Solomon " Sol " LeWitt (9 de septiembre de 1928 – 8 de abril de 2007) fue un artista estadounidense vinculado a diversos movimientos, entre ellos el arte conceptual y el minimalismo . [1]
LeWitt saltó a la fama a finales de los años 1960 con sus dibujos murales y sus "estructuras" (un término que prefería a "esculturas"), pero fue prolífico en una amplia gama de medios, incluidos el dibujo, el grabado, la fotografía, la pintura, la instalación y los libros de artista. Ha sido objeto de cientos de exposiciones individuales en museos y galerías de todo el mundo desde 1965. La primera biografía del artista, Sol LeWitt: A Life of Ideas , de Lary Bloom, fue publicada por Wesleyan University Press en la primavera de 2019. [2]
LeWitt nació en Hartford, Connecticut , en una familia de inmigrantes judíos de Rusia. Su padre murió cuando él tenía 6 años. [3] Su madre lo llevó a clases de arte en el Wadsworth Atheneum en Hartford. [4] Después de obtener una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Syracuse en 1949, LeWitt viajó a Europa, donde estuvo expuesto a las pinturas de los viejos maestros . Poco después, sirvió en la Guerra de Corea , primero en California , luego en Japón y finalmente en Corea . LeWitt se mudó a la ciudad de Nueva York en 1953 y montó un estudio en el Lower East Side, en el antiguo asentamiento judío asquenazí en Hester Street . Durante este tiempo estudió en la Escuela de Artes Visuales mientras también perseguía su interés por el diseño en la revista Seventeen , donde hizo pegados, mecánicos y fotocopias. [5] En 1955, fue diseñador gráfico en la oficina del arquitecto IM Pei durante un año. En esa época, LeWitt también descubrió la obra del fotógrafo de finales del siglo XIX Eadweard Muybridge , cuyos estudios sobre secuencias y locomoción fueron una influencia temprana para él. Estas experiencias, combinadas con un trabajo de nivel inicial como recepcionista nocturno y empleado que aceptó en 1960 en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, influirían en el trabajo posterior de LeWitt.
En el MoMA, LeWitt colaboró con artistas como Robert Ryman , Dan Flavin , Gene Beery y Robert Mangold , y con la futura crítica de arte y escritora Lucy Lippard , que trabajaba como paje en la biblioteca. La ahora famosa exposición "Sixteen Americans" de 1960 de la curadora Dorothy Canning Miller, con obras de Jasper Johns , Robert Rauschenberg y Frank Stella, generó una oleada de entusiasmo y debate entre la comunidad de artistas con los que se relacionó LeWitt. LeWitt también se hizo amigo de Hanne Darboven , Eva Hesse y Robert Smithson .
LeWitt enseñó en varias escuelas de Nueva York, entre ellas la Universidad de Nueva York y la Escuela de Artes Visuales , a finales de la década de 1960. En 1980, LeWitt dejó Nueva York para trasladarse a Spoleto, Italia . Después de regresar a los Estados Unidos a finales de la década de 1980, LeWitt hizo de Chester, Connecticut , su residencia principal. [5] Murió a los 78 años en Nueva York por complicaciones de cáncer. [6]
LeWitt es considerado el fundador del arte minimalista y conceptual . [5] Su prolífico trabajo bidimensional y tridimensional abarca desde dibujos de pared (de los cuales se han ejecutado más de 1200) hasta cientos de obras en papel que se extienden a estructuras en forma de torres , pirámides , formas geométricas y progresiones. Estas obras varían en tamaño desde libros e instalaciones del tamaño de una galería hasta piezas monumentales al aire libre. Las primeras esculturas en serie de LeWitt fueron creadas en la década de 1960 utilizando la forma modular del cuadrado en arreglos de diversa complejidad visual. En el número 5 de la revista 0 To 9 , se publicó la obra de LeWitt 'Sentences on Conceptual Art'. Esta pieza se convirtió en uno de los escritos de artistas más citados de la década de 1960, explorando la relación entre el arte, la práctica y la crítica de arte . [7] En 1979, LeWitt participó en el diseño de la pieza Dance de Lucinda Childs Dance Company . [8]
