El arte es una gama diversa de actividad cultural centrada en obras de talentos creativos o imaginativos , que se espera que induzcan una experiencia valiosa, [1] generalmente a través de la expresión de poder emocional, ideas conceptuales , belleza y/o competencia técnica. [2] [3] [4]
No existe una definición generalmente aceptada de lo que constituye el arte , [5] [6] [7] y su interpretación ha variado mucho a lo largo de la historia y entre culturas. En la tradición occidental, las tres ramas clásicas del arte visual son la pintura , la escultura y la arquitectura . [8] El teatro , la danza y otras artes escénicas , así como la literatura , la música , el cine y otros medios como los medios interactivos , se incluyen en una definición más amplia de " las artes ". [2] [9] Hasta el siglo XVII, el arte se refería a cualquier habilidad o maestría y no se diferenciaba de las artesanías o las ciencias . En el uso moderno después del siglo XVII, donde las consideraciones estéticas son primordiales, las bellas artes se separan y distinguen de las habilidades adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas .
La naturaleza del arte y los conceptos relacionados, como la creatividad y la interpretación , se exploran en una rama de la filosofía conocida como estética . [10] Las obras de arte resultantes se estudian en los campos profesionales de la crítica de arte y la historia del arte .
Desde la perspectiva de la historia del arte, [11] las obras artísticas han existido durante casi tanto tiempo como la humanidad: desde el arte prehistórico temprano hasta el arte contemporáneo ; sin embargo, algunos teóricos piensan que el concepto típico de "obras artísticas" no encaja bien fuera de las sociedades occidentales modernas. [12] Un sentido temprano de la definición de arte está estrechamente relacionado con el significado latino más antiguo, que se traduce aproximadamente como "habilidad" u "artesanía", como se asocia con palabras como "artesano". Las palabras inglesas derivadas de este significado incluyen artefacto , artificial , artificio , artes médicas y artes militares . Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología .
Con el tiempo, filósofos como Platón , Aristóteles , Sócrates e Immanuel Kant , entre otros, cuestionaron el significado del arte. [13] Varios diálogos en Platón abordan cuestiones sobre el arte, mientras que Sócrates dice que la poesía está inspirada por las musas y no es racional. Habla con aprobación de esto y otras formas de locura divina (ebriedad, erotismo y sueños) en el Fedro (265a-c), y sin embargo, en la República quiere proscribir el gran arte poético de Homero , y también la risa. En Ion , Sócrates no da ningún indicio de la desaprobación de Homero que expresa en la República . El diálogo Ion sugiere que la Ilíada de Homero funcionó en el mundo griego antiguo como lo hace la Biblia hoy en el mundo cristiano moderno: como arte literario de inspiración divina que puede proporcionar una guía moral, siempre y cuando pueda interpretarse adecuadamente. [14]
En lo que respecta al arte literario y a las artes musicales, Aristóteles consideraba que la poesía épica , la tragedia, la comedia, la poesía ditirámbica y la música eran artes miméticas o imitativas, cada una de las cuales variaba en la imitación según el medio, el objeto y la manera. [15] Por ejemplo, la música imita con los medios del ritmo y la armonía, mientras que la danza imita solo con el ritmo y la poesía con el lenguaje. Las formas también difieren en su objeto de imitación. La comedia, por ejemplo, es una imitación dramática de hombres peor que la media; mientras que la tragedia imita a los hombres ligeramente mejor que la media. Por último, las formas difieren en su manera de imitar: a través de la narrativa o de los personajes, a través del cambio o de la ausencia de cambio, y a través del drama o de la ausencia de drama. [16] Aristóteles creía que la imitación es natural a la humanidad y constituye una de las ventajas de la humanidad sobre los animales. [17]
El sentido más reciente y específico de la palabra arte como abreviatura de arte creativo o bellas artes surgió a principios del siglo XVII. [18] Las bellas artes se refieren a una habilidad utilizada para expresar la creatividad del artista, o para involucrar las sensibilidades estéticas de la audiencia, o para atraer a la audiencia hacia la consideración de obras de arte más refinadas o más finas .
