Shelby Shackelford (1899–1987) fue una artista estadounidense que trabajó principalmente en las comunidades artísticas de Baltimore , Maryland, y Provincetown, Massachusetts . Sus pinturas, dibujos y grabados eran abstractos , pero no no objetivos. Cada uno de ellos tenía, como ella dijo, "un comienzo en una experiencia visual". [1] Al principio de su carrera, durante un período en el que muchos en Baltimore eran hostiles a lo que los lugareños llamaban tendencias "avanzadas" en el arte, sus pinturas fueron estigmatizadas como "cosas sin sentido". [2] Después de ayudar a contrarrestar estos prejuicios locales, se embarcó en un largo período de experimentación en medios y técnicas, manteniendo, como escribió en 1957, que la pintura era "una aventura, un proceso de descubrimiento para el cual no debería haber fin". [1] Los críticos elogiaron a Shackelford por su "refinamiento y seguridad en el enfoque y la ejecución", sus "arreglos inusuales y divertidos de color y línea", su "gusto e imaginación" y sus "pinturas [que] son abstractas, bien construidas, con variedad de formas y colores excepcionales". [3] [4] [5] [6] Además de hacer arte, Shackelford impartió clases de arte a niños y adultos, participó activamente en organizaciones artísticas y escribió e ilustró libros que recibieron una gran atención de los críticos literarios.
Shackelford nació en Houston, Virginia, una comunidad que más tarde cambió su nombre a Halifax . [7] Su padre había muerto antes de su primer cumpleaños, su madre la llevó a Fredericksburg, Virginia, donde vivieron con uno de sus primos. [8] Shackelford pasó la mayor parte de su infancia en Fredericksburg y en Stuart Hall , un internado privado para niñas en Staunton, Virginia . [9] En 1912, asistió a un internado en Suiza, donde aprendió francés y, durante las vacaciones, viajó con su madre para ver galerías en Italia y París. [1] Seis años más tarde, habiendo decidido convertirse en una artista profesional, ella y su madre se mudaron a Baltimore, Maryland, donde se inscribió como estudiante en la Escuela de Diseño del Instituto de Maryland, ahora el Colegio de Arte del Instituto de Maryland . [10] [11] No le gustaba el conservadurismo de la escuela y su "rutina aburrida", pero, no obstante, ganó una beca allí en 1920 y se graduó en la primavera de 1921. [1] [12] [13] Ese otoño, expuso en el Instituto con otros estudiantes. [14] En un momento durante sus años en el Instituto, Shackelford pasó un verano en la colonia de arte de Provincetown, Massachusetts . Allí, trabajando con Ross Moffett y Marguerite Zorach , recuperó su amor por la pintura y se comprometió nuevamente con una carrera como artista profesional. [15] [1] [16] [17] En 1922, viajó a Francia para estudiar con Othon Friesz y Fernand Léger en París. [18] Después de su regreso a los Estados Unidos, mostró cuatro dibujos en una exposición grupal de trabajos estudiantiles organizada por la Asociación de Arte de Provincetown . [19]
Mi estilo ha cambiado a lo largo de mi carrera como pintor, pero siempre creo que fue por el esfuerzo que hice para ver por mí mismo. He sentido influencias de la obra de otros pintores, pero sabía que debían tenerse en cuenta, no copiarse. Pinto lentamente, por regla general, y tengo varios lienzos en marcha, en los que pinto durante meses. Ocasionalmente puedo volver a pintar un lienzo entero en dos o tres días, habiendo aprendido a través del ensayo y error lo que quería lograr. Construyo mis composiciones en una especie de subestructura arquitectónica. Gran parte de esto se pierde, al igual que el marco de los edificios cuando el edificio está terminado. Como cualquier artista, me preocupa el equilibrio de la forma y el color, y me sorprende continuamente la belleza de la línea y las posibilidades de las texturas.
