Tracey Moffatt AO (nacida el 12 de noviembre de 1960) es una artista indígena australiana que utiliza principalmente fotografía y vídeo. [1]
En 2017 representó a Australia en la 57ª Bienal de Venecia con su exposición individual, "My Horizon". [2] Sus obras se encuentran en las colecciones de la Tate , [3] Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , [4] Galería Nacional de Australia , [5] Galería de Arte de Australia del Sur [6] y Galería de Arte de New South. Gales . [7]
Vive en Sydney y anteriormente residió en la ciudad de Nueva York .
Aunque es más conocida por sus trabajos fotográficos, Moffatt ha creado numerosas películas, documentales y vídeos. Su trabajo a menudo se centra en los aborígenes australianos y la forma en que se los entiende en términos culturales y sociales. [8]
Moffatt nació en Brisbane en 1960 de padre blanco y madre aborigen . A los tres años fue acogida fuera de su familia, creció como la mayor de tres hijas en una familia blanca y, a menudo, la dejaron a cargo de sus hermanas adoptivas. [9]
Moffatt tiene una licenciatura en comunicaciones visuales de la Queensland College of Art , se graduó en 1982 y recibió un doctorado honoris causa en 2004. [ cita necesaria ]
En 2020, Moffatt recibió una beca honoraria de la Royal Photographic Society . [10]
El primer cortometraje de Moffatt fue Nice Coloured Girls , realizado en 1987. [11] Es una historia de 16 minutos de tres jóvenes aborígenes mientras recorren el distrito de entretenimiento King's Cross de Sydney en busca de diversión, presentada en un contexto recortado con la opresión histórica. de mujeres indígenas por hombres blancos. [ cita necesaria ] Gail Mabo actuó en esta película y también bailó y coreografió otro de los cortometrajes de Moffatt, Watch Out (1987). [11] Algo más (1989) , encargada por el Murray Art Museum de Albury y filmada en Link Studios en Wodonga, es una serie fotográfica compuesta por seis vibrantes impresiones en color Cibachrome y tres impresiones en blanco y negro. Es una serie de fotografías ahora icónica [12] que atrajo la primera atención pública generalizada de Moffatt, [13] cada una de las cuales toma prestado del lenguaje cinematográfico para construir lo que se describe como "una narrativa enigmática de una mujer joven que busca más en la vida que las circunstancias de su violenta educación rural." [14] Night Cries (1989) [15] es una de las películas más conocidas de Moffatt. Inspirada en la clásica película australiana de 1955 Jedda y compartiendo una estética similar a Something More, cuenta la historia de una mujer aborigen obligada a cuidar de su anciana madre blanca. [ cita necesaria ]
Las series fotográficas de Moffatt Pet Thang (1991) y Laudanum (1998) [16] volvieron a los temas de Something More explorando referencias mixtas y a veces oscuras a cuestiones de sexualidad, historia, representación y raza. Otras series de imágenes, en particular Scarred for Life (1994) [17] y Scarred for Life II (1999) [18] abordaron nuevamente estos temas, pero hicieron referencia al fotoperiodismo y los ensayos fotográficos de la revista Life acompañados de pies de foto. Si bien las palabras son convincentes, no explican las imágenes; de hecho, tienden a aumentar su naturaleza enigmática, como si más información fuera un callejón sin salida. [19]
A medida que su trabajo avanzaba durante la siguiente década, Moffatt comenzó a explorar narrativas en entornos más góticos. En Up in the Sky (1998) [20], el trabajo del artista volvió a utilizar una narrativa secuencial, pero en lugar de utilizar escenarios de fantasía, una historia sobre la " generación robada " de Australia: niños indígenas australianos que fueron separados de sus familias y reubicados por la fuerza bajo la política gubernamental. – fue promulgado y representado en locaciones del interior de Queensland. Al igual que Something More , Up in the sky emplea el tema de la raza y la violencia, mostrando una narrativa suelta con el telón de fondo de una ciudad remota, "un lugar de ruina" y devastación poblada por inadaptados y personajes secundarios. Es una de las series de fotografías más grandes de Moffatt y toma sus ideas visuales del cine modernista italiano Accattone (1961) de Pier Paolo Pasolini . [21] La historia se basa en una relación triangular mestiza. Sobre este trabajo, Moffatt afirmó: 'Mi trabajo está lleno de emoción y drama, puedes llegar a ese drama usando una narrativa, y mis narrativas suelen ser muy simples, pero las tuerzo... hay una trama, pero... . No hay un principio, un desarrollo y un final tradicionales. [21]
En 1997, Moffatt celebró su "primera exposición importante hasta la fecha", que estableció su reputación artística a nivel internacional, [22] en Dia Art Foundation en los Estados Unidos, presentando numerosas obras, entre ellas Up in the Sky (1997) y Heaven (1997).
