El arte anglosajón abarca el arte producido durante el período anglosajón de la historia inglesa, comenzando con el estilo del período de la migración que los anglosajones trajeron consigo desde el continente en el siglo V, y terminando en 1066 con la conquista normanda de Inglaterra , cuyo arte sofisticado fue influyente en gran parte del norte de Europa . Los dos períodos de logros sobresalientes fueron los siglos VII y VIII, con la metalistería y la joyería de Sutton Hoo y una serie de magníficos manuscritos iluminados, y el período final después de aproximadamente 950, cuando hubo un renacimiento de la cultura inglesa después del final de las invasiones vikingas . En la época de la conquista, el paso al estilo románico está casi completo. Los centros artísticos importantes, en la medida en que se pueden establecer, se concentraron en los extremos de Inglaterra, en Northumbria , especialmente en el período temprano, y Wessex y Kent cerca de la costa sur.
El arte anglosajón sobrevive principalmente en manuscritos iluminados , arquitectura anglosajona , una serie de tallas de marfil muy finas y algunas obras en metal y otros materiales. El Opus Anglicanum ("obra inglesa") ya era reconocido como el mejor bordado de Europa, aunque solo quedan unas pocas piezas del período anglosajón: el tapiz de Bayeux es un tipo de bordado bastante diferente, en una escala mucho mayor. Como en la mayor parte de Europa en ese momento, la metalistería era la forma de arte más apreciada por los anglosajones, pero casi nada sobrevive: hubo un enorme saqueo de iglesias, monasterios y posesiones de la nobleza desposeída por parte de los nuevos gobernantes normandos en sus primeras décadas, así como por los escandinavos antes que ellos y la Reforma inglesa después de ellos, y la mayoría de los sobrevivientes estuvieron alguna vez en el continente. [1] El gusto anglosajón favorecía el brillo y el color, y a menudo se necesita un esfuerzo de imaginación para ver los restos excavados y desgastados que sobreviven como alguna vez fueron. [2]
Quizás la pieza más conocida del arte anglosajón sea el Tapiz de Bayeux, que fue encargado por un mecenas normando a artistas ingleses que trabajaban en el estilo tradicional anglosajón. Los artistas anglosajones también trabajaron en fresco , piedra , marfil y hueso de ballena (notablemente el Cofre de los Francos ), metalistería (por ejemplo, el broche Fuller ), vidrio y esmalte , muchos ejemplos de los cuales se han recuperado a través de excavaciones arqueológicas y algunos de los cuales simplemente se han conservado a lo largo de los siglos, especialmente en iglesias del continente, ya que los vikingos , los normandos y la iconoclasia de la Reforma entre ellos no dejaron prácticamente nada en Inglaterra excepto libros y hallazgos arqueológicos.
La metalistería es casi la única forma en la que ha sobrevivido el arte anglosajón más antiguo, principalmente en joyería de estilo germánico (incluidos accesorios para ropa y armas) que, antes de la cristianización de la Inglaterra anglosajona , comúnmente se colocaba en los entierros. [3] Después de la conversión, que duró la mayor parte del siglo VII, la fusión de técnicas y motivos anglosajones germánicos, celtas y de la Antigüedad tardía, junto con la necesidad de libros, creó el estilo hiberno-sajón o arte insular , que también se ve en manuscritos iluminados y algunas piedras talladas y marfil, probablemente en su mayoría inspirados en motivos decorativos de metalistería, y con más influencias de los celtas británicos del oeste y los francos .
El reino de Northumbria , en el extremo norte de Inglaterra, fue el crisol del estilo insular en Gran Bretaña, en centros como Lindisfarne , fundado hacia el año 635 como una rama del monasterio irlandés de Iona , y la abadía de Monkwearmouth-Jarrow (674), que miraba hacia el continente. Casi al mismo tiempo que se estaban realizando los Evangelios insulares de Lindisfarne a principios del siglo VIII, el Salterio de Vespasiano de Canterbury , en el extremo sur, que los misioneros romanos habían convertido en su sede, muestra un arte completamente diferente, de base clásica. Estos dos estilos se mezclaron y se desarrollaron juntos y, para el siglo siguiente, el estilo anglosajón resultante había alcanzado su madurez.
Sin embargo, la sociedad anglosajona se vio enormemente perturbada en el siglo IX, especialmente en la segunda mitad del siglo, por las invasiones vikingas , y el número de objetos significativos que sobrevivieron disminuye considerablemente, y su datación se vuelve aún más imprecisa que la de los de un siglo antes. La mayoría de los monasterios del norte estuvieron cerrados durante décadas, si no para siempre, y después de la Biblia de Canterbury de antes de 850, quizás mucho antes, "no se conoce ningún manuscrito iluminado importante hasta bien entrado el siglo X". [4] El rey Alfredo (r. 871-899) mantuvo a los vikingos a raya en una línea que corría en diagonal por el centro de Inglaterra, por encima de la cual se asentaron en el Danelaw , y gradualmente se integraron en lo que ahora era un reino anglosajón unificado.
