El arte griego antiguo se destaca entre el de otras culturas antiguas por su desarrollo de representaciones naturalistas pero idealizadas del cuerpo humano, en las que las figuras masculinas, en su mayoría desnudas, eran generalmente el foco de innovación. El ritmo de desarrollo estilístico entre aproximadamente 750 y 300 a. C. fue notable para los estándares antiguos, y en las obras supervivientes se ve mejor en la escultura . Hubo innovaciones importantes en la pintura, que tienen que ser reconstruidas esencialmente debido a la falta de supervivencias originales de calidad, aparte del campo específico de la cerámica pintada.
La arquitectura griega , técnicamente muy simple, estableció un estilo armonioso con numerosas convenciones detalladas que fueron ampliamente adoptadas por la arquitectura romana y aún se siguen en algunos edificios modernos. Utilizó un vocabulario de ornamentación que compartía con la cerámica, la metalistería y otros medios, y tuvo una enorme influencia en el arte euroasiático , especialmente después de que el budismo lo llevara más allá del mundo griego expandido creado por Alejandro Magno . El contexto social del arte griego incluyó desarrollos políticos radicales y un gran aumento de la prosperidad; los logros griegos igualmente impresionantes en filosofía , literatura y otros campos son bien conocidos.
El arte más antiguo de los griegos generalmente se excluye del "arte griego antiguo", y en su lugar se lo conoce como arte neolítico griego seguido del arte egeo ; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y micénica de la Edad del Bronce griega . [1] El arte de la antigua Grecia suele dividirse estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico , el arcaico , el clásico y el helenístico . La edad geométrica suele datar de alrededor del año 1000 a. C., aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años anteriores, tradicionalmente conocidos como la Edad Oscura griega . El siglo VII a. C. fue testigo del lento desarrollo del estilo arcaico, ejemplificado por el estilo de figuras negras de la pintura de vasos. En general, se considera que el año 500 a. C., poco antes del inicio de las guerras médicas (480 a. C. a 448 a. C.), es la línea divisoria entre el período arcaico y el clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) separa el período clásico del helenístico. A partir de algún momento del siglo I a. C. se utiliza el término "grecorromano", o términos más locales para referirse al mundo griego oriental. [2]
En realidad, no hubo una transición brusca de un período a otro. Las formas de arte se desarrollaron a diferentes velocidades en las distintas partes del mundo griego y, como en cualquier época, algunos artistas trabajaron en estilos más innovadores que otros. Las fuertes tradiciones locales y las exigencias de los cultos locales permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de obras de arte que se encuentran lejos de su lugar de origen. El arte griego de diversos tipos se exportó ampliamente. Durante todo el período se produjo un aumento generalmente constante de la prosperidad y de los vínculos comerciales dentro del mundo griego y con las culturas vecinas.
La tasa de supervivencia del arte griego difiere marcadamente entre los distintos medios. Tenemos enormes cantidades de cerámica y monedas, mucha escultura de piedra, aunque aún más copias romanas, y unas pocas esculturas de bronce de gran tamaño. Casi no hay pinturas, vasijas de metal fino y cualquier material perecedero, incluida la madera. Se ha conservado la estructura de piedra de varios templos y teatros, pero poco de su extensa decoración. [3]
Por convención, los vasos finamente pintados de todas las formas se denominan "vasos", y hay más de 100.000 piezas supervivientes significativamente completas, [5] que ofrecen (con las inscripciones que muchas llevan) una visión incomparable de muchos aspectos de la vida griega. La cerámica escultórica o arquitectónica, también muy a menudo pintada, se conoce como terracotas , y también sobrevive en grandes cantidades. En gran parte de la literatura, "cerámica" significa solo vasos pintados o "vasos". La cerámica era la forma principal de ajuar funerario depositado en las tumbas, a menudo como "urnas funerarias" que contenían las cenizas cremadas , y se exportaba ampliamente.
El famoso y característico estilo de la pintura de vasos griegos, con figuras representadas con contornos marcados y líneas finas dentro de los mismos, alcanzó su apogeo entre los años 600 y 350 a. C. y se divide en dos estilos principales, casi inversos entre sí, la pintura de figuras negras y la pintura de figuras rojas , en la que el otro color forma el fondo en cada caso. Los demás colores eran muy limitados, normalmente a pequeñas áreas de blanco y otras más grandes de un rojo violáceo diferente. Dentro de las restricciones de estas técnicas y otras convenciones estrictas, los pintores de vasos lograron resultados notables, combinando refinamiento y expresión poderosa. La técnica de fondo blanco permitía más libertad en la representación, pero no se conservaba bien y se hacía principalmente para los entierros. [6]
Tradicionalmente, se dice que los antiguos griegos fabricaban la mayoría de los recipientes de cerámica para uso cotidiano, no para exhibición. Las excepciones son los grandes vasos monumentales arcaicos hechos como marcadores de tumbas, los trofeos ganados en juegos, como las ánforas Panateneas llenas de aceite de oliva, y las piezas hechas específicamente para ser dejadas en las tumbas; algunos frascos de perfume tienen un fondo para ahorrar dinero justo debajo de la boca, por lo que una pequeña cantidad hace que parezcan llenos. [7] En las últimas décadas, muchos académicos han cuestionado esto, al ver que se ha producido mucho más de lo que se pensaba anteriormente como hecho para ser colocado en tumbas, como un sustituto más barato para la metalistería tanto en Grecia como en Etruria. [8]
La mayor parte de la cerámica que sobrevive consiste en recipientes para almacenar, servir o beber líquidos, como ánforas , cráteras (cuencos para mezclar vino y agua), hidrias (jarras de agua), cuencos para libaciones, frascos de aceite y perfume para el baño, jarras y copas. Los recipientes pintados para servir y comer alimentos son mucho menos comunes. La cerámica pintada era asequible incluso para la gente común, y una pieza "decorada decentemente con unas cinco o seis figuras costaba alrededor de dos o tres días de salario". [9] También se produjeron miniaturas en grandes cantidades, principalmente para su uso como ofrendas en los templos. [10] En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte es de poca importancia artística.
En épocas anteriores, incluso las ciudades griegas más pequeñas producían cerámica para su propia localidad. Estas variaban ampliamente en estilo y estándares. La cerámica distintiva que se clasifica como arte se produjo en algunas de las islas del Egeo , en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia . [12] Sin embargo, a finales del período Arcaico y principios del Clásico, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas , llegaron a dominar. Su cerámica se exportó a todo el mundo griego, expulsando a las variedades locales. Las vasijas de Corinto y Atenas se encuentran en lugares tan lejanos como España y Ucrania , y son tan comunes en Italia que se recolectaron por primera vez en el siglo XVIII como "vasijas etruscas". [13] Muchas de estas vasijas son productos producidos en masa de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la cerámica se había convertido en una industria y la pintura de cerámica dejó de ser una forma de arte importante.