En este último sentido, la palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un proceso de uso de la habilidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) la experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas ( el arte como disciplina) son una colección de disciplinas que producen obras de arte ( el arte como objetos) que son impulsadas por un impulso personal (el arte como actividad) y transmiten un mensaje, estado de ánimo o simbolismo para que el perceptor interprete (el arte como experiencia). El arte es algo que estimula los pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. Las obras de arte pueden hacerse explícitamente para este propósito o interpretarse sobre la base de imágenes u objetos. Para algunos académicos, como Kant, las ciencias y las artes podrían distinguirse tomando la ciencia como representante del dominio del conocimiento y las artes como representante del dominio de la libertad de expresión artística. [19]
A menudo, si la habilidad se utiliza de forma común o práctica, la gente la considerará una artesanía en lugar de un arte. Del mismo modo, si la habilidad se utiliza de forma comercial o industrial, puede considerarse arte comercial en lugar de bellas artes. Por otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran arte aplicado . Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre bellas artes y arte aplicado tiene más que ver con los juicios de valor realizados sobre el arte que con cualquier diferencia de definición clara. [20] Sin embargo, incluso las bellas artes a menudo tienen objetivos que van más allá de la pura creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en el arte con motivaciones políticas, espirituales o filosóficas; crear una sensación de belleza (ver estética ); explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o generar emociones fuertes . El propósito también puede ser aparentemente inexistente.
La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los problemas tradicionales más elusivos de la cultura humana". [21] El arte ha sido definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales por sí mismos, y como mimesis o representación . El arte como mimesis tiene raíces profundas en la filosofía de Aristóteles. [22] León Tolstoi identificó el arte como un uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. [22] Benedetto Croce y RG Collingwood avanzaron la visión idealista de que el arte expresa emociones y que, por lo tanto, la obra de arte existe esencialmente en la mente del creador. [23] [24] La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Kant y fue desarrollada a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell . Más recientemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad desarrolla para sí misma un medio para la autoexpresión y la interpretación. [25] George Dickie ha propuesto una teoría institucional del arte que define una obra de arte como cualquier artefacto al que una persona o personas calificadas que actúan en nombre de la institución social comúnmente denominada "el mundo del arte " le han conferido "el estatus de candidato para su apreciación". [26] Larry Shiner ha descrito las bellas artes como "no una esencia o un destino sino algo que hemos creado. El arte tal como lo hemos entendido generalmente es una invención europea de apenas doscientos años de antigüedad". [27]
El arte puede caracterizarse en términos de mimesis (su representación de la realidad), narrativa (narración de historias), expresión, comunicación de emociones u otras cualidades. Durante el período romántico , el arte llegó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana que se clasifica junto con la religión y la ciencia". [28]
Se determinó que una concha grabada por el Homo erectus tiene entre 430.000 y 540.000 años de antigüedad. [30] Un conjunto de ocho garras de águila de cola blanca de 130.000 años de antigüedad presentan marcas de cortes y abrasión que indican manipulación por parte de los neandertales, posiblemente para usarlas como joyas. [31] Una serie de diminutas conchas de caracol perforadas de unos 75.000 años de antigüedad fueron descubiertas en una cueva sudafricana. [32] Se han encontrado recipientes que pueden haber sido utilizados para contener pinturas que datan de hace 100.000 años. [33]
La pieza de arte más antigua encontrada en Europa es el Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , que data de hace 51.000 años y fue realizada por neandertales.
Se han encontrado esculturas, pinturas rupestres , pinturas rupestres y petroglifos del Paleolítico superior que datan de hace aproximadamente 40.000 años, [34] pero el significado preciso de dicho arte es a menudo discutido porque se sabe muy poco sobre las culturas que lo produjeron.
