Shahzia Sikander (nacida en 1969 en Lahore, Pakistán ) es una artista visual pakistaní-estadounidense . Sikander trabaja en una variedad de medios, incluidos el dibujo, la pintura, el grabado, la animación, la instalación, la performance y el video. Actualmente, Sikander vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.
Sikander estudió en el National College of Arts Lahore en Pakistán, donde aprendió la disciplina tradicional de la pintura en miniatura indopersa . [1] Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en 1991. [2] Sikander se mudó a los Estados Unidos y asistió a la Rhode Island School of Design (RISD) , donde obtuvo una maestría en Bellas Artes en Pintura y Grabado en 1995. [3] [4]
Al principio, exploré la tensión entre la ilustración y las bellas artes cuando me topé por primera vez con la pintura en miniatura, cuando era adolescente. Defender los aspectos formales del género indopersa de la pintura en miniatura ha sido a menudo el eje central de mi práctica.
—Shahzia Sikander, [5]
Como estudiante de pregrado en Lahore , Shahzia Sikander estudió las técnicas de la pintura de manuscritos indopersas persas y mogoles, a menudo integrando formas tradicionales de los estilos y la cultura mogol (islámico) y rajput (hindú). [6] La forma tradicional de pintura en miniatura requiere medidas iguales de disciplina, gesto y expresión para ejecutar una cuidadosa superposición de color y detalle. En cuanto a la composición, las pinturas en miniatura exhiben una amplia exhibición de imágenes coloridas, que incluyen formas humanas, animales, patrones, formas, puntos y líneas de conexión. Las pinturas en miniatura a menudo involucran complejidades contextuales como narrativas religiosas, escenas de batallas y vida en la corte. Sikander ha integrado las técnicas y formas de la pintura en miniatura tradicional, apoyándose en la superposición de imágenes y metáforas para impulsar su trabajo. Sus formas y figuras exhiben una calidad de transformación continua a medida que se superponen imágenes transparentes, lo que proporciona una complejidad con cambios infinitos en la percepción. Las complejas composiciones de Sikander "desmantelan los supuestos jerárquicos y subvierten la noción misma de una identidad singular y fija de figuras y formas". [7]
The Scroll (1992) es una pintura manuscrita semiautobiográfica. The Scroll, el proyecto de tesis de Sikander en el National College of Arts, incluye elementos formales de la pintura manuscrita histórica. [8] The Scroll retrata escenas de la vida cotidiana contemporánea pakistaní, incluidos rituales que exploran las tradiciones culturales y geográficas. [8] En The Scroll aparecen muchos matices, patrones e incidentes , lo que identifica la atención de Sikander a los pequeños detalles, las paletas de colores apagados y la comprensión de los elementos arquitectónicos yuxtapuestos con las intimidades de la cultura doméstica. [8] El uso de la perspectiva es cada vez más notorio, exhibiendo un movimiento lineal de composición. [9] Las preocupaciones comunes de economía, imperialismo, colonialismo, sexualismo e identidad también son evidentes en las primeras pinturas de Sikander. The Scroll lanzó lo que se ha dado en llamar la neominiatura. [10]
La atención de Sikander al detalle y al formalismo ayudan a la contextualización de sus pinturas en miniatura, derivadas de un interés en el trabajo, el proceso y la memoria. Las pinturas anteriores también incluyen elementos de Gopi , o las pastorcillas de vacas devotas y amantes de la deidad Krishna en la mitología hindú, mientras que las figuras de hombres se representan como "guerreros con turbante". [11] La Gopi se retrata en las primeras pinturas en miniatura de Sikander para "ubicar formas visuales y simbólicas dentro de la pintura en miniatura que tienen el potencial de generar múltiples significados". [12] El uso más significativo de Gopi por parte de Shahzia Sikander se puede ver en una serie de dibujos y animación digital de 2003, titulada Spinn . En la animación, los personajes se multiplican y su cabello se separa de sus cuerpos, creando una forma abstracta de siluetas de cabello. Sikander explora la relación entre el presente y el pasado, incluida la riqueza de las identidades multiculturales. Las apropiaciones para Sikander funcionan para trasladar las tradiciones artísticas indopersas al futuro. La extracción y abstracción de motivos tradicionales crea cambios infinitos en la percepción que desafían la linealidad de cualquier narrativa colonial o poscolonial. Integrada con historias personales y sociales, su obra invita a múltiples significados, operando en un estado de constante cambio y transición. [13]
El dibujo es un elemento fundamental de mi proceso, una herramienta básica para la exploración. Construyo la mayor parte de mi trabajo, incluidos los patrones de pensamiento, a través del dibujo. Las ideas contenidas en el papel suelen ponerse en movimiento en las animaciones de vídeo, lo que crea una forma de disrupción como medio para involucrar. También me mantuve fiel a la superposición, un concepto que se refleja en toda mi práctica. Para la realización de las animaciones de vídeo, volví al uso fundamental de dibujos a tinta, creando formas a partir de color y gouache, escaneándolas y enhebrándolas mediante el movimiento. La descomposición de la forma también le da a un dibujo estático la ilusión de transformación, lo que, como tema, me ha dado mucho espacio para experimentar e imaginar a lo largo de mi trabajo.
