El arte de protesta son las obras creativas producidas por activistas y movimientos sociales . Es un medio tradicional de comunicación, utilizado por un sector representativo de colectivos y el estado para informar y persuadir a los ciudadanos. [1] El arte de protesta ayuda a despertar emociones básicas en sus audiencias y, a cambio, puede aumentar el clima de tensión y crear nuevas oportunidades para disentir. Dado que el arte, a diferencia de otras formas de disidencia, requiere pocos recursos financieros, los grupos y partidos con menos recursos económicos pueden recurrir más al arte escénico y al arte callejero como una táctica asequible. [1]
El arte de protesta es una herramienta importante para generar conciencia social, crear redes, operar de manera accesible y ser rentable. Los movimientos sociales producen obras como carteles, pancartas, afiches y otros materiales impresos que se utilizan para transmitir una causa o un mensaje en particular. A menudo, este tipo de arte se utiliza como parte de manifestaciones o actos de desobediencia civil . Estas obras tienden a ser efímeras, se caracterizan por su portabilidad y su capacidad de desecharse, y con frecuencia no son obra de una sola persona ni pertenecen a ella. Los diversos símbolos de la paz y el puño en alto son dos ejemplos que resaltan la propiedad democrática de estos carteles.
El arte de protesta también incluye (pero no se limita a) performances, instalaciones en sitios específicos, grafitis y arte callejero , y cruza los límites de los géneros, medios y disciplinas de las artes visuales. Si bien parte del arte de protesta se asocia con artistas capacitados y profesionales, no se requiere un conocimiento extenso del arte para participar en el arte de protesta. Los artistas de protesta con frecuencia pasan por alto las instituciones del mundo del arte y el sistema de galerías comerciales en un intento de llegar a un público más amplio. Además, el arte de protesta no se limita a una región o país, sino que es más bien un método que se utiliza en todo el mundo.
Hay muchas piezas de arte con carga política , como el Guernica de Pablo Picasso , algunas obras de Norman Carlberg sobre la época de la guerra de Vietnam o las imágenes de tortura de Susan Crile en Abu Ghraib .
Es difícil establecer una historia del arte de protesta porque se pueden encontrar muchas variantes a lo largo de la historia. Si bien se pueden encontrar muchos casos de arte de protesta a principios del siglo XX, como el Guernica de Picasso en 1937, en los últimos treinta años [ ¿cuándo? ] se ha producido un gran aumento en la cantidad de artistas que adoptan el arte de protesta como estilo para transmitir un mensaje al público.
A medida que la conciencia de la justicia social en todo el mundo se hizo más común entre el público, se puede ver un aumento del arte de protesta. Algunas de las obras de arte más efectivas desde el punto de vista crítico del período reciente [ ¿cuándo? ] se presentaron fuera de la galería, lejos del museo y, en ese sentido, el arte de protesta ha encontrado una relación diferente con el público.
El arte activista representa e incluye desarrollos estéticos, sociopolíticos y tecnológicos que han intentado desafiar y complicar los límites y jerarquías tradicionales de la cultura tal como los representan quienes están en el poder. El objetivo de los artistas activistas es crear arte que sea una forma de moneda política o social, que aborde activamente las estructuras de poder cultural en lugar de representarlas o simplemente describirlas. [2] Al igual que el arte de protesta, la práctica del arte activista surgió en parte de un llamado a que el arte se conecte con un público más amplio y a abrir espacios donde los marginados y privados de derechos puedan ser vistos y escuchados. Es importante señalar que los artistas activistas no siempre son los "artistas" típicos. Sus obras son creadas individualmente, y muchos de estos individuos pueden ni siquiera considerarse artistas, sino activistas. [3] Un ejemplo de obra de arte activista de alguien que no se considera un artista es un "Manifestante con un cartel de Damien Hirst durante la primera semana de Occupy Wall Street , septiembre de 2011". Se trata de alguien que utiliza la obra de arte de otra persona, pero luego añade un mensaje en forma de texto sobre la obra para abordar un problema político o social. Un ejemplo de arte activista en el que alguien se considera un artista es la obra “Art Workers' Coalition, circa 1971 (foto Mehdi Khonsari)”, en la que el mensaje de Mehdi es que las obras de arte están conectadas con el capitalismo y que los artistas se ven influenciados y se sienten atraídos por las élites financieras del mundo. [4]
