Casa de muñecas es una película dramática de 1973 dirigida por Joseph Losey , basada en la obra de teatro Casa de muñecas de Henrik Ibsen de 1879. Está protagonizada por Jane Fonda en el papel de Nora Helmer y David Warner como su marido dominante, Torvald.
La versión de Losey de la obra fue ampliamente adaptada al cine. A partir del diálogo expositivo de Ibsen, el dramaturgo británico David Mercer desarrolló escenas completamente nuevas que se integraron mediante una serie de decorados inventados.
Ambientada en la Noruega del siglo XIX, La casa de muñecas de Ibsen se centra en la vida matrimonial del banquero Torvald Helmer y su esposa Nora. Una pareja joven de clase media con tres niños pequeños, cuyo matrimonio aparentemente respetable se revela como un asunto roto y sin sangre.
Los Helmer viven en una sociedad desigual, dominada por Torvald. Aunque profesa amarla, Torvald constantemente reprende a Nora por lo que él llama su naturaleza descuidada e infantil; a menudo la llama su "muñeca". Se considera orgullosamente el sostén y protector de la familia, pero sigue sin saber el secreto que Nora guarda: lo salvó cuando enfermó gravemente y quedó casi en la indigencia. Sin que él lo supiera, pidió prestada una gran suma de dinero para que pudiera retirarse temporalmente y recuperarse. Le dijo que el dinero había sido heredado de su familia; en realidad había sido un préstamo privado de Nils Krogstad, uno de los compañeros de trabajo de Torvald. Nora le ha estado devolviendo escrupulosamente el dinero en pequeñas cuotas extraídas de su asignación familiar.
Resulta que Torvald ya desprecia al patán Krogstad por varias razones. Cuando Torvald es nombrado director del banco, una de sus acciones es despedir a su desagradable compañero de trabajo. Krogstad, desesperado, intenta chantajear a Nora: ella debe convencer a Torvald de que lo mantenga en el trabajo o de lo contrario revelará todo acerca del préstamo secreto. Su existencia sería suficiente vergüenza para Nora, pero Krogstad amenaza con revelar la noticia más impactante de todas: Nora había falsificado la firma de su padre como cosignatario del contrato.
La historia incluye importantes subtramas relacionadas con la inesperada ternura de Krogstad (hacia Kristine, la amiga de Nora, su antiguo amor) y el quijotesco interés amoroso (hacia Nora) del anciano Dr. Rank. Sin embargo, el conflicto esencial surge cuando Torvald recibe una carta de Krogstad describiendo el préstamo. Indignado, Torvald se burla de su esposa por su moral, intelecto y sentido financiero; corta sus explicaciones y declara que no se le permitirá participar en la crianza de sus hijos.
Su furia parece infinita hasta que, de repente, llega una segunda carta de Krogstad. Contiene el contrato de Nora, con firma falsificada y entregado sin explicación. Torvald sostiene la evidencia incriminatoria en su mano, completamente aliviado, y comienza a disculparse débilmente por su arrebato. Mientras tanto, Nora ha tenido una revelación transformadora sobre su amor y su matrimonio. Se enfrenta a Torvald, le explica su nueva visión y luego, en contra de todas las costumbres de la época, lo abandona para siempre.
