El rhythm and blues , abreviado frecuentemente como R&B o R'n'B , es un género de música popular que se originó dentro de la comunidad afroamericana en la década de 1940. El término fue utilizado originalmente por las compañías discográficas para describir las grabaciones comercializadas predominantemente para los afroamericanos, en una época en la que la "música rockera, basada en el jazz ... [con un] ritmo pesado e insistente" se estaba volviendo más popular. En la música comercial de rhythm and blues típica de la década de 1950 a la de 1970, las bandas generalmente constaban de un piano, una o dos guitarras, bajo, batería, uno o más saxofones y, a veces, coristas. Los temas líricos del R&B a menudo encapsulan la historia afroamericana y la experiencia del dolor y la búsqueda de la libertad y la alegría, así como los triunfos y fracasos en términos de racismo social, opresión, relaciones, economía y aspiraciones.
El término "rhythm and blues" ha sufrido varios cambios de significado. A principios de la década de 1950, se aplicaba con frecuencia a los discos de blues . A partir de mediados de la década de 1950, después de que este estilo de música hubiera contribuido al desarrollo del rock and roll , el término "R&B" comenzó a usarse en un contexto más amplio. Se refería a los estilos musicales que se desarrollaron a partir del blues eléctrico y lo incorporaron , así como a la música gospel y soul . En la década de 1970, el término "rhythm and blues" había cambiado una vez más y se usaba como un término general para el soul y el funk .
A finales de los años 1980, se desarrolló un nuevo estilo de R&B, conocido como " R&B contemporáneo ". Esta forma contemporánea combina el rhythm and blues con diversos elementos del pop , el soul, el funk, el disco , el hip hop y la música electrónica .
Aunque a Jerry Wexler de la revista Billboard se le atribuye la creación del término "rhythm and blues" como término musical en los Estados Unidos en 1948, [3] el término ya se había utilizado en Billboard en 1943. [4] [5] Sin embargo, la primera lista de canciones populares entre los afroamericanos de la compañía se llamó Harlem Hit Parade ; creada en 1942, enumeraba los "discos más populares en Harlem " y es la predecesora de la lista Billboard RnB. [6] "Rhythm and Blues" reemplazó al término común " música racial ", un término acuñado por el productor de Okeh Ralph Peer basado en la autodescripción común de la prensa afroamericana como "gente de raza". [7] [8] El término "rhythm and blues" fue utilizado por Billboard en sus listas de listas desde junio de 1949 hasta agosto de 1969, cuando su lista "Hot Rhythm & Blues Singles" pasó a llamarse "Best Selling Soul Singles". [9] Antes de que se instaurara el nombre de «Rhythm and Blues», varias compañías discográficas ya habían comenzado a sustituir el término «música de carreras» por el término «serie sepia». [10] «Rhythm and blues» suele abreviarse como «R&B» o «R'n'B». [11]
A principios de la década de 1950, el término "rhythm & blues" se aplicaba con frecuencia a los discos de blues . [12] El escritor y productor Robert Palmer definió el rhythm & blues como "un término general que se refiere a cualquier música hecha por y para estadounidenses negros". [13] También ha utilizado el término "R&B" como sinónimo de jump blues . [14] Sin embargo, AllMusic lo separa del jump blues debido a las influencias gospel más fuertes del R&B. [15] Lawrence Cohn , autor de Nothing but the Blues , escribe que "rhythm and blues" era un término general inventado para la conveniencia de la industria. Según él, el término abarcaba toda la música negra excepto la música clásica y la música religiosa , a menos que una canción gospel se vendiera lo suficiente como para entrar en las listas. [7] Hasta bien entrado el siglo XXI, el término R&B continúa utilizándose (en algunos contextos) para categorizar la música hecha por músicos negros, a diferencia de los estilos de música hechos por otros músicos.
En la música rhythm and blues comercial típica de los años 50 a 70, las bandas generalmente estaban formadas por piano, una o dos guitarras, bajo, batería y saxofón. Los arreglos se ensayaban hasta el punto de que no requerían esfuerzo y, a veces, iban acompañados de coristas. Las partes simples y repetitivas se entrelazaban, creando impulso e interacción rítmica que producían texturas suaves, cadenciosas y, a menudo, hipnóticas, sin llamar la atención sobre ningún sonido en particular. Si bien los cantantes se involucran emocionalmente con las letras, a menudo de manera intensa, permanecen tranquilos, relajados y en control. Las bandas vestían trajes, e incluso uniformes, una práctica asociada con la música popular moderna que los intérpretes de rhythm and blues aspiraban a dominar. Las letras a menudo parecían fatalistas y la música generalmente seguía patrones predecibles de acordes y estructura. [16] Los temas líricos del R&B a menudo encapsulan la experiencia afroamericana del dolor y la búsqueda de la libertad y la alegría, [17] [ página necesaria ] así como triunfos y fracasos en términos de relaciones, economía y aspiraciones. [ cita requerida ]
Una publicación del Instituto Smithsonian proporcionó este resumen de los orígenes del género en 2016.
