Olga Balema [a] (nacida en 1984) es artista y escultora . Una de las principales preocupaciones de su obra es la forma, otra el material. Otra es prestar atención a dónde y cómo encajan las cosas en un espacio. A veces se puede decir que la obra responde al lugar, otras veces responde solo a sí misma. [1] Su práctica presenta materiales mundanos en formas evocadoras. Vive en la ciudad de Nueva York, Nueva York. [2]
Olga Balema nació en 1984 en Lviv , Ucrania. [3] Obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes (2006) en escultura de la Universidad de Iowa y una Maestría en Bellas Artes (2009) en nuevos géneros en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA). [3] [4]
En 2021 y 2017, Balema recibió una beca de la Fundación Pollock-Krasner . [5] [4]
Balema a menudo toma las características psicológicas y físicas de la galería como punto de partida para su trabajo. [6] Aborda la creación artística de una manera que desestabiliza su propia práctica y propone una relación tenue e incierta entre la obra de arte y sus estructuras definitorias. [7] Sus esculturas entran en diálogo con prácticas artísticas de respuesta al sitio de otros períodos, “obras que presentaban una reciprocidad entre el cuerpo de la escultura y el espacio cultural que lo rodea” [8].
La muestra de 2015 de Balema, Caníbales, exhibió su serie de esculturas Amenaza a la civilización y Frontera/límite . En su estilo característico, Amenaza a la civilización 1-3 presenta sacos de PVC con varillas de acero de piezas escultóricas pasadas sumergidas en agua. Con el tiempo, el metal se corroe, dejando los sacos sellados y, sin embargo, muy afectivos en diferentes etapas de descomposición y color, desde amarillo hasta rojo. [2] Las piezas, que se canibalizan a sí mismas, apuntan al "placer y el dolor de la descomposición, y en el marco de esa descomposición" al tiempo que invitan a los espectadores a verse encarnados en las formas extrañamente antropomórficas. [2] La materia que se regenera no desaparece, sino que se transforma, recordando a los espectadores que la mortalidad no es un fin o una desaparición, sino simplemente una etapa en el proceso fluido del devenir. [9]
Desde su primer espectáculo en solitario, la serie Regulatory Bodies incluye Regulatory Bodies/FDA, Regulatory Bodies/USDA , Regulatory Bodies/EFSA y Regulatory Bodies/WHO, todas ellas láminas de acero oxidadas colgando del techo que deletrean los nombres de sus respectivas agencias en rodajas de pepino podrido. [10] La serie no solo cuestiona quién y qué constituye un cuerpo, sino también quién controla el cuerpo. [10] Si bien es una crítica genuina de las agencias que regulan y determinan lo que comen (y, por lo tanto, lo que comen) las personas en los EE. UU., las piezas también se burlan de su propia seriedad y mantienen un humor único. [10]
Otra obra de plástico llena de líquido, Become a stranger to yourself, está repleta de dibujos de líneas rojas que parecen vasos sanguíneos y materiales rojos parecidos a órganos junto con cuerdas de metal y marfil. [11] Como si fuera una placa de Petri para el concepto de "cuerpo", la obra florece con diferentes significantes extraños para los cuerpos humanos. [11] El saco reposa pesadamente sobre el suelo, deshaciendo la comprensión de los espectadores de los binarios humano/no humano, interno/externo, sujeto/objeto. [10]
La muestra de daño cerebral incluyó 13 obras (numeradas del 1 al 13 ) de bandas elásticas esparcidas por el piso de la sala de la galería, como si fuera un sistema nervioso distribuido. [12] Las bandas, pintadas, estiradas, rasgadas, clavadas a las paredes, tensas, rizadas como cintas y más, yacen principalmente planas en el suelo. [13] 2, uno de los pocos elementos verticales, se extiende unos pocos pies por encima del piso, con algunas de las piezas elásticas pintadas colgando y otras clavadas al piso en ángulo. [12] Si bien hay conexiones entre las bandas, la obra es incómoda, "gastada y estirada, improvisada e incrustada con el desgaste y el tiempo". [14] Este mapa ilegible, carrera de obstáculos o sistema nervioso interrumpe el deseo del espectador de significado y relacionalidad, haciendo visible el daño a la conexión. [15] Varias piezas presentan clavos adheridos solo a las bandas, colgando inútilmente. [12] La obra es “definitivamente reducida, pero no minimalista”, casi excesiva en su extrañeza, jugando con formas estáticas y dinámicas. [16] Algunos han considerado la pieza un “homenaje feminista” en respuesta al género del minimalismo, históricamente dominado por los hombres. [17]
La primera exposición individual de Balema en el Reino Unido, Computer, presentó una única escultura, una reproducción digital masiva de una alfombra, impresa en piezas y reformada en una cuadrícula. Realizada tanto en su estudio como en la calle de Nueva York, la pieza pixelada es un depósito, marcado por los rastros de la mano de Balema y las calles de la ciudad. [18] La obra abstrae el espacio y el arte de instalación en sí mismo, al tiempo que destaca la "circulación y las maquinaciones de la producción de imágenes". [19]
Las exposiciones seleccionadas incluyen:
{{cite web}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )