Nestor Topchy es pintor, escultor, artista de instalaciones y artista de performance de Houston, Texas. Nació en Somerville, Nueva Jersey, en 1963. Su obra entrelaza hilos de pensamiento paradójicos, técnicas pictóricas incongruentes, tradiciones artísticas dispares y actitudes pictóricas antitéticas para expresar una visión coherente y panteísta de la realidad.
Topchy obtuvo una licenciatura en Bellas Artes por el Maryland Institute College of Art de Baltimore (1985) y una maestría en Bellas Artes por la Universidad de Houston (1987). En 1982, Topchy se topó con una retrospectiva de la obra de Yves Klein en el Guggenheim, organizada por Dominique De Menil para el Museo Rice de Houston. Topchy atribuye el uso que Klein hizo de IKB, un pigmento azul ultramar saturado que representaba "el vacío", como un descubrimiento fundamental. Después de usar este color en esculturas esféricas, Topchy se dio cuenta de su conexión con Pysanky, huevos de Pascua ucranianos ornamentados que hizo en la infancia con su madre y su familia paterna, quienes emigraron de la Ucrania estalinista como personas desplazadas después de la Segunda Guerra Mundial. Inspirado aún más por Klein, Topchy obtuvo un cinturón negro en judo con Karl Geis de 1998 a 2014 y actualmente practica Tomiki Aikido y Kyudo en el linaje Heki Ryū Bishū Chikurin-ha de Kanjuro Shibata XX. También ha estudiado budismo, taoísmo, qigong y gnosticismo. De 2003 a 2007 estudió pintura china con "Frank" Chiu Ching Ping. En 2004, Topchy estudió escritura de iconos en la escuela Prosopon en Nueva York.
De 1989 a 2001, Topchy fue cofundador y director artístico de [Zocalo/TemplO], un complejo de performances sin fines de lucro dirigido por artistas que compartió con Rick Lowe y Dean Ruck. TemplO/Zocalo fue una incubadora de actividad artística experimental y brindó a artistas de todas las disciplinas un foro para crear, exhibir y poner en escena obras experimentales y atrevidas. El complejo albergaba estudios y espacios habitables para artistas, una galería, escenarios interiores y exteriores y encarnaba la creencia de que el arte es una forma creativa y espiritual de hacer cualquier cosa.
Muchos colaboradores de TemplO/Zocalo alcanzaron prominencia regional y nacional, entre ellos Andrea Grover de Aurora Picture Show, The Art Guys, Jason Nodler y Tamarie Cooper de Catastrophic Theater, Kevin Cunningham de Three Legged Dog en Nueva York, el bailarín Richie Hubscher y la diseñadora de iluminación Christina Giannelli de la Metropolitan Opera, Mariana Lemesoff de Helios Arts/AvantGarden, el pintor neoyorquino Giles Lyon, el difunto pionero del video Andy Mann y el director de orquesta Jon Axelrod. Alison de Lima Greene, curadora del Museo de Bellas Artes de Houston, que posee un poco del trabajo anterior de Topchy, describió TemplO como Gesamtkunstwerk , una obra de arte total. [1]
A principios de los años 90, Topchy observó hileras de contenedores de carga apilados en filas de diez en el canal de navegación de Houston. Imaginó los contenedores como los bloques de construcción que podrían satisfacer las necesidades de una comunidad de una manera hermosa, creando al mismo tiempo un arte utilitario y situacional.