El director de fotografía fue Gerry Fisher , quien tuvo una larga relación profesional con Losey a partir de mediados de la década de 1960 durante el período británico del director, incluyendo Accident (1967), The Go-Between (1971) y Don Giovanni (1979). [2]
La obra de tres actos de Ibsen fue adaptada a un guion por Losey en colaboración con el dramaturgo británico David Mercer . [3] El texto original tiene lugar en una única habitación en un único día, pero la versión Mercer/Losey se ha ampliado. [4] Gran parte del diálogo expositivo del primer acto se convierte en un extenso prólogo. Los acontecimientos que sólo son comentados por los actores en la obra de Ibsen (como la temprana amistad de Nora y Kristine, el romance y la ruptura de Kristine y Krogstad, la enfermedad mortal de Torvald y la muerte del padre de Nora) se desarrollan en escenas completas separadas al comienzo de la película. [5]
El ambiente de una sola habitación de la obra original de Ibsen es un recurso deliberado que sugiere el aislamiento de Nora y su encarcelamiento dentro de su matrimonio. [4] Sin embargo, en la película se utilizan múltiples lugares fuera de la casa de los Helmer para la explicación visual, lo que da un énfasis dramático a los puntos de la trama. Incluso dentro de la casa, la cámara se mueve de una habitación a otra, revelando las comodidades físicas de su hogar y su naturaleza confinada, su "insularidad mortal". [6] El efecto combinado de las alteraciones de Losey ha sido elogiado por algunos críticos por darle a la obra una calidad cinematográfica y convertirla en "una película en lugar de una obra de teatro fotografiada". [4]
Losey pretendía que las escenas añadidas tuvieran mérito artístico por sí mismas. El crítico Colin Gardner ha comentado un ejemplo al principio de la película: "justo cuando vemos a Nora y Kristine deslizándose excitadas por la superficie del estanque, también vemos una figura estática, vestida de negro, que acecha siniestramente fuera de la casa de té en el centro exacto de la toma (es decir, en el punto de fuga espacial). Resulta ser Krogstad, preparándose para el fatídico rechazo de Kristine. La dulce pureza de la juventud está así contaminada por el sabor acre del paria social –el futuro hombre vengador– y la fuente de la propia esclavitud financiera de Nora". [7]
Otros críticos consideraron que los cambios audaces de Losey eran desagradables, incluso blasfemos. En un artículo publicado en The New York Times , Nora Sayre se quejó amargamente de que la película había sido "engordada con líneas débiles e incluso escenas cortas que el viejo genio no escribió". [8]
El rodaje tuvo lugar en la ciudad noruega de Røros , donde los residentes locales sirvieron como extras para las escenas exteriores. [6]
El compositor francés Michel Legrand proporcionó la banda sonora musical, una "partitura neoclásica brillante dominada por la trompa". [7]
La sensibilidad feminista de Fonda influyó en su interpretación y en su relación con Losey. El director, que tenía un historial de relaciones tormentosas con sus protagonistas femeninas, se ganó la ira tanto de Fonda como de Delphine Seyrig antes del estreno de la película. En una carta de junio de 1973, Fonda atacó a Losey por hacer "comentarios antifeministas a la prensa" y acusó de que "su [Losey] incapacidad para tratar con mujeres fuertes, para tolerarlas... ha causado un daño irreparable a la película". [9] En una nota personal, agregó: "Nunca pude penetrar en su paranoia o esnobismo mientras trabajábamos juntos". [9] Losey, por su parte, se quejó de que Fonda tenía "poco sentido del humor" y "pasaba la mayor parte de su tiempo trabajando en sus discursos políticos en lugar de aprenderse sus líneas". [10]
A Doll's House se emitió por primera vez en los Estados Unidos en la cadena de televisión ABC el 23 de diciembre de 1973. [4] [8] Se había mostrado en el Festival de Cine de Nueva York de 1973 y se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1973 , pero no participó en la competencia principal. [11] En junio de 1980, se presentó durante nueve días en uno de los Teatros Laemmle de Los Ángeles . [12]
La película de Losey fue una de las dos versiones en inglés de la obra de Ibsen estrenadas en 1973: la otra versión fue dirigida por Patrick Garland y protagonizada por Claire Bloom y Anthony Hopkins . [13] La competencia coincidente por una audiencia relativamente pequeña significó dificultades comerciales para ambas películas. [12]
La elección de Fonda para el papel principal siempre ha suscitado algunos comentarios sobre su casting y actuación. [14] [15] Conocida como una destacada defensora del feminismo , Fonda aceptó el papel en un momento en el que el movimiento por los derechos de las mujeres en Estados Unidos estaba en su apogeo. [16] [17] Muchos críticos de cine elogiaron el trabajo de Fonda; Leonard Maltin lo citó como la principal razón para ver la película (que, por lo demás, consideró solo "moderadamente exitosa"). [15] Charles Champlin también elogió su actuación y escribió que su personalidad contemporánea encajaba bien con el diálogo de Mercer, que "abandona hábilmente la retórica forzada de la época sin volverse coloquial o jergal". [12]
Algunos críticos han sugerido que la película sufre bajo el peso de la imagen pública de Fonda. El profesor Neil Sinyard escribió: "Tal vez las propias asociaciones feministas de la estrella oscurecen nuestra visión de la búsqueda ciega y dolorosa del personaje hacia la autoconciencia y socavan el impacto de la sorprendente decisión de Nora (sorprendente, es decir, para un público del siglo XIX) de abandonar a su marido y sus hijos". [18] Más sin rodeos, Rex Reed escribió que la "personalidad de estrella" de Fonda socavó su actuación en una producción por lo demás admirable: "Uno nunca la cree como la tonta devoradora de macarrones o la coqueta encantadora o la esposa de juguete. En la gran escena de desafío del final, se lleva la película con un tanque". [19]