En 2000, el trabajo de Moffatt se encontraba entre los de ocho grupos individuales o colaborativos de artistas indígenas australianos incluidos en una importante exposición de arte indígena australiano celebrada en el prestigioso Nicholas Hall del Museo del Hermitage en Rusia. La exposición recibió una acogida positiva por parte de los críticos rusos, uno de los cuales escribió:
Esta es una exposición de arte contemporáneo, no en el sentido en que se hizo recientemente, sino en el sentido de que se enmarca en la mentalidad, la tecnología y la filosofía del arte radical de los tiempos más recientes. Nadie, excepto los aborígenes de Australia, ha logrado exhibir tal arte en el Hermitage. [23]
El trabajo de Moffatt desde 2000 se ha alejado de lugares y temas específicos y se ha preocupado más explícitamente por la fama y la celebridad. Su serie Fourth (2001) utilizó imágenes de deportistas de los Juegos Olímpicos de Verano de 2000 que quedaron cuartos en sus diversas competiciones. Con el objetivo de subrayar su condición de outsider, las imágenes se tratan de modo que sólo se destaque el innoble cuarto lugar.
En 2003, la revista Australian Art Collector nombró a Moffatt como uno de los 50 artistas más coleccionables del país. [24]
Adventure Series (2004) es la serie de fantasía más descarada de Moffatt que utiliza fondos pintados, trajes y modelos (incluida la propia artista) para representar un drama similar a una telenovela de médicos, enfermeras y pilotos en un entorno tropical. Bajo el signo de Escorpio (2005) es una serie de 40 imágenes en las que la artista asume la personalidad de mujeres famosas nacidas, como la artista, bajo el signo zodiacal de Escorpio. La serie reitera los intereses actuales del artista en las celebridades, personajes alternativos y realidades construidas. La serie Retratos de Moffatt de 2007 explora la idea de "celebridad" entre las personas de su círculo social inmediato (familiares, compañeros artistas, su marchante) a través de representaciones "glamurosas" de sus rostros utilizando tecnología informática, encuadres repetitivos y colores brillantes.
En 2017, Moffatt fue seleccionada para representar a Australia en la Bienal de Venecia por su exposición individual "My Horizon", comisariada por Natalie King . La exposición estuvo compuesta por dos vídeos, The White Ghosts Sailed In y Vigil , y dos series de fotografías, Body Remembers y Passage . My Horizon aborda los problemas del colonialismo y el imperialismo en Australia y cómo afecta a la población indígena. Esta bienal es la primera vez desde 1997 que Australia ha estado representada por un artista indígena. [25]
Del 28 de mayo al 24 de julio de 2022, la exposición Land Abounds , que presenta el trabajo de los hermanos Abdul Abdullah y Abdul-Rahman Abdullah , así como trabajos en video de Moffatt, se exhibirá en la galería Ngununggula (que significa "pertenencia" en NSW Southern Highlands [26] ] [27] [28] Abdul-Rahman dijo:
Tracey Moffatt es una figura icónica para ambos. Ella sostiene un espejo de un paisaje social que todos entendemos, exponiendo las dinámicas de poder que consumimos y representamos. Las formas en que nuestras obras interactúan y responden entre sí crean un diálogo de múltiples capas que siempre parece regresar a ideas de percepción y poder. Qué dicta nuestras percepciones del mundo, cómo somos percibidos y cómo participamos en esa ecuación con autonomía.
En 2024, Moffatt creó la serie fotográfica gótica de ocho imágenes, The Burning , que se presentó por primera vez en la Galería Roslyn Oxley9, Sydney, Australia.