La fase final del arte anglosajón se conoce como la Escuela o estilo Winchester, aunque se produjo en muchos centros del sur de Inglaterra y quizás también en las Midlands. Algunos elementos de esta escuela comienzan a verse alrededor del año 900, pero los primeros manuscritos importantes no aparecen hasta alrededor de la década de 930. El estilo combinaba influencias del arte continental del Sacro Imperio Romano Germánico con elementos del arte inglés más antiguo y algunos elementos particulares, como un estilo nervioso y agitado de drapería, a veces acompañado de figuras, especialmente en dibujos lineales, que son las únicas imágenes en muchos manuscritos y que seguirían siendo especialmente prominentes en el arte inglés medieval.
Las primeras iluminaciones de manuscritos anglosajones forman parte del arte insular , una combinación de influencias de los estilos mediterráneo, celta y germánico que surgió cuando los anglosajones se encontraron con la actividad misionera irlandesa en Northumbria , en Lindisfarne e Iona en particular. Al mismo tiempo, la misión gregoriana de Roma y sus sucesores importaron manuscritos continentales como los Evangelios italianos de San Agustín , y durante un período considerable los dos estilos aparecen mezclados en diversas proporciones en los manuscritos anglosajones.
En los Evangelios de Lindisfarne , de alrededor de 700-715, hay páginas de alfombra e iniciales insulares de una complejidad y sofisticación sin precedentes, pero los retratos de los evangelistas , que claramente siguen modelos italianos, los simplifican en gran medida, malinterpretan algunos detalles del entorno y les dan un borde con esquinas entrelazadas. El retrato de San Mateo se basa en el mismo modelo italiano, o uno extremadamente similar, utilizado para la figura de Esdras que es una de las dos grandes miniaturas del Codex Amiatinus (anterior a 716), pero el estilo allí es muy diferente; un tratamiento mucho más ilusionista, y un "intento de introducir un estilo mediterráneo puro en la Inglaterra anglosajona", que fracasó, por ser "quizás demasiado avanzado", dejando aparentemente estas imágenes como la única evidencia. [5]
Una mezcla diferente se ve en la apertura del Códice Áureo de Estocolmo (mediados del siglo VIII, arriba a la izquierda), donde el retrato del evangelista a la izquierda es una adaptación consistente del estilo italiano, probablemente siguiendo de cerca algún modelo perdido, aunque agregando entrelazado al marco de la silla, mientras que la página de texto a la derecha es principalmente de estilo insular, especialmente en la primera línea, con sus vigorosas espirales celtas y entrelazado. Las líneas siguientes vuelven a un estilo más tranquilo, más típico de los manuscritos francos de la época. Sin embargo, es casi seguro que el mismo artista produjo ambas páginas, y tiene mucha confianza en ambos estilos; el retrato del evangelista de Juan incluye medallones con decoración en espiral celta probablemente extraídos de los escudos esmaltados de cuencos colgantes . [6]
Este es uno de los manuscritos del llamado "grupo Tiberio", que se inclinaba hacia el estilo italiano y parece estar asociado con Kent , o quizás con el reino de Mercia en el apogeo de la Supremacía Merciana . Es, en la cronología habitual, el último manuscrito inglés en el que se encuentran "patrones de espiral de trompeta desarrollados". [7]
El siglo IX, especialmente la segunda mitad, tiene muy pocos manuscritos importantes conservados en Inglaterra, pero fue un período en el que la influencia insular y anglosajona en los manuscritos carolingios estaba en su apogeo, desde scriptoria como los de la fundación de la misión anglosajona en la abadía de Echternach (aunque los importantes Evangelios de Echternach se crearon en Northumbria), y el monasterio mayor de Tours , donde Alcuino de York fue sucedido por otro abad anglosajón, cubriendo entre ellos el período de 796 a 834. Aunque la propia biblioteca de Tours fue destruida por los escandinavos, sobreviven más de 60 manuscritos iluminados del siglo IX del scriptorium , en un estilo que muestra muchos préstamos de modelos ingleses, especialmente en las páginas iniciales, donde la influencia insular permaneció visible en el norte de Francia hasta incluso el siglo XII. La metalistería anglosajona producida en el área de Salzburgo de la Austria moderna tiene una contraparte manuscrita en los " Evangelios de Cutbercht " en Viena. [8]
En el siglo X, los elementos insulares fueron relegados a adornos decorativos en Inglaterra, a medida que se desarrollaba la primera fase del " estilo Winchester ". [9] El primer adorno vegetal, con hojas y uvas, ya se vio en una inicial en el Beda de Leningrado , que probablemente pueda fecharse en 746. La otra inicial grande en el manuscrito es la primera inicial historiada (que contiene un retrato o escena, aquí Cristo o un santo) en toda Europa. [10] El rollo de vid o planta de origen clásico iba a desplazar en gran medida al entrelazo como relleno dominante de espacios ornamentales en el arte anglosajón, tal como lo hizo en gran parte de Europa a partir del arte carolingio , aunque en Inglaterra los animales dentro de los rollos siguieron siendo mucho más comunes que en el extranjero. [11] Durante mucho tiempo, los rollos, especialmente en metal, hueso o marfil, tienden a tener una cabeza de animal en un extremo y un elemento vegetal en el otro. [12]