En 2004, como parte del Festival Project Row Houses (con el apoyo de Rick Lowe, su entonces director interino Michael Peranteau y en colaboración con el arquitecto Cameron Armstrong y el artista Jack Massing), Topchy instaló un solo contenedor donado conocido simplemente como Seed. Dentro de Seed, Topchy construyó maquetas de contenedores de transporte convertidos en cajas habitables reutilizadas como escuela, hospital, cárcel, tienda, centro comercial e instalaciones residenciales. Seed se convirtió en el prototipo de Organ, una propuesta de obra de arte y arquitectura viviente y un pueblo sostenible que se construirá a partir de 486 contenedores de transporte de acero. Organ se presentó en la exposición "No Zoning" de 2009 en el Museo de Arte Contemporáneo de Houston, curada por Toby Kamps y Meredith Goldsmith, y con la ayuda adicional de la consultora Mariana Lemesoff, el arquitecto Si Dang, el ingeniero Hisham El-Chaar, la entonces directora ejecutiva Heidi Vaughn, el proyecto se convirtió en una realidad emergente. Ahora conocido como HIVE, o Entorno Visionario Interdisciplinario Habitable, el proyecto busca llegar a la siguiente etapa más allá de planificar la adquisición de un sitio permanente, hacer crecer su junta directiva y construir una comunidad.
En 2006, Topchy comenzó su "Hilo de retratos icónicos", utilizando materiales bizantinos tradicionales (témpera con vinagre de huevo, minerales, miel, cerveza, vodka, leche de higos, clavo de olor, aceite de linaza y pan de oro) pintados sobre paneles de madera con forma de deme.
Durante una sesión de cinco minutos, Topchy mide la composición con una cámara Lucida, dibuja al modelo del natural y toma una instantánea digital para tener una referencia de color. Topchy pinta la imagen durante un período de meses. "Después de que las tablas recortadas se dimensionan, se enyesan y se pulen, se coloca un dibujo, o graphia, sobre la tabla que se siente adecuado para esa imagen específica. Luego se transfiere con papel carbón, se graba con un estilete y se aplica arcilla roja a las áreas que se van a cubrir con pan de oro. Primero se aplica el pan de oro y luego se termina. Las doce capas de témpera al huevo y vinagre se aplican en charcos sobre la tabla horizontal y se dejan hundir y secar. Cada capa es una oportunidad para estar quieto en meditación y contemplación. Cuando está terminada, la imagen se unge con olipha/aceite para sellarla". [2]
Según Topchy, "los modelos se reclutan de boca en boca a través de la estación 32 , la jerga haitiana que designa el número de dientes que tenemos en la boca. El contacto y la transmisión directa de persona a persona reemplazan el hardware informático por el software humano . A través del arte en tiempo real, los retratos unen a los individuos en un corpus creciente a medida que se agrega la imagen de cada nuevo modelo".
"Los retratos pertenecen a la familia Demekon. Cada retrato individual funciona como un gen único que mantiene una agencia dentro de un corpus más grande, un sistema y una identidad posicionados dentro de una agencia aún más grande e invisible. En conjunto, todo el grupo está ensamblado en una cadena sociocultural de ADN", dijo Topchy.
Según el poeta Randall Watson, Topchy rechaza las nociones tradicionales que dividen lo sagrado de lo profano, insistiendo en cambio en la necesidad equivalente de lo ordinario como un contenedor a través del cual se revela lo extraordinario. Este tipo de obras tienen un tono epifánico y revelador, pues si bien es evidente que no están canonizadas por un edicto oficial de la Iglesia, los temas de Topchy son beatificados por el contexto, o en otras palabras, por el gesto del artista. Ellos también, proclama, son manifestaciones de una encarnación divina. [3]
Pero no podemos dejar de notar con cierta inquietud que todos estos retratos tienen, de cabo a rabo, «el aspecto» de los iconos medievales. El pan de oro, la planitud, las abstracciones típicas de las pinturas iconográficas, el estilo vermicular, etc. están presentes. Además, no sólo parecen iconos, sino que han sido ejecutados siguiendo rigurosamente la tradición rusa de Novgorod de pintura de iconos al temple al huevo que Nestor estudió en la Escuela Prosopon de la ciudad de Nueva York. Así pues, nos encontramos cara a cara con la más evidente de las aparentes disparidades y contradicciones de la obra: ¡estas pinturas son a la vez iconos bizantinos medievales y retratos modernos! El conflicto es profundo. [2]
Un retrato de Topchy, más precisamente, la manera en que Topchy representa los rasgos de las cabezas, a menudo crea esa misma sensación distintiva de un más allá... insinúan un más allá. Los rasgos faciales están articulados por "caligrafías" de diverso origen, que no sólo proceden de la decoración de huevos, sino también de la pintura de iconos ortodoxa, la caligrafía china, el expresionismo y el cubismo. [4]
A principios de 2011, el Museo Ivan Honchar de Kiev presentó la obra de Topchy en una exposición individual.