La gama de colores que se podían utilizar en las vasijas estaba limitada por la tecnología de cocción: el negro, el blanco, el rojo y el amarillo eran los más comunes. En los tres períodos anteriores, las vasijas conservaban su color claro natural y se decoraban con engobe que se volvía negro en el horno. [6]
La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro alfarero, pero sólo ocasionalmente por el pintor. Sin embargo, cientos de pintores son identificables por sus personalidades artísticas: cuando no han sobrevivido sus firmas, se les nombra por sus elecciones temáticas, como "el Pintor de Aquiles ", por el alfarero para el que trabajaron, como el " Pintor de Cleofrades " del Arcaico Tardío , o incluso por sus ubicaciones modernas, como el " Pintor de Berlín " del Arcaico Tardío. [14]
La historia de la cerámica griega antigua se divide estilísticamente en cinco períodos:
Durante los períodos protogeométrico y geométrico , la cerámica griega estaba decorada con diseños abstractos, en el primero generalmente elegantes y grandes, con mucho espacio sin pintar, pero en el geométrico a menudo cubrían densamente la mayor parte de la superficie, como en las grandes vasijas del Maestro Dipylon , que trabajó alrededor de 750. Él y otros alfareros de su época comenzaron a introducir figuras de siluetas muy estilizadas de humanos y animales, especialmente caballos. Estas a menudo representan procesiones fúnebres o batallas, presumiblemente representando las libradas por los difuntos. [15]
La fase geométrica fue seguida por un período orientalizante a finales del siglo VIII, cuando algunos animales, muchos de ellos míticos o no nativos de Grecia (como la esfinge y el león respectivamente) fueron adaptados del Cercano Oriente, acompañados de motivos decorativos, como el loto y la palmeta. Estos se mostraban mucho más grandes que las figuras anteriores. El estilo de la cabra salvaje es una variante regional, que muy a menudo muestra cabras . Las figuras humanas no fueron tan influenciadas por Oriente, pero también se volvieron más grandes y más detalladas. [16]
La técnica de figuras negras , que alcanzó su madurez plena y con detalles en rojo y blanco añadidos e incisiones para los contornos y los detalles, se originó en Corinto a principios del siglo VII a. C. y se introdujo en Ática aproximadamente una generación después; floreció hasta finales del siglo VI a. C. [17] La técnica de figuras rojas , inventada alrededor del 530 a. C., invirtió esta tradición, ya que las vasijas se pintaban de negro y las figuras de rojo. Los jarrones de figuras rojas reemplazaron lentamente al estilo de figuras negras. A veces, los vasos más grandes también se grababan y se pintaban. Los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos , se volvieron comunes. [18]
Hacia el año 320 a. C., la pintura figurativa de vasos había cesado en Atenas y otros centros griegos, y el estilo policromado de Kerch fue su último florecimiento; probablemente fue reemplazado por la metalistería para la mayoría de sus funciones. La cerámica de la ladera oeste , con motivos decorativos sobre un cuerpo vidriado en negro , continuó durante más de un siglo después. [19] La pintura italiana de figuras rojas terminó alrededor del año 300, y en el siglo siguiente, los vasos Hadra relativamente primitivos , probablemente de Creta , la cerámica Centuripe de Sicilia y las ánforas Panateneas , ahora una tradición congelada, fueron los únicos vasos pintados de gran tamaño que todavía se fabricaban. [20]
.jpg/1280px-The_Derveni_krater,_late_4th_century_B.C.,_side_A,_Dionysus_and_Ariadne,_Archaeological_Museum,_Thessaloniki,_Greece_(7457851940).jpg)
La metalistería fina era un arte importante en la antigua Grecia, pero la producción posterior está muy poco representada por los restos, la mayoría de los cuales proceden de los confines del mundo griego o de lugares tan lejanos como Francia o Rusia. Se producían vasijas y joyas de gran calidad y se exportaban a lugares muy lejanos. Los objetos de plata, que en aquella época valían más que el oro en relación con su valor actual, solían llevar inscripciones de parte de los fabricantes con su peso, ya que se consideraban en gran medida depósitos de valor y era probable que se vendieran o se volvieran a fundir en poco tiempo. [22]
Durante las fases geométrica y arcaica, la producción de grandes vasijas de metal fue una expresión importante de la creatividad griega y una etapa importante en el desarrollo de las técnicas de trabajo del bronce, como la fundición y el martillado repujado . Los primeros santuarios, especialmente Olimpia , produjeron cientos de vasijas trípode o vasijas trípode para sacrificios , en su mayoría de bronce , depositadas como votivas . Estas tenían un cuenco poco profundo con dos asas elevadas sobre tres patas; en versiones posteriores, el soporte y el cuenco eran piezas diferentes. Durante el período orientalizante, estos trípodes se decoraban con frecuencia con protomos figurativos , en forma de grifos , esfinges y otras criaturas fantásticas. [23]
Las espadas, el casco griego y, a menudo, las armaduras corporales, como la coraza de músculos , estaban hechas de bronce, a veces decoradas con metales preciosos, como en la coraza Ksour Essef del siglo III . [24] La armadura y las "bandas de escudo" son dos de los contextos para las tiras de escenas en bajorrelieve arcaicas, que también se unían a varios objetos de madera; la banda del cráter de Vix es un gran ejemplo. [25] Los espejos de bronce pulido, inicialmente con dorsos decorados y mangos de kore, eran otro artículo común; el tipo posterior de "espejo plegable" tenía piezas de cubierta con bisagras, a menudo decoradas con una escena en relieve, típicamente erótica. [26] Las monedas se describen a continuación.