Las primeras esculturas y piezas de arte similares indiscutibles, como la Venus de Hohle Fels , son los numerosos objetos encontrados en las Cuevas y el Arte de la Edad de Hielo en el Jura de Suabia, Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO , donde se encontraron las obras de arte humano no estacionarias más antiguas descubiertas hasta ahora, en forma de figuras de animales y humanoides talladas, además de los instrumentos musicales más antiguos desenterrados hasta ahora, con artefactos que datan de entre 43.000 y 35.000 a. C., siendo así el primer centro de arte humano. [35] [36] [37] [38]
Muchas grandes tradiciones en el arte tienen su base en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: el Antiguo Egipto , Mesopotamia , Persia , India, China, la Antigua Grecia, Roma, así como los incas , los mayas y los olmecas . Cada uno de estos centros de civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunas también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, aplomo, belleza y proporciones anatómicamente correctas. [39]
En el arte bizantino y medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de temas relacionados con la cultura bíblica y religiosa, y utilizó estilos que mostraban la gloria superior de un mundo celestial, como el uso del oro en el fondo de las pinturas, o el vidrio en mosaicos o vidrieras, que también presentaban figuras en formas idealizadas y estampadas (planas). Sin embargo, persistió una tradición realista clásica en las pequeñas obras bizantinas, y el realismo creció de manera constante en el arte de la Europa católica . [40]
El arte renacentista puso mucho más énfasis en la representación realista del mundo material y el lugar de los humanos en él, reflejado en la corporeidad del cuerpo humano y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para representar la recesión en un espacio de imagen tridimensional. [41]
En Oriente, el rechazo del arte islámico a la iconografía llevó a un énfasis en los patrones geométricos , la caligrafía y la arquitectura . [43] Más al este, la religión también dominó los estilos y formas artísticas. En India y el Tíbet se hizo hincapié en las esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa tomó prestadas muchas convenciones de la escultura y tendió a colores brillantes y contrastantes con énfasis en los contornos. China vio el florecimiento de muchas formas de arte: tallado de jade, bronce, cerámica (incluido el impresionante Ejército de terracota del emperador Qin [44] ), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. Los estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno recibe tradicionalmente el nombre de la dinastía gobernante. Entonces, por ejemplo, las pinturas de la dinastía Tang son monocromáticas y escasas, enfatizando paisajes idealizados, pero las pinturas de la dinastía Ming son ocupadas y coloridas, y se centran en contar historias a través del escenario y la composición. [45] Japón también nombra sus estilos en honor a las dinastías imperiales, y también vio mucha interacción entre los estilos de caligrafía y pintura. La impresión en madera adquirió importancia en Japón después del siglo XVII. [46]
La Ilustración occidental del siglo XVIII vio representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo mecánico , así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo posmonárquico, como la representación de Newton por parte de Blake como un geómetra divino, [47] o las pinturas propagandísticas de David . Esto llevó a rechazos románticos de esto en favor de imágenes del lado emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificadas en las novelas de Goethe . A finales del siglo XIX se produjo una serie de movimientos artísticos , como el arte académico , el simbolismo , el impresionismo y el fauvismo, entre otros. [48] [49]
La historia del arte del siglo XX es una narrativa de posibilidades infinitas y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno derribado sucesivamente por el siguiente. Por lo tanto, los parámetros del impresionismo , expresionismo , fauvismo , cubismo , dadaísmo , surrealismo , etc. no se pueden mantener mucho más allá del momento de su invención. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental. Así, las xilografías japonesas (influenciadas por el dibujo renacentista occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, las esculturas africanas fueron retomadas por Picasso y, en cierta medida, por Matisse . De manera similar, en los siglos XIX y XX, Occidente ha tenido un enorme impacto en el arte oriental con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el posmodernismo ejerciendo una poderosa influencia. [50]
El modernismo , la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo XX a la constatación de su inalcanzable existencia. Theodor W. Adorno dijo en 1970: "Ahora se da por sentado que nada que concierna al arte puede darse por sentado ya: ni el arte en sí mismo, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte a existir". [51] El relativismo fue aceptado como una verdad inevitable, lo que condujo al período del arte contemporáneo y la crítica posmoderna , donde las culturas del mundo y de la historia son vistas como formas cambiantes, que pueden apreciarse y extraerse de ellas solo con escepticismo e ironía. Además, la separación de culturas es cada vez más borrosa y algunos sostienen que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de regionales. [52]
En El origen de la obra de arte , Martin Heidegger, filósofo y pensador alemán, describe la esencia del arte en términos de los conceptos de ser y verdad. Sostiene que el arte no es sólo una forma de expresar el elemento de verdad en una cultura, sino el medio de crearlo y proporcionar un trampolín desde el cual se pueda revelar "lo que es". Las obras de arte no son meras representaciones de cómo son las cosas, sino que en realidad producen la comprensión compartida de una comunidad. Cada vez que se añade una nueva obra de arte a una cultura, el significado de lo que es existir cambia inherentemente.