A principios de los años 1960, LeWitt comenzó a crear sus "estructuras", un término que utilizó para describir su trabajo tridimensional. [9] Su uso frecuente de estructuras abiertas y modulares se origina en el cubo , una forma que influyó en el pensamiento del artista desde el momento en que se convirtió en artista. Después de crear un conjunto temprano de trabajos compuestos por objetos de madera de forma cerrada, profusamente lacados a mano, a mediados de los años 1960 "decidió quitar la piel por completo y revelar la estructura". Esta forma esquelética, el cubo abierto radicalmente simplificado, se convirtió en un componente básico de la obra tridimensional del artista. A mediados de los años 1960, LeWitt comenzó a trabajar con el cubo abierto: doce elementos lineales idénticos conectados en ocho esquinas para formar una estructura esquelética. A partir de 1969, concebiría muchas de sus estructuras modulares a gran escala, para ser construidas en aluminio o acero por fabricantes industriales. Varias de las estructuras cúbicas de LeWitt se encontraban aproximadamente a la altura de los ojos. El artista introdujo la proporción corporal en su unidad escultórica fundamental en esta escala. [10]
Después de una experimentación temprana, LeWitt se decidió por una versión estándar para sus cubos modulares, alrededor de 1965: el espacio negativo entre las vigas se mantendría en relación con el espacio positivo del material escultórico en sí en una proporción de 8,5:1, o . [11] [12] El material también se pintaría de blanco en lugar de negro, para evitar la "expresividad" del color negro de piezas anteriores similares. Tanto la proporción como el color fueron elecciones estéticas arbitrarias, pero una vez tomadas, se utilizaron de manera consistente en varias piezas que tipifican las obras de "cubos modulares" de LeWitt. [13] Los museos que conservan muestras de las obras de cubos modulares de LeWitt han publicado sugerencias de lecciones para la educación primaria, destinadas a alentar a los niños a investigar las propiedades matemáticas de las obras de arte. [14] [15]
A mediados de los años 1980, LeWitt compuso algunas de sus esculturas a partir de bloques de hormigón apilados, generando variaciones dentro de las restricciones autoimpuestas. En esta época, comenzó a trabajar con bloques de hormigón. En 1985, se construyó el primer cubo de cemento en un parque de Basilea . [16] A partir de 1990, LeWitt concibió múltiples variaciones de una torre que se construiría utilizando bloques de hormigón. [10] Alejándose de su conocido vocabulario geométrico de formas, las obras que LeWitt realizó a finales de los años 1990 indican vívidamente el creciente interés del artista por las formas curvilíneas algo aleatorias y los colores altamente saturados. [17]
En 2007, LeWitt diseñó 9 Towers , un cubo formado por más de 1.000 ladrillos de colores claros de cinco metros de lado. Se instaló en el Centro de Arte Kivik en Lilla Stenshuvud, Suecia, en 2014. [18]
En 1968, LeWitt comenzó a concebir conjuntos de pautas o diagramas simples para sus obras bidimensionales dibujadas directamente sobre la pared, ejecutadas primero en grafito , luego en crayón , más tarde en lápiz de color y finalmente en lavados cromáticamente ricos de tinta china , pintura acrílica brillante y otros materiales. [19] Desde que creó una obra de arte para la muestra inaugural de la Galería Paula Cooper en 1968, [20] una exposición a beneficio del Comité de Movilización Estudiantil para Poner Fin a la Guerra en Vietnam, miles de dibujos de LeWitt se han instalado directamente sobre las superficies de las paredes. [21] Entre 1969 y 1970 creó cuatro "Series de Dibujos", que presentaban diferentes combinaciones del elemento básico que regía