La música es la disposición del sonido para crear alguna combinación de forma , armonía , melodía , ritmo u otro contenido expresivo . [1] [2] [3] En general, se acepta que la música es un universal cultural que está presente en todas las sociedades humanas. [4] Las definiciones de música varían ampliamente en sustancia y enfoque. [5] Si bien los académicos coinciden en que la música se define por un pequeño número de elementos específicos , no hay consenso en cuanto a cuáles son estos elementos necesarios. [6] La música a menudo se caracteriza como un medio muy versátil para expresar la creatividad humana . [7] En la creación de música intervienen diversas actividades, y a menudo se dividen en categorías de composición , improvisación e interpretación . [8] La música puede interpretarse utilizando una amplia variedad de instrumentos musicales , incluida la voz humana . También puede componerse, secuenciarse o producirse de otro modo para reproducirse indirectamente de forma mecánica o electrónica, como a través de una caja de música , un organillo o un software de estación de trabajo de audio digital en una computadora.
La música suele desempeñar un papel fundamental en eventos sociales y ceremonias religiosas . Las técnicas de creación musical suelen transmitirse como parte de una tradición cultural. La música se interpreta en contextos públicos y privados y se destaca en eventos como festivales y conciertos para distintos tipos de conjuntos. La música se utiliza en la producción de otros medios, como bandas sonoras de películas, programas de televisión, óperas y videojuegos.
Escuchar música es una forma habitual de entretenimiento . La cultura que rodea a la música se extiende a áreas de estudio académico, periodismo , filosofía , psicología y terapia . La industria musical incluye a compositores, intérpretes, ingenieros de sonido , productores, organizadores de giras, distribuidores de instrumentos, accesorios y editores de partituras y grabaciones . La tecnología que facilita la grabación y reproducción de música ha incluido históricamente partituras , micrófonos , fonógrafos y grabadoras de cinta , siendo la reproducción de música digital un uso común para reproductores de MP3 , reproductores de CD y teléfonos inteligentes .
La palabra inglesa moderna «música» empezó a usarse en la década de 1630. [9] Se deriva de una larga línea de precursores sucesivos: el inglés antiguo « musike » de mediados del siglo XIII; el francés antiguo musique del siglo XII; y el latín mūsica . [10] [7] [n 1] La palabra latina en sí deriva del griego antiguo mousiké ( technē ) - μουσική ( τέχνη ) - que literalmente significa «(arte) de las Musas». [10] [n 2] Las Musas eran nueve deidades en la mitología griega antigua que presidían las artes y las ciencias . [13] [14] Fueron incluidas en los cuentos de los primeros autores occidentales, Homero y Hesíodo , [15] y finalmente llegaron a asociarse específicamente con la música. [14] Con el tiempo, Polimnia ocuparía un lugar más destacado en la música que las otras musas. [11] La palabra latina musica también fue la creadora tanto del español música como del francés musique a través de la ortografía y el ajuste lingüístico, aunque otros términos europeos probablemente fueron préstamos , incluido el italiano musica , el alemán Musik , el holandés muziek , el noruego musikk , el polaco muzyka y el ruso muzïka . [14]
El mundo occidental moderno suele definir la música como un término que lo abarca todo y que se utiliza para describir diversos géneros, estilos y tradiciones. [16] Este no es el caso en todo el mundo, y lenguas como el indonesio moderno ( musik ) y el shona ( musakazo ) han adoptado recientemente palabras para reflejar esta concepción universal, ya que no tenían palabras que se ajustaran exactamente al ámbito occidental. [14] Antes del contacto occidental en el este de Asia , ni Japón ni China tenían una sola palabra que abarcara la música en un sentido amplio, pero culturalmente, a menudo consideraban la música de esa manera. [17] La palabra más cercana para significar música en chino , yue , comparte un carácter con le , que significa alegría, y originalmente se refería a todas las artes antes de limitar su significado. [17] África es demasiado diversa para hacer generalizaciones firmes, pero el musicólogo JH Kwabena Nketia ha enfatizado la conexión a menudo inseparable de la música africana con la danza y el habla en general. [18] Algunas culturas africanas, como el pueblo Songye de la República Democrática del Congo y el pueblo Tiv de Nigeria, tienen una concepción fuerte y amplia de "música", pero no tienen una palabra correspondiente en sus lenguas nativas. [18] Otras palabras comúnmente traducidas como "música" a menudo tienen significados más específicos en sus respectivas culturas: la palabra hindi para música, sangita , se refiere propiamente a la música artística , [19] mientras que las muchas lenguas indígenas de las Américas tienen palabras para música que se refieren específicamente a la canción pero describen la música instrumental de todos modos. [20] Aunque el árabe musiqi puede referirse a toda la música, generalmente se usa para la música instrumental y métrica, mientras que khandan identifica la música vocal e improvisada. [21]
A menudo se debate hasta qué punto se entenderán alguna vez los orígenes de la música, [23] y hay teorías en competencia que pretenden explicarlo. [24] Muchos académicos destacan una relación entre el origen de la música y el origen del lenguaje , y existe desacuerdo en torno a si la música se desarrolló antes, después o simultáneamente con el lenguaje. [25] Una fuente similar de controversia rodea si la música fue el resultado intencional de la selección natural o fue un subproducto de la evolución. [25] La primera teoría influyente fue propuesta por Charles Darwin en 1871, quien afirmó que la música surgió como una forma de selección sexual , tal vez a través de llamadas de apareamiento. [26] La perspectiva original de Darwin ha sido duramente criticada por sus inconsistencias con otros métodos de selección sexual, [27] aunque muchos académicos en el siglo XXI han desarrollado y promovido la teoría. [28] Otras teorías incluyen que la música surgió para ayudar a organizar el trabajo, mejorar la comunicación a larga distancia, beneficiar la comunicación con lo divino , ayudar en la cohesión comunitaria o como defensa para ahuyentar a los depredadores. [29]
La música prehistórica solo se puede teorizar basándose en los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos . La disputada flauta Divje Babe , un fémur perforado de oso de las cavernas , tiene al menos 40.000 años de antigüedad, aunque existe un considerable debate en torno a si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales. [30] Los primeros objetos cuyas designaciones como instrumentos musicales son ampliamente aceptadas son flautas de hueso del Jura de Suabia , Alemania, concretamente de las cuevas de Geissenklösterle , Hohle Fels y Vogelherd . [31] Datadas en el Auriñaciense (del Paleolítico superior) y utilizadas por los primeros humanos modernos europeos , de las tres cuevas hay ocho ejemplos, cuatro hechos de huesos de alas de aves y cuatro de marfil de mamut ; tres de estos están casi completos. [31] Tres flautas de Geissenklösterle están datadas como las más antiguas, c. 43.150–39.370 BP. [22] [n.º 3]
La evidencia material y representativa más temprana de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico , pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaban arpas , flautas y clarinetes dobles . [32] Los instrumentos de percusión, liras y laúdes se agregaron a las orquestas en el Imperio Medio . Los platillos [33] acompañaban con frecuencia la música y la danza, tal como lo hacen todavía hoy en Egipto . La música folclórica egipcia , incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr , son el género musical contemporáneo más cercano a la música egipcia antigua , habiendo conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos. [34] [35]
El " Himno hurrita a Nikkal ", hallado en tablillas de arcilla en la antigua ciudad siria de Ugarit , es la obra musical anotada más antigua que se conserva y data de aproximadamente el año 1400 a. C. [36] [37]
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia , de hecho era una de las principales materias que se enseñaban a los niños. La educación musical se consideraba importante para el desarrollo del alma de un individuo. Los músicos y cantantes desempeñaban un papel destacado en el teatro griego , [38] y aquellos que recibían una educación musical eran vistos como nobles y en perfecta armonía (como se puede leer en la República, Platón ). Los coros mixtos se presentaban para entretenimiento, celebración y ceremonias espirituales. [39] Los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada , la lira , principalmente un tipo especial llamado cítara . La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un desarrollo musical significativo. La teoría musical griega incluía los modos musicales griegos , que eventualmente se convirtieron en la base de la música religiosa y clásica occidental . Más tarde, las influencias del Imperio Romano , Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo. [40] La obra más antigua que se conserva escrita sobre teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno . [41]
La música asiática abarca una amplia gama de culturas musicales analizadas en los artículos sobre Arabia , Asia central , Asia oriental , Asia meridional y Asia sudoriental . Varias de ellas tienen tradiciones que se remontan a la antigüedad.