Todos estos cambios no se limitaron a los manuscritos, y es posible que no hayan sido impulsados por el estilo de los manuscritos, pero tenemos un mayor número de manuscritos sobrevivientes que obras en otros medios, incluso si en la mayoría de los casos las iluminaciones se limitan a iniciales y quizás unas pocas miniaturas. Varios proyectos ambiciosos de iluminación están inacabados, como el Hexateuco en inglés antiguo , que tiene unas 550 escenas en varias etapas de finalización, lo que da una idea de los métodos de trabajo. Las ilustraciones dan a las escenas del Antiguo Testamento un entorno completamente contemporáneo y son imágenes valiosas de la vida anglosajona. [13]
Los manuscritos de la Escuela o estilo de Winchester solo sobreviven a partir de la década de 930 en adelante; esto coincidió con una ola de resurgimiento y reforma dentro del monacato inglés, alentada por el rey Æthelstan (r. 924/5-939) y sus sucesores. Æthelstan promovió a Dunstan (909-988), un iluminador en ejercicio, finalmente a arzobispo de Canterbury , y también a Æthelwold y al escandinavo entrenado en Francia Oswald . La iluminación en un nuevo estilo aparece en un manuscrito de las biografías de Beda de San Cutberto donado por Æthelstan al monasterio en Chester-le-Street alrededor de 937. Hay un retrato dedicatorio del rey presentando su libro al santo, los dos de pie fuera de una gran iglesia. Este es el primer retrato real de un rey inglés, y está fuertemente influenciado por el estilo carolingio, con un elegante borde de acanto habitado. Sin embargo, las iniciales del texto combinan elementos carolingios con formas animales de una manera inventiva. [14] Las miniaturas añadidas en Inglaterra al Salterio de Aethelstan continental comienzan a mostrar una vivacidad anglosajona en el dibujo de figuras en composiciones derivadas de modelos carolingios y bizantinos, y durante las décadas siguientes se desarrolla el estilo distintivo de Winchester con draperías agitadas y elaborados bordes de acanto. [15]
El Benedictorio de San Æthelwold es una obra maestra del estilo Winchester posterior, que se basó en el arte insular, carolingio y bizantino para crear un estilo más pesado y grandioso, en el que el amplio follaje clasicista de acanto a veces parece demasiado exuberante. La ilustración anglosajona incluía muchos dibujos animados a pluma, en los que el Salterio carolingio de Utrecht , en Canterbury de alrededor del año 1000, fue muy influyente; el Salterio de Harley es una copia de él. El Salterio de Ramsey (c. 990) contiene páginas en los estilos de dibujo pintado y coloreado, incluida la primera inicial de Beato con una "máscara de león", mientras que el Salterio de Tiberio , de los últimos años antes de la Conquista, utiliza principalmente el coloreado. La cultura anglosajona estaba entrando en contacto cada vez más con la Europa medieval latina más amplia e intercambiando influencias con ella. El dibujo anglosajón tuvo una gran influencia en el norte de Francia a lo largo del siglo XI, en la llamada "escuela del Canal", y elementos decorativos insulares como el entrelazado siguieron siendo populares hasta el siglo XII en el estilo francosajón.
La metalistería pagana anglosajona utiliza inicialmente la decoración germánica de estilo animal I y II que se esperaría de los inmigrantes recientes, pero gradualmente desarrolla un carácter anglosajón distintivo, como en el estilo de broche de tejo del siglo V. Los broches anglosajones son las supervivencias más comunes de la metalistería fina del período anterior, cuando se enterraban como ajuar funerario . Los broches de disco redondo eran los preferidos para las piezas más grandes, sobre los estilos continentales de fíbulas y los broches penanulares romano-británicos , un gusto anglosajón constante durante todo el período; el broche Kingston y el broche Harford Farm son ejemplos del siglo VII. La decoración incluía cloisonné ("trabajo de celdas"), en oro y granate para piezas de alto estatus.
A pesar de un número considerable de otros hallazgos, el descubrimiento del entierro en barco de Sutton Hoo , probablemente enterrado en la década de 620, transformó la historia del arte anglosajón, mostrando un nivel de sofisticación y calidad que era totalmente inesperado en esta fecha. Los hallazgos más famosos son el casco y el conjunto de tapa de bolsa , cinturón y otros accesorios a juego del rey enterrado allí, que dejaron en claro el origen en el arte anglosajón, anteriormente muy discutido, de muchos elementos del estilo de los manuscritos insulares.