muchos de sus primeros dibujos murales. En cada serie aplicó un sistema diferente de cambio a cada una de las veinticuatro combinaciones posibles de un cuadrado dividido en cuatro partes iguales, cada una conteniendo uno de los cuatro tipos básicos de líneas que LeWitt utilizó (vertical, horizontal, diagonal izquierda y diagonal derecha). El resultado son cuatro posibles permutaciones para cada una de las veinticuatro unidades originales. El sistema utilizado en la Serie de Dibujos I es lo que LeWitt denominó "Rotación", la Serie de Dibujos II utiliza un sistema denominado "Espejo", la Serie de Dibujos III utiliza "Espejo cruzado e inverso" y la Serie de Dibujos IV utiliza "Espejo cruzado e inverso". [22]
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En Wall Drawing #122 , instalada por primera vez en 1972 en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en Cambridge, la obra contiene "todas las combinaciones de dos líneas cruzadas, colocadas al azar, utilizando arcos desde las esquinas y los lados, rectas, no rectas y discontinuas", lo que da como resultado 150 emparejamientos únicos que se despliegan en las paredes de la galería. LeWitt amplió aún más este tema, creando variaciones como Wall Drawing #260 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que recorre sistemáticamente todas las posibles combinaciones de dos partes de arcos y líneas. [24] Concebida en 1995, Wall Drawing #792: Black rectangles and squares subraya el interés temprano de LeWitt en las intersecciones entre el arte y la arquitectura. Abarcando los dos pisos de la Galería Barbara Gladstone, Bruselas, esta obra consiste en diversas combinaciones de rectángulos negros, creando un patrón irregular similar a una cuadrícula. [25]
LeWitt, que se había mudado a Spoleto, Italia, a fines de la década de 1970, atribuyó su transición del lápiz de grafito o crayón a las vívidas aguadas de tinta a su encuentro con los frescos de Giotto , Masaccio y otros pintores florentinos tempranos. [20] A fines de la década de 1990 y principios de la década de 2000, creó dibujos murales acrílicos muy saturados y coloridos. Si bien sus formas son curvilíneas, divertidas y parecen casi aleatorias, también están dibujadas de acuerdo con un conjunto exigente de pautas. Las bandas tienen un ancho estándar, por ejemplo, y ninguna sección coloreada puede tocar otra sección del mismo color. [26]
En 2005, LeWitt comenzó una serie de dibujos murales con garabatos, llamados así porque requerían que los dibujantes rellenaran áreas de la pared con garabatos con grafito. Los garabatos se producen en seis densidades diferentes, que se indican en los diagramas del artista y luego se trazan en cuerdas sobre la superficie de la pared. Las gradaciones de densidad de garabatos producen un continuo de tono que implica tres dimensiones. [27] El dibujo mural con garabatos más grande, Wall Drawing #1268 , está en exhibición en la Galería de Arte Albright-Knox .
Según el principio de su trabajo, los dibujos murales de LeWitt suelen ser realizados por personas distintas del propio artista. Incluso después de su muerte, la gente sigue haciendo estos dibujos. [28] Por lo tanto, eventualmente utilizó equipos de asistentes para crear tales obras. Escribiendo sobre la realización de dibujos murales, el propio LeWitt observó en 1971 que "cada persona dibuja una línea de manera diferente y cada persona entiende las palabras de manera diferente". [29] Entre 1968 y su muerte en 2007, LeWitt creó más de 1.270 dibujos murales. [30] Los dibujos murales, ejecutados en el lugar, generalmente existen durante la duración de una exposición; luego se destruyen, lo que le da a la obra en su forma física una calidad efímera. [31] Se pueden instalar, quitar y luego reinstalar en otro lugar, tantas veces como sea necesario para los fines de la exposición. Cuando se transfieren a otra ubicación, el número de paredes solo puede cambiar si se asegura que se mantengan las proporciones del diagrama original. [32]
