Tarsila de Aguiar do Amaral ( pronunciación portuguesa: [taʁˈsilɐ du ɐmaˈɾaw] ; 1 de septiembre de 1886 [1] - 17 de enero de 1973) fue una pintora, dibujante y traductora brasileña. Es considerada una de las principales artistas modernistas latinoamericanas y se la considera la pintora que mejor logró las aspiraciones brasileñas de expresión nacionalista en un estilo moderno. [2] Como miembro del Grupo dos Cinco , Tarsila también es considerada una gran influencia en el movimiento de arte moderno en Brasil , junto con Anita Malfatti , Menotti Del Picchia , Mário de Andrade y Oswald de Andrade . Fue fundamental en la formación del movimiento estético Antropofagia (1928-1929); de hecho, Tarsila fue quien con su célebre pintura, Abaporu , inspiró el famoso Manifiesto Antropófago de Oswald de Andrade . [3] [4]
Tarsila do Amaral nació en Capivari , [4] [5] una pequeña ciudad en el interior del estado de São Paulo . Nació en una familia adinerada de agricultores y terratenientes que cultivaban café , dos años antes del fin de la esclavitud en Brasil. [6] En ese momento en Brasil, no se alentaba a las mujeres a buscar una educación superior, especialmente si provenían de familias adineradas. A pesar de provenir de una familia de clase alta , Tarsila tuvo el apoyo de su familia para obtener una educación superior. Cuando era adolescente, Tarsila y sus padres viajaron a España , donde Tarsila llamó la atención de la gente dibujando y pintando copias de las obras de arte que vio en los archivos de su escuela. [7] Tarsila asistió a la escuela en Barcelona y luego se formó en forma privada en su ciudad natal con el pintor Pedro Alexandrino Borges (1864-1942). También asistió a la Académie Julian en París y estudió con otros artistas destacados (1920-1923). [8]
A partir de 1916, Tarsila do Amaral estudió pintura en São Paulo. [9] Más tarde, estudió dibujo y pintura con el pintor académico Pedro Alexandrino. Todos ellos eran profesores respetados, pero conservadores. [7] Como Brasil carecía de un museo de arte público o una galería comercial importante hasta después de la Segunda Guerra Mundial, el mundo del arte brasileño era estéticamente conservador y la exposición a las tendencias internacionales era limitada. [9]
Se cree que en esa época (1913-1920) Amaral compuso una canción en la menor para voz y piano llamada "Rondo D'Amour". La canción permaneció desconocida hasta noviembre de 2021, cuando se descubrió su partitura en la casa de su sobrina nieta en Campinas . El 25 de enero de 2022, la canción fue grabada en el teatro de la Escuela de Música de la Universidad Federal de Rio Grande do Norte por tres profesores de la institución: el pianista Durval Cesetti, la soprano Elke Riedel y el tenor Kaio Morais. [10]
Al regresar a São Paulo desde París en 1922, Tarsila conoció muchas cosas después de conocer a Anita Malfatti , Oswald de Andrade , Mário de Andrade y Menotti Del Picchia . Estos artistas formaron un grupo que se llamó Grupo dos Cinco . Antes de su llegada a São Paulo desde Europa, el grupo había organizado la Semana de Arte Moderna ("Semana del Arte Moderno") [1] durante la semana del 11 al 18 de febrero de 1922. El evento fue fundamental en el desarrollo del modernismo en Brasil. Los participantes estaban interesados en cambiar el establecimiento artístico conservador en Brasil alentando un modo distintivo de arte moderno. Se le pidió a Tarsila que se uniera al movimiento y juntos se convirtieron en el Grupo dos Cinco, que buscaba promover la cultura brasileña , el uso de estilos que no eran específicamente europeos y la inclusión de cosas que eran autóctonas de Brasil. [11]