Desde finales del Arcaico, la mejor metalistería siguió el ritmo de los desarrollos estilísticos en la escultura y otras artes, y Fidias se encuentra entre los escultores que se sabe que la practicaron. [27] El gusto helenístico fomentaba exhibiciones muy intrincadas de virtuosismo técnico, tendiendo a la "inteligencia, la extravagancia o la elegancia excesiva". [28] Muchas o la mayoría de las formas de cerámica griega se tomaron de formas utilizadas por primera vez en metal, y en las últimas décadas ha habido una opinión cada vez mayor de que gran parte de las mejores pinturas de vasos reutilizaron diseños de plateros para vasos con grabados y secciones revestidas en un metal diferente, trabajando a partir de diseños dibujados. [29]
Supervivencias excepcionales de lo que puede haber sido una clase relativamente común de grandes vasos de bronce son dos cráteras de voluta , para mezclar vino y agua. [30] Se trata de la Crátera de Vix , c. 530 a. C. , de 1,63 m (5 pies 4 pulgadas) de alto y más de 200 kg (440 libras) de peso, con capacidad para unos 1100 litros, y encontrada en el entierro de una mujer celta en la Francia moderna, [31] y la Crátera de Derveni del siglo IV , de 90,5 cm (35,6 pulgadas) de alto. [32] Las élites de otros vecinos de los griegos, como los tracios y los escitas , eran ávidos consumidores de metalistería griega, y probablemente atendidas por orfebres griegos establecidos en sus territorios, que adaptaron sus productos para satisfacer los gustos y funciones locales. Estas piezas híbridas forman una gran parte de las supervivencias, incluido el tesoro de Panagyurishte , el tesoro de Borovo y otros tesoros tracios , y varios entierros escitas, que probablemente contenían obras de artistas griegos establecidos en los asentamientos griegos en el Mar Negro . [33] Al igual que con otras artes de lujo, el cementerio real macedonio en Vergina ha producido objetos de primera calidad de la cúspide de los períodos clásico y helenístico. [34]
Las joyas destinadas al mercado griego suelen ser de una calidad excelente [35] , y una forma poco habitual son las intrincadas y delicadas coronas de oro que imitan formas vegetales y que se llevan sobre la cabeza. Probablemente, rara vez se llevaban en vida, sino que se daban como exvotos y se llevaban en la muerte [36] . Muchos de los retratos de momias de Fayum las llevan. Algunas piezas, especialmente en el período helenístico, son lo suficientemente grandes como para ofrecer espacio para figuras, como lo hacía el gusto escita por piezas relativamente sustanciales en oro [37] .
,_medaglioni_ellenistici_in_argento,_II-I_sec_ac._02.JPG/1280px-Miletopoli_(oggi_mysia_in_turchia),_medaglioni_ellenistici_in_argento,_II-I_sec_ac._02.JPG)
Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. [39] Al ver a sus dioses con forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles tenía solo ligeras diferencias de tratamiento con uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante era el kouros (plural kouroi ), el desnudo masculino de pie (ver por ejemplo Biton y Kleobis ). El kore (plural korai ), o figura femenina vestida de pie, también era común, pero como la sociedad griega no permitió la exhibición pública de desnudez femenina hasta el siglo IV a. C., se considera que el kore fue de menor importancia en el desarrollo de la escultura. [40] A finales del período, la escultura arquitectónica en los templos estaba adquiriendo importancia.
Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas monumentales con el único fin de exhibirlas. Las estatuas eran encargadas por individuos aristocráticos o por el estado y se utilizaban para conmemoraciones públicas, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra con frecuencia por las inscripciones en las estatuas), o como marcadores de tumbas. Las estatuas del período arcaico no estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre eran representaciones de hombres jóvenes, de edades que iban desde la adolescencia hasta la madurez temprana, incluso cuando se colocaban en las tumbas de ciudadanos (presumiblemente) mayores. Los kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargaba la estatua se indicaban por el tamaño en lugar de por innovaciones artísticas. [41]
A diferencia de los autores, quienes practicaban las artes visuales, incluida la escultura, inicialmente tenían un estatus social bajo en la antigua Grecia, aunque escultores cada vez más destacados podían llegar a ser famosos y bastante ricos, y a menudo firmaban sus obras (a menudo en el pedestal, que normalmente se separaba de la estatua misma). [42] Plutarco ( Vida de Pericles , II) dijo "admiramos la obra de arte pero despreciamos a su autor"; esta era una visión común en el mundo antiguo. La escultura griega antigua se clasifica por los períodos estilísticos habituales de "arcaico", "clásico" y "helenístico", aumentados con algunos adicionales que se aplican principalmente a la escultura, como el estilo orientalizante daédico y el estilo severo de la escultura clásica temprana. [43]
Las esculturas de la antigua Grecia que han sobrevivido se hacían principalmente con dos tipos de materiales. La piedra, especialmente el mármol u otras calizas de alta calidad, se utilizaba con más frecuencia y se tallaba a mano con herramientas de metal. Las esculturas de piedra podían ser esculturas independientes totalmente talladas en bulto redondo (estatuas) o relieves parcialmente tallados todavía adheridos a una placa de fondo, por ejemplo, en frisos arquitectónicos o estelas funerarias . [44]
Las estatuas de bronce tenían un estatus superior, pero han sobrevivido en cantidades mucho menores, debido a la reutilización de los metales. Por lo general, se hacían con la técnica de la cera perdida . Las estatuas criselefantinas , o de oro y marfil, eran las imágenes de culto en los templos y se consideraban la forma más alta de escultura, pero solo han sobrevivido algunas piezas fragmentarias. Normalmente eran de tamaño superior al natural, construidas alrededor de un marco de madera, con delgadas losas talladas de marfil que representaban la carne, y láminas de pan de oro , probablemente sobre madera, que representaban las prendas, la armadura, el cabello y otros detalles. [45]
En algunos casos, se utilizó pasta de vidrio, vidrio y piedras preciosas y semipreciosas para los detalles, como los ojos, las joyas y las armas. Otras grandes estatuas acrolíticas utilizaron piedra para las partes carnosas y madera para el resto, y las estatuas de mármol a veces tenían peinados de estuco . La mayoría de las esculturas estaban pintadas (ver más abajo) y muchas llevaban joyas reales y tenían ojos incrustados y otros elementos en diferentes materiales. [46]
En ocasiones se empleó terracota para estatuas de gran tamaño. De este material, sobrevivieron pocos ejemplos, al menos en parte debido a la fragilidad de dichas estatuas. La excepción más conocida es una estatua de Zeus cargando a Ganimedes encontrada en Olimpia , realizada alrededor del 470 a. C. En este caso, la terracota está pintada. Sin duda, hubo esculturas puramente en madera, que pueden haber sido muy importantes en los primeros períodos, pero en realidad no sobrevivió ninguna. [47]
El arte cicládico de la Edad del Bronce , hasta aproximadamente el año 1100 a. C., ya mostraba un enfoque inusual en la figura humana, que generalmente se mostraba en una posición frontal, de pie y con los brazos cruzados sobre el estómago. Entre los rasgos más pequeños, solo se esculpían narices, a veces ojos y pechos femeninos, aunque aparentemente las figuras solían estar pintadas y es posible que originalmente tuvieran un aspecto muy diferente.