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. [42] Las esculturas de la civilización del valle del Indo muestran danzas [43] e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler . [44] El Rigveda , un antiguo texto hindú, tiene elementos de la música india actual, con notación musical para indicar el metro y el modo de canto. [45] La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga organizada rítmicamente a través de talas . El poema Cilappatikaram proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente. [46] La música hindi actual estuvo influenciada por la música tradicional persa y los mogoles afganos . La música carnática , popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. Hay canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
La música indonesia se ha formado desde que la cultura de la Edad de Bronce emigró al archipiélago indonesio en los siglos II y III a. C. La música tradicional indonesia utiliza instrumentos de percusión, especialmente kendang y gongs . Algunos de ellos desarrollaron instrumentos elaborados y distintivos, como el instrumento de cuerda sasando en la isla de Rote, el angklung sondanés y las complejas y sofisticadas orquestas gamelan de Java y Bali . Indonesia es el hogar del gong chime , un término general para un conjunto de gongs pequeños y de tono alto. Los gongs generalmente se colocan en orden de nota, con el jefe hacia arriba en una cuerda sostenida en un marco de madera bajo. La forma más popular de música indonesia es el gamelan, un conjunto de instrumentos de percusión afinados que incluyen metalófonos , tambores , gongs y violines de púas junto con suling de bambú (como una flauta ). [47] [48]
La música clásica china , el arte tradicional o música de la corte de China, tiene una historia que se extiende a lo largo de unos 3000 años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como su afinación y tono musicales, instrumentos musicales y estilos o géneros. La música china es pentatónica - diatónica , con una escala de doce notas por octava (5 + 7 = 12), al igual que la música de influencia europea. [49]
La era de la música medieval (500 a 1400), que tuvo lugar durante la Edad Media , comenzó con la introducción del canto monofónico (una sola línea melódica) en los servicios de la Iglesia católica . La notación musical se utilizó desde la antigüedad en la cultura griega , pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la Iglesia católica, por lo que las melodías del canto podían escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en todo el imperio católico. El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado, en forma escrita, de antes del 800 es el canto litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamó canto gregoriano . Junto a estas tradiciones de música sacra y de iglesia existía una vibrante tradición de canción secular (canciones no religiosas). Ejemplos de compositores de este período son Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide . [50] [51] [52] [53]
La música renacentista ( c. 1400 a 1600) se centraba más en temas seculares, como el amor cortés . Alrededor de 1450, se inventó la imprenta , que hizo que las partituras impresas fueran mucho más baratas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música notada se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras difundió los estilos musicales más rápidamente y en un área más grande. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades. Los coros de las iglesias crecieron en tamaño y la iglesia siguió siendo un importante mecenas de la música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Guillaume Du Fay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley , Orlando di Lasso y Josquin des Prez . A medida que la actividad musical se trasladaba de la Iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes competían por los mejores compositores. Muchos compositores destacados procedían de los Países Bajos, Bélgica y Francia; se los denomina compositores franco-flamencos. [54] Ocuparon puestos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una actividad musical vibrante fueron Alemania, Inglaterra y España.
La era barroca de la música tuvo lugar desde 1600 hasta 1750, coincidiendo con el florecimiento del estilo artístico barroco en Europa. El comienzo de la era barroca estuvo marcado por la escritura de las primeras óperas . La música contrapuntística polifónica (música con líneas melódicas separadas y simultáneas ) siguió siendo importante durante este período. Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas , metales y vientos de madera , así como para coros e instrumentos de teclado como el órgano de tubos , el clavecín y el clavicordio . La complejidad musical aumentó durante este tiempo. Se crearon varias formas musicales importantes, algunas de las cuales persistieron en períodos posteriores, viendo un mayor desarrollo. Estas incluyen la fuga , la invención , la sonata y el concierto . [55] El estilo barroco tardío fue polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se incluyen Johann Sebastian Bach ( Suites para violonchelo ), George Frideric Handel ( El Mesías ), Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi ( Las cuatro estaciones ).
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se consideraban los elementos clave del arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. (Nota: la música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un término que se refiere a la música de arte occidental desde el siglo V hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos). La música del período clásico tiene una textura más ligera, más clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal era la homofonía , [56] donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinada son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano , precursor del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de tubos de la era barroca como principal instrumento de teclado (aunque el órgano de tubos continuó utilizándose en la música sacra, como las misas).
Se dio importancia a la música instrumental . Fue dominada por un mayor desarrollo de las formas musicales definidas inicialmente en el período barroco: la sonata , el concierto y la sinfonía . Otros tipos principales fueron el trío , el cuarteto de cuerda , la serenata y el divertimento . La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos utilizados en la música de cámara y la orquesta se volvieron más estandarizados. En lugar del grupo de bajo continuo de la era barroca, que consistía en clave, órgano o laúd junto con una serie de instrumentos bajos seleccionados a discreción del líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba, serpentón), los grupos de cámara clásicos usaban instrumentos específicos y estandarizados (por ejemplo, un cuarteto de cuerda sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La práctica de la ejecución improvisada de acordes por parte del tecladista de continuo o del laúd, un sello distintivo de la música barroca, experimentó un declive gradual entre 1750 y 1800. [57]
Uno de los cambios más importantes que se produjeron en el período clásico fue el desarrollo de los conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora era posible que los compositores sobrevivieran sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica condujo a un crecimiento en el número y los tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios públicos para presentaciones. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales e instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio , se hicieron más populares. [58] [59] [60]
Los compositores más conocidos del Clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert . Beethoven y Schubert también son considerados compositores de la última parte de la era clásica, cuando esta comenzó a encaminarse hacia el Romanticismo.
