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El arte popular abarca todas las formas de arte visual realizadas en el contexto de la cultura popular . Las definiciones varían, pero por lo general los objetos tienen algún tipo de utilidad práctica, en lugar de ser exclusivamente decorativos . Los creadores de arte popular suelen formarse dentro de una tradición popular, en lugar de en la tradición de las bellas artes de la cultura. A menudo hay superposiciones o terreno disputado [1] con el " arte ingenuo ". "Arte popular" no se utiliza en relación con las sociedades tradicionales en las que se sigue haciendo arte etnográfico .
Los tipos de objetos que abarca el término "arte popular" varían. La forma de arte se clasifica como "divergente... de producción cultural... comprendida por su uso en Europa, donde se originó el término, y en los Estados Unidos, donde se desarrolló en su mayor parte siguiendo líneas muy diferentes". [2]
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Desde una perspectiva europea, Edward Lucie-Smith lo describió como "un arte sencillo, tanto bello como aplicado, que supuestamente tiene sus raíces en la conciencia colectiva de la gente sencilla. El concepto de arte popular es claramente del siglo XIX. Hoy en día lleva consigo un matiz de nostalgia por la sociedad preindustrial". [3]
Las artes populares reflejan la vida cultural de una comunidad. La forma de arte abarca la cultura expresiva asociada con los campos del folclore y el patrimonio cultural . El arte popular tangible puede incluir objetos que históricamente se elaboran y utilizan dentro de una comunidad tradicional. Las artes populares intangibles pueden incluir formas como la música y las galerías de arte, la danza y las estructuras narrativas. Cada una de estas formas de arte, tanto tangibles como intangibles, generalmente se desarrollaron para abordar un propósito práctico. Una vez que el propósito se ha perdido u olvidado, generalmente no hay razón para una mayor transmisión a menos que el objeto o la acción se hayan imbuido de un significado más allá de su practicidad inicial. Estas tradiciones artísticas están moldeadas por valores y normas que se transmiten de generación en generación, con mayor frecuencia dentro de la familia y la comunidad, a través de la demostración, la conversación y la práctica.
Los objetos de arte popular son un subconjunto de la cultura material e incluyen objetos que se experimentan a través de los sentidos, al ver y tocar. Como es típico de la cultura material en el arte, estos objetos tangibles se pueden manipular, volver a experimentar repetidamente y, a veces, romper. Se consideran obras de arte debido a la ejecución técnica de una forma y un diseño existentes; la habilidad puede verse en la precisión de la forma, la decoración de la superficie o en la belleza del producto terminado. [4] Como arte popular, estos objetos comparten varias características que los distinguen de otros artefactos de la cultura material.
El objeto es creado por un solo artesano o equipo de artesanos. El artesano trabaja dentro de un marco cultural establecido. El arte popular tiene un estilo y un método reconocibles en la elaboración de sus piezas, lo que permite que los productos se reconozcan y se atribuyan a un solo individuo o taller. Esto fue articulado originalmente por Alois Riegl en su estudio Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie , publicado en 1894. "Riegl ... destacó que la mano individual y las intenciones del artista eran significativas, incluso en la creatividad popular. Sin duda, el artista puede haber estado obligado por las expectativas del grupo a trabajar dentro de las normas de las formas y convenciones transmitidas, pero la creatividad individual, que implicaba elecciones estéticas personales y virtuosismo técnico, salvó las tradiciones recibidas o heredadas del estancamiento y les permitió renovarse en cada generación". [5] La innovación individual en el proceso de producción juega un papel importante en la continuidad de estas formas tradicionales. Se siguen practicando muchas tradiciones de arte popular, como el acolchado, la enmarcación de cuadros ornamentales y el tallado de señuelos, y siguen surgiendo nuevas formas.