En el siglo X, la metalistería anglosajona tenía una reputación famosa incluso en Italia, donde los orfebres ingleses trabajaban en placas para el altar de San Pedro , [16] pero casi ninguna pieza ha sobrevivido a las depredaciones de la conquista normanda en 1066 y la Reforma inglesa , y ninguna de las de gran escala, santuarios, puertas y estatuas, que sabemos que existieron, y de las cuales han sobrevivido algunos ejemplos continentales contemporáneos. [17]
Las referencias a obras específicas del artista monástico del siglo XI Spearhafoc , ninguna de las cuales ha sobrevivido de manera identificable, se refieren a trabajos en metales preciosos, y él es uno de los pocos artistas de la metalistería de la época cuyo nombre conocemos y cuyo trabajo se describe de alguna manera. Según varias fuentes, incluido el cronista normando Goscelin , que lo conoció personalmente, Spearhafoc "fue sobresaliente en pintura, grabado en oro y orfebrería", y es muy probable que la pintura se encuentre principalmente en manuscritos iluminados . Probablemente fue su trabajo artístico el que lo puso en contacto con la familia real y lanzó su rápida promoción en la iglesia. [18] Incluso los detalles imprecisos proporcionados, en su mayoría por Goscelin, son, por lo tanto, una evidencia valiosa de cómo era la metalistería anglosajona.
La habilidad anglosajona para el grabado en oro, diseños y figuras grabadas en objetos de oro, es mencionada por muchas fuentes extranjeras, y las pocas figuras grabadas que quedan son muy similares a las mucho más numerosas figuras dibujadas a pluma en los manuscritos, también una especialidad anglosajona. Las pinturas murales, que parecen haber contenido oro en ocasiones, también fueron realizadas aparentemente por iluminadores de manuscritos, y la descripción que hace Goscelin de sus talentos sugiere, por lo tanto, que era un artista experto en todos los principales medios anglosajones para el arte figurativo, de los cuales ser orfebre se consideraba entonces la rama más prestigiosa. [19] Un orfebre laico del siglo XI era incluso un thegn . [20]
Muchos artistas monásticos alcanzaron puestos de responsabilidad; la carrera de Spearhafoc en el trabajo del metal fue acompañada de una manera menos sensacional por la de su contemporáneo Mannig, abad de Evesham (abad 1044-58, fallecido en 1066), [21] y a finales del siglo anterior san Dunstan había sido un arzobispo de Canterbury muy exitoso. Al igual que Spearhafoc, la biografía de Mannig, con algunos detalles precisos, se da en la crónica que lleva su abadía. [22] Su trabajo también tuvo un milagro asociado a él: el orfebre laico Godric se apuñaló la mano con un punzón durante el trabajo en el gran santuario de Evesham, que se curó milagrosamente de la noche a la mañana. [23] Spearhafoc y Mannig son los "únicos dos orfebres de los que tenemos relatos extensos", y la información adicional dada sobre Godric, el líder de un equipo traído por Mannig para el santuario, también es única entre las pruebas supervivientes. Unos veinte años después del milagro, se unió a la Abadía de Evesham, presumiblemente en retiro, y su hijo más tarde se convirtió en Prior allí. [24]
En el siglo final del período se registran algunas grandes figuras en metales preciosos; presumiblemente, estaban hechas de láminas delgadas sobre un núcleo de madera, como la Virgen Dorada de Essen , el mayor ejemplo de este tipo de figura medieval temprana que sobrevive en cualquier parte de Europa. Parecen haber sido de tamaño natural, o casi, y en su mayoría eran crucifijos , a veces con figuras de María y Juan el Evangelista a cada lado. El mecenazgo de las grandes figuras del país y de los monasterios más grandes se volvió extravagante en este período, y las mayores iglesias anglosajonas tardías deben haber presentado un espectáculo deslumbrante, un poco al estilo de las iglesias ortodoxas orientales . El gusto anglosajón se deleitaba con los materiales caros y los efectos de la luz sobre los metales preciosos, que también se bordaban en telas y se usaban en pinturas murales. [25] Secciones de elementos decorados de algunas grandes obras saqueadas, como relicarios, fueron aserradas por los asaltantes vikingos y llevadas a casa para que sus esposas las usaran como joyas, y varias de estas sobreviven en museos escandinavos.