Shelby Shackelford, declaración personal aportada a una mesa redonda sobre "El arte y la mente creativa", Instituto de Psiquiatría, Universidad de Maryland, Baltimore, 1957. [1]
En la amplia gama de temas seleccionados por la señorita Shackelford se manifiesta constantemente una viva inteligencia: en sus obras individuales hay una visión de una parte del mundo, unificada, clara, intensa. Y el arte, para ser algo más que una vía de escape y para proporcionar un propósito distinto al de ser perseguido por coleccionistas y objeto de burlas por parte de camarillas, necesita inteligencia y visión; las necesita si, como en las elevadas palabras de Paul Gaultier, es realmente "una expansión armoniosa e integral de toda nuestra naturaleza en la facultad de sentir". [nota 1] "Intento ver mi tema y pintarlo como lo siento en ese momento", dice la señorita Shackelford. Y ha hecho ambas cosas de una manera extraordinariamente buena.
En 1924, Shackelford había decidido adoptar el estilo modernista que había aprendido mientras estudiaba en París y Provincetown. [15] A finales de año, mostró dos pinturas en una exposición colectiva organizada por el Charcoal Club de Baltimore . [20] Se dice que la exposición anual totalmente estadounidense del club fue "el punto culminante de la breve temporada artística de Baltimore" y sus pinturas estuvieron entre las 70 obras seleccionadas entre las presentaciones de 130 artistas. [21] Un reportero local señaló que muchas presentaciones "modernistas" habían sido rechazadas. [20] El Baltimore Sun publicó una foto de Shackelford trabajando en una de las dos pinturas que exhibió. [22] La foto se muestra arriba, n.º 1.
Su estilo modernista provocó un pequeño escándalo al año siguiente cuando el recién nombrado director del Instituto de Maryland rechazó una exposición individual de sus pinturas diciendo "No voy a permitir que los modernistas muestren sus cosas sin sentido en las galerías de la escuela y contrarresten la verdadera educación artística que estamos dando". [2] En respuesta a este rechazo, Shackelford reunió a un grupo de artistas y mecenas de arte. Bajo el liderazgo de George Boas , un profesor de filosofía de Johns Hopkins , el grupo montó una galería temporal, llamada Modernists' Art Gallery. [23] En 1925, realizó una exposición individual en la nueva galería. Un crítico de Baltimore dijo que la muestra fue "uno de los eventos artísticos más importantes de la ciudad de los últimos años". El crítico continuó diciendo: "La obra de la señorita Shackelford es importante porque está 'viva', porque muestra los resultados en pintura de una inteligencia ansiosa, sensible y bien equipada y porque, más que la obra de cualquier otro artista que haya expuesto aquí recientemente, logra una combinación, una fusión no solo de color y línea, diseño e interpretación, sino de materia y forma". [4] Un año después, el grupo modernista informó que había logrado sus objetivos y cerró la galería. [24]
Shackelford mostró pinturas en una exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes en el Waldorf Astoria de Nueva York en febrero de 1925, incluido un autorretrato que un crítico de Baltimore consideró audazmente moderno. [25]
A principios de la década de 1920, Shackelford se convirtió en residente de verano en Provincetown y comenzó a mostrar sus pinturas y dibujos en las exposiciones anuales de la Asociación de Arte de Provincetown. [26] En 1925, se seleccionó una pintura llamada "Composición" para la undécima exposición anual y al año siguiente, comenzó a exponer en una nueva serie de exposiciones modernas que realizó la asociación. [16] [27] En 1927, mostró dibujos a lápiz en la primera de las exhibiciones modernas. Uno de estos dibujos puede haber sido un retrato de su amiga íntima, Janice Biala [28] [nota 2] En 1928, exhibió una pintura llamada "Acordeonista", que mostraba una figura que se decía que era "a la vez vigorosa y relajada en su postura". [29] Entre 1930 y 1936, sus pinturas y dibujos aparecieron en las muestras modernas anuales y en 1932 y 1933 fue miembro del jurado que seleccionó obras para la exhibición. [30] [31] [32] [33] [34] [35] [36]