Los artistas contemporáneos marginales suelen ser autodidactas y su trabajo suele desarrollarse de forma aislada o en pequeñas comunidades de todo el país. El Museo Smithsonian de Arte Americano alberga más de 70 artistas populares y autodidactas. [6]
Los objetos de arte popular suelen producirse en un proceso de producción único. Solo se hace un objeto a la vez, ya sea a mano o en una combinación de métodos manuales y mecánicos, y no se producen en masa . Como resultado de la producción manual, las piezas individuales se consideran únicas y generalmente se pueden diferenciar de otros objetos del mismo tipo. En su ensayo sobre "Objetos populares", el folclorista Simon Bronner hace referencia a los modos de producción preindustriales, pero los objetos de arte popular continúan siendo fabricados como piezas únicas por artesanos populares. "La noción de objetos populares tiende a enfatizar lo hecho a mano por sobre la fabricación a máquina. Los objetos populares implican un modo de producción común a la sociedad comunal preindustrial donde el conocimiento y las habilidades eran personales y tradicionales". [7] El arte popular no necesita ser antiguo; continúa siendo elaborado a mano hoy en día en muchas regiones alrededor del mundo.
El diseño y la producción de arte popular se aprenden y enseñan de manera informal o formal; los artistas populares no son autodidactas. [ cita requerida ] El arte popular no busca la expresión individualista. En cambio, "el concepto de arte grupal implica, de hecho requiere, que los artistas adquieran sus habilidades, tanto manuales como intelectuales, al menos en parte a partir de la comunicación con otros. La comunidad tiene algo, generalmente mucho, que decir sobre lo que se considera arte popular aceptable". [8] Históricamente, la formación en una artesanía se realizaba como aprendizajes con artesanos locales, como el herrero o el albañil . Como el equipo y las herramientas necesarias ya no estaban fácilmente disponibles en la comunidad, estas artesanías tradicionales se trasladaron a escuelas técnicas o escuelas de artes aplicadas .
La enseñanza del oficio a través de medios informales fuera de las instituciones ha abierto el género a artistas que pueden enfrentar barreras de entrada en otras disciplinas. La artista folclórica canadiense Maud Lewis , por ejemplo, sufría una enfermedad congénita no diagnosticada, lo que hizo que la educación artística formal fuera un desafío. [9] A pesar de las barreras a la educación formal, Lewis se convirtió en una de las artistas folclóricas más famosas de Canadá, creando miles de pinturas de la vida en Nueva Escocia . [9]
El objeto es reconocible dentro de su marco cultural como perteneciente a un tipo conocido. Se pueden encontrar objetos similares en el entorno hechos por otros individuos que se asemejan a este objeto. Las piezas individuales de arte popular harán referencia a otras obras de la cultura, incluso si muestran una ejecución individual excepcional en forma o diseño. Si no se pueden encontrar antecedentes para este objeto, aún podría ser una pieza de arte, pero no es arte popular. "Si bien la sociedad tradicional no borra el ego, sí enfoca y dirige las elecciones que un individuo puede hacer aceptablemente... la persona bien socializada encontrará que los límites no son inhibidores sino útiles... Donde las tradiciones son saludables, las obras de diferentes artistas son más similares que diferentes; son más uniformes que personales". [10] La tradición en el arte popular surge a través de la transmisión de información de una generación a otra. A través de generaciones de líneas familiares, los miembros de la familia transmiten el conocimiento, la información, las habilidades y las herramientas necesarias para continuar la creación del arte popular de uno. Ejemplos de ello son Leon "Peck" Clark, un fabricante de cestas de Mississippi, que aprendió sus habilidades de un miembro de la comunidad; George López, de Cordova, Nuevo México, que es un tallador de santos de sexta generación cuyos hijos también tallan; y los tejedores de cestas Yorok-Karok, quienes explican que sus familiares generalmente les enseñaron a tejer”. [11]
El tipo conocido del objeto debe ser, o haber sido originalmente, utilitario; fue creado para cumplir alguna función en la vida diaria del hogar o la comunidad. Esta es la razón por la que el diseño continúa realizándose. Dado que la forma en sí tenía una función y un propósito, fue duplicada a lo largo del tiempo en varios lugares por diferentes individuos. Un libro sobre la historia del arte afirma que "toda cosa hecha por el hombre surge de un problema como una solución intencionada". [12] Escrito por George Kubler y publicado en 1962, " La forma del tiempo: comentarios sobre la historia de las cosas " describe un enfoque del cambio histórico que coloca la historia de los objetos y las imágenes en un continuo más amplio de tiempo. El propósito del arte popular no es puramente decorativo ni apunta a duplicar la artesanía. Sin embargo, dado que la forma en sí era un tipo distinto con su función y propósito, el arte popular ha seguido siendo copiado a lo largo del tiempo por diferentes individuos.