"Es una música claramente afroamericana que bebe de los profundos afluentes de la cultura expresiva afroamericana; es una amalgama de jump blues, swing de big band, gospel, boogie y blues que se desarrolló inicialmente durante un período de treinta años que une la era de la segregación racial sancionada legalmente, los conflictos internacionales y la lucha por los derechos civiles". [2]
El Salón de la Fama del Rock & Roll define a algunos de los creadores del R&B, entre ellos la big band de Joe Turner , los Tympany Five de Louis Jordan, James Brown y LaVern Baker. De hecho, esta fuente afirma que "Louis Jordan se unió a Turner para sentar las bases del R&B en la década de 1940, grabando una obra maestra de rhythm & blues tras otra". Otros artistas que fueron "piedras angulares del R&B y su transformación en rock & roll" incluyen a Etta James, Fats Domino , Roy Brown, Little Richard y Ruth Brown. Los grupos de "doo wop" también fueron notables, incluidos los Orioles , los Ravens y los Dominoes . [18]
El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando el DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de la década de 1950, "el componente sexual se había atenuado lo suficiente como para que simplemente se convirtiera en un término aceptable para bailar". [19]
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La gran migración de los afroamericanos a los centros industriales urbanos de Chicago, Detroit, Nueva York, Los Ángeles, Washington, DC y otros lugares en las décadas de 1920 y 1930 creó un nuevo mercado para el jazz, el blues y géneros musicales relacionados. Estos géneros musicales a menudo eran interpretados por músicos a tiempo completo, ya sea trabajando solos o en pequeños grupos. Los precursores del rhythm and blues vinieron del jazz y el blues, que se superpusieron a fines de la década de 1920 y la de 1930 a través del trabajo de músicos como Harlem Hamfats , con su éxito de 1936 "Oh Red", así como Lonnie Johnson , Leroy Carr , Cab Calloway , Count Basie y T-Bone Walker . También hubo un énfasis creciente en la guitarra eléctrica como instrumento principal, así como en el piano y el saxofón . [20]
El R&B se originó en las comunidades afroamericanas en la década de 1940. [21] En 1948, RCA Victor comercializaba música negra bajo el nombre de "Blues and Rhythm". En ese año, Louis Jordan dominó los cinco primeros puestos de las listas de R&B con tres canciones, y dos de las cinco primeras canciones se basaban en los ritmos boogie-woogie que habían cobrado prominencia durante la década de 1940. [22] La banda de Jordan, Tympany Five (formada en 1938), estaba formada por él en saxofón y voz, junto con músicos de trompeta, saxofón tenor, piano, bajo y batería. [23] [24] Lawrence Cohn describió la música como "más áspera que su blues con tintes de jazz de la era del boogie". [7] : 173 Robert Palmer la describió como "música urbana, rockera, basada en el jazz... [con un] ritmo pesado e insistente". [25] La música de Jordan, junto con la de Big Joe Turner , Roy Brown , Billy Wright y Wynonie Harris , antes de 1949, se conocía como jump blues . Luego, Paul Gayten , Roy Brown y otros habían tenido éxitos en el estilo que ahora se conoce como rhythm and blues. En 1948, la nueva versión de Wynonie Harris de la grabación de Brown de 1947 " Good Rockin' Tonight " alcanzó el número dos en las listas, después de "Long Gone" del líder de la banda Sonny Thompson en el número uno. [26] [27]
En 1949, el término "Rhythm and Blues" (R&B) reemplazó a la categoría Billboard Harlem Hit Parade . [7] También en ese año, " The Huckle-Buck ", grabada por el líder de la banda y saxofonista Paul Williams , fue la melodía de R&B número uno, permaneciendo en la cima de las listas durante casi todo el año. Escrita por el músico y arreglista Andy Gibson , la canción fue descrita como un "boogie sucio" porque era atrevida y obscena. [28] Los conciertos de Paul Williams and His Hucklebuckers eran asuntos sudorosos y desenfrenados que se interrumpieron en más de una ocasión. Sus letras, de Roy Alfred (quien más tarde coescribió el éxito de 1955 " (The) Rock and Roll Waltz "), eran ligeramente sugerentes desde el punto de vista sexual, y un adolescente de Filadelfia dijo "That Hucklebuck was a very nasty dance". [29] [30] También en 1949, una nueva versión de una canción de blues de los años 20, " Ain't Nobody's Business ", fue un éxito número cuatro para Jimmy Witherspoon , y Louis Jordan and the Tympany Five una vez más llegó al top cinco con " Saturday Night Fish Fry ". [31] Muchos de estos discos exitosos fueron publicados en nuevos sellos discográficos independientes, como Savoy (fundado en 1942), King (fundado en 1943), Imperial (fundado en 1945), Specialty (fundado en 1946), Chess (fundado en 1947) y Atlantic (fundado en 1948). [20]
La música afroamericana comenzó a incorporar motivos rítmicos afrocubanos en el siglo XIX con la popularidad de la contradanza cubana (conocida fuera de Cuba como la habanera ). [32] El ritmo de la habanera puede considerarse como una combinación del tresillo y el contratiempo .