Después de su matrimonio en 1926, Shackelford y su marido se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde él ocupó un puesto de profesor. [9] En 1930, 1931 y 1932, expuso dibujos y pinturas en una galería sin fines de lucro fundada por la esposa de Philip Roosevelt y bautizada como GRD Gallery en honor a la artista Gladys R. Dick . [5] [37] [38] [39] Durante este período, también expuso en exposiciones colectivas en galerías comerciales de Nueva York ( Macy's Department Store, 1931, y Contemporary Art Galleries, 1933). [40] [41] Estas exposiciones suscitaron elogios de los críticos locales. Uno elogió una combinación de fuerza y delicadeza en sus dibujos. [42] Otro llamó la atención sobre "disposiciones inusuales y divertidas de color y línea decididamente bien pintadas". [5]
Shackelford aprendió a hacer grabados durante sus veranos en Provincetown. [17] En 1930, 1931 y 1932, sus grabados fueron aceptados para su exhibición en la prestigiosa exposición itinerante llamada "Cincuenta grabados del año". Esta serie anual, patrocinada por el Instituto Americano de Artes Gráficas , comenzó en 1925. Cada muestra incluía grabados de grabadores modernos y tradicionales y el Instituto tomó medidas para garantizar que el proceso de selección fuera justo para ambos grupos. [43] [44] [45] [46] El grabado en madera , "La última escena de Otelo" (que se muestra arriba, n.º 2), apareció en la exposición de 1930.
En lo que pudo haber sido su última exposición en Nueva York antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, Shackelford mostró grabados y dibujos en la segunda exposición bienal en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en 1936. [47] Durante la guerra, ella y su esposo se mudaron de nuevo a Baltimore. [48] A fines de la década de 1940, continuó pintando y haciendo grabados y renovó sus conexiones con las organizaciones artísticas de la ciudad. [49] A partir de 1946 y hasta mediados de la década de 1960, participó en exposiciones grupales en el Museo de Arte de Baltimore y organizaciones regionales sin fines de lucro. Estas incluyeron exposiciones grupales en el Museo de Baltimore en 1946, 1950 y 1962; exposiciones individuales en ese museo en 1956, en el Western Maryland College en 1958 y en la Universidad Johns Hopkins en 1963; y una muestra especial por invitación de siete artistas de Maryland celebrada en Annapolis por la Federación Estatal de Artes en 1965. [18] [50] [51] [52] [53] [54] [55] La pintura de Shackelford llamada "Cliff Wall" de 1956 (que se muestra arriba, n.° 3) es de este período.
Me han preguntado muchas veces: “¿Cómo se empieza un cuadro?”. Sé muy bien cómo no empiezo yo. No instalo un caballete y pinto lo que tengo delante. Mi manera de empezar es mucho más tentativa. Creo que todo empieza con un sentimiento que quiero hacer visible. A veces me lleva mucho tiempo “verlo” en mi propia mente; otras veces llega rápidamente. Puede empezar con sensaciones de color de árboles, colinas, cielos, agua, calles… cualquier cosa. Puede tener forma de pequeños objetos, piedras, conchas, plumas. Casi siempre el estímulo viene del exterior, del mundo visual que me rodea. Hace poco me llamaron “pintor de la naturaleza”. Esto es cierto, en el sentido de que el principio de mi tema es la naturaleza. Lo que hago con ella, o con una pequeña parte de ella, se convierte en mi propia traducción.