Aunque se han perdido todas las obras de mayor tamaño, han sobrevivido varios objetos y fragmentos pequeños, casi todos enterrados; en las últimas décadas, la arqueología profesional, así como la detección de metales y el arado profundo, han aumentado considerablemente el número de objetos conocidos. Entre las pocas excepciones insepultas se encuentran el broche secular Fuller y dos obras realizadas en estilo anglosajón traídas a Austria por la misión anglosajona , el cáliz de Tassilo (finales del siglo VIII) y la cruz de Rupertus. Especialmente en el siglo IX, los estilos anglosajones, a veces derivados de manuscritos en lugar de ejemplos de metal, se encuentran en una gran cantidad de piezas más pequeñas de joyería y otros pequeños accesorios de todo el norte de Europa. [26]
De Inglaterra, la joya Alfred , con una cara esmaltada, es la más conocida de un grupo de joyas litúrgicas finamente trabajadas, y hay una serie de broches de disco de alta calidad. Los más ornamentados de los anteriores son coloridos y complicados con incrustaciones y filigranas, pero el tesoro de Pentney del siglo IX , descubierto en 1978, contenía seis espléndidos broches en plata plana calada en el " estilo Trewhiddle ". En estos, animales pequeños pero completamente formados, de ninguna especie reconocible, se contorsionan en follaje y zarcillos que se entrelazan, pero sin la geometría enfática del estilo "cinta" anterior. [27] El broche de Ædwen , un broche de disco de plata angloescandinavo del siglo XI , muestra influencia del arte vikingo y una caída de los estándares más altos anteriores de mano de obra.
En 2009 , un detectorista de metales encontró en Staffordshire , entonces en Mercia, el tesoro de Staffordshire , un importante tesoro de más de 1500 fragmentos de piezas de metalistería de los siglos VII y VIII, en su mayoría de oro y de naturaleza militar, muchas de ellas con incrustaciones de cloisonné de oro y granate de alta calidad. [28] Las joyas se encuentran con mucha más frecuencia en entierros del período pagano temprano, ya que el cristianismo desaconsejaba los ajuares funerarios, incluso las posesiones personales del difunto. [29] Las primeras joyas anglosajonas incluyen varios tipos de fíbulas que se acercan a sus equivalentes germánicos continentales, pero hasta Sutton Hoo rara vez eran de una calidad sobresaliente, por lo que ese hallazgo transformó el pensamiento sobre el arte anglosajón temprano. Los objetos de la tumba real anglosajona en Prittlewell en Essex, que data de finales del siglo VI y se descubrió en 2003, se exhibieron en el Museo Central de Southend en 2019.
El tipo de moneda anglosajona más antiguo, el sceat de plata , obligó a los artesanos, sin duda a copiar los estilos romanos y continentales contemporáneos, a trabajar fuera de sus formas y convenciones tradicionales con respecto a las cabezas del anverso , con resultados que son variados y a menudo convincentes. Los peniques de plata posteriores , con cabezas de reyes en relieve en gran parte lineales de perfil en el anverso, son más uniformes, como representantes de lo que era una moneda estable y respetada según los estándares europeos contemporáneos. [30] Se han conservado varios cuchillos seax completos con inscripciones y algo de decoración, y los accesorios de espadas y otras piezas militares son una forma importante de joyería. Un tratado sobre el estatus social necesitaba decir que la mera posesión de una espada dorada no convertía a un hombre en un ceorle , el rango más bajo de los hombres libres. [31]
Aparte de la arquitectura anglosajona , que sobrevive enteramente en las iglesias, con solo un puñado de ejemplos en gran parte inalterados, la escultura monumental en piedra sobrevive en grandes cruces de piedra, un equivalente a las cruces altas de las áreas celtas de Gran Bretaña. La mayoría de las esculturas probablemente fueron pintadas en su día, lo que aclara los diseños, que en su mayoría son en relieve relativamente bajo y no están terminados con gran precisión, y ahora casi todos están muy desgastados y erosionados. [32] La datación suele ser difícil.
La escultura en madera era muy probablemente más común, pero casi el único gran vestigio significativo es el ataúd de San Cutberto en la Catedral de Durham , probablemente realizado en 698, con numerosas imágenes lineales talladas o incisas en una técnica que es una especie de grabado a gran escala. [33] Se desconoce el material de las primeras cruces registradas, pero bien podrían haber sido de madera. A partir de varias referencias (a su destrucción por los cristianos) parece haber existido una tradición de escultura monumental pagana anglosajona, probablemente en madera, de la que no quedan ejemplos (a diferencia de la imaginería pagana angloescandinava posterior ), [34] y con la que las cruces compitieron inicialmente.