Históricamente, el arte y las habilidades e ideas artísticas se han difundido a menudo a través del comercio. Un ejemplo de ello es la Ruta de la Seda , donde se podían mezclar influencias helenísticas, iraníes, indias y chinas. El arte greco-budista es uno de los ejemplos más vívidos de esta interacción. El encuentro de diferentes culturas y visiones del mundo también influyó en la creación artística. Un ejemplo de ello es la metrópolis portuaria multicultural de Trieste a principios del siglo XX, donde James Joyce conoció a escritores de Europa Central y el desarrollo artístico de la ciudad de Nueva York como crisol cultural. [53] [54] [55]
Las artes creativas suelen dividirse en categorías más específicas, normalmente a lo largo de categorías perceptualmente distinguibles como medios , género, estilos y forma. [56] La forma de arte se refiere a los elementos del arte que son independientes de su interpretación o significado. Cubre los métodos adoptados por el artista y la composición física de la obra de arte, principalmente aspectos no semánticos de la obra (es decir, figurae ), [57] como color , contorno , dimensión , medio , melodía , espacio , textura y valor . La forma también puede incluir principios de diseño , como disposición, equilibrio , contraste , énfasis , armonía , proporción , proximidad y ritmo. [58]
En general, hay tres escuelas filosóficas en relación con el arte, que se centran respectivamente en la forma, el contenido y el contexto. [58] El formalismo extremo es la opinión de que todas las propiedades estéticas del arte son formales (es decir, parte de la forma artística). Los filósofos rechazan casi universalmente esta opinión y sostienen que las propiedades y la estética del arte se extienden más allá de los materiales, las técnicas y la forma. [59] Desafortunadamente, hay poco consenso sobre la terminología para estas propiedades informales. Algunos autores se refieren al tema y al contenido (es decir, denotaciones y connotaciones ), mientras que otros prefieren términos como significado y significación. [58]
El intencionalismo extremo sostiene que la intención del autor juega un papel decisivo en el significado de una obra de arte, transmitiendo el contenido o la idea principal esencial, mientras que todas las demás interpretaciones pueden descartarse. [60] Define el tema como las personas o la idea representadas, [61] y el contenido como la experiencia del artista de ese tema. [62] Por ejemplo, la composición de Napoleón I en su trono imperial está parcialmente tomada prestada de la Estatua de Zeus en Olimpia . Como lo evidencia el título, el tema es Napoleón , y el contenido es la representación de Ingres de Napoleón como "Emperador-Dios más allá del tiempo y el espacio". [58] De manera similar al formalismo extremo, los filósofos generalmente rechazan el intencionalismo extremo, porque el arte puede tener múltiples significados ambiguos y la intención del autor puede ser incognoscible y, por lo tanto, irrelevante. Su interpretación restrictiva es "socialmente insalubre, filosóficamente irreal y políticamente imprudente". [58]
Por último, la teoría en desarrollo del postestructuralismo estudia la importancia del arte en un contexto cultural, como las ideas, emociones y reacciones que suscita una obra. [63] El contexto cultural a menudo se reduce a las técnicas e intenciones del artista, en cuyo caso el análisis procede de manera similar al formalismo y al intencionalismo. Sin embargo, en otros casos pueden predominar las condiciones históricas y materiales, como las convicciones religiosas y filosóficas, las estructuras sociopolíticas y económicas, o incluso el clima y la geografía. La crítica de arte continúa creciendo y desarrollándose junto con el arte. [58]
El arte puede connotar una sensación de habilidad o dominio de un medio . El arte también puede referirse al uso desarrollado y eficiente de un lenguaje para transmitir un significado con inmediatez o profundidad. El arte puede definirse como un acto de expresión de sentimientos, pensamientos y observaciones. [64]