El arte activista incorpora el uso del espacio público para abordar cuestiones sociopolíticas y fomentar la participación comunitaria y pública como medio para generar cambios sociales. Su objetivo es generar cambios sociales mediante la participación en procesos activos de representación que fomenten la participación en el diálogo, aumenten la conciencia y empoderen a las personas y las comunidades. La necesidad de garantizar el impacto continuo de una obra manteniendo el proceso de participación pública que inició también es un desafío para muchos artistas activistas. A menudo requiere que el artista establezca relaciones dentro de las comunidades donde se llevan a cabo los proyectos. Muchos artistas activos han abordado la cuestión del cambio climático en sus obras, pero este es solo un ejemplo de una de las muchas obras de arte políticas que se crean a través del arte activista. [3]
Si los movimientos sociales se entienden como “manifestaciones públicas repetidas” de valores políticos y culturales alternativos, [5] entonces el arte activista es significativo para articular esas visiones alternativas. El arte activista también es importante para la dimensión de la cultura y para entender su importancia junto con las fuerzas políticas, económicas y sociales en los movimientos y actos de cambio social. Hay que tener cuidado de no confundir el arte activista con el arte político, ya que hacerlo oscurece diferencias críticas en la metodología, la estrategia y los objetivos del activismo. [ cita requerida ]
El arte activista cita sus orígenes en un clima artístico y político particular. En el mundo del arte, el arte de performance de finales de los años 1960 y los años 1970 trabajó para ampliar los límites estéticos dentro de las artes visuales y el teatro tradicional , desdibujando la distinción rígidamente construida entre ambos. El arte de protesta implica obras creativas basadas en el acto de abordar cuestiones políticas o sociales. El arte de protesta es un medio accesible a todas las clases socioeconómicas y representa una herramienta innovadora para expandir las estructuras de oportunidades. La naturaleza transitoria, interdisciplinaria e híbrida del arte de performance permitió la participación del público. La apertura e inmediatez del medio invitaban a la participación pública, y la naturaleza del medio artístico era un centro para la atención de los medios. [ cita requerida ]
Las formas emergentes de feminismo y arte feminista de la época fueron particularmente influyentes en el arte activista. El movimiento de arte feminista surgió a principios de los años 60 durante la segunda ola del feminismo . Las artistas feministas de todo el mundo se propusieron restablecer los pilares fundadores y la recepción del arte contemporáneo. El movimiento inspiró el cambio, reformuló las actitudes culturales y transformó los estereotipos de género en las artes. [6] La idea de que “ lo personal es político ”, es decir, la noción de que la revelación personal a través del arte puede ser una herramienta política, [7] guió a gran parte del arte activista en su estudio de las dimensiones públicas de la experiencia privada. Las estrategias empleadas por las artistas feministas son paralelas a las de los artistas que trabajan en el arte activista. Dichas estrategias a menudo implicaban “colaboración, diálogo, un cuestionamiento constante de los supuestos estéticos y sociales y un nuevo respeto por la audiencia” [8] y se utilizan para articular y negociar cuestiones de autorrepresentación, empoderamiento e identidad comunitaria. [ cita requerida ]
El arte conceptual buscó expandir los límites estéticos en su crítica de las nociones del objeto artístico y el sistema de mercancías dentro del cual circula como moneda. Los artistas conceptuales experimentaron con materiales y procesos de producción artística no convencionales. Basados en estrategias arraigadas en el mundo real, los proyectos de arte conceptual exigían la participación del espectador y se exhibían fuera del espacio tradicional y exclusivo de la galería de arte, haciendo así que la obra fuera accesible al público. De manera similar, los métodos de ejecución colaborativos y la experiencia extraída de fuera del mundo del arte se emplean a menudo en el arte activista para alcanzar sus objetivos de participación comunitaria y pública. Paralelamente al énfasis en las ideas que el arte conceptual defendía, el arte activista está orientado al proceso, buscando exponer relaciones de poder arraigadas a través de su proceso de creación. [ cita requerida ]
En la esfera política, la militancia y la política identitaria de la época fomentaron las condiciones a partir de las cuales surgió el arte activista. [ cita requerida ]
En la práctica, el arte activista suele adoptar la forma de intervenciones temporales, como performances, eventos mediáticos, exposiciones e instalaciones. También es habitual emplear técnicas de los medios de comunicación tradicionales (mediante el uso de vallas publicitarias, carteles, publicidad, anuncios en periódicos, etc.). Al hacer uso de estos canales comerciales de distribución, esta técnica resulta especialmente eficaz para transmitir mensajes que revelan y subvierten sus intenciones habituales.
