Nicole Awai (nacida en 1966) es una artista y educadora que vive en Brooklyn, Nueva York y Austin, Texas . [1] [2] Su obra captura paisajes y experiencias caribeños y estadounidenses y se involucra en la crítica cultural. Trabaja en muchos medios, entre ellos pintura, fotografía , dibujo , instalaciones , cerámica y escultura , así como objetos encontrados . [3]
Nació en Puerto España , Trinidad . Es de ascendencia afroasiática. [4]
Recibió su Licenciatura en Artes en 1991 y una Maestría en Bellas Artes en 1996 en pintura y grabado , ambas de la Universidad del Sur de Florida . En 1997 asistió a la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en Maine . [5] [6]
Al principio de su carrera, en 2000, Holland Cotter comentó en el New York Times que las pinturas figurativas de Awai en ese entonces se basaban en una "técnica poco embellecida y una inclinación metafórica" y que el colonialismo de las Indias Occidentales era su tema. Especuló que en sus imágenes superpuestas que representan recuerdos de la isla de su infancia, el cambio de fondos y primeros planos en sus pinturas era una buena manera de pensar en la historia. Señaló que en la exposición de 2000 en el Studio Museum de Harlem, comisariada por Thelma Golden , Awai compartía con otros artistas como Sanford Biggers una especie de señalización cultural más laxa, así como una fluidez de identidad posterior a la década de 1990. [7]
Rocio Aranda-Alvarado, curadora principal del Museo del Barrio, describió sus imágenes en capas como políticas de identidad que incluyen tanto la cultura popular como su propio manual personal de imágenes. [8] [ enlace muerto ] [9]
En 2018, Awai se involucró como artista en la disputa sobre los monumentos en Estados Unidos. La propuesta de Awai para un nuevo monumento, que surgió después de la manifestación de supremacía blanca en Charlottesville (Virginia) que provocó una reconsideración a nivel nacional de los monumentos a la Confederación que aún existen, fue una de las varias propuestas que hicieron los artistas para un artículo del New York Times. Su representación del monumento se inspiró en el arco conmemorativo de Grand Army Plaza, que es un homenaje a los combatientes de la Unión y se centra en el hombre afroamericano que observa y está listo para la batalla. [10]
Cuando la discusión sobre quién debería estar representado en un pedestal público se amplió hasta llegar a la desvalorización de todos los pueblos indígenas, se creó una comisión para reevaluar los monumentos de la ciudad de Nueva York. Cecilia Alemani, directora y curadora en jefe de High Line Art, creó New Monuments for New Cities y eligió la propuesta de Awai, un desagüe callejero con la forma del torso y el rostro de un hombre que dice “Reclaimed Water” (Agua recuperada). Tallada en el metal en la parte inferior, una especie de placa dice “Cristóbal Colón”. [11]
De 2009 a 2015 ocupó el puesto de Crítica de la Escuela de Arte de Yale . [12] [13] Actualmente es profesora adjunta de pintura y dibujo en el Departamento de Arte e Historia del Arte de la Universidad de Texas en Austin . [1]
Panyard (2001) El título hace referencia al panyard, un espacio de práctica para los percusionistas de acero en el festival de Carnaval de las Indias Occidentales. Los extrinitenses Nicole Awai y Terry Boddie lo (re)imaginan en una galería de Brooklyn, Nueva York, utilizando elementos de dibujo, fotografía y escultura. La historiadora Rocio Armanda-Alvaraz escribe sobre su intención de reconsiderar el lenguaje artístico minimalista de la década de 1970 para brindar una versión sofisticada pero no narrativa del carnaval, tomando prestado de un pasado etnizado y racializado que se ha afirmado, a través de su instalación, en el presente. [27] La instalación se exhibió en la galería FiveMyles en Brooklyn, Nueva York. [28]
Los sujetos y objetos representados en acción están dibujados en un estilo más suelto y colorido. Contrastan con el "lenguaje" mecánico en el que se representan otros objetos "para aportar claridad donde no la hay". Entre las obras destacadas de Local Ephemera se incluyen Specimen from Local Ephemera: Tension Springs (2004), Specimen from Local Ephemera: Drab Hanger (2007), Specimen from Local Ephemera: Castle Nut and Drama Queen (2007) y Specimen from Local Ephemera: Resistance with Black Ooze (2005) [29].