Inspirados por la monumental escultura de piedra de Egipto y Mesopotamia , durante el período Arcaico los griegos comenzaron de nuevo a tallar en piedra: los mercenarios y comerciantes griegos estaban activos en el extranjero, como en Egipto al servicio del faraón Psamético I (664-610 a. C.), y estuvieron expuestos al arte monumental de estos países. [48] [49] En general, se acepta que "la estatuaria egipcia del segundo milenio a. C. dio el impulso decisivo para la innovación de la escultura griega en tamaño natural y en hiperformatos en el Período Arcaico durante finales del siglo VII". [48] Las figuras exentas comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (Período Arcaico Temprano, c. 660-580 a. C., ambos en el Louvre, París). Después de aproximadamente el año 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, lucían la llamada sonrisa arcaica . Esta expresión, que no tiene ninguna adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva. [50]
Se utilizaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie (kouros), la muchacha de pie vestida con ropas (kore) y, con menos frecuencia, la mujer sentada. [51] Todas enfatizan y generalizan los rasgos esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Apolo de Strangford de Anafi (Museo Británico, Londres), una obra mucho más tardía; y el Anavyssos Kouros ( Museo Arqueológico Nacional de Atenas ). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las muchachas de pie vestidas con ropas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas . Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y meticulosidad comunes en los detalles de la escultura de este período. [52]
Se han conservado relieves arcaicos de muchas tumbas y de edificios más grandes en Foce del Sele (ahora en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum ) en Italia, con dos grupos de paneles de metopas , de alrededor de 550 y 510, y el Tesoro de los Sifnios en Delfos, con frisos y un pequeño frontón . Partes, todas ahora en museos locales, sobreviven de los grandes grupos de frontones triangulares del Templo de Artemisa, Corfú ( c. 580 ), dominado por una enorme Gorgona , y el Antiguo Templo de Atenea en Atenas ( c. 530-500 ). [53]
En el período clásico se produjo una revolución en la estatuaria griega, generalmente asociada con la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi . El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (véase el Auriga de Delfos como ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó enormemente. A partir de aproximadamente el año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar personas reales. Se dice que las estatuas de Harmodio y Aristogitón erigidas en Atenas para marcar el derrocamiento de la tiranía fueron los primeros monumentos públicos a personas reales. [54]
Al mismo tiempo, la escultura y las estatuas se utilizaron más ampliamente. Los grandes templos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, requerían esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas en bulto redondo para llenar los campos triangulares de los frontones . El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho la innovación escultórica. Estas obras sobreviven solo en fragmentos, los más famosos de los cuales son los mármoles del Partenón , la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico. [57]
Durante este período, la estatuaria funeraria evolucionó desde los rígidos e impersonales kouros del período arcaico hasta los grupos familiares sumamente personales del período clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), cada vez más representaban a personas reales, generalmente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Se encuentran entre los restos más íntimos y conmovedores de los antiguos griegos. [58]
En el período clásico, por primera vez conocemos los nombres de escultores individuales. Fidias supervisó el diseño y la construcción del Partenón . Praxíteles hizo que el desnudo femenino fuera respetable por primera vez en el período clásico tardío (mediados del siglo IV): su Afrodita de Cnido , de la que sobreviven copias, fue considerada por Plinio como la estatua más grande del mundo. [59]
Las obras más famosas del período clásico para los contemporáneos fueron la colosal estatua de Zeus en Olimpia y la estatua de Atenea Partenos en el Partenón. Ambas eran criselefantinas y fueron ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y ahora están perdidas, aunque todavía existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambas. Su tamaño y magnificencia impulsaron a los emperadores a apoderarse de ellas en el período bizantino , y ambas fueron trasladadas a Constantinopla , donde más tarde fueron destruidas en incendios. [60]
La transición del periodo clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. C. Tras las conquistas de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.), la cultura griega se extendió hasta la India , como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán , y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos . El arte grecobudista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Así, el arte griego se volvió más diverso y más influenciado por las culturas de los pueblos atraídos hacia la órbita griega. [61]
En opinión de algunos historiadores del arte, también decayó en calidad y originalidad. Sin embargo, se trata de una opinión que los artistas y amantes del arte de la época no habrían compartido. De hecho, muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas ahora se reconocen como helenísticas. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo . Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría , Antioquía , Pérgamo y otras ciudades, donde las nuevas monarquías eran mecenas pródigos. [62] En el siglo II, el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos. [63]
Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y expresiva; el interés por representar emociones extremas a veces se llevó al extremo. Los temas de género de gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; el Niño con espinas es un ejemplo. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. [64]
El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado a menudo en pinturas y figurillas de vasos anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. Ahora se hicieron tales obras, sobreviviendo en copias que incluyen el Fauno de Barberini , el Torso de Belvedere y el Sátiro en reposo ; los Centauros Furietti y Hermafrodito durmiente reflejan temas relacionados. [65] Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron por todo Egipto , Siria y Anatolia requirieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió la escultura, como la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que en el caso del período clásico.
Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), [66] la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.), el Galo moribundo (hacia el 230 a.C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emotivo de lo que habría permitido el gusto austero del período clásico o sus habilidades técnicas.
El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que quitó las batallas épicas de los relieves de frontones de templos anteriores de sus paredes y las colocó como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama " barroco ", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. Los relieves del Altar de Pérgamo son las supervivencias originales más cercanas, pero se cree que varias obras bien conocidas son copias romanas de originales helenísticos. Estas incluyen el Galo moribundo y el Galo de Ludovisi , así como un Galo arrodillado menos conocido y otras, todas ellas se cree que copian encargos de Pérgamo por Atalo I para conmemorar su victoria alrededor de 241 sobre los galos de Galacia , probablemente compuestos por dos grupos. [67]
El grupo del Laocoonte , el Toro Farnesio , Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo ("grupo Pasquino"), Arrotino y las esculturas de Sperlonga son otros ejemplos. [68] A partir del siglo II, el estilo neoático o neoclásico es visto por diferentes académicos como una reacción a los excesos barrocos, volviendo a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para estatuas de culto. [69] Los talleres de este estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería copias de piezas clásicas en lugar de helenísticas. [70]
Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia de Heracleo (hoy sumergida) incluyen una representación de Isis del siglo IV a. C., inusualmente sensual, detallada y feminista (en lugar de deificada) , que marca una combinación de formas egipcias y helenísticas que comenzó alrededor de la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno . Sin embargo, esto no era típico de la escultura de la corte ptolemaica , que generalmente evitaba mezclar estilos egipcios con su estilo helenístico bastante convencional, [71] mientras que los templos del resto del país continuaron utilizando versiones tardías de fórmulas egipcias tradicionales. [72] Los académicos han propuesto un "estilo alejandrino" en la escultura helenística, pero de hecho hay poco que lo relacione con Alejandría. [73]
La escultura helenística también se caracterizó por un aumento de escala, que culminó con el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que tenía el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad . El efecto combinado de los terremotos y los saqueos destruyó esta y otras obras de gran tamaño de este período.
Clay is a material frequently used for the making of votive statuettes or idols, even before the Minoan civilization and continuing until the Roman period. During the 8th century BC tombs in Boeotia often contain "bell idols", female statuettes with mobile legs: the head, small compared to the remainder of the body, is perched at the end of a long neck, while the body is very full, in the shape of a bell.[74] Archaic heroon tombs, for local heroes, might receive large numbers of crudely-shaped figurines, with rudimentary figuration, generally representing characters with raised arms.