Shelby Shackelford, declaración personal aportada a una mesa redonda sobre "El arte y la mente creativa", Instituto de Psiquiatría, Universidad de Maryland, Baltimore, 1957. [1]
En 1957, Shackelford se convirtió en miembro de una galería cooperativa de artistas recién formada, la Jefferson Place Gallery, en Washington, DC. Sus exhibiciones en la galería incluyeron ocho muestras grupales entre 1957 y 1960, así como una muestra individual en 1958. [56] Los críticos de Washington dieron reseñas favorables. Uno dijo que una pintura suya era la "más codiciada" de las obras mostradas en una exposición grupal en 1958. [57] Otro destacó una pintura llamada "Phoenix" en una exposición grupal de 1960, destacando sus "formas de llamas plumosas y colores armoniosos" y llamándola "la joya de la muestra". [58]
En 1960, ganó el segundo premio en un concurso patrocinado por el Centro Comunitario Judío de Baltimore, y en 1962 ganó el primer premio en la Exposición anual de Artistas de Maryland del Museo de Arte de Baltimore. [52] [59] En 1967, realizó una exposición individual en la galería Studio North en Towson, Maryland, que contenía dibujos de tinta convencionales junto con otros hechos mezclando hollín en agua y un año después mostró técnicas experimentales adicionales en una exposición grupal en esa galería. [60] [61] Durante este período, también participó en una innovadora exposición grupal en el Baltimore Junior College , contribuyó con pinturas al programa de alquiler de arte que había ayudado a establecer en el Museo de Arte de Baltimore y mostró dibujos, grabados y pinturas en una variedad de exposiciones grupales en galerías académicas y sin fines de lucro. [62] [63] [64] [65] [66]
Shackelford continuó exhibiendo incluso después de cumplir 75 años. Con respecto a una exposición en la que participó con otros cinco artistas que se celebró en la Galería Fells Point en Baltimore, un crítico del Baltimore Sun escribió: "Shelby Shackelford, en dibujos delicados, inviste una variedad de especímenes minerales con misterio y, en la pintura, "Parte de esta esfera" dota a la naturaleza inanimada con un sentimiento de vida apasionada". [67] En 1982, se le dio una muestra individual de pinturas y dibujos en la Asociación de Arte y Museo de Provincetown y en 1985 participó en una muestra colectiva en el Consejo Nacional sobre el Envejecimiento . [68] [69] Cuando se le entrevistó sobre esto último, dijo que su trabajo se había visto afectado por "operaciones de cataratas, artritis y dos reemplazos de cadera". Añadió, sin embargo, que su salud había mejorado y dijo que estaba "ansiosa por trabajar" y que "se sentía más feliz todo el tiempo". [69]
Shackelford utilizó una variedad de medios durante su larga carrera. [62] Sus primeras obras fueron óleo sobre lienzo, grafito y tinta sobre papel, y xilografías sobre papel. [70] Más adelante en su carrera, también pintó usando caseína , hizo impresiones de cera y parafina, y usó hollín como medio en sus dibujos. [17] [60] [71] [72] [73] En 1956, un crítico señaló que le gustaba la facilidad de manejo de la caseína, así como su color puro. "Después de que el medio se seca", escribió este crítico, "usa un acabado de cera ligera para producir una calidad preservada y luminosa". [53]
Realizó retratos y otras figuras , paisajes , naturalezas muertas y técnicas mixtas . [71]
Desde el principio se la consideró una artista abstracta y su obra se fue haciendo más abstracta a medida que avanzaba en su carrera, pero nunca fue puramente abstracta. En 1957 dijo: "Mi pintura se ha vuelto más abstracta, más preocupada por el hecho de la superficie plana de mi lienzo y la consistencia de mis pinturas. No soy una pintora no objetiva, ya que mis lienzos siempre tienen un comienzo en una experiencia visual". [1]