Durante más de un cuarto de siglo en el que se formaron y desarrollaron el cakewalk , el ragtime y el protojazz, el género cubano habanera ejerció una presencia constante en la música popular afroamericana. [33] El pionero del jazz Jelly Roll Morton consideró que el ritmo tresillo/habanera (al que llamó el tinte español ) era un ingrediente esencial del jazz. [34] Hay ejemplos de ritmos similares al tresillo en alguna música folclórica afroamericana, como los patrones de palmas y pisotones en ring scream , la música de tambores y pífanos posterior a la Guerra Civil y la música de segunda línea de Nueva Orleans . [35] Wynton Marsalis considera que el tresillo es la "clave" de Nueva Orleans (aunque técnicamente, el patrón es solo la mitad de una clave ). [36] El tresillo es la célula rítmica de pulso doble más básica en las tradiciones musicales del África subsahariana , y su uso en la música afroamericana es uno de los ejemplos más claros de retención rítmica africana en los Estados Unidos. [37] El uso del tresillo se vio reforzado continuamente por las sucesivas oleadas de música cubana, que fueron adoptadas por la cultura popular norteamericana. En 1940, Bob Zurke lanzó "Rhumboogie", un boogie-woogie con una línea de bajo de tresillo y una letra que declaraba orgullosamente la adopción del ritmo cubano:
Harlem tiene un nuevo ritmo, ¡está arrasando en las pistas de baile porque hace mucho calor! Han cogido un poco de ritmo de rumba y le han añadido boogie-woogie, ¡y ahora mira lo que han conseguido! Rhumboogie, es la nueva creación de Harlem con la síncopa cubana, ¡es lo máximo! Simplemente planta los dos pies a cada lado. Deja que tus caderas y hombros se deslicen. Luego echa el cuerpo hacia atrás y baila. No hay nada como rhumbaoogie, rhumboogie, boogie-woogie. En Harlem o La Habana, puedes besar la vieja Savannah. ¡Es lo máximo! [38]
Aunque se originó en la metrópolis situada en la desembocadura del río Misisipi, el blues de Nueva Orleans, con sus rasgos rítmicos afrocaribeños, es distinto del sonido del blues del delta del Misisipi. [39] A finales de la década de 1940, los músicos de Nueva Orleans eran especialmente receptivos a las influencias cubanas precisamente en la época en que el R&B estaba empezando a formarse. [40] El primer uso del tresillo en el R&B se produjo en Nueva Orleans. Robert Palmer recuerda:
El productor y líder de banda de Nueva Orleans Dave Bartholomew empleó por primera vez esta figura (como un riff de sección de saxofón) en su propio disco de 1949 "Country Boy" y posteriormente ayudó a convertirla en el patrón rítmico más utilizado en el rock 'n' roll de los años 50. En numerosas grabaciones de Fats Domino , Little Richard y otros, Bartholomew asignó este patrón repetitivo de tres notas no solo al contrabajo, sino también a guitarras eléctricas e incluso al saxo barítono, lo que le da un bajo muy pesado. Recuerda haber escuchado la figura por primera vez, como un patrón de bajo en un disco cubano. [41]
En una entrevista de 1988 con Palmer, Bartholomew (que tuvo la primera banda de estudio de R&B), [42] reveló cómo inicialmente superpuso el tresillo sobre el ritmo swing:
Escuché al bajo tocando esa parte en un disco de rumba. En Country Boy, hice que mi bajo y mi batería tocaran un ritmo de swing directo y escribí esa parte de bajo de rumba para que los saxofones la tocaran encima del ritmo de swing. Más tarde, especialmente después de que llegara el rock and roll, hice que la parte de bajo de rumba fuera cada vez más pesada. Tenía el bajo de cuerdas, una guitarra eléctrica y un barítono, todos al unísono. [43]
Bartholomew se refirió al son cubano con el nombre inapropiado de rumba , una práctica común en esa época. " Blue Monday " de Fats Domino, producida por Bartholomew, es otro ejemplo de este uso ahora clásico del tresillo en el R&B. "Oh Cubanas" de Bartholomew, basada en el tresillo, es un intento de mezclar la música afroamericana y afrocubana. La palabra mambo , más grande que cualquier otro texto, se coloca de manera prominente en la etiqueta del disco. En su composición "Misery", el pianista de Nueva Orleans, el profesor Longhair, toca una figura similar a la habanera en su mano izquierda. [44] El hábil uso de tresillos es una característica del estilo de Longhair.
