Rei Naito (内藤 礼, Naito Rei , nacido en 1961) es un artista japonés . El trabajo de Naito se cruza con el minimalismo , el arte conceptual y el arte ambiental , explorando las formas en que la existencia humana se moldea, se siente y se hace evidente en medio de su entorno natural. Utilizando materiales orgánicos y encontrados y creando entornos inmersivos que interactúan con el sonido, la luz y la atmósfera, la práctica de Naito se interesa fuertemente por los encuentros íntimos, ambientales y a menudo transitorios que surgen entre individuos y obras de arte.
Naito representó a Japón en la 47ª Bienal de Venecia (1997) y exhibió su obra de instalación One Place on Earth ( Chijōni hitsotsu no basho o ) en el Pabellón de Japón, llenando todo el interior con la pieza inmersiva. [1] [2] Naito también es conocida por su colaboración con el arquitecto Ryue Nishizawa de SANAA en el Museo de Arte de Teshima , donde su obra Matrix , la única obra de arte en exhibición, utiliza formas orgánicas para acentuar la porosidad entre las fases del mundo natural. [3]
En los últimos años, Naito también ha creado obras escultóricas de menor escala que derivan de formas humanas, junto con su práctica de instalación basada en la abstracción existente. [4] : 167 [5] Matrix (2010) , junto con Being Given (2001), son sus dos obras de instalación permanentes, ambas ubicadas dentro del mar de la isla de Seto . Las obras escultóricas de menor escala reimaginan objetos mundanos al colaborar y alterar los espacios de exhibición y los entornos ambientales. Estas obras incluyen pillow for the dead (1998) exhibida en el Museo Nacional de Tokio , así como The joys were greater (2015) exhibida en la Galería Koyanagi. [6] Su trabajo ha sido ampliamente exhibido y mantenido en colecciones en numerosas instituciones en todo el mundo, incluido el Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI , el Nuevo Museo , el Museo de Arte de Tel Aviv , el Museo de Arte Moderno, Kamakura & Hayama , la Galería Nacional de Singapur y el Museo de Arte Moderno . [7]
Naito nació en Hiroshima en 1961. Se matriculó en la Universidad de Arte Musashino y se graduó con una licenciatura en diseño de comunicación visual en 1985. [5]
Apocalypse Palace , una ampliación de su proyecto de graduación en la Musashino Art University , sirve como una ilustración temprana del interés de Naito por los entornos inmersivos, la espiritualidad y la centralidad de la experiencia individual en el encuentro artístico. [8] La instalación consistía en una estructura de algodón blanco translúcido similar a una tienda de campaña dentro de la cual se situaba una mesa blanca larga. Una letanía de objetos hechos a mano con papel, hilo, cuentas, alambre, film transparente y otros materiales diversos estaban ordenados cuidadosamente sobre la mesa, y las lámparas se alineaban en el perímetro de la habitación, impartiendo un resplandor blanco luminoso al espacio. El impulso de Naito era "crear un lugar espiritual propio", utilizando luz, forma y materiales cotidianos para construir un extenso conjunto similar a un altar que evocara intimidad a través de su escala al tiempo que aludía al vibrante ecosistema de una ciudad, unida por partes transitorias y frágiles. [8] [9]
La obra se exhibió por primera vez fuera de la universidad en el espacio de exposiciones alternativo Sagacho Exhibit Space, y continuó mostrándose en varios contextos, incluso en 1986 en Parco Space 5 como tema de su primera exposición individual. [8]
Naito alcanzó prominencia internacional con One Place on the Earth . Naito amplía la calidad transitoria y permeable de la vida mediante el uso de ensamblajes de tela [10] , una idea extendida de sus obras anteriores, Apocalypse Palace (1985-87). Se formó un espacio con forma elíptica a partir de una gran tela de franela, dentro de la cual se dispuso en el suelo una constelación de pequeñas piezas escultóricas hechas de material vegetal, hilo, agujas y otros materiales dentro de formas biomórficas delineadas por cordel. [4] : 164 Al llevar sus esculturas de la mesa al suelo, Naito comenzó a enfatizar la "superficie de la tierra" como un aspecto central de su práctica. [8] : 274 La obra también se ha descrito a menudo a través de metáforas maternales, con curadores como Fumio Nanjo comparando la tienda con "el interior del cuerpo de una mujer". [9] La obra ha sido identificada como la primera dentro de su producción que se describe en términos de "maternidad" por voluntad propia de la artista. [8] : 274