—Shahzia Sikander, [14]
De manera similar a sus pinturas en miniatura, Sikander se basa en el proceso de superposición para crear animación digital. Los elementos formales de la técnica, la superposición y el movimiento de las animaciones digitales ayudan a desencajar el "absoluto de contrastes como occidental/no occidental, pasado/presente, miniatura/escala". Sikander explica su aprecio por el proceso de superposición en la animación digital, permitiendo que la narrativa permanezca suspendida y abierta a la reinterpretación. Sikander es muy paciente con su trabajo, algunos tardan meses, incluso años en terminarse. Sikander afirma: "El propósito es señalar, y no necesariamente definir. Considero que esta actitud es una forma útil de navegar por las posturas culturales y sociopolíticas complejas y a menudo profundamente arraigadas que nos envuelven las veinticuatro horas del día, los siete días de la semana". [15]
Creo que el contexto y la ubicación son muy importantes, porque, obviamente, en mi caso, la ubicación es el espacio en el que se va a exhibir la obra. Y como parte de la obra que hago se crea in situ, requiere un tipo de espacio diferente al de los dibujos más pequeños o las obras más orientadas a un tema. Por eso, el contexto cobra importancia.
—Shahzia Sikander, [16]
Como artista musulmana, Shahzia Sikander tuvo que soportar a menudo los estereotipos de su comunidad. El velo (un pañuelo que suelen llevar las mujeres musulmanas) cubre el pelo y el cuello y es un símbolo tanto de la religión como de la feminidad. Las pinturas en miniatura de Sikander a menudo hacen referencia al velo, explorando su propia historia religiosa e identidad cultural. En una pieza de performance, Sikander llevó un elaborado velo de encaje durante varias semanas mientras documentaba la reacción de sus compañeros. Sikander explica que el velo le dio una sensación de seguridad máxima, afirmando que "era maravilloso que la gente no viera mi expresión facial o mi lenguaje corporal y, al mismo tiempo, tener el control y saber que no sabían que estaba actuando, y comprobar su reacción". [17]
Las imágenes del tradicional velo musulmán aparecen en todas las composiciones de Sikander. Sus obras más grandes recuerdan una práctica india de siglos de antigüedad en la que las mujeres pintan regularmente figuras en todas las paredes y pisos de sus casas, utilizando movimientos gestuales de "cuerpo entero". Sikander utiliza dibujos grandes como base para sus instalaciones a gran escala, que a menudo requieren meses para completarse. Nemesis , una instalación específica del sitio en el Museo y Galería de Arte de la Enseñanza Frances Young Tang , presenta pinturas similares a joyas de tan solo seis por ocho pulgadas y dos animaciones. [18] Sikander recibió el encargo de crear dos grandes piezas de arte público para la Universidad de Princeton, que se revelaron en 2017. Una es Quintuplet Effect, una pintura sobre vidrio en capas que se puede ver en el edificio Julis Romo Rabinowitz. La otra es Ecstasy as Sublime, Heart as Vector, un mosaico de sesenta y seis pies de alto en el Edificio Internacional Louis A. Simpson. [19] [ se necesita una mejor fuente ]
Sikander pone un fuerte énfasis en el mensaje feminista en sus obras de arte, a menudo utilizándolo como una vía para iniciar debates en torno a la religión y la política. Como mujer musulmana que vive en Nueva York en medio de las secuelas del 11 de septiembre, Sikander tomó nota del creciente interés en las mujeres de Oriente Medio y el Islam en Occidente a través de su arte. En Pleasure Pillars , Sikander hace una clara referencia a la destrucción de las torres gemelas en 2001, ya que las mujeres en la pintura están representadas disparando rayos y creando explosiones. [20] A lo largo de su portafolio, representa a mujeres con cuerpos incompletos y rasgos mitológicos, como cuernos. Esto también se puede ver en su mural, The Perennial Gaze, en el que la mujer es abrazada por un cuerpo dorado, andrógino y sin cabeza. Sikander utiliza el cuerpo humano para ampliar los límites entre lo que se elogia como masculino y femenino, destacando las cualidades sensuales de la forma femenina y cómo a menudo se ve eclipsada.
En 2023, Sikander recibió el encargo de crear una estatua para Madison Square en Nueva York. En esta instalación, una estatua de una mujer dorada sin brazos flotando con cuernos de carnero está sostenida por una falda cubierta con un mosaico. Esta instalación, “ Havah... respirar aire, vida”, recibió una mezcla de elogios y críticas de los espectadores mientras Estados Unidos sigue en una batalla legislativa sobre los derechos reproductivos de las mujeres, específicamente el derecho al aborto. Esta escultura se interpreta como una conversación sobre los derechos reproductivos femeninos a partir del título. Havah tiene dos significados, en urdu se traduce como aire o Eva. Junto con las alusiones del cuerpo de la mujer conectado a la naturaleza, muchos espectadores interpretan la escultura en relación con la reproducción femenina, ya que el cuerpo femenino se entiende como el recipiente de la vida humana. En una entrevista, Sikander se refiere a Eva como “ la primera infractora de la ley”, [21] aunque no comparte ninguna afiliación política clara ni opiniones sobre el tema en particular. Más bien, Sikander creó la escultura para iniciar una conversación y que el significado se revele por sí mismo, ya que explica que " prospera al escuchar lo que sucede con el tiempo ". [21] La escultura, Witness , fue posteriormente reubicada en la Universidad de Houston , donde recibió críticas del grupo cristiano antiabortista Texas Right to Life. [22] Sikander afirmó que los espectadores pueden haber "malinterpretado el simbolismo detrás de su obra de arte, que incluye trenzas con forma de cuerno, brazos de tentáculos y un collar de encaje. Su intención no era específicamente comentar sobre el aborto o los jueces de la Corte Suprema, sino más bien crear un mensaje más amplio sobre el poder de la mujer en el sistema de justicia". En julio de 2024, la escultura fue vandalizada y decapitada. [23]
{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: ubicación ( enlace ){{cite book}}: Mantenimiento de CS1: ubicación ( enlace ){{cite book}}: Mantenimiento de CS1: otros ( enlace )