La música romántica ( c. 1820 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionadas y dramáticas. Los compositores románticos como Wagner y Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder de su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con poemas sinfónicos , los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica . Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a tener prioridad sobre la tradición. [61]
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (figuras históricas y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fueron un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, las estructuras formales del período clásico continuaron utilizándose (por ejemplo, la forma de sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías ), pero estas formas se expandieron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevas formas que se consideraron más adecuadas para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando la música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas. [38]
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos , desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más significativa (un ejemplo es la distintiva figura de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía ). Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich Chaikovski , Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y a menudo mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad , como acordes extendidos y acordes alterados , que crearon nuevos "colores" sonoros. A fines del siglo XIX se produjo una expansión dramática en el tamaño de la orquesta, y la Revolución Industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada . También se produjo una nueva diversidad en la música teatral , incluida la opereta , la comedia musical y otras formas de teatro musical. [38]
En el siglo XIX, una forma clave de que las nuevas composiciones se conocieran al público era mediante la venta de partituras , que los amantes de la música amateur de clase media interpretaban en casa, en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX , la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad en el mercado masivo de discos de gramófono significaron que las grabaciones de sonido escuchadas por los oyentes (en la radio o el tocadiscos) se convirtieron en la principal forma de aprender sobre nuevas canciones y piezas. [62] Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música; cualquiera con una radio o un tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Durante el siglo XIX, el enfoque en las partituras había restringido el acceso a la nueva música a las personas de clase media y alta que podían leer música y que poseían pianos y otros instrumentos. Las radios y los tocadiscos permitieron que las personas de bajos ingresos, que no podían permitirse una entrada para un concierto de ópera o sinfónica, escucharan esta música. Además, la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a esos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales. [63]
El enfoque de la música de arte en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y los compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los estilos de música tradicional como el jazz y la música folclórica fueron utilizados por los compositores como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música de arte del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a nuevos subgéneros de música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática [64] y Musique concrète . La grabación de sonido fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock , porque podía hacer más que grabar la interpretación de una banda. Utilizando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo. [65] [66]
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios del siglo XX, en las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África occidental del estilo es evidente en su uso de notas azules , improvisación , polirritmos , síncopa y la nota swing . [67]
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1950 a partir del rock and roll , el rockabilly , el blues y la música country . [68] El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica, y utiliza un fuerte ritmo de fondo marcado por una sección rítmica . Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. En su "forma más pura", "tiene tres acordes, un fuerte e insistente ritmo de fondo y una melodía pegadiza". [69] La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas tienen instrumentos de teclado como el órgano, el piano o, desde la década de 1970, sintetizadores analógicos . En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a utilizar sintetizadores digitales, como el sintetizador DX-7 , cajas de ritmos electrónicas como la TR-808 y dispositivos de bajos sintetizados (como el TB-303 ) o teclados de bajos sintetizados . En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos musicales de hardware computarizado e instrumentos y software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital ). En la década de 2020, los sintetizadores de software y las aplicaciones de música por computadora permiten a los productores de dormitorio crear y grabar tipos de música, como música electrónica de baile , en su casa, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, las bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJ crean música manipulando música grabada, utilizando un mezclador de DJ . [70] [71]
La "composición" es el acto o la práctica de crear una canción, una pieza musical instrumental , una obra con canto e instrumentos u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical , como una "partitura" de partitura , que luego es interpretada por el compositor u otros cantantes o músicos. En la música popular y la música tradicional, el acto de componer, que normalmente se llama composición de canciones, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado partitura principal , que establece la melodía , la letra y la progresión de acordes . En la música clásica, el compositor normalmente orquesta sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que haga la orquestación. En algunos casos, un compositor puede no utilizar notación en absoluto y, en su lugar, compone la canción en su mente y luego la toca o graba de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de intérpretes influyentes tienen el peso que tienen las partituras escritas en la música clásica. [72] [73]
Incluso cuando la música está escrita con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que un intérprete debe tomar, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar música que ha sido previamente compuesta y escrita se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos elegidos y el estilo de interpretación o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y letristas que presentan su propia música están interpretando sus canciones, al igual que aquellos que interpretan la música de otros. El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y un lugar determinados se conoce como práctica de interpretación , mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete. [74]
Aunque una composición musical suele utilizar notación musical y tiene un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe las letras y una tercera persona orquesta las canciones. En algunos estilos de música, como el blues , un compositor/compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin escribirlas nunca en notación musical. Una pieza musical también puede estar compuesta con palabras, imágenes o programas de ordenador que expliquen o escriban cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde la música de vanguardia que utiliza notación gráfica , hasta composiciones de texto como Aus den sieben Tagen , pasando por programas de ordenador que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se denomina música aleatoria [75] y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski . Un ejemplo conocido de música basada en el azar es el sonido de las campanillas de viento que tintinean con la brisa.
El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de música popular y canciones y piezas instrumentales de música tradicional , así como obras improvisadas espontáneamente como las de los intérpretes de free jazz y percusionistas africanos como los bateristas Ewe .
La interpretación es la expresión física de la música, que ocurre cuando se canta una canción o se toca una pieza de piano, una melodía de guitarra, una sinfonía, un ritmo de batería u otra parte musical . En la música clásica, un compositor escribe una obra en notación musical y luego la interpreta una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se interpreta, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los intérpretes instrumentales, cantantes o directores pueden realizar cambios gradualmente en el fraseo o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los intérpretes tienen más libertad para realizar cambios en la forma de una canción o pieza. Como tal, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca una canción de versiones , pueden realizar cambios como agregar un solo de guitarra o insertar una introducción. [76]
Una actuación puede ser planificada y ensayada (practicada), que es la norma en la música clásica, las big bands de jazz y muchos estilos de música popular, o improvisada sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), que es la norma en pequeños grupos de jazz y blues . Los ensayos de orquestas, bandas de conciertos y coros son dirigidos por un director. Las bandas de rock, blues y jazz suelen ser dirigidas por el líder de la banda. Un ensayo es una repetición estructurada de una canción o pieza por parte de los intérpretes hasta que se puede cantar o tocar correctamente y, si es una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén juntas desde una perspectiva rítmica y de afinación.
Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación en solitario (en las que actúa un cantante o instrumentista), como en la música clásica india y en la tradición de la música artística occidental. Otras culturas, como en Bali , incluyen fuertes tradiciones de interpretación en grupo. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambas, y la interpretación puede variar desde la interpretación en solitario improvisada hasta actuaciones altamente planificadas y organizadas, como el concierto clásico moderno, las procesiones religiosas, los festivales de música clásica o las competiciones de música . La música de cámara , que es música para un conjunto pequeño con solo uno o unos pocos de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas. [77]
La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro de (o basada en) un marco armónico preexistente, una progresión de acordes o riffs . Los improvisadores utilizan las notas del acorde, varias escalas asociadas con cada acorde y adornos cromáticos y tonos de paso que pueden no ser tonos de acorde ni de las escalas típicas asociadas con un acorde. La improvisación musical se puede hacer con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues , el jazz y el jazz fusión , en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento. [78]
En la tradición de la música occidental, la improvisación era una habilidad importante durante la era barroca y la era clásica. En la era barroca, los intérpretes improvisaban adornos y los teclistas de bajo continuo improvisaban voces de acordes basándose en la notación de bajo cifrado . Asimismo, se esperaba que los mejores solistas fueran capaces de improvisar piezas como preludios . En la era clásica, los intérpretes solistas y los cantantes improvisaban cadencias virtuosas durante los conciertos.
Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la interpretación de la música clásica occidental, una práctica común , se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha jugado un papel menor, ya que cada vez más música se escribía en partituras y partes para que la interpretaran los músicos. Al mismo tiempo, algunos compositores de música clásica de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india , la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las interpretaciones.
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La música se compone y se interpreta con muchos propósitos, que van desde el placer estético, los propósitos religiosos o ceremoniales, o como un producto de entretenimiento para el mercado. Cuando la música solo estaba disponible a través de partituras , como durante las eras clásica y romántica, los amantes de la música compraban las partituras de sus piezas y canciones favoritas para poder tocarlas en casa al piano. Con la llegada del fonógrafo , los discos de canciones populares, en lugar de las partituras, se convirtieron en la forma dominante en que los amantes de la música disfrutaban de sus canciones favoritas. Con la llegada de las grabadoras de cintas domésticas en la década de 1980 y la música digital en la década de 1990, los amantes de la música podían hacer cintas o listas de reproducción de sus canciones favoritas y llevarlas consigo en un reproductor de casetes portátil o un reproductor de MP3. Algunos amantes de la música crean cintas de mezclas de canciones favoritas, que sirven como un "autorretrato, un gesto de amistad, una receta para una fiesta ideal... [y] un ambiente que consiste únicamente en lo que se ama más ardientemente". [79]
Los músicos aficionados pueden componer o interpretar música para su propio placer y obtener ingresos de otra manera. Los músicos profesionales son empleados por instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas (en bandas de música , bandas de conciertos y grupos de música popular), instituciones religiosas, orquestas sinfónicas, compañías de producción cinematográfica o de radiodifusión y escuelas de música . Los músicos profesionales a veces trabajan como autónomos o músicos de sesión , buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos. A menudo hay muchos vínculos entre los músicos aficionados y profesionales. Los músicos aficionados principiantes toman lecciones con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados actúan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos, como bandas de conciertos comunitarias y orquestas comunitarias.
A menudo se hace una distinción entre la música interpretada para un público en vivo y la música que se interpreta en un estudio para poder grabarla y distribuirla a través del sistema de venta minorista de música o el sistema de radiodifusión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que también se graba y distribuye una actuación en vivo frente a un público. Las grabaciones de conciertos en vivo son populares tanto en la música clásica como en las formas de música popular como el rock, donde los amantes de la música aprecian los conciertos en vivo grabados ilegalmente . En la escena de las bandas de jam , las sesiones de jam improvisadas en vivo se prefieren a las grabaciones en estudio. [80]
La notación musical generalmente significa la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel usando símbolos. Cuando la música se escribe, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía . La notación musical a menudo proporciona instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que la canción es un "blues lento" o un "swing rápido", lo que indica el tempo y el género. Para leer la notación, una persona debe tener conocimientos de teoría musical , armonía y la práctica de interpretación asociada con una canción en particular o el género de una pieza.
La notación escrita varía según el estilo y el período de la música. Hoy en día, la música notada se produce como partitura o, para personas con programas de escritura de partituras de computadora , como una imagen en una pantalla de computadora . En la antigüedad, la notación musical se colocaba en tablillas de piedra o arcilla. [37] Para interpretar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y de tono incorporados en los símbolos y la práctica de interpretación que se asocia con una pieza musical o género. En los géneros que requieren improvisación musical , el intérprete a menudo toca música donde solo están escritos los cambios de acordes y la forma de la canción, lo que requiere que el intérprete tenga un gran conocimiento de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular, por ejemplo, jazz o música country .
En la música occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical de los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la partitura principal , que anota la melodía, los acordes, la letra (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se utilizan en el jazz; pueden consistir en partituras principales o simplemente diagramas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento para las canciones de jazz. Las partituras y las partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las " big bands " de jazz. En la música popular, los guitarristas y los bajistas eléctricos a menudo leen música anotada en tablatura (a menudo abreviada como "tab"), que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento utilizando un diagrama del diapasón de la guitarra o el bajo. La tablatura se utilizó en la época barroca para escribir música para el laúd , un instrumento de cuerda con trastes. [81]
Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folk , no se escribieron en partituras ; en cambio, se conservaron originalmente en la memoria de los intérpretes y las canciones se transmitieron oralmente , de un músico o cantante a otro, o de forma auditiva, en la que un intérprete aprende una canción " de oído ". Cuando ya no se conoce al compositor de una canción o pieza, esta música a menudo se clasifica como "tradicional" o como una "canción folklórica". Diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes sobre cómo y dónde realizar cambios en el material original, desde bastante estrictas hasta aquellas que exigen improvisación o modificación de la música. La historia y las historias de una cultura también pueden transmitirse de oído a través de la canción. [82]
La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Según la definición de "elemento" que se utilice, estos pueden incluir tono, pulso, tempo, ritmo, melodía, armonía, textura, estilo, distribución de voces, timbre o color, dinámica, expresión, articulación, forma y estructura. Los elementos de la música ocupan un lugar destacado en los planes de estudio de música de Australia, el Reino Unido y los Estados Unidos. Los tres planes de estudio identifican el tono, la dinámica, el timbre y la textura como elementos, pero los demás elementos de la música identificados están lejos de ser universalmente aceptados. A continuación se incluye una lista de las tres versiones oficiales de los "elementos de la música":
En relación con el currículo del Reino Unido, en 2013 se añadió el término " notaciones musicales apropiadas " a su lista de elementos y el título de la lista se cambió de "elementos de la música" a "dimensiones interrelacionadas de la música". Las dimensiones interrelacionadas de la música se enumeran como: tono, duración, dinámica, tempo, timbre, textura, estructura y notaciones musicales apropiadas. [86]
La frase "los elementos de la música" se utiliza en varios contextos diferentes. Los dos contextos más comunes se pueden diferenciar describiéndolos como los "elementos rudimentarios de la música" y los "elementos perceptivos de la música". [n 4]
El tono es un aspecto de un sonido que podemos oír, que refleja si un sonido, nota o tono musical es "más alto" o "más bajo" que otro sonido, nota o tono musical. Podemos hablar de la altura o la gravedad del tono en el sentido más general, como la forma en que un oyente oye una nota aguda y penetrante de flautín o un tono silbante como más alto en tono que un golpe profundo de un bombo . También hablamos de tono en el sentido preciso asociado con melodías musicales , líneas de bajo y acordes . El tono preciso solo se puede determinar en sonidos que tienen una frecuencia que es lo suficientemente clara y estable como para distinguirlos del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que tratar de discernir el tono de un platillo que se golpea. [91]
