Pat Lipsky es un pintor estadounidense asociado con la abstracción lírica y la pintura de campos de color .
Lipsky creció en la ciudad de Nueva York . Se graduó como Licenciada en Bellas Artes (BFA) en la Universidad de Cornell en 1963 y luego obtuvo un Máster en Bellas Artes en el Programa de Posgrado en Pintura del Hunter College de Manhattan , donde estudió con el pintor y escultor Tony Smith .
Criada por una madre pintora y un padre ingeniero, [1] Lipsky realizó su primera exposición individual en Nueva York, en la Galería André Emmerich . [2] Su obra en ese momento estaba fuertemente en el modo de "Abstracción lírica". El lienzo de 1969 Spiked Red (Colección del Museo de Arte Moderno de Fort Worth , obsequio del Sr. y la Sra. Peter Bienstock, Nueva York) demuestra el enfoque de Lipsky en ese momento: tonos cercanos, ondas y explosiones de color brillantes. En The New York Times , el crítico Hilton Kramer encontró que la obra de la pintora miraba tanto al pasado estético como al futuro: "La señorita Lipsky reintroduce el goteo, la salpicadura y la mancha del expresionismo abstracto con notables propósitos antiexpresionistas... También demuestra una identidad propia muy clara. Sus cuadros son muy hermosos, y será interesante ver cómo desarrolla lo que ya es una inteligencia pictórica audaz".
Lipsky fue invitada a participar en la influyente exposición Abstracción Lírica de 1970-1971 que recorrió el país y culminó en el Museo Whitney de Nueva York ; el crítico Noel Frackman destacó sus contribuciones por la frescura, el gesto y la exuberancia, encontrando que el estilo "sostenía un estado de ánimo que celebra el puro esplendor del color. Los bordes de estas formas se apagan como llamas y hay una viveza incendiaria en las formas impetuosas pero dirigidas... Estas son pinturas deliciosas". [3]
A finales de los años setenta y ochenta, Lipsky había ampliado su paleta para incluir colores más atrevidos y formas geométricas. [4] También había comenzado a explorar, como escribió más tarde la crítica Katherine Crum, un vocabulario pictórico que desafiaba directamente sus raíces en la abstracción lírica. [1] En 2003, la crítica Karen Wilkin declararía a Lipsky en The New Criterion como una "pintora abstracta impenitente". [5] Wilkin encontró en la obra "la experiencia acumulada durante toda una vida de todo tipo, incluida la experiencia de mirar arte. Eso, por supuesto, es lo que se supone que aborda todo arte que vale la pena tomar en serio, ya sea abstracto, figurativo o algo intermedio".
En los años 1980 y 1990, Lipsky continuó refinando sus preocupaciones más amplias sobre el color, logrando una paleta más inquietante y definida. Una selección de obras de este período, "The Black Paintings", se exhibió en Miami en 1994 [6] y en la ciudad de Nueva York en 1997. [7] Wilkin encontró que el trabajo oscuro "deliberadamente limitado" de este período era "dramático" y "poderoso". [8] La crítica Elisa Turner nuevamente los describió como un paso que se aleja de la "pulcritud" de la pintura abstracta moderna, hacia la dirección del vértigo, la emoción y la ambigüedad: "Este vértigo agrega un giro desconcertante y cargado de emociones a la tradición del arte abstracto elegante e impersonal... Tal ambigüedad sobre la ubicación de las líneas y las formas en el espacio se refleja en su exquisito sentido del color". La revista The New Yorker , en cambio, estableció una conexión entre su obra en este período y el estilo "clásico" de los pintores tranquilamente modernistas Piet Mondrian y Paul Klee . [9]
