, and cravat, and light-colored pantaloons, 1819.

Children's fashion

Both boys and girls wore dresses until they were about four or five years old, when boys were "breeched", or put into trousers.[63]

Revival of Directoire/Empire/Regency fashions

During the first half of the Victorian era, there was a more or less negative view of women's styles of the 1795–1820 period. Some people would have felt slightly uncomfortable to be reminded that their mothers or grandmothers had once promenaded about in such styles (which could be considered indecent according to Victorian norms), and many would have found it somewhat difficult to really empathize with (or take seriously) the struggles of a heroine of art or literature if they were being constantly reminded that she was wearing such clothes. For such reasons, some Victorian history paintings of the Napoleonic wars intentionally avoided depicting accurate women's styles (see example below), Thackeray's illustrations to his book Vanity Fair depicted the women of the 1810s wearing 1840s fashions, and in Charlotte Brontë's 1849 novel Shirley (set in 1811–1812) neo-Grecian fashions are anachronistically relocated to an earlier generation.

Later in the Victorian period, the Regency seemed to retreat to an unthreateningly remote historical distance, and Kate Greenaway and the Artistic Dress movement selectively revived elements of early 19th century fashions. During the late Victorian and Edwardian periods, many genre paintings, sentimental valentines, etc. contained loose depictions of 1795–1820 styles (then considered to be quaint relics of a bygone era). In the late 1960s / early 1970s, there was a limited fashion revival of the Empire silhouette. The early 2020s saw a revival in interest in Regency fashion due to the popularity of the television series Bridgerton.

In recent years, 1795–1820 fashions are most strongly associated with Jane Austen's writings, due to the various movie adaptations of her novels. There are also some Regency fashion urban myths, such as that women dampened their gowns to make them appear even more diaphanous (something which was certainly not practiced by the vast majority of women of the period).

  1. An 1857 cartoon making fun of the contemporary distaste for early 19th century clothes.
  2. "Before Waterloo" by Henry Nelson O'Neil (1868), a mid-Victorian painting which deliberately does not show accurate women's styles of 1815.
  3. "Two Strings to her Bow" by John Pettie (1882), a later Victorian genre painting which uses the Regency period for nostalgia value.
  4. May Day by Kate Greenaway.

See also

Footnotes

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