Gerhard Kubik señala que, con la excepción de Nueva Orleans, el blues temprano carecía de polirritmos complejos, y había una "ausencia muy específica de patrones de línea de tiempo asimétricos ( patrones de clave ) en prácticamente toda la música afroamericana de principios del siglo XX ... solo en algunos géneros de Nueva Orleans aparece ocasionalmente un indicio de patrones de línea de tiempo simples en forma de patrones transitorios llamados 'stomp' o coros de tiempo detenido. Estos no funcionan de la misma manera que las líneas de tiempo africanas". [45] A fines de la década de 1940, esto cambió un poco cuando la estructura de línea de tiempo de dos celdas se introdujo en el blues. Músicos de Nueva Orleans como Bartholomew y Longhair incorporaron instrumentos cubanos, así como el patrón de clave y figuras de dos celdas relacionadas en canciones como "Carnival Day" (Bartholomew 1949) y "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949). Aunque algunos de estos primeros experimentos fueron fusiones extrañas, los elementos afrocubanos finalmente se integraron plenamente en el sonido de Nueva Orleans.
Robert Palmer informa que, en la década de 1940, el profesor Longhair escuchó y tocó con músicos de las islas y "cayó bajo el hechizo de los discos de mambo de Pérez Prado ". [46] Estaba especialmente enamorado de la música afrocubana. Michael Campbell afirma: "La influencia del profesor Longhair fue ... de largo alcance. En varias de sus primeras grabaciones, el profesor Longhair mezcló ritmos afrocubanos con rhythm and blues. La más explícita es 'Longhair's Blues Rhumba', donde superpone un blues sencillo con un ritmo de clave". [47] El estilo particular de Longhair era conocido localmente como rumba-boogie . [48] En su "Mardi Gras in New Orleans", el pianista emplea el motivo de clave 2-3 en tiempo/fuera de tiempo en un " guajeo " de rumba boogie. [ 49 ]
La sensación de subdivisión sincopada pero directa de la música cubana (en oposición a las subdivisiones swing) se arraigó en el R&B de Nueva Orleans durante esta época. Alexander Stewart afirma que la sensación popular se transmitió desde "Nueva Orleans, a través de la música de James Brown, a la música popular de los años 70", y agrega: "El estilo singular de rhythm & blues que surgió de Nueva Orleans en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial jugó un papel importante en el desarrollo del funk. En un desarrollo relacionado, los ritmos subyacentes de la música popular estadounidense experimentaron una transición básica, aunque generalmente no reconocida, de una sensación de tresillo o shuffle a corcheas uniformes o rectas". [50] En cuanto a los diversos motivos funk, Stewart afirma que este modelo "... es diferente de una línea de tiempo (como la clave y el tresillo) en que no es un patrón exacto, sino más bien un principio de organización flexible". [51]
Johnny Otis lanzó el mambo de R&B "Mambo Boogie" en enero de 1951, con congas, maracas, claves y guajeos de saxofón mambo en una progresión de blues. [52] Ike Turner grabó "Cubano Jump" (1954), un instrumental de guitarra eléctrica, que se basa en varias figuras de clave 2-3, adoptadas del mambo. Los Hawketts , en " Mardi Gras Mambo " (1955) (con la voz de un joven Art Neville), hacen una clara referencia a Pérez Prado en su uso de su marca registrada "Unhh!" en el descanso después de la introducción. [53]
Ned Sublette afirma: "Los artistas del blues eléctrico conocían muy bien la música latina, y definitivamente existía algo llamado blues de rumba ; se puede escuchar a Muddy Waters y Howlin' Wolf tocándolo". [54] También cita a Otis Rush , Ike Turner y Ray Charles como artistas de R&B que emplearon este estilo. [54]
El uso de la clave en el R&B coincidió con el creciente predominio del backbeat y la creciente popularidad de la música cubana en los EE. UU. En cierto sentido, la clave se puede resumir en tresillo (tres lados) respondido por el backbeat (dos lados). [55]
El " Bo Diddley beat " (1955) es quizás la primera fusión verdadera de clave 3-2 y R&B/rock 'n' roll. Bo Diddley ha dado diferentes versiones de los orígenes del riff. Sublette afirma: "En el contexto de la época, y especialmente de esas maracas [que se escuchan en el disco], 'Bo Diddley' tiene que entenderse como un disco con tintes latinos. Un corte rechazado grabado en la misma sesión se titulaba solamente 'Rhumba' en las hojas de pistas". [54] "Willie and the Hand Jive" (1958) de Johnny Otis es otro ejemplo de esta exitosa mezcla de claves 3-2 y R&B. Otis utilizó los instrumentos cubanos claves y maracas en la canción.