Las cruces anglosajonas han sobrevivido menos que las de Irlanda, ya que estuvieron más sujetas a la iconoclasia después de la Reforma inglesa . Algunas presentaban esculturas figurativas de gran tamaño de considerable calidad, como en la cruz de Ruthwell y la cruz de Bewcastle (ambas probablemente alrededor del año 800). La decoración de volutas de vid y entrelazado se ve en paneles alternados en las primeras cruces de Ruthwell, Bewcastle y Easby de Northumbria , aunque la voluta de vid ya es más prominente y tiene caras en sí misma. Las cruces posteriores de Southumbria a menudo solo usan volutas de vid. Puede haber inscripciones, en escritura rúnica o romana, y en latín o inglés antiguo , la más famosa en Ruthwell, donde parte del poema El sueño de la cruz está inscrito junto con textos en latín; más a menudo se conmemora a los donantes. También se ha sugerido que, además de pintura, pueden haber estado embellecidas con metal y gemas. [35]
Por lo general, las cruces anglosajonas son altas y delgadas en comparación con los ejemplos irlandeses, muchas con una sección casi cuadrada y más espacio para el ornamento que para las figuras. Sin embargo, hay excepciones, como las enormes cruces de Sandbach de Mercia, con secciones oblongas cubiertas principalmente por figuras en las caras más anchas, como algunas cruces irlandesas. La cruz de Gosforth , de 930-950, es un ejemplo raro que sobrevivió completo; la mayoría de los sobrevivientes son solo una sección del fuste, y los iconoclastas estaban más preocupados por destruir las imágenes que el ornamento. Muchas cruces deben haberse caído después de algunos siglos; los tocados son los sobrevivientes menos comunes, y la cruz de Easby fue reparada con plomo de una manera descrita en documentos tempranos. [36] Como muchos monumentos del área de Danelaw , la cruz de Gosforth combina imágenes cristianas con las de la mitología pagana; Aparte de una escena de la Crucifixión, y quizás escenas del Juicio Final , todas las demás imágenes parecen pertenecer al mito nórdico del Ragnarök , la destrucción de los dioses, un tema detectado en otros monumentos cristianos en Gran Bretaña y Escandinavia, y que podría ser utilizado en beneficio cristiano. [37]
Los angloescandinavos adoptaron con gran entusiasmo las formas escultóricas anglosajonas, y sólo en Yorkshire existen fragmentos de más de 500 esculturas monumentales de los siglos X y XI. Sin embargo, la cantidad no se correspondía con la calidad, e incluso los productos de la ciudad principal, York, son descritos por David M. Wilson como "generalmente miserables y descuidados". [38] En las primeras etapas, los sucesivos estilos del arte nórdico aparecen en Inglaterra, pero gradualmente, a medida que los lazos políticos y culturales se debilitaron, los angloescandinavos dejaron de seguir las tendencias en su tierra natal. Así, se ven elementos del estilo Borre , por ejemplo en el entrelazado de "cadena de anillos" de la cruz de Gosforth, y luego los animales complejos del estilo Jelling se representan en su mayoría de manera bastante incompetente en Inglaterra, pero los rastros del siguiente estilo Mammen son difíciles de detectar; son mucho más claros en la Isla de Man . Tal vez sean "vagamente" evidentes en el fuste transversal del Priorato de San Oswald, Gloucester (ilustrado arriba a la derecha). En general, los rastros de estos estilos en otros medios son aún más tenues. [39]
Una forma exclusivamente angloescandinava es el hogback , una lápida de baja altura con forma de casa alargada y techo inclinado, en la que a veces hay osos con bozal agarrados a cada extremo. El adorno es a veces un patrón rudimentario de rayaduras o elementos en forma de escamas que presumiblemente representan tejas de techo, pero puede incluir entrelazados e imágenes. [40]
La arqueología ha recuperado numerosos fragmentos, partes de frisos y paneles con figuras y tallas ornamentales, generalmente después de haber sido reutilizados en iglesias reconstruidas. El grupo más grande de esculturas anglosajonas procede de una antigua abadía en Breedon-on-the-Hill en Mercia, con una serie de elementos de diferentes fechas, incluidos frisos de franjas decorativas estrechas y animadas, muchos de ellos con figuras humanas, y paneles con santos y la Virgen. [41] Los fragmentos más intrigantes son, en primer lugar, un grupo, ahora en la Catedral de Canterbury , de la Iglesia de Santa María, Reculver , en Kent, de una gran composición con muchas escenas de figuras y grupos sobre una superficie curva, evidentemente de alta calidad, aunque de fecha incierta (quizás de principios del siglo X). Se pueden identificar un Sacrificio de Isaac y una Ascensión , y partes de grupos de santos, profetas o apóstoles en pie. [42]
Igualmente separada de otras supervivientes se encuentra una losa tardía de la antigua catedral de Winchester que parece mostrar una sección de un gran friso con la historia de la mitología germánica de Sigmund , que se ha sugerido que puede haber tenido hasta ochenta pies de ancho y más de cuatro pies de alto. Hay referencias literarias a tapices narrativos seculares, una tradición de la que el tapiz de Bayeux es el único superviviente, y este puede haber sido un equivalente en piedra, celebrando a Sigmund, quien se creía que era un antepasado de las casas reales intermatrimoniales de Inglaterra y Dinamarca , muchas de las cuales fueron enterradas en lo que entonces era la iglesia más grande de Inglaterra. [43]
También se desprende claramente de las fuentes literarias que las pinturas murales no eran infrecuentes, aunque no una forma prestigiosa, y se han encontrado fragmentos de yeso pintado, así como una cara pintada en una piedra reutilizada en Winchester , que data de antes de 903, y por tanto un importante ejemplo temprano del estilo de figura de Winchester. [44] Una metáfora en una carta de Alcuino habla de "estrellas, como el techo pintado de la casa de un gran hombre". [45] Sin embargo, no ha sobrevivido ninguna pintura que esté completa ni en la pared ni en el panel.