Exhibida por primera vez en Sagacho Art Space en 1991, la obra viajó al New Museum de Nueva York en 1992, a la Galerie du Rond Point de París y a Mostyn en Gales en 1993, y al Museo de Arte de la Ciudad de Nagoya en 1995, seguida por el pabellón japonés en la Bienal de Venecia en 1997. [11]
Las instrucciones de exposición de Naito estipulaban que la obra sería experimentada por un espectador a la vez, que entraría después de quitarse los zapatos. El privilegio del encuentro individual y el aislamiento de otros cuerpos resalta la preocupación de Naito por el potencial de la obra de arte de ser objetivada y amortiguada como una "obra de arte" consumible y singularmente comprensible al quedar sujeta al acuerdo de la mirada colectiva en el espacio de la galería. [12] Al aislar al visitante, afirma Naito, las disparidades en la escala entre el espectador y la obra se vuelven más evidentes, surge una forma distinta de autocomprensión libre de la presencia de fuerzas mediadoras, y el "mundo" tal como se produce dentro de los límites de la obra de arte cambia con cada exposición a un nuevo visitante. [4] : 162
La instalación de Naito en la Bienal de Venecia fue objeto de críticas debido a sus restricciones de asistencia (se permitía el ingreso de un solo visitante por un período de diez minutos, con un límite de asistencia diaria de 40) y las necesidades de mantenimiento que demandaban mucho tiempo. [11] Naito permaneció en el lugar durante toda la exposición, interviniendo cada pocas visitas para inspeccionar y hacer arreglos en la delicada obra. [11] En este sentido, el trabajo de Naito también dilucidó los desafíos de trabajar dentro de los sistemas de realización de exposiciones contemporáneas, dadas las necesidades de la naturaleza cada vez más acelerada, comercializada y de alto tráfico de los festivales de arte globalizados.
Being given, la primera obra permanente de Naito, sigue siendo una de las pocas piezas de instalación permanentes de la artista debido a su tendencia hacia la práctica de instalación efímera y específica del sitio. Como parte de las iniciativas artísticas filantrópicas de Benesse en Naoshima , el "Proyecto Art House" implica el encargo a artistas para restaurar y crear obras de arte específicas del sitio en casas vacías en todo el pueblo de Honmura. [13] Naito recibió el encargo de producir una obra de instalación dentro de "Kinza", una pequeña minka construida en el siglo XVIII. [13]
Naito despojó la casa de sus antiguos muebles, derribó las paredes que separaban las cinco habitaciones para crear un único espacio cohesivo, cubrió las ventanas y quitó el impluvium y el suelo para exponer la estructura a los elementos y desenterrar el suelo original del edificio. [14] [4] : 175–176 Se quitó la tierra alrededor del perímetro del edificio para crear una abertura de 15 centímetros alrededor de la base de la habitación, que sirve como única fuente de luz. [4] : 176 Se conservaron los pilares originales, al igual que el yeso, que se tamizó y se utilizó para volver a enyesar las paredes. [11] Como la casa está ubicada dentro de una zona residencial, los sonidos de la vida del mundo exterior se difunden en el espacio, creando un entorno que reúne rastros de la vida humana del pasado y el presente, colapsando el tiempo y disolviendo las distinciones entre los espacios. [4] : 176 Se invita a los visitantes a ingresar al espacio uno por uno, mientras Naito anima a los espectadores a "quedarse solos para reconocer la existencia de un mundo exterior". [15]
En 2004, el arquitecto Ryue Nishizawa de SANAA comenzó a trabajar en un diseño para un nuevo museo en el Mar Interior de Seto como parte del desarrollo continuo de proyectos de arte de la corporación Benesse en la región. [16] Nishizawa propuso una estructura de cáscara de hormigón de 40 metros de ancho y 60 metros de largo, alcanzando una altura de 4,5 metros en el vértice del techo curvo, cuando Naito, que estaba trabajando simultáneamente en experimentos artísticos con agua y aire, fue contactado. [16] Una serie de consultas e investigaciones sobre las condiciones climáticas y los cambios estacionales se llevaron a cabo entre los dos, y la obra final Bokei [Matriz] se ejecutó con una forma en forma de gota de agua con dos óculos circulares, ubicada a lo largo de una ladera con vistas a los arrozales en terrazas. [8] : 279