Durante un breve regreso a París en 1929, Tarsila entró en contacto con el cubismo , el futurismo y el expresionismo mientras estudiaba con André Lhote , Fernand Léger y Albert Gleizes . [1] Los artistas europeos en general habían desarrollado un gran interés por las culturas africanas y primitivas en busca de inspiración. Esto llevó a Tarsila a utilizar las formas indígenas de su propio país al tiempo que incorporaba los estilos modernos que había estudiado. Mientras estaba en París en ese momento, pintó una de sus obras más famosas, A Negra [12] (1923). El tema principal de la pintura es una gran figura de una mujer negra con un solo pecho prominente. Tarsila estilizó la figura y aplanó el espacio, rellenando el fondo con formas geométricas. [4]
Entusiasmada con su nuevo estilo y sintiéndose cada vez más nacionalista, escribió a su familia en abril de 1923:
Me siento cada vez más brasileña. Quiero ser la pintora de mi país. Estoy muy agradecida por haber pasado toda mi infancia en la hacienda. Los recuerdos de esos tiempos se han vuelto preciosos para mí. Quiero ser, en el arte, la niña de São Bernardo que juega con muñecos de paja, como en el último cuadro en el que estoy trabajando... No piensen que esta tendencia se ve aquí de forma negativa. Al contrario. Lo que quieren aquí es que cada uno aporte lo de su propio país. Eso explica el éxito del ballet ruso, de la gráfica japonesa y de la música negra. París estaba harta del arte parisino. [2]
Tarsila pasó gran parte de 1923 en Europa con el poeta Oswald de Andrade . Al regresar a Brasil en diciembre de 1923, Tarsila y Andrade viajaron por todo Brasil para encontrar inspiración para su arte nacionalista en la religión popular y el ritual popular. En marzo de 1924, pasaron el Carnaval en Río de Janeiro y, en abril de 1924, viajaron a pueblos mineros barrocos en Minas Gerais durante la Semana Santa como parte de la "caravana modernista". Durante este período, Tarsila hizo dibujos de los diversos lugares que visitaron, que se convirtieron en la base de muchas de sus próximas pinturas. Las pinturas creadas durante este período incluyen São Paulo (1924), Morro de Favela (1924) y Lagoa Santa (1925). [4]
También ilustró la poesía que Andrade escribió durante sus viajes, incluido su libro fundamental de poemas titulado Pau Brasil , publicado en 1924. En el manifiesto del mismo nombre, Andrade enfatizó que la cultura brasileña era un producto de la importación de la cultura europea y llamó a los artistas a crear obras que fueran exclusivamente brasileñas para "exportar" la cultura brasileña, al igual que la madera del árbol de Brasil se había convertido en una exportación importante para el resto del mundo. Además, desafió a los artistas a utilizar un enfoque modernista en su arte, un objetivo por el que se habían esforzado durante la Semana de Arte Moderna en São Paulo. [13] En las obras de Andrade y Tarsila, el movimiento Pau-Brasil fue un concepto que buscaba establecer un arte moderno particular de Brasil. [14]
Durante este tiempo, los colores de Tarsila se volvieron más vibrantes. De hecho, escribió que había encontrado los "colores que había adorado de niña. Más tarde me enseñaron que eran feos y poco sofisticados". [15] Su pintura inicial de este período fue ECFB (Estrada de Ferro Central do Brasil) (1924). [4] Además, en ese momento, tenía un interés en la industrialización y la urbanización, y sus impactos en la sociedad. [7] [16] Tarsila pintó varias representaciones de grandes ciudades, como São Paulo, que combinaban pequeños aspectos de la ciudad, como surtidores de gasolina, con escenas urbanas más amplias. Basándose en las ideas del movimiento Pau-Brasil anterior, se apropió de estilos europeos similares a los de su antiguo maestro, Fernand Léger , pero los adaptó a los paisajes urbanos locales para desarrollar modos y técnicas que fueran exclusivamente brasileños.