La música afrocubana fue el conducto por el cual la música afroamericana fue "reafricanizada", mediante la adopción de figuras bicelulares como la clave e instrumentos afrocubanos como la conga , los bongós , las maracas y las claves . Según John Storm Roberts , el R&B se convirtió en el vehículo para el regreso de los elementos cubanos a la música popular de masas. [56] Se dice que Ahmet Ertegun , productor de Atlantic Records , dijo que "los ritmos afrocubanos agregaron color y emoción al impulso básico del R&B". [57] Sin embargo, como señala Ned Sublette : "En la década de 1960, cuando Cuba era objeto de un embargo de los Estados Unidos que todavía sigue vigente hoy, la nación isleña había sido olvidada como fuente de música. Para cuando la gente comenzó a hablar del rock and roll como algo que tenía una historia, la música cubana había desaparecido de la conciencia norteamericana". [58]
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Al principio, sólo los afroamericanos compraban discos de R&B. Según Jerry Wexler , de Atlantic Records, las ventas se localizaban en los mercados afroamericanos; no había ventas para blancos ni reproducciones en la radio para blancos. A principios de los años 50, más adolescentes blancos empezaron a tomar conciencia del R&B y a comprar la música. Por ejemplo, el 40% de las ventas de 1952 en la tienda de discos Dolphin's of Hollywood , ubicada en una zona afroamericana de Los Ángeles, fueron a blancos. Con el tiempo, los adolescentes blancos de todo el país orientaron su gusto musical hacia el rhythm and blues. [59]
Johnny Otis , que había firmado con Savoy Records, con sede en Newark, Nueva Jersey, produjo muchos éxitos de R&B en 1951, incluidos " Double Crossing Blues ", "Mitrustin' Blues" y " Cupid's Boogie ", todos los cuales alcanzaron el número uno ese año. Otis logró diez éxitos entre los diez primeros ese año. Otros éxitos incluyen " Gee Baby ", "Mambo Boogie" y "All Nite Long". [60] The Clovers , un quinteto que consta de un cuarteto vocal con un guitarrista acompañante, cantó una combinación distintiva de blues y gospel. [61] Tuvieron el éxito número cinco del año con " Don't You Know I Love You " en Atlantic. [60] [62] [63] También en julio de 1951, el DJ Alan Freed de Cleveland, Ohio, comenzó un programa de radio nocturno llamado "The Moondog Rock Roll House Party" en WJW (850 AM). [64] [65] El espectáculo de Freed fue patrocinado por Fred Mintz, cuya tienda de discos de R&B tenía una clientela principalmente afroamericana. Freed comenzó a referirse a la música rhythm and blues que tocaba como "rock and roll".
En 1951, Little Richard Penniman comenzó a grabar para RCA Records en el estilo jump blues de las estrellas de finales de los años 40 Roy Brown y Billy Wright . Sin embargo, no fue hasta que grabó un demo en 1954 que llamó la atención de Specialty Records que el mundo comenzaría a escuchar su nuevo rhythm and blues funky de ritmo rápido que lo catapultaría a la fama en 1955 y ayudaría a definir el sonido del rock 'n' roll. Siguió una rápida sucesión de éxitos de rhythm and blues, comenzando con " Tutti Frutti " [66] y " Long Tall Sally ", que influirían en intérpretes como James Brown , [67] Elvis Presley , [68] y Otis Redding . [67]
También en 1951, la canción Rocket 88 fue grabada por Ike Turner y sus Kings of Rhythm en un estudio propiedad de Sam Phillips con la voz de Jackie Brenston . Esta canción es citada a menudo como precursora del rock and roll o como uno de los primeros discos de ese género. [69] Sin embargo, en una entrevista posterior, Ike Turner ofreció este comentario: "No creo que 'Rocket 88' sea rock 'n' roll. Creo que 'Rocket 88' es R&B, pero creo que 'Rocket 88' es la causa de que exista el rock and roll". [70]
Ruth Brown , que actuaba en el sello Atlantic, colocó éxitos en el top cinco cada año desde 1951 hasta 1954: « Teardrops from My Eyes », «Five, Ten, Fifteen Hours», « (Mama) He Treats Your Daughter Mean » y « What a Dream ». [61] « Shake a Hand » de Faye Adams llegó al número dos en 1952. En 1953, el público comprador de discos de R&B convirtió la grabación original de Willie Mae Thornton de « Hound Dog » de Leiber y Stoller [72] en el éxito número tres del año. Ruth Brown era muy destacada entre las estrellas femeninas del R&B; su popularidad probablemente se debió a «su entrega vocal profundamente arraigada en la tradición afroamericana». [73] [74] Ese mismo año , The Orioles , un grupo de doo-wop , tuvo el éxito número cuatro del año con « Crying in the Chapel ». [75]