El aire, el agua, el sonido, las hojas caídas y los insectos fluyen libremente dentro y fuera de la estructura a través de las grandes aberturas ovaladas, difuminando los límites entre el interior y el exterior. [16] De manera similar, los límites categóricos se derrumban, como reflexionó Naito en una entrevista: “La arquitectura, la obra de arte y la naturaleza se difunden entre sí y se convierten en una sola, volviéndose imposible diferenciarlas”. [4] : 183
El suelo de hormigón está salpicado de pequeños agujeros que, al presionarlos, expulsan agua de un manantial subterráneo o la canalizan hacia otros agujeros, mientras que las gotas emergentes fluyen y se acumulan en el suelo con una pendiente casi imperceptible. [8] : 279 Naito ha determinado cuidadosamente la posición y el número de agujeros, así como la dirección del flujo y la cantidad de agua de manantial que se mueve a través de ellos. [8] : 279 Los visitantes deben entrar al espacio descalzos, y el suelo repelente al agua ha sido calibrado de forma similar para crear diversos tipos de movimientos e interacciones entre las gotas de agua. [17]
Al centrarse en el paisaje natural de Teshima, la pieza también evoca la degradación ambiental que comenzó en la región durante la década de 1970 debido al vertido ilegal de desechos industriales en las islas. [18] : 121 La obra reinscribe la naturaleza fundacional del medio ambiente para la vida en Teshima, mientras que su sensibilidad hacia las dimensiones sensoriales de la naturaleza resalta la curación gradual que ha tenido lugar en la región desde la década de 2000. El énfasis en el agua y sus comportamientos, como señala el crítico Noi Sawaragi, también pone en primer plano los sistemas interactivos del ciclo del agua que sustentan la vida en la isla: "agua de manantial, vías fluviales, arrozales, evaporación, atmósfera, lluvia, filtración subterránea, agua de manantial. Todo lo que sucede en el Museo de Arte de Teshima representa la 'matriz' del lugar que es Teshima". [18] : 122
Desde 2011, Naito ha comenzado a crear obras que recuerdan formas humanas, que se han incorporado a su lenguaje más amplio de abstracción y formas terrenales. [4] : 167 La artista comentó en una entrevista que el proyecto del Museo Teshima significó una cristalización de su pensamiento en torno a los encuentros transitorios y los movimientos infinitos de la vida orgánica; después de completar el trabajo, se movió hacia la creación de personas como un modo alternativo de pensar a través de experiencias de vida en la tierra. [4] : 173 Trabajando principalmente con madera, Naito crea figuras pequeñas y anónimas que recuerdan otras tipologías de figurillas y estatuas utilizadas en entornos íntimos, como jizō , kokeshi y dogū . [4] : 169
En Human (2012), expuesta en el Museo de Arte de Teshima y en la Casa de Cultura Japonesa de París , Naito reflexiona sobre el bombardeo atómico de Hiroshima . Las esculturas recuerdan a figuras de madera en miniatura talladas, que se colocan junto a botellas de vidrio derretido, restos del bombardeo de Hiroshima en 1945. A través de la elección deliberada de esculturas de pequeña escala y materiales encontrados, Naito medita sobre la fragilidad de la presencia humana y la resiliencia de la esperanza en eventos de catástrofe. [19]
En 2023, Naito expuso una serie de cincuenta obras de acuarela en la Pinakothek der Moderne de Múnich , Alemania. [20] Combinando franjas acuosas de pigmento, un toque ligero y un uso generoso del espacio negativo, las composiciones atmosféricas de Naito se hacen eco del delicado tenor de sus obras escultóricas y exhiben una sensibilidad familiar hacia la tensión entre presencia y ausencia en la forma y la materia.
En su exposición Come and live - Go and live (2024) en el Museo Nacional de Tokio, Naito seleccionó objetos de arcilla del período Jomon y los instaló junto a motivos delicados como cuentas, frascos de vidrio y guijarros. En colaboración con los espacios de exposición alrededor del Museo Nacional de Tokio, los tres lugares están dispersos alrededor de los espacios de exposición habituales. La eliminación de contraventanas, alfombras y paredes temporales permitió que los objetos de arcilla existieran en la luz natural. Naito describe las relaciones entre los humanos y la naturaleza en la actualidad y en la antigüedad. [21] Los objetos de arcilla enfatizan la búsqueda primordial de la creación, mientras que sus dibujos en acuarela representan la tendencia humana a ver la narrativa en el paisaje.
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