Almost Undone, 2011 fue el título de una exposición en septiembre de 2011 en The Vilcek Foundation Gallery. [30] La escultura incorporó una amplia variedad de materiales como papel en aerosol, resina, plástico, esmalte de uñas y arcilla, lo que dio como resultado estructuras tridimensionales audaces y complejas, que parecían tirar, estirarse y arrancarse de la pared. en conjunción con sus obras anteriores de suserie Local Ephemera [31] La escultura crea su propia adaptación multidimensional de esa serie, reconstituyendo una dimensión en la siguiente. [32] [33]
Asphaltum Glance, 2013, fue una pintura en las paredes de la pequeña galería de Alice Yard en su natal Trinidad. Awai exploró los orígenes de la viscosidad y la negrura que fueron elementos básicos de su obra pictórica durante mucho tiempo. A través de un viaje de la beca Art Matters en 2012 a Le Brea, un recuerdo de la infancia de un lago de brea cercano resonó en ella, por lo que fotografió detalles de cerca del mismo como base para pinturas del tamaño de una pared para la galería. Hablando sobre la conexión entre el cieno negro y la identidad caribeña, Awai dice: "El lago de brea se repone constantemente, al igual que nosotros, tomando una nueva forma". [34] Según Awai, el asfalto es, "literalmente, los restos de todos nosotros, la descomposición de toda la flora y toda la fauna a lo largo del tiempo conocido que sigue girando, agitándose y revelando al mismo tiempo material y elementos al azar de ayer y de hace cuatrocientos años". [35] Antes de dejar Trinidad, Awai pintó sobre Asphaltum Glance como una forma de continuar con sus temas de "regeneración y maleabilidad". [34] [36]
Notas para Material Re-pose, 2016 Critical Practices/ 21st Projects, Nueva York, NY fue el lugar de exhibición de una escultura que pretendía hacer que los espectadores tomaran conciencia de su propio presente/presencia material. Awai postuló un continuo ir y venir entre la narrativa y la materia en el tiempo inmediato y la historia perpetua. Eligió estas exhibiciones por sus "visualizaciones informales" de las obras de los artistas, con la intención de establecer el espacio normativo para el consumo cultural y llevar al público a un entorno doméstico. [37] [38]
Vistas, 2017, que se exhibe en la galería Leslie Heller, consiste en una serie en la que Awai había estado trabajando desde 2013. Como una visión mental de una sucesión de eventos recordados, se centraron parcialmente en las características del asfalto que se desprende de su trabajo anterior. “Las vistas son experiencias fugaces. Hay una sensación de impermanencia, de posible cambio, transformación o desaparición inminente, una fisicalidad ilusoria que en realidad puede ser imaginada y efímera. Las vistas pueden ser ventanas al pasado, al futuro o incluso a momentos del presente que no se pueden especificar”. [39]
Material Re-pose, 2017 En un ensayo que acompaña a la obra, la historiadora Dorota Biczel llama la atención sobre los abruptos cambios transformacionales de Awai en la imagen, los patrones y los materiales dentro de la misma obra. La yuxtaposición de Awai de la infinitud del lodo negro, la localidad sugerida de las pieles de animales representadas, así como el aquí y ahora de su propia semejanza figurativa, continúan su premisa característica de la complejidad de la materia y la narrativa histórica. [40]
Resistencia persistente de la tierra líquida, 2018 En una instalación inspirada en un explorador negro singular agachado en un monumento de la Guerra Civil de Brooklyn que representa a un grupo de soldados blancos que por lo demás están de pie, “Resistencia persistente” consiste en una columna central decorativa moteada que parece una mancha de tinta de Rorschach. Debajo de ella, acumulada en el suelo, como si todavía estuviera en proceso de enfriamiento, hay un vertido de asfalto, resina, carbón, esmalte de uñas sobre espuma. Formas repetidas de papel similares a mariposas en azul oscuro, negro y gris flotan alrededor de la columna, a menudo con una imagen en tono gris del soldado agachado en el medio que evoca querubines o figuras etéreas. [41] También en el mismo año, The New York Times pidió a los artistas que propusieran alternativas a los monumentos confederados que se retiraban de los espacios públicos. La propuesta de Awai se inspiró en el arco conmemorativo de Grand Army Plaza, que es un homenaje a los combatientes de la Unión. Centrándose en el hombre afroamericano que inspecciona y está listo para la batalla, crea un soldado alado que espera luchar por un futuro mejor. [10]
Envisioning the Liquid Land, 2019 Una exposición individual de obras en relieve pintadas sobre papel. Familiaridades espaciales deliberadamente ambiguas en multitud de partes se combinan en una compleja mezcla de elementos visuales y simbólicos. Awai afirma: “La historia de las Américas trata sobre la maleabilidad; la formación y remodelación de los recursos y la cultura. Es un fenómeno evolutivo y giratorio de transformación a través del movimiento de cuerpos y materiales” [42].