Fats Domino llegó al top 30 de las listas de éxitos del pop en 1952 y 1953, y luego al top 10 con " Ain't That a Shame ". [76] [77] Ray Charles alcanzó la prominencia nacional en 1955 con " I Got a Woman ". [78] Big Bill Broonzy dijo de la música de Charles: "Está mezclando el blues con los espirituales ... Sé que eso está mal". [7] : 173
En 1954, " Sh-Boom " de The Chords [79] se convirtió en el primer éxito que pasó de la lista de R&B a alcanzar el top 10 a principios de año. Más tarde ese mismo año, y en 1955, " Hearts of Stone " de The Charms llegó al top 20. [80]
En Chess Records , en la primavera de 1955, el disco debut de Bo Diddley , " Bo Diddley "/" I'm a Man ", subió al número dos en las listas de R&B y popularizó el vamp original basado en clave de rhythm and blues de Bo Diddley que se convertiría en un pilar del rock and roll. [81]
A instancias de Leonard Chess de Chess Records, Chuck Berry reelaboró una melodía country para violín con una larga historia, titulada " Ida Red ". [82] El resultado, " Maybellene ", no solo fue un éxito número tres en las listas de R&B en 1955, sino que también llegó al top 30 en las listas de pop. Alan Freed , que se había mudado al mercado mucho más grande de la ciudad de Nueva York en 1954, ayudó a que el disco se volviera popular entre los adolescentes blancos. Chess le había dado a Freed parte del crédito de escritura a cambio de sus actividades promocionales, una práctica común en ese momento. [83]
El R&B también ejerció una fuerte influencia en el rock and roll . [84] Un artículo de 1985 en The Wall Street Journal , titulado "Rock! It's Still Rhythm and Blues" [ cita completa requerida ] informó que "los dos términos se usaron indistintamente" hasta aproximadamente 1957. Las otras fuentes citadas en el artículo dijeron que el rock and roll combinaba el R&B con el pop y la música country. [85]
Fats Domino no estaba convencido de que existiera un género nuevo. En 1957, dijo: "Lo que ahora llaman rock 'n' roll es rhythm and blues. Lo he estado tocando durante 15 años en Nueva Orleans". [86] Según Rolling Stone , "esta es una afirmación válida... todos los rockeros de los años cincuenta, negros y blancos, nacidos en el campo y criados en la ciudad, fueron fundamentalmente influenciados por el R&B, la música popular negra de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta". [87]
En 1956, se llevó a cabo una gira de R&B "Top Stars of '56", con cabezas de cartel Al Hibbler , Frankie Lymon and the Teenagers y Carl Perkins , cuyo " Blue Suede Shoes " fue muy popular entre los compradores de música R&B. [88] Algunos de los artistas que completaron el cartel fueron Chuck Berry, Cathy Carr , Shirley & Lee , Della Reese , Sam "T-Bird" Jensen, los Cleftones y los Spaniels con la Big Rockin' Rhythm Band de Illinois Jacquet . [89] Las ciudades visitadas por la gira incluyeron Columbia, Carolina del Sur; Annapolis, Maryland; Pittsburgh, Pensilvania; Syracuse, Rochester y Buffalo, Nueva York; y otras ciudades. [ cita requerida ] En Columbia, el concierto terminó con un motín casi cuando Perkins comenzó su primera canción como acto de cierre. Se cita a Perkins diciendo: "Fue peligroso. Muchos niños resultaron heridos". En Annapolis, entre 50.000 y 70.000 personas intentaron asistir a una actuación con entradas agotadas y 8.000 asientos. Las calles estuvieron congestionadas durante siete horas. [90] Los cineastas aprovecharon la popularidad de los músicos de "rhythm and blues" como músicos de "rock n roll" a partir de 1956. Little Richard, Chuck Berry, Fats Domino, Big Joe Turner, los Treniers , los Platters y los Flamingos llegaron a la gran pantalla. [91]
Dos discos de Elvis Presley llegaron al top cinco de R&B en 1957: « Jailhouse Rock »/« Treat Me Nice » en el número uno, y « All Shook Up » en el número cinco, una aceptación sin precedentes de un artista no afroamericano en una categoría musical conocida por ser creada por negros. [92] Nat King Cole , también pianista de jazz que tuvo dos éxitos en las listas de éxitos del pop a principios de los años 1950 (« Mona Lisa » en el número dos en 1950 y « Too Young » en el número uno en 1951), tuvo un disco en el top cinco de las listas de R&B en 1958, « Looking Back »/«Do I Like It». [93]