En la década de 2000, Lipsky comenzó otra redefinición de la paleta, reincorporando el color dentro de una imagen central audaz. Escribiendo en el New York Times , el crítico Ken Johnson asoció estas imágenes con formas mecánicas y música. [10] Al destacar sus "superficies seductoras, de cáscara de huevo", Johnson las vinculó con los pintores minimalistas Frank Stella y Ad Reinhardt . "El efecto es polirrítmico en tres dimensiones; las bandas parecen empujar hacia arriba y hacia abajo como válvulas en una máquina [,] mejorando la sensación de musicalidad al estilo de Bach. Cuanto más las miras, más absorbentes se vuelven". Lipsky comenzó a centrarse en imágenes individuales presentadas en series. Sus exposiciones más recientes han contenido colores repetidos, en una forma despojada y repetida. El pintor y crítico Stephen Westfall, en Art in America , calificó estas pinturas como "las más logradas", encontrando que su "clasicismo" era "en última instancia idiosincrásico en el mejor sentido", y encontrando un vínculo con Ad Reinhart y Philip Guston : "Guston se encuentra con Reinhardt, entonces; una síntesis que, por más llena de cultura pictórica que esté, se siente perfecta en nuestro momento presente". [11] El crítico David Cohen, en The New York Sun , señaló en cambio lo opuesto al clasicismo, "una compostura férrea, aparentemente desapasionada" que contenía "reservas hirvientes de emoción estética", afirmando: "Lipsky no es simplemente el decano de la abstracción geométrica contemporánea sino su dominatriz". [12]
Karen Wilkin, al reseñar la exposición de Lipsky de 2006, descubrió en la obra una simplicidad que cumplía la función inversa: ser en última instancia liberadora: "El contrapunto complejo y ricamente alusivo de Lipsky exige que prestemos mucha atención a sus pinturas como pinturas... y luego nos recompensa liberando nuestra imaginación". [13]
En 2015, las últimas décadas de pinturas de Lipsky se exhibieron en el Acme Fine Arts de Boston, "Pat Lipsky: Twenty Years". La crítica Cate McQuaid, en el Boston Globe, calificó la obra como "respirante y orgánica, sobria y voluptuosa". [14]
En 2016, veinte pinturas de los primeros años de Lipsky fueron redescubiertas después de haber estado preservadas durante casi medio siglo. Once fueron exhibidas la siguiente primavera en la galería Gerald Peters de Nueva York. Como escribió el crítico Carter Ratcliff en su ensayo del catálogo, "Lipsky emergió en la vanguardia de una generación de pintores", y agregó: "Cada una de estas pinturas nos lleva al momento exuberante y prolongado de su creación, intuyendo el poder del artista para reconciliar la espontaneidad desinhibida con el juicio disciplinado". [15]
Las pinturas de Lipski están representadas en veinticinco colecciones públicas, entre ellas el Museo Whitney , el Museo Hirshhorn del Smithsonian , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo de Arte de Boca Ratón , el Centro de Arte Walker , el Museo de Arte de Brooklyn y el Museo de Arte Fogg de Harvard .
Aunque a veces se identifica a Lipsky con la escuela de la abstracción postpictórica centrada en el crítico Clement Greenberg , amigo del pintor desde hace mucho tiempo, [16] otros han cuestionado esta visión. [1] En una entrevista de 2007, Lipsky enumeró una amplia gama de influencias, fuera del campo de las artes visuales:
Me interesa el significado de la palabra «diferencia». Mi lectura de Proust y Eliot, mi observación de Bellini y Giorgione y Tiziano y Albers y Cornell y Pollock, mi escucha de Bach y Thelonious Monk, mi gusto por Eric Rohmer y Monty Python pueden parecer totalmente inconexos, pero enseñan la misma lección: las diferencias importan. Cuando Monk toca una sola nota en lugar de otra, una pieza se salva o se arruina. Cuando Albers pone un blanco junto a un amarillo, el amarillo cambia... y el blanco también. Si Proust elige seguir a un personaje en lugar de otro, escribir cincuenta páginas en lugar de cuatro, la experiencia del lector se altera de la forma más íntima e inmediata. Vemos las obras de arte como grandes unidades individuales, pero en realidad están compuestas de cientos, de miles de unidades individuales y diminutas, cada una de ellas una decisión. Son esas unidades con las que he estado experimentando a lo largo de mi carrera. [17]
Lipsky también ha analizado la influencia de los expresionistas abstractos de primera generación como Mark Rothko y Jackson Pollock , junto con pintores de segunda generación como Helen Frankenthaler y Morris Louis , así como su mentor, Tony Smith . [18]