Una melodía, también llamada "tono", es una serie de tonos (notas) que suenan en sucesión (uno tras otro), a menudo en un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía se crean típicamente utilizando sistemas de tonos como escalas o modos . Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías en canciones folclóricas simples y canciones tradicionales pueden usar solo las notas de una sola escala, la escala asociada con la nota tónica o tonalidad de una canción determinada. Por ejemplo, una canción popular en la tonalidad de C (también denominada C mayor) puede tener una melodía que utilice solo las notas de la escala de C mayor (las notas individuales C, D, E, F, G, A, B y C; estas son las " notas blancas " en un teclado de piano. Por otro lado, el jazz de la era Bebop de la década de 1940 y la música contemporánea de los siglos XX y XXI pueden utilizar melodías con muchas notas cromáticas (es decir, notas además de las notas de la escala mayor; en un piano, una escala cromática incluiría todas las notas del teclado, incluidas las "notas blancas" y las "notas negras" y escalas inusuales, como la escala de tonos enteros (una escala de tonos enteros en la tonalidad de C contendría las notas C, D, E, F ♯ , G ♯ y A ♯ ). Una línea musical baja tocada por instrumentos bajos, como el contrabajo, el bajo eléctrico o la tuba , se llama línea de bajo . [92]
La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de las notas en la música, lo que significa tonos que se tocan o cantan juntos al mismo tiempo para crear un acorde . Por lo general, esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que describe una estructura armónica (es decir, mediante el uso de notas de la melodía que se tocan una después de la otra, delineando las notas de un acorde). En la música escrita utilizando el sistema de tonalidad mayor-menor ("claves"), que incluye la mayoría de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayoría de la música pop, rock y tradicional occidental, la clave de una pieza determina la "nota base" o tónica en la que generalmente se resuelve la pieza, y el carácter (por ejemplo, mayor o menor) de la escala en uso. Las piezas clásicas simples y muchas canciones de música pop y tradicional se escriben de modo que toda la música esté en una sola clave. Las canciones y piezas de música clásica, pop y tradicional más complejas pueden tener dos claves (y en algunos casos tres o más claves). La música clásica de la era romántica (escrita entre 1820 y 1900 aproximadamente) a menudo contiene múltiples tonalidades, [93] al igual que el jazz , especialmente el jazz bebop de la década de 1940, en el que la tonalidad o "nota de inicio" de una canción puede cambiar cada cuatro compases o incluso cada dos compases. [94]
El ritmo es la disposición de sonidos y silencios en el tiempo. El compás anima el tiempo en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas compases o barras , que en la música clásica, popular y tradicional occidental a menudo agrupan notas en conjuntos de dos (p. ej., compás de 2/4), tres (p. ej., compás de 3/4, también conocido como compás de vals , o compás de 3/8) o cuatro (p. ej., compás de 4/4). Los compases son más fáciles de escuchar porque las canciones y las piezas a menudo (pero no siempre) ponen énfasis en el primer tiempo de cada agrupación. Existen excepciones notables, como el contratiempo utilizado en gran parte del pop y el rock occidentales, en el que una canción que utiliza un compás que consta de cuatro tiempos (llamado compás de 4/4 o compás común ) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que normalmente son interpretados por el baterista en el tambor , un instrumento de percusión fuerte y de sonido distintivo. En el pop y el rock, las partes rítmicas de una canción son interpretadas por la sección rítmica , que incluye instrumentos que tocan acordes (por ejemplo, guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano u otros instrumentos de teclado), un instrumento de bajo (normalmente bajo eléctrico o para algunos estilos como el jazz y el bluegrass , contrabajo) y un jugador de batería. [95]
La textura musical es el sonido general de una pieza musical o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por la forma en que se combinan los materiales melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido en una pieza. La textura se describe a menudo en relación con la densidad, el grosor y el rango, o la amplitud, entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos, así como más específicamente distinguidos según el número de voces, o partes, y la relación entre estas voces (ver los tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una capa puede ser una sección de cuerdas u otro instrumento de viento. El grosor se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos. [96] La textura se describe comúnmente según el número y la relación entre las partes o líneas de música:
Generalmente se dice que la música que contiene una gran cantidad de partes independientes (por ejemplo, un concierto doble acompañado por 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entrelazadas) tiene una textura "más gruesa" o "más densa" que una obra con pocas partes (por ejemplo, una melodía de flauta solista acompañada por un solo violonchelo).
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El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es la calidad o sonido de una voz o instrumento. [97] El timbre es lo que hace que un sonido musical en particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una nota A de 440 Hz suena diferente cuando se toca en oboe , piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes intérpretes del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a diferencias en la técnica instrumental (p. ej., diferentes embocaduras ), diferentes tipos de accesorios (p. ej., boquillas para músicos de viento metal, cañas para oboe y fagot) o cuerdas hechas de diferentes materiales para los músicos de cuerda (p. ej., cuerdas de tripa versus cuerdas de acero ). Incluso dos instrumentistas que tocan la misma nota en el mismo instrumento (uno después del otro) pueden sonar diferentes debido a diferentes formas de tocar el instrumento (p. ej., dos músicos de cuerda pueden sostener el arco de manera diferente).
Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro , la envolvente y los armónicos de una nota o sonido musical. En el caso de los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico , el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador , los controles de tono del instrumento y utilizando unidades de efectos electrónicos como pedales de distorsión . El tono del órgano eléctrico Hammond se controla ajustando los tiradores .
Las cualidades expresivas son aquellos elementos de la música que crean cambios en la música sin cambiar los tonos principales o cambiar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los intérpretes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden agregar expresión musical a una canción o pieza agregando fraseo , agregando efectos como vibrato (con voz y algunos instrumentos, como guitarra, violín, instrumentos de viento de metal y de madera), dinámica (la sonoridad o suavidad de la pieza o una sección de ella), fluctuaciones de tempo (por ejemplo, ritardando o accelerando , que son, respectivamente, ralentizar y acelerar el tempo), agregando pausas o fermatas en una cadencia y cambiando la articulación de las notas (por ejemplo, haciendo notas más pronunciadas o acentuadas, haciendo notas más legato , lo que significa que están conectadas suavemente, o haciendo notas más cortas).
La expresión se logra a través de la manipulación del tono (como la inflexión, el vibrato, los slides, etc.), el volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), la duración (fluctuaciones de tempo, cambios rítmicos, cambio de duración de nota como con legato y staccato, etc.), el timbre (por ejemplo, cambiar el timbre vocal de una voz ligera a una resonante) y, a veces, incluso la textura (por ejemplo, doblar la nota grave para un efecto más rico en una pieza de piano). Por lo tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc." [98] y, como tal, no puede incluirse como un elemento perceptivo único de la música, [99] aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.
En música, la forma describe la estructura general o el plan de una canción o pieza musical, [100] y describe el diseño de una composición dividida en secciones. [101] A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones musicales de Broadway solían tener la forma AABA de treinta y dos compases , en la que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases (con variaciones) y la sección B proporcionaba una melodía o armonía contrastante para ocho compases. A partir de la década de 1960, las canciones pop y rock occidentales suelen tener la forma verso-estribillo , que comprende una secuencia de secciones de verso y estribillo (" estribillo "), con letras nuevas para la mayoría de los versos y letras repetidas para los estribillos. La música popular a menudo hace uso de la forma estrófica , a veces junto con el blues de doce compases . [102]
En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un medio exitoso entre los extremos opuestos de la repetición sin alivio y la alteración sin alivio". [103] Ejemplos de formas comunes de música occidental incluyen la fuga , la invención , la sonata-allegro , el canon , la estrófica , el tema y variaciones y el rondó .