En 2012, Topchy recibió una subvención de Idea Fund / Andy Warhol Foundation para su proyecto Archetapas-Gastronanza, una colaboración con Robert Rosenberg (también conocido como Chef Bob) para crear una obra de arte comestible total junto con una investigación científica para el consumo público a través de una serie continua de eventos públicos de degustación/actuación en los que los participantes ingresan a un contenedor de envío o remolque reutilizado para que se les ofrezca una variedad de gelatinas con formas geométricas, colores y sabores y se les dé la oportunidad de completar una encuesta asociativa grabada mediante la cual se logra un consenso sobre qué esculturas comestibles tienen un significado arquetípico específico.
Archetapas es un menú evolutivo de formas geométricas coloreadas y aromatizadas, Demes derivados del Demekosm, un sistema de dibujo de círculos y líneas entrelazados del que se han derivado y se derivan tradicionalmente muchas de las geometrías del mundo.
"Estamos introduciendo un elemento gustativo para crear una obra de arte total y comestible para el consumo público y la investigación científica con el fin de establecer una conexión interdependiente que una el diseño universal, el color y el sabor, un orden emergente y distinto, un arte icónico obtenido a partir de una serie de degustaciones/actuaciones/eventos públicos de paté de frutas en los que los participantes entran en un tráiler especialmente reutilizado en el que se les ofrece Archetapas del menú, hasta que se llega a un consenso sobre qué formas tienen finalmente un significado arquetípico específico; juntos le daremos un nombre. A través de esta encuesta se establecerá un corpus comestible integral y se definirá un tema que se ajuste a cada forma.
En la pantalla de la computadora que se muestra en la encuesta, aparece la pregunta "¿cómo se ve?" debajo de cada forma y las respuestas de los participantes se almacenan en una base de datos. La universalidad de la forma, el color y el sabor más apropiados para cada forma geométrica icónica se establece en base a un consenso empírico registrado a lo largo del tiempo. Por ejemplo, ¿la mayoría de la gente estaría de acuerdo en que cierta forma de cinco lados se llamara casa? ¿Debería tener sabor a chocolate o a jengibre? ¿Todos pensarán "casa" cuando vean esta forma? Etc. Los resultados, tanto cualitativos como cuantitativos, que asignan y establecen a cada forma una identidad subjetiva pueden servir para reunir una taxonomía de sujetos verificables que surgen universalmente, al mismo tiempo, para reconciliar sujeto y objeto a través de la mente subconsciente colectiva.
Se prevé que este proyecto incluirá y trascenderá los datos cuantitativos y el significado cualitativo obtenidos de muchas personas de diferentes orígenes; se trata de una encuesta asociativa policultural que es prelingüística y puede producir formas arquetípicas que sean universalmente reconocibles. Dichas formas también tendrán múltiples propósitos connotativos, uno de los cuales es establecer un tema para la pintura y, como mínimo, unir mentes a través de una experiencia compartida.
"Lo que sería verdaderamente sorprendente sería descubrir que la forma no puede evocar el sujeto, que el sujeto no puede evocar el color y que el color no puede sugerir el sabor, ya que las cosas siempre han encontrado su expresión a través de un sistema de analogía recíproca, y que ésta puede ser una verdad universal y verificable."