En 1959, dos sellos discográficos propiedad de negros, uno de los cuales tendría un gran éxito, hicieron su debut: Sar de Sam Cooke y Motown Records de Berry Gordy . [94] Brook Benton estuvo en la cima de las listas de R&B en 1959 y 1960 con un éxito número uno y dos éxitos número dos. [95] Benton tenía una cierta calidez en su voz que atraía a una amplia variedad de oyentes, y sus baladas llevaron a comparaciones con intérpretes como Nat King Cole , Frank Sinatra y Tony Bennett . [96] Lloyd Price , quien en 1952 tuvo un éxito número uno con " Lawdy Miss Clawdy ", recuperó el predominio con una versión de " Stagger Lee " en el número uno y " Personality " en el número cinco en 1959. [97] [98]
El líder de la banda blanca Bill Black Combo, Bill Black , que había ayudado a iniciar la carrera de Elvis Presley y fue el bajista de Elvis en la década de 1950, era popular entre los oyentes negros. [ cita requerida ] El noventa por ciento de sus ventas de discos fueron de personas negras, y su " Smokie, Part 2 " (1959) subió a la posición número uno en las listas de música negra. [ cita requerida ] Una vez le dijeron que "muchas de esas estaciones todavía piensan que son un grupo negro porque el sonido se siente funky y negro". [ cita requerida ] Hi Records no presentó imágenes del Combo en los primeros discos. [ 99 ]
El quinto hit de Sam Cooke , " Chain Gang ", es indicativo del R&B en 1960, al igual que el quinto hit del rockero pop Chubby Checker , " The Twist ". [98] [100] A principios de los años 1960, la categoría de la industria musical anteriormente conocida como rhythm and blues se llamaba música soul , y la música similar de artistas blancos se etiquetaba como blue-eyed soul . [101] [94] Motown Records tuvo su primer sencillo con un millón de ventas en 1960 con " Shop Around " de The Miracles , [102] y en 1961, Stax Records tuvo su primer éxito con " Gee Whiz (Look at His Eyes) " de Carla Thomas . [103] [104] El siguiente gran éxito de Stax, el instrumental " Last Night " de The Mar-Keys (también lanzado en 1961), introdujo el sonido soul más crudo de Memphis por el que Stax se hizo conocido. [105] En Jamaica, el R&B influyó en el desarrollo del ska . [106] [107] En 1969, la cultura negra y el rhythm and blues alcanzaron otro gran logro cuando los Grammy agregaron la categoría Rhythm and Blues, dándole reconocimiento académico a la categoría. [ cita requerida ]
En la década de 1970, el término "rhythm and blues" se utilizaba como un término general para el soul , el funk y el disco . [108]
A finales de los años 1980 y principios de los años 1990, el hip-hop empezó a capturar la imaginación de la juventud estadounidense. El R&B empezó a homogeneizarse, con un grupo de productores de alto perfil responsables de la mayoría de los éxitos del R&B. Era difícil para los artistas de R&B de la época vender su música o incluso hacer que su música fuera escuchada debido al auge del hip-hop, pero algunos adoptaron una imagen de "hip-hop", se comercializaron como tal y a menudo presentaban raperos en sus canciones. En 1990, Billboard reintrodujo el R&B para categorizar toda la música popular negra que no fuera el hip-hop. [109] Artistas más nuevos como Usher , R. Kelly , Janet Jackson , TLC , Aaliyah , Brandy , Destiny's Child , Tevin Campbell y Mary J. Blige disfrutaron del éxito. LA Reid , el director ejecutivo de LaFace Records , fue responsable de algunos de los mayores éxitos del R&B en la década de 1990 en forma de Usher , TLC y Toni Braxton . Más tarde, Reid comercializó con éxito Boyz II Men . [110] En 2004, el 80% de las canciones que encabezaron las listas de R&B también estaban en la cima del Hot 100. Ese período fue el pico de todos los tiempos para el R&B y el hip hop en el Billboard Hot 100 y en Top 40 Radio. [111] Desde aproximadamente 2005 hasta 2013, las ventas de R&B disminuyeron. [112] Sin embargo, desde 2010, el hip-hop ha comenzado a tomar señales del sonido del R&B, eligiendo adoptar un sonido más suave y suave que incorpora el R&B tradicional con raperos como Drake , quien ha abierto una puerta completamente nueva para el género. Este sonido ha ganado popularidad y ha creado una gran controversia tanto para el hip-hop como para el R&B en cuanto a cómo identificarlo. [113] En 2010, el Salón Nacional de la Fama del Rhythm & Blues fue fundado por LaMont "ShowBoat" Robinson . [114]
Según el escritor judío, ejecutivo de publicaciones musicales y compositor Arnold Shaw , durante la década de 1940 en los EE. UU., en general, había pocas oportunidades para los judíos en el ámbito de las comunicaciones masivas controlado por WASP , pero el negocio de la música estaba "abierto tanto para los judíos como para los negros". [115] Los judíos desempeñaron un papel clave en el desarrollo y la popularización de la música afroamericana, incluido el rhythm and blues, y el negocio discográfico independiente estaba dominado por jóvenes judíos que promovían los sonidos de la música negra. [116]