Murales permanentes de LeWitt se pueden encontrar, entre otros, en el AXA Center , Nueva York (1984-85); [33] la sede de Swiss Re para las Américas en Armonk, Nueva York, el Ayuntamiento de Atlanta , Atlanta ( Dibujo mural n.º 581 , 1989/90); el Centro de Convenciones Walter E. Washington , Washington, DC ( Dibujo mural n.º 1103 , 2003); el Hotel Conrad , Nueva York ( Loopy Doopy (azul y morado) , 1999); [33] la Albright-Knox Art Gallery , Buffalo ( Dibujo mural n.º 1268: Garabatos: Escalera (AKAG) , 2006/2010); [34] el Akron Art Museum , Akron (2007); la estación de metro Columbus Circle , Nueva York; el Museo Judío (Nueva York) , Nueva York; el Centro Verde de Física del MIT , Cambridge ( Bars of Colors Within Squares (MIT) , 2007); la Embajada de los Estados Unidos en Berlín ; el Wadsworth Atheneum ; y la Casa de John Pearson, Oberlin, Ohio . El último dibujo mural público del artista, Wall Drawing #1259: Loopy Doopy (Springfield) (2008), se encuentra en el Palacio de Justicia de los Estados Unidos en Springfield, Massachusetts (diseñado por el arquitecto Moshe Safdie ). Wall Drawing #599: Circles 18 (1989) —una diana de círculos concéntricos en bandas alternas de amarillo, azul, rojo y blanco— se instaló en el vestíbulo del Centro Comunitario Judío , Nueva York, en 2013. [33]
En la década de 1980, en particular después de un viaje a Italia, LeWitt comenzó a usar gouache , una pintura opaca a base de agua, para producir obras abstractas de flujo libre en colores contrastantes. Estas representaron un cambio significativo con respecto al resto de su práctica, ya que creó estas obras con sus propias manos. [9] Los gouaches de LeWitt a menudo se crean en series basadas en un motivo específico. Las series anteriores han incluido Formas irregulares , Curvas paralelas , Pinceladas onduladas y Rejillas en forma de telaraña . [35]
Aunque esta composición, de forma libre, puede haber sido un cambio de sus obras anteriores, de estructura más geométrica, se mantuvo en sintonía con su intención artística original. LeWitt realizó minuciosamente sus propias impresiones a partir de sus composiciones en gouache. En 2012, la asesora artística Heidi Lee Komaromi organizó la exposición "Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003", que revela la variedad de técnicas que LeWitt empleó sobre papel durante las últimas décadas de su vida.
A partir de 1966, el interés de LeWitt por la serialidad lo llevó a producir más de 50 libros de artista a lo largo de su carrera; más tarde donó muchos ejemplos a la biblioteca del Wadsworth Athenaeum. En 1976, LeWitt ayudó a fundar Printed Matter, Inc , un espacio de arte con fines de lucro en el barrio de Tribeca de la ciudad de Nueva York con otros artistas y críticos como Lucy Lippard , Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk , Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson , Ingrid Sischy , Pat Steir , Mimi Wheeler, Robin White e Irena von Zahn. LeWitt fue un innovador destacado del género del "libro de artista", un término que se acuñó para una exposición de 1973 comisariada por Dianne Perry Vanderlip en el Moore College of Art and Design de Filadelfia. [36]
Printed Matter fue una de las primeras organizaciones dedicadas a crear y distribuir libros de artistas, incorporando la autoedición, la publicación de pequeñas editoriales y redes y colectivos de artistas. [37] Para LeWitt y otros, Printed Matter también sirvió como un sistema de apoyo para los artistas de vanguardia, equilibrando su papel como editor, espacio de exhibición, espacio comercial y centro comunitario para la escena artística del centro de la ciudad, [38] en ese sentido emulando la red de artistas aspirantes que LeWitt conocía y disfrutaba como miembro del personal del Museo de Arte Moderno.