Al igual que en el resto del mundo cristiano, mientras que la escultura monumental estaba resurgiendo lentamente de su ausencia virtual en el período cristiano primitivo, la escultura a pequeña escala en metalistería, talla de marfil y también talla de hueso fue más importante que en períodos posteriores, y de ninguna manera un "arte menor". La mayor parte del marfil anglosajón provenía de animales marinos, especialmente la morsa , importada desde más al norte. El extraordinario ataúd de Franks, uno de los primeros en su tipo, está tallado en hueso de ballena , al que alude un acertijo en él. Contiene una mezcla única de escenas paganas, históricas y cristianas, que evidentemente intentan cubrir una historia general del mundo, e inscripciones en runas tanto en latín como en inglés antiguo .
Tenemos pocos paneles anglosajones de cubiertas de libros en comparación con los del arte carolingio y otoniano, pero sí una serie de figuras de muy alta calidad en alto relieve o completamente en bulto redondo. En la última fase del arte anglosajón se aprecian dos estilos: uno más pesado y formal, que se inspira en fuentes carolingias y otonianas, y el otro, el estilo Winchester, que se inspira en el Salterio de Utrecht y en una tradición carolingia alternativa. [46] Un ataúd de madera de boj muy tardío , ahora en Cleveland, Ohio , está tallado por todas partes con escenas de la vida de Cristo en una versión provincial pero lograda del estilo Winchester, posiblemente originaria de las Midlands Occidentales , y es una supervivencia única de la talla de madera fina anglosajona tardía. [47]
Las artes textiles del bordado y el "tapiz", Opus anglicanum , fueron aparentemente aquellas por las que la Inglaterra anglosajona era famosa en toda Europa hacia el final del período, pero solo hay un puñado de sobrevivientes, probablemente en parte debido al amor anglosajón por usar hilos de metales preciosos, lo que hace que el trabajo sea valioso como chatarra.
El tapiz de Bayeux está bordado en lana sobre lino y cuenta la historia de la conquista normanda de Inglaterra ; es sin duda la obra de arte anglosajona más conocida y, aunque se hizo después de la conquista, se hizo en Inglaterra y se inscribió firmemente en una tradición anglosajona, puntos que ahora aceptan los historiadores del arte franceses. [48] Estos tapices adornaban tanto iglesias como casas adineradas en Inglaterra, aunque con 0,5 por 68,38 metros (1,6 por 224,3 pies, y aparentemente incompleto), el tapiz de Bayeux debe ser excepcionalmente grande. Solo las figuras y la decoración están bordadas, sobre un fondo liso, que muestra el tema muy claramente y era necesario para cubrir áreas muy grandes. Las mujeres, tanto monjas como laicas, produjeron todo tipo de artes textiles, pero muchas probablemente fueron diseñadas por artistas en otros medios. Las sedas bizantinas estaban disponibles, aunque ciertamente caras, en la Inglaterra anglosajona, y se han encontrado varias piezas utilizadas en entierros y relicarios. Probablemente, como en vestimentas posteriores, estos elementos se combinaban a menudo con bordes y paneles bordados localmente. Si tuviéramos más restos anglosajones, sin duda las influencias bizantinas serían evidentes. [49]
Los bordados más valorados eran muy diferentes, totalmente trabajados en seda e hilo de oro o plata, y a veces con gemas de varios tipos cosidas. Estos se usaban para vestimentas, manteles de altar y otros usos eclesiásticos, y funciones similares en los hogares de la élite. Sólo unas pocas piezas han sobrevivido, incluyendo tres piezas en Durham colocadas en el ataúd de San Cuthbert, probablemente en la década de 930, después de ser donadas por el rey Athelstan ; fueron hechas en Winchester entre 909 y 916. Se trata de obras "de brillantez y calidad impresionantes", según Wilson, que incluyen figuras de santos y ejemplos tempranos importantes del estilo Winchester, aunque el origen de su estilo es un enigma; son los más cercanos al fragmento de pintura mural de Winchester mencionado anteriormente, y un ejemplo temprano de decoración de acanto. [50]
El primer grupo de restos, ahora reorganizados y con el hilo de metal precioso casi extraído, son bandas o bordes de vestimentas, que incorporan perlas y cuentas de vidrio, con varios tipos de decoración de animales y volutas. Probablemente sean del siglo IX y ahora se encuentran en una iglesia en Maaseik , Bélgica. [51] Otro estilo de tejido es una vestimenta ilustrada en un retrato en miniatura de San Aethelwold en su Bendición (ver arriba), que muestra el borde de lo que parece ser una enorme "flor" de acanto (un término utilizado en varios registros documentales) que cubre la espalda y los hombros del portador. Otras fuentes escritas mencionan otras composiciones a gran escala. [52]
El vidrio anglosajón se fabricaba principalmente en formas sencillas, con vasos siempre de un solo color, ya sea transparente, verde o marrón, pero han sobrevivido algunos vasos de garra decorados con grandes formas de "garra", en su mayoría rotos; estas formas también se encuentran en el norte de Europa continental. Las cuentas, comunes en los primeros entierros femeninos, y algunos vidrios de ventana eclesiásticos eran de colores más brillantes, y varios sitios monásticos tienen evidencia de producción de vidrio. La producción de vasos y cuentas probablemente continuó, a un nivel mucho menor, desde la industria romano-británica, pero Beda registra que Benedict Biscop trajo fabricantes de vidrio de la Galia para el vidrio de ventana de sus monasterios. No está claro cuánto vidrio anglosajón se importó, pero es casi seguro que se importaron bastones de vidrio de color millefiori ; uno de ellos estaba en la bolsa de Sutton Hoo. De lo contrario, el reciclaje de vidrio romano puede haber evitado la necesidad de importar vidrio en bruto; la evidencia de la producción de este es escasa. El vidrio se usa a veces como sustituto del granate en joyería, como en algunas piezas de Sutton Hoo. Se utilizó esmalte , sobre todo en la Joya de Alfred , donde la imagen se encuentra debajo de un cristal de roca tallado ; ambos materiales son extremadamente raros en las obras anglosajonas sobrevivientes.