By the Hellenistic period most terracotta figurines have lost their religious nature, and represent characters from everyday life. Tanagra figurines, from one of several centres of production, are mass-manufactured using moulds, and then painted after firing. Dolls, figures of fashionably-dressed ladies and of actors, some of these probably portraits, were among the new subjects, depicted with a refined style. These were cheap, and initially displayed in the home much like modern ornamental figurines, but were quite often buried with their owners. At the same time, cities like Alexandria, Smyrna or Tarsus produced an abundance of grotesque figurines, representing individuals with deformed members, eyes bulging and contorting themselves. Such figurines were also made from bronze.[75]
For painted architectural terracottas, see Architecture below.
Figurines made of metal, primarily bronze, are an extremely common find at early Greek sanctuaries like Olympia, where thousands of such objects, mostly depicting animals, have been found. They are usually produced in the lost wax technique and can be considered the initial stage in the development of Greek bronze sculpture. The most common motifs during the Geometric period were horses and deer, but dogs, cattle and other animals are also depicted. Human figures occur occasionally. The production of small metal votives continued throughout Greek antiquity. In the Classical and Hellenistic periods, more elaborate bronze statuettes, closely connected with monumental sculpture, also became common. High quality examples were keenly collected by wealthy Greeks, and later Romans, but relatively few have survived.[76]
Architecture (meaning buildings executed to an aesthetically considered design) ceased in Greece from the end of the Mycenaean period (about 1200 BC) until the 7th century, when urban life and prosperity recovered to a point where public building could be undertaken. Since most Greek buildings in the Archaic and Early Classical periods were made of wood or mudbrick, nothing remains of them except a few ground-plans, and there are almost no written sources on early architecture or descriptions of buildings. Most of our knowledge of Greek architecture comes from the surviving buildings of the Late Archaic, Classical, Hellenistic and Roman periods (since ancient Roman architecture heavily used Greek styles), and from late written sources such as Vitruvius (1st century BC). This means that there is a strong bias towards temples, the most common major buildings to survive. Here the squared blocks of stone used for walls were useful for later buildings, and so often all that survives are parts of columns and metopes that were harder to recycle.[77]
For most of the period a strict stone post and lintel system of construction was used, held in place only by gravity. Corbelling was known in Mycenean Greece, and the arch was known from the 5th century at the latest, but hardly any use was made of these techniques until the Roman period.[78] Wood was only used for ceilings and roof timbers in prestigious stone buildings. The use of large terracotta roof tiles, only held in place by grooving, meant that roofs needed to have a low pitch.[79]
Until Hellenistic times only public buildings were built using the formal stone style; these included above all temples, and the smaller treasury buildings which often accompanied them, and were built at Delphi by many cities. Other building types, often not roofed, were the central agora, often with one or more colonnaded stoa around it, theatres, the gymnasium and palaestra or wrestling-school, the ekklesiasterion or bouleuterion for assemblies, and the propylaea or monumental gateways.[80] Round buildings for various functions were called a tholos,[81] and the largest stone structures were often defensive city walls.
Tombs were for most of the period only made as elaborate mausolea around the edges of the Greek world, especially in Anatolia.[82] Private houses were built around a courtyard where funds allowed, and showed blank walls to the street. They sometimes had a second story, but very rarely basements. They were usually built of rubble at best, and relatively little is known about them; at least for males, much of life was spent outside them.[83] A few palaces from the Hellenistic period have been excavated.[84]
.jpg/1280px-Treasury_house_of_Athens_in_Delphi_(July_2018).jpg)
Temples and some other buildings such as the treasuries at Delphi were planned as either a cube or, more often, a rectangle made from limestone, of which Greece has an abundance, and which was cut into large blocks and dressed. This was supplemented by columns, at least on the entrance front, and often on all sides.[85] Other buildings were more flexible in plan, and even the wealthiest houses seem to have lacked much external ornament. Marble was an expensive building material in Greece: high quality marble came only from Mt Pentelus in Attica and from a few islands such as Paros, and its transportation in large blocks was difficult. It was used mainly for sculptural decoration, not structurally, except in the very grandest buildings of the Classical period such as the Parthenon in Athens.[86]
There were two main classical orders of Greek architecture, the Doric and the Ionic, with the Corinthian order only appearing in the Classical period, and not becoming dominant until the Roman period. The most obvious features of the three orders are the capitals of the columns, but there are significant differences in other points of design and decoration between the orders.[87] These names were used by the Greeks themselves, and reflected their belief that the styles descended from the Dorian and Ionian Greeks of the Dark Ages, but this is unlikely to be true. The Doric was the earliest, probably first appearing in stone in the earlier 7th century, having developed (though perhaps not very directly) from predecessors in wood.[88] It was used in mainland Greece and the Greek colonies in Italy. The Ionic style was first used in the cities of Ionia (now the west coast of Turkey) and some of the Aegean islands, probably beginning in the 6th century.[89] The Doric style was more formal and austere, the Ionic more relaxed and decorative. The more ornate Corinthian order was a later development of the Ionic, initially apparently only used inside buildings, and using Ionic forms for everything except the capitals. The famous and well-preserved Choragic Monument of Lysicrates near the Acropolis of Athens (335/334) is the first known use of the Corinthian order on the exterior of a building.[90]
Most of the best known surviving Greek buildings, such as the Parthenon and the Temple of Hephaestus in Athens, are Doric. The Erechtheum, next to the Parthenon, however, is Ionic. The Ionic order became dominant in the Hellenistic period, since its more decorative style suited the aesthetic of the period better than the more restrained Doric. Some of the best surviving Hellenistic buildings, such as the Library of Celsus, can be seen in Turkey, at cities such as Ephesus and Pergamum.[91] But in the greatest of Hellenistic cities, Alexandria in Egypt, almost nothing survives.
Coins were (probably) invented in Lydia in the 7th century BC, but they were first extensively used by the Greeks,[93] and the Greeks set the canon of coin design which has been followed ever since. Coin design today still recognisably follows patterns descended from ancient Greece. The Greeks did not see coin design as a major art form, although some were expensively designed by leading goldsmiths, especially outside Greece itself, among the Central Asian kingdoms and in Sicilian cities keen to promote themselves. Nevertheless, the durability and abundance of coins have made them one of the most important sources of knowledge about Greek aesthetics.[94] Greek coins are the only art form from the ancient Greek world which can still be bought and owned by private collectors of modest means.
The most widespread coins, used far beyond their native territories and copied and forged by others, were the Athenian tetradrachm, issued from c. 510 to c. 38 BC, and in the Hellenistic age the Macedonian tetradrachm, both silver.[95] These both kept the same familiar design for long periods.[96] Greek designers began the practice of putting a profile portrait on the obverse of coins. This was initially a symbolic portrait of the patron god or goddess of the city issuing the coin: Athena for Athens, Apollo at Corinth, Demeter at Thebes and so on. Later, heads of heroes of Greek mythology were used, such as Heracles on the coins of Alexander the Great.