En una de sus primeras reflexiones sobre el uso de la abstracción, un crítico dijo: «La señorita Shackelford es 'moderna', pero eso significa en gran medida que es una artista. Para el observador comprensivo no debería haber nada extraño en sus pinturas ni necesidad de buscar simbolismo. En prácticamente todos estos lienzos se pueden encontrar los que siempre han sido los elementos del arte real». [4] Este crítico destacó su habilidad para manejar un «ritmo definido de composición», su capacidad para lograr una «armonía de colores» y su «precisión de método» y llamó la atención sobre la expresividad de sus obras. De un cuadro que muestra figuras en un paisaje, el crítico escribió: «La señorita Shackelford ha tomado los elementos ordinarios del cielo, la tierra, los hombres y las mujeres y los ha convertido en algo más, les ha dado un espíritu y una vida concentrada diferente de la de cualquiera de ellos y más profunda porque surge de la relación y armonización de sus individualidades». El crítico cita un comentario de Shackelford sobre este tema: «Intento ver mi tema y pintarlo como lo siento en ese momento». [4]
En 1956, un crítico habló de un cambio en su estilo que le dio a sus pinturas una mayor intensidad de expresión. Señaló que en ese momento de su carrera, era "principalmente una pintora de la naturaleza" y dijo que su uso de la caseína había logrado una "pureza espectral" en un paisaje llamado "Composición verde". También describió su uso de un nuevo medio que implicaba el uso de papel arrugado pegado sobre el fondo de algunas de sus pinturas. "Un técnico menos sensible nunca podría haberlo logrado", escribió, "pero en la pintura de la señorita Shackelford parece el siguiente paso lógico". [6]
Al final de su carrera, dijo a los periodistas que había "experimentado con muchas técnicas" y que sentía que estaba trabajando con "mayor libertad y seguridad". [1] [62]
Shackelford asumió un papel de liderazgo en algunas organizaciones artísticas y fue miembro de otras. Se unió a la Asociación de Arte de Provincetown después de que comenzó a pasar sus veranos en esa ciudad. [16] Organizó la Asociación de Artistas Modernistas de Baltimore en 1925. [74] En 1943, se unió al Comité Asesor de Artistas del Museo de Arte de Baltimore y al Gremio de Artistas de Baltimore. [49] [50] En 1947, fue miembro fundador del capítulo de Baltimore de la Asociación de Equidad de Artistas. [75] En ese año y en 1948, presidió el Comité de Artistas del Museo de Arte de Baltimore. [76] En el último año, envió una carta al editor del Baltimore Sun explicando el funcionamiento del Comité Asesor de Artistas. Compuesto por representantes de organizaciones artísticas locales y nueve artistas locales nombrados por el comité, el grupo era responsable de reunir un jurado de selección para la exposición de artistas de Maryland que se celebraba cada año en el museo. Se ordenó a los jurados no dar preferencia a las obras de los artistas miembros del comité. [77] Fue miembro fundador del Comité de Mujeres del Museo de Artes de Baltimore en 1952 y de la Galería Jefferson Place en 1957. [56] [78]
Shackelford comenzó su carrera docente a su regreso a Baltimore durante la Segunda Guerra Mundial. Pasó dos años como voluntaria de la Cruz Roja enseñando a soldados heridos en el Hospital de la Marina de los Estados Unidos de esa ciudad . Más tarde escribió que la tarea era gratificante y agregó que los pacientes "pintaban su propio mundo o el que querían". [1] Después de la guerra, pasó un largo período enseñando a niños pequeños en tres escuelas privadas: St. Timothy's School , Roland Park Country School y Friends School of Baltimore . Al mismo tiempo, también impartió clases para niños y adultos en el Museo de Arte de Baltimore. [53]
En 1933, Shackelford ilustró un libro de su marido: Tiempo, espacio y átomos, de Richard T. Cox (Baltimore: The Williams & Wilkins Company). El autor del libro era el marido de Shackelford. Se publicó como parte de una serie llamada "El siglo del progreso", cuyo objetivo era presentar las "características esenciales de las ciencias fundamentales que son las piedras angulares de la industria moderna". Los libros de la serie se publicaron durante la Feria Mundial de Chicago de 1933. [ 79 ] La imagen de la derecha (que se muestra arriba en teléfonos inteligentes) es una de las ilustraciones que Shackelford hizo para este libro.