El objeto se reconoce como excepcional en su forma y motivos decorativos. Al ser parte de la comunidad, el artesano está reflexionando sobre la estética cultural de la comunidad y puede tener en cuenta la respuesta de la comunidad a la artesanía. Se puede crear un objeto para que coincida con las expectativas de la comunidad y el artista puede diseñar el producto con sesgos culturales tácitos para reflejar este objetivo. [13] Si bien la forma compartida indica una cultura compartida, la innovación puede permitir al artesano individual encarnar su propia visión. Esto puede ser una representación de la manipulación de la cultura colectiva e individual, dentro de la producción de arte popular tradicional. "Para que el arte progrese, su unidad debe ser desmantelada para que algunos de sus aspectos puedan liberarse para la exploración, mientras que otros se alejan de la atención". [14] Esta representación dicotómica de la cultura es típicamente visible en el producto final. [15]
El arte popular se diseña en diferentes formas, tamaños y formatos. Tradicionalmente, utiliza los materiales que se encuentran a mano en la localidad y reproduce formas y figuras familiares. El Centro Smithsonian para el Folklore y el Patrimonio Cultural ha compilado una página de objetos históricos que han formado parte de uno de sus festivales folclóricos anuales. La lista a continuación incluye una muestra de diferentes materiales, formas y artesanos involucrados en la producción de objetos de arte popular y cotidiano. [16]
A continuación se enumeran una amplia variedad de etiquetas para un grupo ecléctico de obras de arte. Todos estos géneros se crean fuera de las estructuras institucionales del mundo del arte y no se consideran "bellas artes". Existe una superposición entre estas colecciones etiquetadas, de modo que un objeto puede aparecer en la lista bajo dos o más etiquetas. [2] Muchas de estas agrupaciones y objetos individuales también pueden parecerse al "arte popular" en sus aspectos, pero pueden no alinearse con las características definitorias descritas anteriormente.
Las obras de arte, los estilos y los motivos populares han inspirado a varios artistas. Por ejemplo, Pablo Picasso se inspiró en las esculturas y máscaras tribales africanas. Natalia Goncharova y otros se inspiraron en los grabados populares rusos tradicionales llamados luboks . [18]
En 1951, la artista, escritora y curadora Barbara Jones organizó la exposición Black Eyes and Lemonade en la Whitechapel Gallery de Londres como parte del Festival of Britain . Esta exposición, junto con su publicación The Unsophisticated Arts , exhibió objetos de consumo populares y producidos en masa junto con arte contemporáneo en un ejemplo temprano de la popularización del arte pop en Gran Bretaña. [19]
Las Naciones Unidas reconocen y apoyan el patrimonio cultural en todo el mundo [20] , en particular la UNESCO en colaboración con la Organización Internacional de las Artes Populares (OIF). Su misión declarada es “fomentar el arte, las costumbres y la cultura populares en todo el mundo mediante la organización de festivales y otros eventos culturales, … con énfasis en la danza, la música folclórica, las canciones populares y el arte popular”. [21] Al apoyar los intercambios internacionales de grupos de arte popular, así como la organización de festivales y otros eventos culturales, su objetivo es promover la comprensión internacional y la paz mundial.
En los Estados Unidos, el National Endowment for the Arts trabaja para promover una mayor comprensión y sostenibilidad del patrimonio cultural en los Estados Unidos y en todo el mundo a través de la investigación, la educación y la participación comunitaria. Como parte de esto, identifican y apoyan a los becarios de arte popular de la NEA en acolchado, herrería, tallado en madera, cerámica, bordado, cestería, tejido, junto con otras artes tradicionales relacionadas. Las pautas de la NEA definen como criterios para este premio una exhibición de "autenticidad, excelencia y significado dentro de una tradición particular" para los artistas seleccionados. (Pautas de la NEA) ”. En 1966, el primer año de financiación de la NEA, el apoyo a los festivales folclóricos nacionales y regionales se identificó como una prioridad con la primera subvención otorgada en 1967 a la Asociación Nacional de Festivales Folclóricos. Los festivales folclóricos se celebran en todo el mundo para alentar y apoyar la educación y la participación comunitaria de diversas comunidades étnicas.
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