The first human portraits on coins were those of Achaemenid Empire Satraps in Asia Minor, starting with the exiled Athenian general Themistocles who became a Satrap of Magnesia c. 450 BC, and continuing especially with the dynasts of Lycia towards the end of the 5th century.[97] Greek cities in Italy such as Syracuse began to put the heads of real people on coins in the 4th century BC, as did the Hellenistic successors of Alexander the Great in Egypt, Syria and elsewhere.[98] On the reverse of their coins the Greek cities often put a symbol of the city: an owl for Athens, a dolphin for Syracuse and so on. The placing of inscriptions on coins also began in Greek times. All these customs were later continued by the Romans.[94]
The most artistically ambitious coins, designed by goldsmiths or gem-engravers, were often from the edges of the Greek world, from new colonies in the early period and new kingdoms later, as a form of marketing their "brands" in modern terms.[99] Of the larger cities, Corinth and Syracuse also issued consistently attractive coins. Some of the Greco-Bactrian coins are considered the finest examples of Greek coins with large portraits with "a nice blend of realism and idealization", including the largest coins to be minted in the Hellenistic world: the largest gold coin was minted by Eucratides (reigned 171–145 BC), the largest silver coin by the Indo-Greek king Amyntas Nikator (reigned c. 95–90 BC). The portraits "show a degree of individuality never matched by the often bland depictions of their royal contemporaries further West".[100]
The Greeks seem to have valued painting above even sculpture, and by the Hellenistic period the informed appreciation and even the practice of painting were components in a gentlemanly education. The ekphrasis was a literary form consisting of a description of a work of art, and we have a considerable body of literature on Greek painting and painters, with further additions in Latin, though none of the treatises by artists that are mentioned have survived.[101] We have hardly any of the most prestigious sort of paintings, on wood panel or in fresco, that this literature was concerned with, and very few of the copies that undoubtedly existed, equivalent to those which give us most of our knowledge of Greek sculpture.
The contrast with vase-painting is total. There are no mentions of that in literature at all, but over 100,000 surviving examples, giving many individual painters a respectable surviving oeuvre.[102] Our idea of what the best Greek painting was like must be drawn from a careful consideration of parallels in vase-painting, late Greco-Roman copies in mosaic and fresco, some very late examples of actual painting in the Greek tradition, and the ancient literature.[103]
There were several interconnected traditions of painting in ancient Greece. Due to their technical differences, they underwent somewhat differentiated developments. Early painting seems to have developed along similar lines to vase-painting, heavily reliant on outline and flat areas of colour, but then flowered and developed at the time that vase-painting went into decline. By the end of the Hellenistic period, technical developments included modelling to indicate contours in forms, shadows, foreshortening, some probably imprecise form of perspective, interior and landscape backgrounds, and the use of changing colours to suggest distance in landscapes, so that "Greek artists had all the technical devices needed for fully illusionistic painting".[104]
The most common and respected form of art, according to authors like Pliny or Pausanias, were panel paintings, individual, portable paintings on wood boards. The techniques used were encaustic (wax) painting and tempera. Such paintings normally depicted figural scenes, including portraits and still-lifes; we have descriptions of many compositions. They were collected and often displayed in public spaces. Pausanias describes such exhibitions at Athens and Delphi. We know the names of many famous painters, mainly of the Classical and Hellenistic periods, from literature (see expandable list to the right). The most famous of all ancient Greek painters was Apelles of Kos, whom Pliny the Elder lauded as having "surpassed all the other painters who either preceded or succeeded him."[105][106]
Due to the perishable nature of the materials used and the major upheavals at the end of antiquity, not one of the famous works of Greek panel painting has survived. We have slightly more significant survivals of mural compositions. The most important surviving Greek examples from before the Roman period are the fairly low-quality Pitsa panels from c. 530 BC,[107] the Tomb of the Diver from Paestum, and various paintings from the royal tombs at Vergina. More numerous paintings in Etruscan and Campanian tombs are based on Greek styles. In the Roman period, there are a number of wall paintings in Pompeii and the surrounding area, as well as in Rome itself, some of which are thought to be copies of specific earlier masterpieces.[108]
In particular copies of specific wall-paintings have been confidently identified in the Alexander Mosaic and Villa Boscoreale.[109] There is a large group of much later Greco-Roman archaeological survivals from the dry conditions of Egypt, the Fayum mummy portraits, together with the similar Severan Tondo, and a small group of painted portrait miniatures in gold glass.[110] Byzantine icons are also derived from the encaustic panel painting tradition, and Byzantine illuminated manuscripts sometimes continued a Greek illusionistic style for centuries.
The tradition of wall painting in Greece goes back at least to the Minoan and Mycenaean Bronze Age, with the lavish fresco decoration of sites like Knossos, Tiryns and Mycenae. It is not clear, whether there is any continuity between these antecedents and later Greek wall paintings.
Wall paintings are frequently described in Pausanias, and many appear to have been produced in the Classical and Hellenistic periods. Due to the lack of architecture surviving intact, not many are preserved. The most notable examples are a monumental Archaic 7th-century BC scene of hoplite combat from inside a temple at Kalapodi (near Thebes), and the elaborate frescoes from the 4th-century "Grave of Phillipp" and the "Tomb of Persephone" at Vergina in Macedonia, or the tomb at Agios Athanasios, Thessaloniki, which are sometimes suggested to be closely linked to the high-quality panel paintings mentioned above. The unusual survival of the Tomb of the Palmettes (3rd-century BC, excavated in 1971) with painting in good condition includes portraits of the couple buried inside on the tympanum.
Greek wall painting tradition is also reflected in contemporary grave decorations in the Greek colonies in Italy, e.g. the famous Tomb of the Diver at Paestum. Scholars believe that the celebrated Roman frescoes at sites like Pompeii are descendants of the Greek tradition, and some copy particular famous panel paintings. These Roman copies are all loose adaptations, however, with extra figures added, poses altered, and colouring changed.
Much of the figural or architectural sculpture of ancient Greece was painted colourfully. This aspect of Greek stonework is described as polychrome (from Greek πολυχρωμία, πολύ = many and χρώμα = colour). Due to intensive weathering, polychromy on sculpture and architecture has substantially or totally faded in most cases.
