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El teatro de juguete , también llamado teatro de papel y teatro de modelos (también escrito theatre , ver diferencias ortográficas ), es una forma de teatro en miniatura que se remonta a principios del siglo XIX en Europa. Los teatros de juguete a menudo se imprimían en hojas de cartón y se vendían como kits en el puesto de concesión de un teatro de ópera , teatro o teatro de vodevil . Los teatros de juguete se armaban en casa y se representaban para familiares e invitados, a veces con acompañamiento musical en vivo. El teatro de juguete experimentó una disminución drástica en popularidad con un cambio hacia el realismo en el escenario europeo a fines del siglo XIX, y nuevamente con la llegada de la televisión después de la Segunda Guerra Mundial . [1] El teatro de juguete ha experimentado un resurgimiento en los últimos años entre muchos titiriteros , autores y cineastas y existen numerosos festivales internacionales de teatro de juguete en América y Europa. [2] [3]
Los teatros de juguete originales eran réplicas de obras populares producidas en serie, vendidas como kits que la gente montaba en casa, incluyendo escenario, escenografía, personajes y vestuario. Se imprimían en cartón y se podían conseguir en los teatros ingleses y en las bibliotecas comerciales por "un penique normal o dos peniques coloreados". Los aficionados a menudo se esforzaban mucho no sólo por colorear a mano sus escenarios, sino también por embellecer los personajes de sus teatros de juguete con trozos de tela y oropel; los personajes impresos en oropel se podían comprar ya dorados, o se podía adquirir una amplia gama de materiales para hacer oropel en casa. Así como los escenarios de tamaño de juguete reducían la escala de una obra, sus guiones correspondientes tendían a abreviar el texto, reduciéndolo a los personajes y líneas clave para una presentación más corta y menos complicada.
En la primera mitad del siglo XIX, más de 300 de las obras más populares de Londres se presentaron como teatros de juguete. Los editores enviaban artistas a los teatros del Londres georgiano y de principios de la era victoriana para grabar la escenografía, el vestuario y las actitudes dramáticas de los mayores éxitos de la época. La dirección del teatro a menudo proporcionaba a estos artistas un asiento gratis, ya que las láminas de los teatros de juguete eran una excelente publicidad gratuita. [4]
El teatro de principios del siglo XIX se había basado más en el espectáculo que en la profundidad de la trama o de los personajes, y estas características se prestaban eficazmente al formato del teatro de juguete. Hacia finales del siglo XIX, el drama popular europeo había cambiado su preferencia hacia la tendencia del realismo , marcando un giro dramatúrgico hacia la complejidad psicológica, la motivación de los personajes y los escenarios utilizando elementos escénicos tridimensionales ordinarios. Esta tendencia en el teatro de escenario no hizo una conversión fácil a su contraparte de juguete, y como los dramas fantásticos de cincuenta años antes estaban pasados de moda, los teatros de juguete que seguían en imprenta cayeron en desuso.
A pesar de su caída en popularidad, el teatro de juguetes permaneció en el ámbito de artistas influyentes que defendieron su resurgimiento. En 1884, el autor británico Robert Louis Stevenson escribió un ensayo en homenaje a la diminuta grandeza del teatro de juguetes titulado "Penny Plain, Twopence Coloured" en el que ensalzaba las virtudes de los dramas proporcionados por Pollock . [5] [6] Otros autores infantiles como Lewis Carroll y Hans Christian Andersen también incursionaron en el teatro de juguetes, al igual que Oscar Wilde . Los hermanos Jack y William Butler Yeats utilizaron teatros de juguetes como maquetas para su trabajo en arte y escenografía. En el siglo XX, el teatro de juguetes se convirtió en una herramienta para la vanguardia , manipulada por el fundador futurista FT Marienetti , así como por Pablo Picasso . Directores de cine como Ingmar Bergman y Orson Welles utilizaban teatros de juguete como escenarios para sus obras maestras cinematográficas, y Laurence Olivier incluso hizo un teatro de juguete de su versión cinematográfica de Hamlet , producida en serie con un pequeño recorte de papel de él mismo en el papel protagonista. Pero después de su segunda ola de auge, el teatro de juguete cayó en una segunda recesión, sustituida en la década de 1950 por una caja diferente en las salas de estar de la gente que no necesitaba un operador en vivo y cuyos decorados, personajes, historias y números musicales se transmitían electrónicamente desde kilómetros de distancia para ser proyectados en el cristal de un tubo de rayos catódicos: la televisión.
El teatro de juguete ha estado viviendo un resurgimiento en las últimas décadas. Los coleccionistas y los tradicionalistas representan versiones restauradas de obras victorianas, mientras que los titiriteros experimentales llevan al límite esta forma, adaptando las obras de Isaac Babel e Italo Calvino , así como las de narradores anónimos, amigos, vecinos, parientes y ellos mismos. El teatro de juguete contemporáneo puede utilizar cualquier tecnología disponible y cubrir cualquier tema, y numerosos festivales internacionales de teatro de juguete se llevan a cabo regularmente en América y Europa, atrayendo a muchos actores, músicos y autores conocidos a sus escenarios.
Los teatros de juguete producidos en masa suelen venderse como hojas impresas, ya sea en blanco y negro para colorearlas como se desee, o como imágenes a todo color del proscenio , la escenografía, los decorados, los accesorios y los personajes. Las hojas se pegan sobre cartón fino , se recortan y luego se ensamblan con el fin de recrear una obra. Las figuras se sujetan a pequeños palos, alambres o configuraciones de cuerdas que les permiten moverse por el escenario. Algunos teatros de juguete y figuras se mejoran con piezas móviles y efectos especiales, y es común que las representaciones incluyan efectos de sonido y música en vivo o pregrabados.