Scholes afirma que la música clásica europea tenía sólo seis formas independientes: binaria simple, ternaria simple, binaria compuesta, rondó, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha adoptado ciertas convenciones estructurales. [104] )
Cuando una pieza no se puede dividir fácilmente en unidades seccionales (aunque puede tomar prestada alguna forma de un poema, cuento o programa ), se dice que está compuesta de principio a fin . Tal suele ser el caso de una fantasía , un preludio , una rapsodia , un estudio , un poema sinfónico , una bagatela , una improvisación o una composición similar. [105] El profesor Charles Keil clasificó las formas y los detalles formales como "seccionales, de desarrollo o variacionales". [106]
La filosofía de la música es el estudio de cuestiones fundamentales relacionadas con la música y tiene conexiones con cuestiones de metafísica y estética . Entre las cuestiones se incluyen:
En la antigüedad, como entre los antiguos griegos , la estética de la música exploraba las dimensiones matemáticas y cosmológicas de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, el enfoque se desplazó a la experiencia de escuchar música y, por lo tanto, a las preguntas sobre su belleza y el disfrute humano ( plaisir y jouissance ) de la música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Alexander Gottlieb Baumgarten en el siglo XVIII, seguido por Immanuel Kant . A través de sus escritos, el antiguo término "estética", que significa percepción sensorial , recibió su connotación actual. En la década de 2000, los filósofos han tendido a enfatizar cuestiones además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, se ha puesto en primer plano la capacidad de la música para expresar emociones. [107]
En el siglo XX, Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton y Stephen Davies hicieron contribuciones importantes . Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un debate importante entre Eduard Hanslick , un crítico musical y musicólogo , y el compositor Richard Wagner sobre si la música puede expresar significado. Harry Partch y algunos otros musicólogos , como Kyle Gann , han estudiado y tratado de popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas . Compositores modernos como La Monte Young , Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a una escala llamada entonación justa . [108] [109] [110]
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones , intelecto y psicología ; puede calmar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en La República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por lo tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el estado (Libro VII). [111] En la antigua China, el filósofo Confucio creía que la música y los rituales o ritos estaban interconectados y eran armoniosos con la naturaleza; afirmó que la música era la armonización del cielo y la tierra, mientras que el orden lo traían los ritos, lo que los convertía en funciones extremadamente cruciales en la sociedad. [112]
La psicología musical moderna tiene como objetivo explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musicales . [113] La investigación en este campo y sus subcampos es principalmente empírica ; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de interpretaciones de datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con participantes humanos . Además de su enfoque en las percepciones fundamentales y los procesos cognitivos, la psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical , la composición , la educación , la crítica y la terapia , así como las investigaciones sobre la aptitud humana , la habilidad, la inteligencia , la creatividad y el comportamiento social .
La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos cerebrales implicados en los procesos cognitivos que subyacen a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar música, interpretar, componer, leer, escribir y actividades complementarias. También se interesa cada vez más por la base cerebral de la estética y la emoción musicales. El campo se distingue por su dependencia de las observaciones directas del cerebro, utilizando técnicas como la resonancia magnética funcional (fMRI), la estimulación magnética transcraneal (TMS), la magnetoencefalografía (MEG), la electroencefalografía (EEG) y la tomografía por emisión de positrones (PET).
La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva que se ocupa de modelar computacionalmente el conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. [114] El uso de modelos informáticos proporciona un medio interactivo y exigente en el que formular y probar teorías y tiene raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva . [115]
Este campo interdisciplinario investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. Los modelos de computación inspirados en la biología se incluyen a menudo en las investigaciones, como las redes neuronales y los programas evolutivos. [116] Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, interpreta y genera el conocimiento musical. Al utilizar un entorno informático bien estructurado, se pueden investigar las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos. [117]
La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas con el sonido (incluido el habla y la música). Puede clasificarse además como una rama de la psicofísica .
La musicología evolutiva se ocupa de los "orígenes de la música, la cuestión del canto animal, las presiones de selección que subyacen a la evolución de la música" y "la evolución de la música y la evolución humana". [118] Busca comprender la percepción y la actividad musical en el contexto de la teoría evolutiva . Charles Darwin especuló que la música puede haber tenido una ventaja adaptativa y funcionado como un protolenguaje , [119] una visión que ha generado varias teorías competitivas sobre la evolución de la música. [120] [121] [ página necesaria ] [122] Una visión alternativa ve a la música como un subproducto de la evolución lingüística ; una especie de "pastel de queso auditivo" que complace los sentidos sin proporcionar ninguna función adaptativa. [123] Esta visión ha sido refutada directamente por numerosos investigadores musicales. [124] [125] [126]
La cultura o etnia de un individuo juega un papel en su cognición musical , incluidas sus preferencias , reacción emocional y memoria musical . Las preferencias musicales están sesgadas hacia tradiciones musicales culturalmente familiares desde la infancia, y la clasificación de los adultos de la emoción de una pieza musical depende tanto de características estructurales universales como culturalmente específicas. [127] [128] Además, las capacidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida. [129] [130]
Desde el surgimiento del estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con la forma en que escuchamos la música que con la forma en que aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psychology of Music [Psicología de la música] , [131] identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos eran: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p. 3). No los llamó "elementos de la música", sino que se refirió a ellos como "componentes elementales" (p. 2). No obstante, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "tono" y "timbre" coinciden exactamente, "volumen" se vincula con la dinámica y "tiempo" se vincula con los elementos basados en el tiempo del ritmo, la duración y el tempo. Este uso de la frase "los elementos de la música" se vincula más estrechamente con la definición de un elemento del Webster's New 20th Century Dictionary como: "una sustancia que no se puede dividir en una forma más simple por métodos conocidos" [132] y las listas de elementos de las instituciones educativas generalmente también se alinean con esta definición.
Aunque los autores de listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variar sus listas en función de sus prioridades personales (o institucionales), los elementos perceptuales de la música deberían consistir en una lista establecida (o probada) de elementos discretos que puedan manipularse de forma independiente para lograr un efecto musical deseado. Parece que, en esta etapa, todavía queda investigación por hacer en esta área.
Una forma ligeramente diferente de abordar la identificación de los elementos de la música es identificar los "elementos del sonido " como: tono , duración , volumen , timbre , textura sonora y ubicación espacial , [133] y luego definir los "elementos de la música" como: sonido, estructura e intención artística. [133]
Los estudios etnográficos demuestran que la música es una actividad participativa y comunitaria. [134] [135] La música es experimentada por individuos en una variedad de entornos sociales, desde estar solos hasta asistir a un gran concierto, formando una comunidad musical , que no puede entenderse como una función de la voluntad individual o el accidente; incluye participantes comerciales y no comerciales con un conjunto compartido de valores comunes. Las interpretaciones musicales toman diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos.