Although the word polychrome is created from the combining of two Greek words, it was not used in ancient Greece. The term was coined in the early nineteenth century by Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.[113]
Painting was also used to enhance the visual aspects of architecture. Certain parts of the superstructure of Greek temples were habitually painted since the Archaic period. Such architectural polychromy could take the form of bright colours directly applied to the stone (evidenced e.g. on the Parthenon, or of elaborate patterns, frequently architectural members made of terracotta (Archaic examples at Olympia and Delphi). Sometimes, the terracottas also depicted figural scenes, as do the 7th-century BC terracotta metopes from Thermon.[114]
Most Greek sculptures were painted in strong and bright colors; this is called "polychromy". The paint was frequently limited to parts depicting clothing, hair, and so on, with the skin left in the natural color of the stone or bronze, but it could also cover sculptures in their totality; female skin in marble tended to be uncoloured, while male skin might be a light brown. The painting of Greek sculpture should not merely be seen as an enhancement of their sculpted form, but has the characteristics of a distinct style of art.[115]
For example, the pedimental sculptures from the Temple of Aphaia on Aegina have recently been demonstrated to have been painted with bold and elaborate patterns, depicting, amongst other details, patterned clothing. The polychromy of stone statues was paralleled by the use of different materials to distinguish skin, clothing and other details in chryselephantine sculptures, and by the use of different metals to depict lips, fingernails, etc. on high-quality bronzes like the Riace bronzes.[115]
The most copious evidence of ancient Greek painting survives in the form of vase paintings. These are described in the "pottery" section above. They give at least some sense of the aesthetics of Greek painting. The techniques involved, however, were very different from those used in large-format painting. The same probably applies to the subject matter depicted. Vase painters appear to have usually been specialists within a pottery workshop, neither painters in other media nor potters. It should also be kept in mind that vase painting, albeit by far the most conspicuous surviving source on ancient Greek painting, was not held in the highest regard in antiquity, and is never mentioned in Classical literature.[116]
Mosaics were initially made with rounded pebbles, and later glass with tesserae which gave more colour and a flat surface. They were popular in the Hellenistic period, at first as decoration for the floors of palaces, but eventually for private homes.[118] Often a central emblema picture in a central panel was completed in much finer work than the surrounding decoration.[119] Xenia motifs, where a house showed examples of the variety of foods guests might expect to enjoy, provide most of the surviving specimens of Greek still-life. In general mosaic must be considered as a secondary medium copying painting, often very directly, as in the Alexander Mosaic.[120]
The Unswept Floor by Sosus of Pergamon (c. 200 BC) was an original and famous trompe-l'œil piece, known from many Greco-Roman copies. According to John Boardman, Sosus is the only mosaic artist whose name has survived; his Doves are also mentioned in literature and copied.[121] However, Katherine M. D. Dunbabin asserts that two different mosaic artists left their signatures on mosaics of Delos.[122] The artist of the 4th-century BC Stag Hunt Mosaic perhaps also left his signature as Gnosis, although this word may be a reference to the abstract concept of knowledge.[123]
Mosaics are a significant element of surviving Macedonian art, with a large number of examples preserved in the ruins of Pella, the ancient Macedonian capital, in today's Central Macedonia.[124] Mosaics such as the "Stag Hunt Mosaic and Lion Hunt" mosaic demonstrate illusionist and three dimensional qualities generally found in Hellenistic paintings, although the rustic Macedonian pursuit of hunting is markedly more pronounced than other themes.[125] The 2nd-century-BC mosaics of Delos, Greece were judged by François Chamoux as representing the pinnacle of Hellenistic mosaic art, with similar styles that continued throughout the Roman period and perhaps laid the foundations for the widespread use of mosaics in the Western world through to the Middle Ages.[118]
The engraved gem was a luxury art with high prestige; Pompey and Julius Caesar were among later collectors.[128] The technique has an ancient tradition in the Near East, and cylinder seals, whose design only appears when rolled over damp clay, from which the flat ring type developed, spread to the Minoan world, including parts of Greece and Cyprus. The Greek tradition emerged under Minoan influence on mainland Helladic culture, and reached an apogee of subtlety and refinement in the Hellenistic period.[129]
Round or oval Greek gems (along with similar objects in bone and ivory) are found from the 8th and 7th centuries BC, usually with animals in energetic geometric poses, often with a border marked by dots or a rim.[130] Early examples are mostly in softer stones. Gems of the 6th century are more often oval,[131] with a scarab back (in the past this type was called a "scarabaeus"), and human or divine figures as well as animals; the scarab form was apparently adopted from Phoenicia.[132]
The forms are sophisticated for the period, despite the usually small size of the gems.[96] In the 5th century gems became somewhat larger, but still only 2–3 centimetres tall. Despite this, very fine detail is shown, including the eyelashes on one male head, perhaps a portrait. Four gems signed by Dexamenos of Chios are the finest of the period, two showing herons.[133]
Relief carving became common in 5th century BC Greece, and gradually most of the spectacular carved gems were in relief. Generally a relief image is more impressive than an intaglio one; in the earlier form the recipient of a document saw this in the impressed sealing wax, while in the later reliefs it was the owner of the seal who kept it for himself, probably marking the emergence of gems meant to be collected or worn as jewellery pendants in necklaces and the like, rather than used as seals – later ones are sometimes rather large to use to seal letters. However, inscriptions are usually still in reverse ("mirror-writing") so they only read correctly on impressions (or by viewing from behind with transparent stones). This aspect also partly explains the collecting of impressions in plaster or wax from gems, which may be easier to appreciate than the original.
Larger hardstone carvings and cameos, which are rare in intaglio form, seem to have reached Greece around the 3rd century; the Farnese Tazza is the only major surviving Hellenistic example (depending on the dates assigned to the Gonzaga Cameo and the Cup of the Ptolemies), but other glass-paste imitations with portraits suggest that gem-type cameos were made in this period.[134] The conquests of Alexander had opened up new trade routes to the Greek world and increased the range of gemstones available.[135]
The synthesis in the Archaic period of the native repertoire of simple geometric motifs with imported, mostly plant-based, motifs from further east created a sizeable vocabulary of ornament, which artists and craftsmen used with confidence and fluency.[136] Today this vocabulary is seen above all in the large corpus of painted pottery, as well as in architectural remains, but it would have originally been used in a wide range of media, as a later version of it is used in European Neoclassicism.
Elements in this vocabulary include the geometrical meander or "Greek key", egg-and-dart, bead and reel, Vitruvian scroll, guilloche, and from the plant world the stylized acanthus leaves, volute, palmette and half-palmette, plant scrolls of various kinds, rosette, lotus flower, and papyrus flower. Originally used prominently on Archaic vases, as figurative painting developed these were usually relegated to serve as borders demarcating edges of the vase or different zones of decoration.[137] Greek architecture was notable for developing sophisticated conventions for using mouldings and other architectural ornamental elements, which used these motifs in a harmoniously integrated whole.
Even before the Classical period, this vocabulary had influenced Celtic art, and the expansion of the Greek world after Alexander, and the export of Greek objects still further afield, exposed much of Eurasia to it, including the regions in the north of the Indian subcontinent where Buddhism was expanding, and creating Greco-Buddhist art. As Buddhism spread across Central Asia to China and the rest of East Asia, in a form that made great use of religious art, versions of this vocabulary were taken with it and used to surround images of buddhas and other religious images, often with a size and emphasis that would have seemed excessive to the ancient Greeks. The vocabulary was absorbed into the ornament of India, China, Persia and other Asian countries, as well as developing further in Byzantine art.[138] The Romans took over the vocabulary more or less in its entirety, and although much altered, it can be traced throughout European medieval art, especially in plant-based ornament.