La singular cubierta de cuero decorada del pequeño Evangelio de San Cutberto de Northumbria , la encuadernación más antigua de Occidente que sobrevive inalterada, puede datarse en 698 o poco antes. Utiliza líneas incisas, algunos colores y decoración en relieve sobre cuerda y yeso o piezas de cuero. Los manuscritos de prestigio más grandes tenían encuadernaciones de tesoros en metal , varias de las cuales se mencionan, pero bien puede haber habido mucha marroquinería decorada para carteras, monederos, cinturones y similares seculares, que los contemporáneos no se molestaron en mencionar y que representa una laguna en nuestro conocimiento sobre el período medieval temprano en toda Europa.
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Del resto del siglo posterior a 1066 se conservan relativamente pocas obras de arte, o al menos se han datado con seguridad en ese período. El arte de Normandía ya estaba bajo una fuerte influencia anglosajona, pero se trataba de un período de despojo masivo de las iglesias por parte de la pequeña nueva clase dirigente, que había desposeído casi por completo a la antigua élite anglosajona. En esas circunstancias se produjo poco arte significativo, pero cuando se produjo, el estilo a menudo mostró un lento desarrollo de los estilos anglosajones hacia una versión plenamente románica. [53] La atribución de muchos objetos individuales ha traspasado los límites de la conquista normanda, especialmente en el caso de las esculturas, incluidos los marfiles. Tanto los catálogos de las exposiciones "La edad de oro del arte anglosajón" como "El arte románico inglés: 1066-1200" reivindican una serie de objetos pertenecientes a su período, a pesar de que ambos se publicaron en 1984. Entre ellos se incluyen la montura triangular de marfil con ángeles y el fragmento de relieve de piedra "Sigurd" (discutido anteriormente), ambos de Winchester, y el "estuche para bolígrafos" de marfil y el Bautismo (ilustrado anteriormente), ambos del Museo Británico. [54]
La energía, el amor por los ornamentos entrelazados complicados y la negativa a respetar por completo un decoro clásico digno que se muestran tanto en el arte de la escuela insular como en el de Winchester ya habían influido en el estilo continental, como se ha comentado anteriormente, donde proporcionaban una alternativa a la monumentalidad pesada que el arte otoniano muestra incluso en objetos pequeños. Este hábito mental fue un componente esencial tanto del estilo románico como del gótico , donde las formas de invención anglosajona, como las iniciales habitadas e historiadas, cobraron más importancia que nunca en el propio arte anglosajón, y obras como el Candelero de Gloucester (c. 1110) muestran el proceso en otros medios. [55]
Las innovaciones iconográficas anglosajonas incluyen el animal Hellmouth , el Cristo ascendente mostrado solo como un par de piernas y pies que desaparecen en la parte superior de la imagen, el Moisés con cuernos , San Juan Evangelista de pie al pie de la cruz y escribiendo, y Dios Padre creando el mundo con un par de brújulas . Todos estos fueron utilizados más tarde en toda Europa. [56] La representación más antigua desarrollada del Juicio Final en Occidente también se encuentra en un marfil anglosajón, y un libro del Evangelio anglosajón tardío puede mostrar el ejemplo más antiguo de María Magdalena al pie de la cruz en una Crucifixión . [57] El manuscrito Junius comienza con la imagen más antigua conocida de la Caída de los Ángeles Rebeldes . [58] Se cree que varias imágenes en el Hexateuco en inglés antiguo son las representaciones visuales más antiguas que sobreviven de los Cuernos de Moisés , una convención iconográfica que creció durante el resto de la Edad Media. [59]
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