El rhythm and blues y el blues rock británicos se desarrollaron a principios de la década de 1960, en gran medida como respuesta a las grabaciones de artistas estadounidenses, a menudo traídas por militares afroamericanos destinados en Gran Bretaña o marineros que visitaban puertos como Londres, Liverpool, Newcastle y Belfast. [117] [118] Muchas bandas, particularmente en la escena de clubes en desarrollo de Londres, intentaron emular a los intérpretes negros de rhythm and blues, lo que resultó en un sonido más "crudo" o "áspero" que los " grupos beat " más populares. [119] Durante la década de 1960, Geno Washington , The Foundations y The Equals obtuvieron éxitos pop. [120] Muchos músicos negros británicos ayudaron a formar la escena británica de R&B. Estos incluyeron a Geno Washington , un cantante estadounidense destinado en Inglaterra con la Fuerza Aérea. Fue invitado a unirse a lo que se convirtió en Geno Washington & the Ram Jam Band por el guitarrista Pete Gage en 1965 y disfrutó de sencillos top 40 y dos álbumes top 10 antes de que la banda se separara en 1969. [121] Otro soldado estadounidense , Jimmy James , nacido en Jamaica, se mudó a Londres después de dos éxitos número uno locales en 1960 con The Vagabonds, quienes construyeron una sólida reputación como acto en vivo. Lanzaron un álbum en vivo y su debut en estudio, The New Religion, en 1966 y lograron un éxito moderado con algunos sencillos antes de que los Vagabonds originales se separaran en 1970. [122] El músico de blues rock blanco Alexis Korner formó la nueva banda de jazz rock CCS en 1970. [123] El interés en el blues influiría en los principales músicos de rock británicos, incluidos Eric Clapton , Mick Taylor , Peter Green y John Mayall , los grupos Free y Cream adoptaron un interés en una gama más amplia de estilos de rhythm and blues. [119]
Los Rolling Stones se convirtieron en la segunda banda más popular del Reino Unido (después de los Beatles ) [124] y lideraron la " Invasión británica " de las listas de éxitos pop de Estados Unidos. [119] Los Rolling Stones versionaron la canción de Bobby Womack & the Valentinos [125] " It's All Over Now ", lo que les dio su primer número uno en el Reino Unido en 1964. [126] Bajo la influencia del blues y el R&B, bandas como los Rolling Stones, los Yardbirds y los Animals, y bandas más influenciadas por el jazz como Graham Bond Organisation y Zoot Money , tuvieron álbumes de soul de ojos azules. [119] Los músicos blancos de R&B populares en el Reino Unido incluyeron a Steve Winwood , Frankie Miller, Scott Walker & the Walker Brothers , los Animals de Newcastle, [127] el Spencer Davis Group y Van Morrison & Them de Belfast. [119] Ninguna de estas bandas tocaba exclusivamente rhythm and blues, pero éste permaneció en el centro de sus primeros álbumes. [119]
Champion Jack Dupree fue un pianista de blues y boogie woogie de Nueva Orleans que realizó giras por Europa y se estableció allí desde 1960, viviendo en Suiza y Dinamarca, luego en Halifax, Inglaterra en los años 1970 y 1980, antes de establecerse finalmente en Alemania. [128] De la década de 1970 a la de 1980, Carl Douglas , Hot Chocolate, Delegation, Junior, Central Line, Princess, Jacki Graham, David Grant, The Loose Ends, The Pasadenas y Soul II Soul obtuvieron éxitos en las listas de pop o R&B. [129] La música de la subcultura mod británica surgió del rhythm and blues y más tarde del soul interpretado por artistas que no estaban disponibles para los pequeños clubes de Londres donde se originó la escena. [130] A fines de la década de 1960, The Who interpretó canciones de R&B estadounidenses como el éxito de Motown "Heat Wave", una canción que reflejaba el estilo de vida joven del mod. [130] Muchas de estas bandas disfrutaron de un éxito nacional en el Reino Unido, pero les resultó difícil entrar en el mercado musical estadounidense. [130] Las bandas blancas británicas de R&B produjeron música que era muy diferente en tono de la de los artistas afroamericanos. [119]
basado en informes de ventas de Rainbow Music Shop, Harvard Radio Shop, Lehman Music Company, Harlem De Luxe Music Store, Ray's Music Shop y Frank's Melody Music Shop, Nueva York". Andy Kirk and His Clouds of Joy encabezó el recuento inaugural con "Take It and Git".
tal como se escucha en la mezcla vocal de los grupos "doo-wop".
su significado abarca tanto el sexo como el baile
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