El uso de la participación pública como estrategia para activar a individuos y comunidades para que se conviertan en “catalizadores del cambio” es importante para el arte activista. En este contexto, la participación se convierte en un acto de autoexpresión o autorrepresentación de toda la comunidad. La expresión creativa empodera a los individuos al crear un espacio en el que sus voces pueden ser escuchadas y en el que pueden entablar un diálogo entre ellos y con los temas que les interesan personalmente.
El Artist and Homeless Collaborative es un ejemplo de un proyecto que trabaja con estrategias de participación pública como un medio de empoderamiento individual y comunitario. Es una afiliación de artistas, profesionales de las artes y mujeres, niños y adolescentes que viven en refugios de la ciudad de Nueva York. El A & HC cree que su trabajo en un proyecto colaborativo de creación artística ofrece a los residentes una “experiencia positiva de automotivación y les ayuda a recuperar lo que el sistema de refugios y las circunstancias de vida destruyen: un sentido de identidad individual y confianza en la interacción humana”. [9] El proceso de involucrar a la comunidad en un diálogo con los discursos dominantes y públicos sobre el problema de las personas sin hogar se describe en una declaración de su fundadora, Hope Sandrow: “La relevancia del arte para una comunidad se exhibe en obras de arte donde las personas sin hogar hablan directamente al público y en debates que consideran la relación que el arte tiene con sus vidas. La práctica de crear arte estimula a quienes viven en refugios a pasar de un estado de malestar a una participación activa en el proceso artístico”. [9]
El A & HC nació en un momento en que se hizo cada vez más evidente la crítica a los creadores, vendedores y consumidores de arte que abordaban cuestiones sociales. Los críticos argumentaban que las obras de arte cuyo propósito era provocar una conversación política, social y cultural estaban confinadas dentro del espacio exclusivo y privilegiado de las galerías, los museos y las colecciones privadas. Por el contrario, el A & HC fue un intento de tender un puente entre la producción artística y la acción social, permitiendo así que se escuchara a los sujetos de trabajo que antes habían sido excluidos y silenciados.
El arte de resistencia es el arte utilizado como una forma de mostrar su oposición a los que ostentan el poder. Esto incluye el arte que se oponía a poderes como el partido nazi alemán, así como el que se oponía al apartheid en Sudáfrica . [10] El levantamiento de Soweto marcó el comienzo del cambio social en Sudáfrica. El arte de resistencia surgió del Movimiento de Conciencia Negra, un movimiento de base contra el apartheid que surgió en la década de 1960 liderado por el carismático activista Steve Biko. Gran parte del arte era público, tomando la forma de murales, pancartas, carteles, camisetas y grafitis con mensajes políticos que eran confrontativos y se centraban en las realidades de la vida en una Sudáfrica segregada. [11] Willie Bester es uno de los artistas más conocidos de Sudáfrica que originalmente comenzó como artista de resistencia. Usando materiales ensamblados a partir de basura, Bester construye superficies en relieve y luego pinta la superficie con pintura al óleo. Sus obras comentaban sobre importantes figuras negras sudafricanas y aspectos importantes para su comunidad. Los artistas de la resistencia sudafricana no se ocupan exclusivamente de cuestiones raciales ni tienen por qué ser de los municipios. Otra artista, Jane Alexander, ha abordado las atrocidades del apartheid desde una perspectiva blanca. Su arte de resistencia aborda la sociedad insalubre que continúa en la Sudáfrica post-apartheid. [12]
El término "arte satírico humanitario" fue introducido por la autora Lexa Brenner. Esta forma de arte activista utiliza comedia seria, imágenes controvertidas y declaraciones políticas. Las obras se burlan de la sociedad y brindan a los espectadores la posibilidad de interpretar sus obras de muchas maneras diferentes. La mayoría de las obras se basan en la idea de promover cambios dentro de la sociedad sobre problemas mundiales actuales. Las obras suelen dejarse en lugares ocultos, que los ciudadanos encontrarán con el tiempo. La mayoría de las obras de arte satíricas humanitarias muestran mensajes políticos, la mayoría de las veces aludiendo a mensajes políticos controvertidos, que giran en torno a problemas sociales contemporáneos. [13]
El archivo del Centro para el Estudio de Gráficos Políticos contiene actualmente más de 85.000 carteles y tiene la colección más grande de carteles de justicia social posteriores a la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos y la segunda más grande del mundo. [14] Muchas bibliotecas universitarias tienen colecciones extensas, incluida la Colección Joseph A. Labadie de la Universidad de Michigan, que documenta la historia de los movimientos de protesta social y las comunidades políticas marginadas desde el siglo XIX hasta la actualidad. [15]
{{cite web}}: CS1 maint: copia archivada como título ( enlace )