En Europa y América del Norte, había una división entre los tipos de música que se consideraban " alta cultura " y " baja cultura ". La "alta cultura" incluía sinfonías, conciertos y obras solistas barrocas, clásicas, románticas y de la era moderna, y se escuchaban típicamente en conciertos formales en salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio. Otros tipos de música, incluidos el jazz, el blues, el soul y el country , a menudo se interpretan en bares, clubes nocturnos y teatros, donde el público puede beber, bailar y vitorear. Hasta el siglo XX, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" se aceptaba como una distinción válida que separaba la "música artística" de la música popular que se escuchaba en bares y salas de baile. Los musicólogos, como David Brackett, notan un "retrazado de los límites culturales-estéticos altos y bajos" en el siglo XX. [136] Y, "cuando la industria y los discursos públicos vinculan categorías de música con categorías de personas, tienden a mezclar estereotipos con comunidades de oyentes reales". [136] Los estereotipos pueden basarse en el nivel socioeconómico o la clase social de los intérpretes o la audiencia de los diferentes tipos de música.
Cuando los compositores introducen estilos de música que rompen con las convenciones, puede haber una fuerte resistencia por parte de académicos y otros. Los cuartetos de cuerda de Beethoven de la última época, las partituras de ballet de Stravinsky, el serialismo , el bebop , el hip hop , el punk rock y la música electrónica fueron controvertidos y criticados cuando se introdujeron por primera vez. Estos temas se examinan en la sociología de la música, a veces llamada sociomusicología , que se estudia en los departamentos de sociología, estudios de medios o música, y está estrechamente relacionada con la etnomusicología .
Las mujeres han desempeñado un papel importante en la música a lo largo de la historia, como compositoras, compositoras, intérpretes instrumentales , cantantes, directoras, académicas de música , educadoras musicales , críticas musicales / periodistas musicales y otras profesiones musicales. En la década de 2010, si bien las mujeres representan una proporción significativa de cantantes de música popular y clásica, y una proporción significativa de compositoras (muchas de ellas cantautoras), hay pocas mujeres productoras de discos, críticas de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido una gran cantidad de mujeres compositoras en la música clásica, desde el período medieval hasta la actualidad, las mujeres compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado , los libros de texto de historia de la música y las enciclopedias musicales; por ejemplo, en la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann es una de las pocas compositoras que se menciona.
Las mujeres representan una proporción significativa de solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas está aumentando. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres todavía representaban solo el 6% de la orquesta Filarmónica de Viena , la mejor clasificada . Las mujeres son menos comunes como intérpretes instrumentales en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal , aunque ha habido una serie de instrumentistas femeninas notables y bandas exclusivamente femeninas . Las mujeres están particularmente subrepresentadas en los géneros de metal extremo . [137] En la escena de la música pop de los años 60, "como la mayoría de los aspectos del... negocio de la música, [en los años 60] la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres... eran vistas principalmente como consumidoras:... Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no se hacía". [138] Las mujeres jóvenes "... no estaban socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]". [138]
Las mujeres también están subrepresentadas en la dirección de orquesta, la crítica musical/periodismo musical, la producción musical y la ingeniería de sonido . Si bien en el siglo XIX se desalentaba a las mujeres a componer y hay pocas mujeres musicólogas , las mujeres se involucraron en la educación musical "...hasta tal punto que las mujeres dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [139]
Según Jessica Duchen , una escritora musical del periódico londinense The Independent , las mujeres músicas en la música clásica son "...demasiado a menudo juzgadas por su apariencia, en lugar de su talento" y enfrentan presión "...para lucir sexys en el escenario y en las fotos". [140] Duchen afirma que si bien "[h]ay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia, ... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". [140] Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria musical ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en roles de interpretación o entretenimiento, pero es mucho menos probable que las mujeres tengan posiciones de autoridad, como ser directora de una orquesta . [141] En la música popular, si bien hay muchas cantantes mujeres grabando canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúen como productoras musicales, las personas que dirigen y gestionan el proceso de grabación. [142] Una de las artistas más grabadas es Asha Bhosle , una cantante india mejor conocida como cantante de playback en el cine hindi. [143]
Desde el siglo XX, la música en vivo puede transmitirse por radio, televisión o Internet, o grabarse y escucharse en un reproductor de CD o MP3.
In the early 20th century (in the late 1920s), as talking pictures emerged in the early 20th century, with their prerecorded musical tracks, an increasing number of moviehouse orchestra musicians found themselves out of work.[145] During the 1920s, live musical performances by orchestras, pianists, and theater organists were common at first-run theaters.[146] With the coming of the talking motion pictures, those featured performances were largely eliminated. The American Federation of Musicians (AFM) took out newspaper advertisements protesting the replacement of live musicians with mechanical playing devices. One 1929 ad that appeared in the Pittsburgh Press features an image of a can labeled "Canned Music / Big Noise Brand / Guaranteed to Produce No Intellectual or Emotional Reaction Whatever"[147]
Sometimes, live performances incorporate prerecorded sounds. For example, a disc jockey uses disc records for scratching, and some 20th-century works have a solo for an instrument or voice that is performed along with music that is prerecorded onto a tape. Some pop bands use recorded backing tracks. Computers and many keyboards can be programmed to produce and play Musical Instrument Digital Interface (MIDI) music. Audiences can also become performers by participating in karaoke, an activity of Japanese origin centered on a device that plays voice-eliminated versions of well-known songs. Most karaoke machines also have video screens that show lyrics to songs being performed; performers can follow the lyrics as they sing over the instrumental tracks.
The advent of the Internet and widespread high-speed broadband access has transformed the experience of music, partly through the increased ease of access to recordings of music via streaming video and vastly increased choice of music for consumers. Another effect of the Internet arose with online communities and social media websites like YouTube and Facebook, a social networking service. These sites make it easier for aspiring singers and amateur bands to distribute videos of their songs, connect with other musicians, and gain audience interest. Professional musicians also use YouTube as a free publisher of promotional material. YouTube users, for example, no longer only download and listen to MP3s, but also actively create their own. According to Don Tapscott and Anthony D. Williams, in their book Wikinomics, there has been a shift from a traditional consumer role to what they call a "prosumer" role, a consumer who both creates content and consumes. Manifestations of this in music include the production of mashes, remixes, and music videos by fans.[148]
The incorporation of music into general education from preschool to post secondary education, is common in North America and Europe. Involvement in playing and singing music is thought to teach basic skills such as concentration, counting, listening, and cooperation while also promoting understanding of language, improving the ability to recall information, and creating an environment more conducive to learning in other areas.[149] In elementary schools, children often learn to play instruments such as the recorder, sing in small choirs, and learn about the history of Western art music and traditional music. Some elementary school children also learn about popular music styles. In religious schools, children sing hymns and other religious music. In secondary schools (and less commonly in elementary schools), students may have the opportunity to perform in some types of musical ensembles, such as choirs (a group of singers), marching bands, concert bands, jazz bands, or orchestras. In some school systems, music lessons on how to play instruments may be provided. Some students also take private music lessons after school with a singing teacher or instrument teacher. Amateur musicians typically learn basic musical rudiments (e.g., learning about musical notation for musical scales and rhythms) and beginner- to intermediate-level singing or instrument-playing techniques.
At the university level, students in most arts and humanities programs can receive credit for taking a few music courses, which typically take the form of an overview course on the history of music, or a music appreciation course that focuses on listening to music and learning about different musical styles. In addition, most North American and European universities have some types of musical ensembles that students in arts and humanities are able to participate in, such as choirs, marching bands, concert bands, or orchestras. The study of Western art music is increasingly common outside of North America and Europe, such as the Indonesian Institute of the Arts in Yogyakarta, Indonesia, or the classical music programs that are available in Asian countries such as South Korea, Japan, and China. At the same time, Western universities and colleges are widening their curriculum to include music of non-Western cultures, such as the music of Africa or Bali (e.g. Gamelan music).