LeWitt colaboró con el arquitecto Stephen Lloyd para diseñar una sinagoga para su congregación Beth Shalom Rodfe Zedek ; él conceptualizó el edificio de la sinagoga "aireado", con su cúpula poco profunda sostenida por "exuberantes vigas de madera en el techo", un homenaje a las sinagogas de madera de Europa del Este . [39] [40]
En 1981, la Asociación de Arte de Fairmount Park (actualmente conocida como la Asociación de Arte Público ) invitó a LeWitt a proponer una obra de arte pública para un sitio en Fairmount Park . Seleccionó el terreno largo y rectangular conocido como Reilly Memorial y presentó un dibujo con instrucciones. Instalada en 2011, Lines in Four Directions in Flowers está compuesta por más de 7000 plantaciones dispuestas en filas configuradas estratégicamente. En su propuesta original, el artista planeó una instalación de plantaciones de flores de cuatro colores diferentes (blanco, amarillo, rojo y azul) en cuatro áreas rectangulares iguales, en filas de cuatro direcciones (vertical, horizontal, diagonal derecha e izquierda) enmarcadas por setos de hoja perenne de aproximadamente 2' de altura, con cada bloque de color compuesto de cuatro a cinco especies que florecen secuencialmente. [41] [42]
En 2004, se instaló la escultura Six Curved Walls en la ladera de la colina del Crouse College en el campus de la Universidad de Syracuse . La escultura de bloques de hormigón consta de seis paredes onduladas, cada una de 12 pies de alto, y se extiende a lo largo de 140 pies. La escultura fue diseñada y construida para conmemorar la inauguración de Nancy Cantor como la undécima rectora de la Universidad de Syracuse . [43] [44] [45]
Desde principios de la década de 1960, él y su esposa, Carol Androccio, reunieron cerca de 9.000 obras de arte a través de compras, en intercambios con otros artistas y comerciantes, o como regalos. [46] De esta manera adquirió obras de aproximadamente 750 artistas, incluidos Dan Flavin , Robert Ryman , Hanne Darboven , Eva Hesse , Donald Judd , On Kawara , Kazuko Miyamoto , Carl Andre , Dan Graham , Hans Haacke , Gerhard Richter y otros. En 2007, la exposición "Selecciones de la colección LeWitt" en el Museo de Arte Weatherspoon reunió aproximadamente 100 pinturas, esculturas, dibujos, grabados y fotografías, entre ellas obras de Andre, Alice Aycock , Bernd y Hilla Becher , Jan Dibbets , Jackie Ferrara , Gilbert y George , Alex Katz , Robert Mangold , Brice Marden , Mario Merz , Shirin Neshat , Pat Steir y muchos otros artistas. [47]
El trabajo de LeWitt se exhibió públicamente por primera vez en 1964 en una muestra grupal comisariada por Dan Flavin en la Galería Kaymar de Nueva York. [48] La Galería John Daniels de Dan Graham más tarde le dio su primera muestra individual en 1965. [49] En 1966, participó en la exhibición "Estructuras primarias" en el Museo Judío de Nueva York (una muestra seminal que ayudó a definir el movimiento minimalista), presentando un cubo modular abierto sin título de 9 unidades. El mismo año fue incluido en la exhibición "10" en la Galería Dwan de Nueva York. Más tarde, Harald Szeemann lo invitó a participar en "Cuando la actitud se convierte en forma", en la Kunsthalle de Berna , Suiza, en 1969. Entrevistado en 1993 sobre esos años, LeWitt comentó: "Decidí que haría que el color o la forma retrocedieran y avanzaran de manera tridimensional".
El Gemeentemuseum de La Haya presentó su primera exposición retrospectiva en 1970, y su obra se mostró más tarde en una importante retrospectiva de mitad de carrera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1978. [50] En 1972/1973, las primeras exposiciones de LeWitt en un museo de Europa se montaron en la Kunsthalle de Berna y el Museo de Arte Moderno de Oxford . [51] En 1975, LeWitt creó "La ubicación de un rectángulo para el Hartford Atheneum" para la tercera exposición MATRIX en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum. Más tarde ese año, participó en la sexta exposición MATRIX del Wadsworth Atheneum, proporcionando instrucciones para un segundo dibujo de pared. El MoMA le dio a LeWitt su primera retrospectiva en 1978-79. La exposición viajó a varios lugares estadounidenses. Para el Skulptur Projekte Münster de 1987 , Alemania, realizó Black Form: Memorial to the Missing Jews , una pared rectangular de bloques de hormigón negro para el centro de una plaza frente a un elegante edificio gubernamental neoclásico blanco; ahora está instalada en el Ayuntamiento de Altona, Hamburgo . Otras exposiciones importantes desde entonces incluyen Sol LeWitt Drawings 1958-1992 , que fue organizada por el Gemeentemuseum de La Haya, Países Bajos en 1992, que viajó durante los siguientes tres años a museos en el Reino Unido, Alemania, Suiza , Francia, España y los Estados Unidos; y en 1996, el Museo de Arte Moderno de Nueva York montó una exposición itinerante: "Sol LeWitt Prints: 1970-1995". Una importante retrospectiva de LeWitt fue organizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 2000. La exposición viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.