En 1926, Tarsila se casó con Andrade y continuaron viajando por Europa y Oriente Medio. En París, en 1926, realizó su primera exposición individual en la Galerie Percier. Las pinturas mostradas en la exposición, que marcó la culminación de su período Pau Brasil, así como su estancia anterior en París, incluyeron São Paulo (1924), A Negra [12] (1923), Lagoa Santa (1925) y Morro de Favela (1924). Sus obras fueron elogiadas y calificadas de "exóticas", "originales", "ingenuas" y "cerebrales", y se comentó su uso de colores brillantes e imágenes tropicales. [17]
Mientras estaba en París a mediados de la década de 1920, Tarsila se topó con el surrealismo. Después de regresar a Brasil, Tarsila comenzó un nuevo período de pintura en el que se alejó de los paisajes y escenarios urbanos y comenzó a incorporar el estilo surrealista a su arte nacionalista. Este cambio también coincidió con un movimiento artístico más amplio en São Paulo y otras partes de Brasil que se centró en celebrar a Brasil como el país de la gran serpiente, como parte de un redescubrimiento más amplio de la mitología y la historia amerindias. [18]
La primera pintura de Tarsila durante este período fue Abaporu (1928), que había sido regalada como pintura sin título a Andrade para su cumpleaños. El tema es una gran figura humana estilizada con enormes pies sentados en el suelo junto a un cactus con un sol con forma de rodaja de limón en el fondo. Andrade eligió el título final, Abaporu , que es un tupí-guaraní para "hombre que come", [4] [19] en colaboración con el poeta Raul Bopp. [3] Esto estaba relacionado con las ideas entonces vigentes sobre la fusión del estilo y las influencias europeas. Poco después, Andrade escribió su Manifiesto Antropofágico , que literalmente llamaba a los brasileños a devorar los estilos europeos, deshaciéndose de todas las influencias directas, y a crear su propio estilo y cultura. El colonialismo jugó un papel en su obra; Tarsila incorporó este concepto a su arte. En lugar de ser devorados por Europa, devorarían a Europa ellos mismos. Andrade utilizó a Abaporu para la portada del manifiesto como representación de sus ideales. Al año siguiente, la influencia del manifiesto continuó: Tarsila pintó Antropofagia (1929), que presentaba la figura de Abaporu junto con la figura femenina de A Negra [12] de 1923, así como la hoja de plátano brasileña, el cactus y nuevamente el sol con forma de rodaja de limón.
En 1929, Tarsila realizó su primera exposición individual en Brasil, en el Palace Hotel de Río de Janeiro, a la que le siguió otra en el Salón Gloria de São Paulo. En 1930, participó en exposiciones en Nueva York y París. Lamentablemente, en 1930, Tarsila y Andrade también se separaron, lo que puso fin a su colaboración.
En 1931, Tarsila viajó a la Unión Soviética . [1] [4] Mientras estuvo allí, realizó exposiciones de sus obras en Moscú en el Museo de Arte Occidental, y viajó a varias otras ciudades y museos. La pobreza y la difícil situación del pueblo ruso tuvieron un gran efecto en ella, como se ve en su pintura Obreros (1933). [20] A su regreso a Brasil en 1932, se involucró en la Revuelta Constitucional de São Paulo contra la dictadura en Brasil, liderada por Getúlio Vargas . Junto con otros que eran vistos como izquierdistas, fue encarcelada durante un mes porque sus viajes la hicieron parecer una simpatizante comunista.
El resto de su carrera se centró en temas sociales. Representativo de este período es el cuadro Segunda clase (1931), que tiene como tema a hombres, mujeres y niños rusos empobrecidos. También comenzó a escribir una columna semanal sobre arte y cultura para el Diario de São Paulo , que continuó hasta 1952.
En 1938, Tarsila se instaló definitivamente en São Paulo, donde pasó el resto de su carrera pintando gente y paisajes brasileños. En 1950, realizó una exposición en el Museo de Arte Moderno de São Paulo , donde un crítico la llamó "la más brasileña de las pintoras aquí, que representa el sol, los pájaros y los espíritus juveniles de nuestro país en desarrollo, tan simples como los elementos de nuestra tierra y naturaleza...". Murió en São Paulo en 1973. [1] La vida de Tarsila es una marca del cálido carácter brasileño y una expresión de su exuberancia tropical". [21]
Además de las 230 pinturas, cientos de dibujos, ilustraciones, grabados, murales y cinco esculturas, el legado de Tarsila es su influencia en la dirección del arte latinoamericano. Tarsila impulsó el modernismo en América Latina y desarrolló un estilo exclusivo de Brasil. Siguiendo su ejemplo, otros artistas latinoamericanos se sintieron influenciados y comenzaron a utilizar temas indígenas brasileños y a desarrollar su propio estilo. El cráter Amaral en Mercurio lleva su nombre.
En 2018, el MoMA inauguró una exposición individual de su obra, la octava retrospectiva de artistas latinoamericanos tras las exposiciones de Diego Rivera , Cândido Portinari , Roberto Matta , Manuel Álvarez Bravo , Armando Reverón , José Clemente Orozco y Joaquín Torres García .
En agosto de 2022, varios de sus cuadros fueron recuperados en Brasil de manos de delincuentes que los habían obtenido de la viuda de un comerciante de arte y coleccionista mediante engaños y fuerza. Entre ellos se encuentran Sol poente, O sono y Pont-neuf . [22]
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