Islamic art, where ornament largely replaces figuration, developed the Byzantine plant scroll into the full, endless arabesque, and especially from the Mongol conquests of the 14th century received new influences from China, including the descendants of the Greek vocabulary.[139] From the Renaissance onwards, several of these Asian styles were represented on textiles, porcelain and other goods imported into Europe, and influenced ornament there, a process that still continues.
Although glass was made in Cyprus by the 9th century BC, and was considerably developed by the end of the period, there are only a few survivals of glasswork from before the Greco-Roman period that show the artistic quality of the best work.[140] Most survivals are small perfume bottles, in fancy coloured "feathered" styles similar to other Mediterranean glass.[141] Hellenistic glass became cheaper and accessible to a wider population.
No Greek furniture has survived, but there are many images of it on vases and memorial reliefs, for example that to Hegeso. It was evidently often very elegant, as were the styles derived from it from the 18th century onwards. Some pieces of carved ivory that were used as inlays have survived, as at Vergina, and a few ivory carvings; this was a luxury art that could be of very fine quality.[142]
It is clear from vase paintings that the Greeks often wore elaborately patterned clothes, and skill at weaving was the mark of the respectable woman. Two luxurious pieces of cloth survive, from the tomb of Philip of Macedon.[143] There are numerous references to decorative hangings for both homes and temples, but none of these have survived.
Ancient Greek art has exercised considerable influence on the culture of many countries all over the world, above all in its treatment of the human figure. In the West Greek architecture was also hugely influential, and in both East and West the influence of Greek decoration can be traced to the modern day. Etruscan and Roman art were largely and directly derived from Greek models,[144] and Greek objects and influence reached into Celtic art north of the Alps,[145] as well as all around the Mediterranean world and into Persia.[146]
In the East, Alexander the Great's conquests initiated several centuries of exchange between Greek, Central Asian and Indian cultures, which was greatly aided by the spread of Buddhism, which early on picked up many Greek traits and motifs in Greco-Buddhist art, which were then transmitted as part of a cultural package to East Asia, even as far as Japan, among artists who were no doubt completely unaware of the origin of the motifs and styles they used.[147]
Following the Renaissance in Europe, the humanist aesthetic and the high technical standards of Greek art inspired generations of European artists, with a major revival in the movement of Neoclassicism which began in the mid-18th century, coinciding with easier access from Western Europe to Greece itself, and a renewed importation of Greek originals, most notoriously the Elgin Marbles from the Parthenon. Well into the 19th century, the classical tradition derived from Greece dominated the art of the western world.[148]
The Hellenized Roman upper classes of the Late Republic and Early Empire generally accepted Greek superiority in the arts without many quibbles, though the praise of Pliny for the sculpture and painting of pre-Hellenistic artists may be based on earlier Greek writings rather than much personal knowledge. Pliny and other classical authors were known in the Renaissance, and this assumption of Greek superiority was again generally accepted. However, critics in the Renaissance and much later were unclear which works were actually Greek.[149]
As a part of the Ottoman Empire, Greece itself could only be reached by a very few western Europeans until the mid-18th century. Not only the Greek vases found in the Etruscan cemeteries, but also (more controversially) the Greek temples of Paestum were taken to be Etruscan, or otherwise Italic, until the late 18th century and beyond, a misconception prolonged by Italian nationalist sentiment.[149]
The writings of Johann Joachim Winckelmann, especially his books Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1750) and Geschichte der Kunst des Alterthums ("History of Ancient Art", 1764) were the first to distinguish sharply between ancient Greek, Etruscan, and Roman art, and define periods within Greek art, tracing a trajectory from growth to maturity and then imitation or decadence that continues to have influence to the present day.[150]
The full disentangling of Greek statues from their later Roman copies, and a better understanding of the balance between Greekness and Roman-ness in Greco-Roman art was to take much longer, and perhaps still continues.[151] Greek art, especially sculpture, continued to enjoy an enormous reputation, and studying and copying it was a large part of the training of artists, until the downfall of Academic art in the late 19th century. During this period, the actual known corpus of Greek art, and to a lesser extent architecture, has greatly expanded. The study of vases developed an enormous literature in the late 19th and 20th centuries, much based on the identification of the hands of individual artists, with Sir John Beazley the leading figure. This literature generally assumed that vase-painting represented the development of an independent medium, only in general terms drawing from stylistic development in other artistic media. This assumption has been increasingly challenged in recent decades, and some scholars now see it as a secondary medium, largely representing cheap copies of now lost metalwork, and much of it made, not for ordinary use, but to deposit in burials.[152]
.jpg/1280px-Olympiamuseum030_(cropped).jpg)
.jpg/1280px-Chatillon-sur-Seine_-_Mus%C3%A9e_du_Pays_chatillonnais_-_Crat%C3%A8re_de_Vix_-_012_(cropped).jpg)
![Ritón de plata para el mercado tracio, finales del siglo IV[38]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b7/Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg/1280px-Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg)
![Model of the processional way at Ancient Delphi, without much of the statuary shown.[92]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Santuario_Delfos.jpg/1280px-Santuario_Delfos.jpg)
.jpg/1280px-The_great_theater_of_Epidaurus,_designed_by_Polykleitos_the_Younger_in_the_4th_century_BC,_Sanctuary_of_Asklepeios_at_Epidaurus,_Greece_(14015010416).jpg)
![A banquet scene from a Macedonian tomb of Agios Athanasios, Thessaloniki, 4th century BC; six men are shown reclining on couches, with food arranged on nearby tables, a male servant in attendance, and female musicians providing entertainment.[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg/1280px-Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg)
![The Sampul tapestry, a woollen wall hanging from Lop County, Hotan Prefecture, Xinjiang, China, showing a possibly Greek soldier from the Greco-Bactrian kingdom (250–125 BC), with blue eyes, wielding a spear, and wearing what appears to be a diadem headband; depicted above him is a centaur, from Greek mythology, a common motif in Hellenistic art;[112] Xinjiang Region Museum.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Alexander the Great (left), wearing a kausia and fighting an Asiatic lion with his friend Craterus (detail); late 4th-century BC mosaic from Pella[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg/1280px-Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg)
.jpg/1280px-Hellenistic_mosaic_floor_panel_of_an_Alexandrine_parakeet_from_Pergamon,_2nd_century_BC,_Pergamon_Museum_(8408107096).jpg)
![Hellenistic mosaic from Thmuis (Mendes), Egypt, signed by Sophilos c. 200 BC; Ptolemaic Queen Berenice II (joint ruler with her husband Ptolemy III) as the personification of Alexandria.[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