En 2006, la serie de dibujos de LeWitt … se exhibió en Dia:Beacon y estuvo dedicada a los dibujos de la década de 1970 del artista conceptual . Los dibujantes y asistentes [52] dibujaron directamente en las paredes usando grafito , lápiz de color , crayón y tiza . Las obras se basaron en los principios complejos de LeWitt, que eliminaron las limitaciones del lienzo para construcciones más extensas.
"Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective", una colaboración entre la Galería de Arte de la Universidad de Yale (YUAG), MASS MoCA (Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts) y el Museo de Arte del Williams College (WCMA), abrió al público en 2008 en MASS MoCA en North Adams, Massachusetts. [53] La exposición estará en exhibición durante 25 años y está alojada en un histórico edificio de molino de tres pisos de 27,000 pies cuadrados (2,500 m 2 ) en el corazón del campus del MASS MoCA, completamente restaurado por los arquitectos de Bruner/Cott and Associates (y equipado con una secuencia de nuevas paredes interiores construidas según las especificaciones de LeWitt). La exposición consta de 105 dibujos, que abarcan casi un acre de superficie de pared, que LeWitt creó durante 40 años desde 1968 hasta 2007 e incluye [ cita requerida ] varios dibujos nunca antes vistos, algunos de los cuales LeWitt creó para el proyecto poco antes de su muerte.
Además, el artista fue objeto de exposiciones en el PS 1 Contemporary Center, Long Island City ( Concrete Blocks ); [54] la Addison Gallery of American Art , Andover ( Twenty-Five Years of Wall Drawings, 1968-1993 ); y el Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford ( Incomplete Cubes ), que viajó a tres museos de arte en los Estados Unidos. En el momento de su muerte, LeWitt acababa de organizar una retrospectiva de su obra en el Allen Memorial Art Museum en Oberlin, Ohio . En Nápoles Sol LeWitt. L'artista ei suoi artisti se inauguró en el Museo Madre el 15 de diciembre de 2012, y permanecerá abierta hasta el 1 de abril de 2013.
Las obras de LeWitt se encuentran en las colecciones de museos más importantes, incluyendo: Tate Modern , Londres, el Van Abbemuseum , Eindhoven, el Museo Nacional de Serbia en Belgrado, el Centro Georges Pompidou , París, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, Suiza, la Galería Nacional de Australia , Canberra, Australia, el Museo Guggenheim , el Museo de Arte Moderno, Nueva York, Dia:Beacon , el Museo Judío en Manhattan, el Museo de Arte Pérez de Miami , [55] Florida, MASS MoCA , North Adams, la Colección de Arte Público del Massachusetts Institute of Technology List Art Center, [56] Cambridge , la Galería Nacional de Arte , Washington DC, y el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn . [57] La erección de la Pirámide Doble Negativa por Sol LeWitt en Europos Parkas en Vilnius, Lituania fue un evento significativo en la historia del arte en la era posterior al Muro de Berlín.
Sol LeWitt fue una de las principales figuras de su tiempo; transformó el proceso de creación artística al cuestionar la relación fundamental entre una idea, la subjetividad del artista y la obra de arte que una idea dada podría producir. Mientras que muchos artistas desafiaban las concepciones modernas de originalidad, autoría y genio artístico en la década de 1960, LeWitt negó que enfoques como el minimalismo , el conceptualismo y el arte procesual fueran meramente técnicos o ilustrativos de la filosofía. En sus Párrafos sobre el arte conceptual , LeWitt afirmó que el arte conceptual no era ni matemático ni intelectual sino intuitivo, dado que la complejidad inherente a la transformación de una idea en una obra de arte estaba plagada de contingencias. [58] El arte de LeWitt no se trata de la mano singular del artista; es la idea detrás de cada obra que supera la obra en sí. [59] A principios del siglo XXI, el trabajo de LeWitt, especialmente los dibujos murales, ha sido aclamado por la crítica por su perspicacia económica. Aunque son modestos (la mayoría existen como simples instrucciones en una hoja de papel), los dibujos pueden realizarse una y otra vez, en cualquier parte del mundo, sin que el artista tenga que intervenir en su producción. [60]
Su récord de subasta de $749,000 se estableció en 2014 por su pieza de gouache sobre cartón Wavy Brushstroke (1995) en Sotheby's , Nueva York. [61]
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