El trabajo de Moffatt en cine y vídeo ha incluido cortometrajes, vídeos experimentales y un largometraje. Los cortometrajes se basan en las características estilísticas del género del cine experimental , que generalmente incluyen escenarios narrativos no realistas, a menudo filmados en escenarios sonoros, haciéndose eco de su trabajo en fotografía fija. Sus primeras obras, como Nice Coloured Girls y Night Cries, también utilizan mezclas de sonido que refuerzan la "falsificación" de los escenarios y utilizan dispositivos de cine experimental muy usados, como grabaciones de campo de audio y tonos bajos para crear una atmósfera. Su serie de trabajos de montaje en vídeo realizados en colaboración con Gary Hillberg, incluidos Lip (1999), Artist (2000), Love (2003), DOOMED (2007) y REVOLUTION (2008), utilizan la metodología de corte de tomar imágenes de pre- fuentes existentes y reeditándolas en comentarios irónicos sobre el material. Artist, por ejemplo, ofrece un comentario sobre el papel cliché del artista en el cine de Hollywood, y DOOMED remezcla una colección de escenas de destrucción de películas de desastres. Su largometraje Bedevil (1993) es un trío de narrativas centradas en espíritus y fantasmas. [ cita necesaria ]
Night Cries, que se ocupa principalmente de una serie de viñetas casi estáticas, reitera muchos de los motivos visuales de Moffatt en sus fotografías fijas: escenarios, no actuación, un uso evocador del sonido y la música. En Night Cries, Moffatt intenta extraer connotaciones irónicas o románticas en yuxtaposición a las imágenes y narrativas, como su uso de Jimmy Little . Moffatt también hace referencias explícitas a la historia del arte australiano, estableciendo paralelismos entre la historia indígena y el registro del paisaje por parte de artistas no indígenas al citar a artistas como The Pioneer de Frederick McCubbin . El cortometraje fue seleccionado para la competencia oficial en el Festival de Cine de Cannes en 1990. [ cita necesaria ]
En la película, Moffatt recuerda y muestra la historia del pasado colonial de los aborígenes. La película establece conexiones entre los aborígenes y sus colonizadores al tocar los sistemas que fueron utilizados por los colonizadores para dañar y poner a los aborígenes en desventaja. En la película hay una clara tensión y sentimientos encontrados entre los personajes, siendo una una mujer blanca y la otra una mujer aborigen, quienes interpretan a madre e hija adoptivas, respectivamente. [8]
Moffatt utiliza diferentes aspectos de la colonización de los aborígenes para ilustrar los daños y los acontecimientos dolorosos que tuvieron lugar, recordando a los espectadores la historia colonial pasada. [29]
Mostrada en el Festival de Cine de Cannes de 1993 , [30] Bedevil se compone de tres narrativas independientes con motivos visuales recurrentes. En la primera historia, Mister Chuck Moffatt utiliza el personaje de un soldado estadounidense, en la segunda parte, las vías del tren Choo Choo Choo Choo conectan una serie de eventos y en la parte final, Lovin' the Spin, soy un propietario que desaloja a una familia de una casa. Las imágenes se inspiraron en parte en recuerdos de sus primeros años de vida.
La película de Moffatt, Heaven , es un montaje voyeurista de imágenes que muestran a hombres cambiándose en playas australianas. [ cita necesaria ]
En Lip , Moffatt recopila clips de sirvientes negros en películas de Hollywood respondiendo a sus 'jefes', intentando exponer las actitudes hacia la raza que a menudo se encuentran en el cine convencional. Además, esta película está escrita sobre dos mujeres, una blanca y otra negra. En esta película, la trama muestra el conflicto entre la mujer blanca y la mujer negra que es su sirvienta. Muestra tensiones raciales. [31]
Moffatt's Artist es una colección de clips de películas y programas de televisión que representan a artistas trabajando, jugando y en el acto de creación. Al mostrar la particular inclinación de la televisión y el cine hacia lo que aparentemente significa el papel de un artista para la sociedad moderna, la película refleja la visión a veces desinformada y a veces humorística de la sociedad hacia los artistas de hoy. [ cita necesaria ]
Encargado para la 16ª Bienal de Sydney en 2008. [ cita necesaria ]
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