Tres años después, escribió e ilustró un libro infantil sobre los insectos y otros animales pequeños que se encuentran en el jardín de su casa. Titulado Now for Creatures! (1936, Nueva York, C. Scribner's sons), explica cómo las orugas se convierten en polillas o mariposas, cómo distinguir las ranas de los sapos y cómo las hormigas llevan una vida ajetreada. El estilo es informal, como si estuviera conversando con su hijo, Douglas, que entonces tenía siete años. [80]
En 1941, escribió e ilustró un libro para adultos, Electric Eel Calling (Nueva York, C. Scribner's sons). Escrito como diario de una expedición dirigida por su marido, era, como proclama su subtítulo, "un registro de la asociación de una artista con una expedición científica para estudiar la anguila eléctrica en Santa Maria De Belem do Para, Brasil". En una extensa reseña, un crítico del New York Times explicó que el libro equilibra las explicaciones científicas con descripciones verbales de "la exuberante vegetación, los brillantes colores de los trópicos, la gente y sus costumbres". [81] Una reseña posterior en la revista de reseñas de libros del Times dice: "Gran parte de la cautivadora cualidad del libro de la señorita Shackelford reside en la frescura de su respuesta, ya sea a la escena, a la personalidad, a la historia antigua o al movimiento de la vida actual. Así, cuando la anguila es perseguida hasta un hábitat más remoto en la gran isla de Marajo, ella hace una historia deliciosamente pictórica del viaje en barco, la visita al rancho de ganado, la cautivadora individualidad de la magistral dama que es la dueña del rancho y los detalles que nota en las vidas de la gente de la isla". [82]
Shackelford nació el 27 de septiembre de 1899 en un pueblo llamado Houston, Virginia, un lugar que más tarde cambió su nombre a Halifax . [56] Su padre fue Jones Green Shackelford (1853-1900), un ministro episcopal que fundó y dirigió una escuela, la Episcopal Male Academy, en Houston. Murió nueve meses después de su nacimiento. [83] Su madre, Anna Williams Fassmann Shackelford (1864-1940), estaba relacionada con familias ricas y socialmente prominentes en Nueva Orleans y Nashville. [83] [84] No se volvió a casar después de la muerte de Jones Green y, como se señaló anteriormente, utilizó parte de su riqueza para apoyar la educación en un internado de Shackelford durante sus años de escuela secundaria, así como su educación artística en Provincetown, Baltimore y París. Jones Green era viudo cuando se casó con Anna y Shackelford tenía un hermanastro, Howard Green Shackelford (1878-1935), del primer matrimonio. [85] En 1926, Shackelford se casó con Richard Threlkeld Cox (1898-1991), un físico y pintor aficionado. [1] Tuvieron dos hijos, Richard Douglas (1928-2001) y Aylette (nacida en 1934).
En 1975, Richard T. Cox incluyó un reconocimiento a su esposa en una breve autobiografía que escribió para el Proyecto sobre la Historia de la Física Reciente en los Estados Unidos del Instituto Americano de Física . Dijo que a pesar de su compromiso con la pintura, el grabado, la enseñanza y la escritura, era una "esposa leal", una "madre devota" y una "abuela atenta". [8] En una "declaración personal" escrita en 1957, describió sus esfuerzos por equilibrar las exigencias contrapuestas del trabajo y la familia: "Como nuestros hijos, un niño y una niña, ocupaban más de mi tiempo, pintaba cuando dormían o hacía dibujos de ellos siempre que podía. Quería una familia, pero durante un tiempo el tiempo para pintar era muy limitado". [1]
Shackelford y Cox se conocieron en Baltimore, se casaron en la ciudad natal de ella, Virginia, y pasaron los primeros años de su matrimonio en Manhattan, donde él tenía un puesto de profesor en la Universidad de Nueva York . En 1943, regresaron a Baltimore cuando él fue nombrado profesor de física en la Universidad Johns Hopkins. Permanecieron allí el resto de su vida. [56] Shackelford murió el 20 de agosto de 1987, en la casa de verano que compartía con Cox en Wellfleet, Massachusetts . [86]
El retrato que Shelby Shackelford mostró de esta ciudad en la reciente exposición del Charcoal Club se suponía que era "promocionado" por aquellos que no simpatizan con las tendencias modernas en el arte y no las entienden. Se puede profetizar que el lienzo que la señorita Shackelford ha enviado a la exposición anual de la Sociedad de Artistas Independientes en Nueva York habría causado un revoloteo aún mayor en los palomares locales si se hubiera exhibido aquí. Es un autorretrato, que probablemente estará entre los centros de interés en la próxima exposición que se realizará en el techo del Waldorf Astoria.