People aiming to become professional musicians, singers, composers, songwriters, music teachers and practitioners of other music-related professions such as music history professors, sound engineers, and so on study in specialized post-secondary programs offered by colleges, universities and music conservatories. Some institutions that train individuals for careers in music offer training in a wide range of professions, as is the case with many of the top U.S. universities, which offer degrees in music performance (including singing and playing instruments), music history, music theory, music composition, music education (for individuals aiming to become elementary or high school music teachers) and, in some cases, conducting. On the other hand, some small colleges may only offer training in a single profession (e.g., sound recording).
While most university and conservatory music programs focus on training students in classical music, there are universities and colleges that train musicians for careers as jazz or popular music musicians and composers, with notable U.S. examples including the Manhattan School of Music and the Berklee College of Music. Two schools in Canada which offer professional jazz training are McGill University and Humber College. Individuals aiming at careers in some types of music, such as heavy metal music, country music or blues are unlikely to become professionals by completing degrees or diplomas. Instead, they typically learn about their style of music by singing or playing in bands (often beginning in amateur bands, cover bands and tribute bands), studying recordings on DVD and the Internet, and working with already-established professionals in their style of music, either through informal mentoring or regular music lessons. Since the 2000s, the increasing popularity and availability of Internet forums and YouTube "how-to" videos have enabled singers and musicians from metal, blues and similar genres to improve their skills. Many pop, rock and country singers train informally with vocal coaches and voice teachers.[150][151]
Musicology, the academic study of music, is studied in universities and music conservatories. The earliest definitions from the 19th century defined three sub-disciplines of musicology: systematic musicology, historical musicology, and comparative musicology or ethnomusicology. In 2010-era scholarship, one is more likely to encounter a division into music theory, music history, and ethnomusicology. Research in musicology has often been enriched by cross-disciplinary work, for example in the field of psychoacoustics. The study of music of non-Western cultures, and cultural study of music, is called ethnomusicology. Students can pursue study of musicology, ethnomusicology, music history, and music theory through different types of degrees, including bachelor's, master's and PhD.[152][153][154]
Music theory is the study of music, generally in a highly technical manner outside of other disciplines. More broadly it refers to any study of music, usually related in some form with compositional concerns, and may include mathematics, physics, and anthropology. What is most commonly taught in beginning music theory classes are guidelines to write in the style of the common practice period, or tonal music. Theory, even of music of the common practice period, may take other forms.[155] Musical set theory is the application of mathematical set theory to music, first applied to atonal music. Speculative music theory, contrasted with analytic music theory, is devoted to the analysis and synthesis of music materials, for example tuning systems, generally as preparation for composition.[156]
Zoomusicology is the study of the music of non-human animals, or the musical aspects of sounds produced by non-human animals. As George Herzog (1941) asked, "do animals have music?" François-Bernard Mâche's Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983), a study of "ornitho-musicology" using a technique of Nicolas Ruwet's Language, musique, poésie (1972) paradigmatic segmentation analysis, shows that bird songs are organised according to a repetition-transformation principle. Jean-Jacques Nattiez (1990), argues that "in the last analysis, it is a human being who decides what is and is not musical, even when the sound is not of human origin. If we acknowledge that sound is not organised and conceptualised (that is, made to form music) merely by its producer, but by the mind that perceives it, then music is uniquely human."[157]
In the West, much of the history of music that is taught deals with the Western civilization's art music, known as classical music. The history of music in non-Western cultures ("world music" or the field of "ethnomusicology") is also taught in Western universities. This includes the documented classical traditions of Asian countries outside the influence of Western Europe, as well as the folk or indigenous music of various other cultures. Popular or folk styles of music in non-Western countries varied from culture to culture, and period to period. Different cultures emphasised different instruments, techniques, singing styles and uses for music. Music has been used for entertainment, ceremonies, rituals, religious purposes and for practical and artistic communication. Non-Western music has also been used for propaganda purposes, as was the case with Chinese opera during the Cultural Revolution.
There is a host of music classifications for non-Western music, many of which are caught up in the argument over the definition of music. Among the largest of these is the division between classical music (or "art" music), and popular music (or commercial music – including non-Western styles of rock, country, and pop music-related styles). Some genres do not fit neatly into one of these "big two" classifications, (such as folk music, world music, or jazz-related music).
As world cultures have come into greater global contact, their indigenous musical styles have often merged with other styles, which produces new styles. For example, the United States bluegrass style contains elements from Anglo-Irish, Scottish, Irish, German and African instrumental and vocal traditions, which were able to fuse in the United States' multi-ethnic "melting pot" society. Some types of world music contain a mixture of non-Western indigenous styles with Western pop music elements. Genres of music are determined as much by tradition and presentation as by the actual music. Some works, like George Gershwin's Rhapsody in Blue, are claimed by both jazz and classical music, while Gershwin's Porgy and Bess and Leonard Bernstein's West Side Story are claimed by both opera and the Broadway musical tradition. Many music festivals for non-Western music, include bands and singers from a particular musical genre, such as world music.[158][159]
Indian music, for example, is one of the oldest and longest living types of music, and is still widely heard and performed in South Asia, as well as internationally (especially since the 1960s). Indian music has mainly three forms of classical music, Hindustani, Carnatic, and Dhrupad styles. It has also a large repertoire of styles, which involve only percussion music such as the talavadya performances famous in South India.
Music therapy is an interpersonal process in which a trained therapist uses music and all of its facets—physical, emotional, mental, social, aesthetic, and spiritual—to help clients to improve or maintain their health. In some instances, the client's needs are addressed directly through music; in others they are addressed through the relationships that develop between the client and therapist. Music therapy is used with individuals of all ages and with a variety of conditions, including: psychiatric disorders, medical problems, physical disabilities, sensory impairments, developmental disabilities, substance abuse issues, communication disorders, interpersonal problems, and aging. It is also used to improve learning, build self-esteem, reduce stress, support physical exercise, and facilitate a host of other health-related activities. Music therapists may encourage clients to sing, play instruments, create songs, or do other musical activities.
In the 10th century, the philosopher Al-Farabi described how vocal music can stimulate the feelings and souls of listeners.[160] Music has long been used to help people deal with their emotions. In the 17th century, the scholar Robert Burton's The Anatomy of Melancholy argued that music and dance were critical in treating mental illness, especially melancholia.[161] He noted that music has an "excellent power ...to expel many other diseases" and he called it "a sovereign remedy against despair and melancholy." He pointed out that in Antiquity, Canus, a Rhodian fiddler, used music to "make a melancholy man merry, ...a lover more enamoured, a religious man more devout."[162][163][164] In the Ottoman Empire, mental illnesses were treated with music.[165] In November 2006, Michael J. Crawford and his colleagues also found that music therapy helped schizophrenic patients.[166][167]
Music therapy may provide a means of improving mental health among people with schizophrenia, but its effects in acute psychoses have not been explored
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