Un rey y una reina de luto es una pintura al óleo sobre lienzo del artista alemán Karl Friedrich Lessing , creada en 1830, que muestra a una pareja real de luto por la muerte de su hija, una escena del poema Das Schloss am Meere de Ludwig Uhland . Considerada la obra maestra de la "pintura romántica-elegante del alma" de la Escuela de pintura de Düsseldorf , actualmente se encuentra en el Hermitage , en San Petersburgo . [1]
En 1828, la asociación de artistas de Berlín encargó a Lessing , por intermedio del poeta y abogado Friedrich von Uechtritz, un cuadro histórico. El pintor propuso a la asociación de artistas que él mismo pintara la composición actual, que desarrolló en el invierno de 1828-1829. El motivo parece provenir de la "melancolía" que le produjo la muerte de una joven venerada en los círculos artísticos de Düsseldorf . [2]
El tema de la muerte ya había preocupado a Lessing en sus cuadros Cementerio con lápidas y ruinas en la nieve (1826) y Patio del monasterio en la nieve (1828-1830).
A diferencia de lo que estaba acostumbrado a hacer en la pintura de paisajes, en el caso de la obra actual, Wilhelm Schadow , director de la Academia de Arte de Düsseldorf y mentor de los pintores de Düsseldorf, le pidió a Lessing que elaborara las figuras y los objetos según altos estándares académicos y técnicos y que los dispusiera con cuidado. El cuadro terminado se exhibió en la Exposición de Arte Académico de Berlín en 1830.
En la piedra se ve a un rey y a su esposa sentados en lo que parece ser la capilla medieval de un edificio real. A través de una ventana abierta, la vista se posa sobre el horizonte de un mar. La expresión de dolor en las figuras reales se debe a la muerte de su hija. Su ataúd se encuentra contra la pared, oculto bajo una manta oscura. Con estos elementos principales, la pintura se inspira en el último verso del poema de Uhland de 1805 El castillo junto al mar .
La pareja real, sentada en una sala oscura, similar a un escenario, iluminada por una fuente de luz, está envuelta en una túnica que fluye con profusión. El rey lleva un turbante con una corona. Su mirada es sombría y está fija en el vacío. Tal vez esté preocupado porque la muerte de su hija soltera significará el fin de su linaje. En el banco de piedra a su lado, su esposa está sentada encorvada y con la mirada baja, aparentemente perdida en su melancolía. Su mano derecha descansa con simpatía sobre la mano flácida de su esposo, y con la mano izquierda sostiene su cabeza. La expresión dramática del cuadro se concentra en la postura y los gestos de la pareja. El predominio de las figuras que llenan el cuadro se ve reforzado por los pliegues de sus túnicas. Su majestuoso peso y la masividad de la arquitectura de piedra representada confieren al cuadro un carácter monumental.
Un cielo vespertino con nubes que se agolpan oscurece el decorado. Los cristales rotos en el acristalamiento emplomado de la ventana y una corona funeraria colocada sobre la tapa del ataúd indican el motivo de la fugacidad terrenal. La postura agachada de la pareja doliente parece repetirse en las extrañas figuras de piedra de las paredes, que apenas emergen de la penumbra del fondo y parecen acompañar a la pareja como un extraño cortejo fúnebre. Sólo una escultura de piedra sobre una columna en el borde derecho del lienzo, que se asemeja a una Virgen María rezando , pero que quizás representa a Santa Margarita la Virgen , debido al dragón que la acompaña en un escudo, adopta una postura erguida y, por lo tanto, transmite una señal de fe y confianza. [3]
Tras su aparición en la Exposición de Arte Académico de Berlín, en 1830, el cuadro se hizo inmediatamente popular. Como representación visual de un modelo poético-literario y del estado de ánimo romántico expresado en él, fue aplaudido por el público y la crítica. La pintura, que invitaba a los espectadores a identificarse y empatizar con los dolientes, recibió grandes elogios de la crítica por parte de personas como el dramaturgo Karl Immermann y el historiador de arte Atanazy Raczyński . Immermann afirmó que "Lessing parece haber sido especialmente designado por la naturaleza para representar lo profundamente significativo y sublime. (...) En la historia [pintura] busca escenas poderosas, imperiosas, momentos de un estado titánico. (...) Las figuras, la postura y los pliegues apuntan a una época heroica. Es un mundo perdido, más grande, el que se refleja en esta pintura". [4] Raczyński incluso declaró en 1836 que esta era la primera obra que anunciaba una nueva era.