Existe una comprensión que se alcanza con el material como resultado de su manejo, lo que facilita los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto arte , en particular en su sentido elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa por parte del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica, una originalidad en el enfoque estilístico o una combinación de estos dos. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución se consideraba una cualidad inseparable del arte y, por lo tanto, necesaria para su éxito; para Leonardo da Vinci , el arte, ni más ni menos que sus otros esfuerzos, era una manifestación de habilidad. [65] La obra de Rembrandt , ahora elogiada por sus virtudes efímeras, fue más admirada por sus contemporáneos por su virtuosismo. [66] A principios del siglo XX, las hábiles actuaciones de John Singer Sargent eran admiradas y vistas con escepticismo alternativamente por su fluidez manual, [67] pero casi al mismo tiempo el artista que se convertiría en el iconoclasta más reconocido y peripatético de la época, Pablo Picasso , estaba completando una formación académica tradicional en la que sobresalía. [68] [69]
Una crítica contemporánea común a algunas obras de arte moderno se produce en la línea de objetar la aparente falta de habilidad o capacidad requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, La fuente de Marcel Duchamp es uno de los primeros ejemplos de piezas en las que el artista utilizó objetos encontrados ("ready-made") y no ejerció ningún conjunto de habilidades tradicionalmente reconocidas. [70] Mi cama de Tracey Emin o La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Damien Hirst siguen este ejemplo. Emin durmió (y se dedicó a otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. Hirst ideó el diseño conceptual de la obra de arte, pero ha dejado la mayor parte de la creación final de muchas obras a artesanos contratados. La celebridad de Hirst se basa completamente en su capacidad para producir conceptos impactantes. [71] La producción real de muchas obras de arte conceptuales y contemporáneas es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan sobresaliendo en las habilidades de dibujo y pintura y en la creación de obras de arte prácticas . [72]
El arte ha tenido un gran número de funciones diferentes a lo largo de su historia, lo que hace que su propósito sea difícil de abstraer o cuantificar en un solo concepto. Esto no implica que el propósito del arte sea "vago", sino que ha tenido muchas razones únicas y diferentes para ser creado. Algunas de estas funciones del arte se proporcionan en el siguiente esquema. Los diferentes propósitos del arte pueden agruparse según los que no están motivados y los que sí lo están ( Lévi-Strauss ). [73]
Los fines no motivados del arte son aquellos que son inherentes al ser humano, trascienden al individuo o no cumplen un propósito externo específico. En este sentido, el arte, como creatividad, es algo que los humanos deben hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte) y, por lo tanto, está más allá de la utilidad. [73]
La imitación es, pues, un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, está el instinto de la «armonía» y del ritmo, siendo los metros manifiestamente secciones del ritmo. Por tanto, las personas, partiendo de este don natural, desarrollaron gradualmente sus aptitudes especiales, hasta que sus improvisaciones rudimentarias dieron origen a la poesía. – Aristóteles [74]
Lo más hermoso que podemos experimentar es lo misterioso. Es la fuente de todo arte y ciencia verdaderos. – Albert Einstein [75]
El águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como los atributos lógicos (estéticos) de un objeto, el concepto de la sublimidad y majestuosidad de la creación, sino algo más, algo que da a la imaginación un incentivo para extender su vuelo sobre toda una serie de representaciones afines que provocan más pensamiento del que admite expresión en un concepto determinado por palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional antes mencionada como un sustituto de la presentación lógica, pero con la función propia, sin embargo, de animar la mente al abrirle una perspectiva hacia un campo de representaciones afines que se extiende más allá de su alcance. – Immanuel Kant [76]
La mayoría de los investigadores que trabajan con pinturas rupestres u objetos recuperados de contextos prehistóricos que no pueden explicarse en términos utilitarios y, por lo tanto, se clasifican como decorativos, rituales o simbólicos, son conscientes de la trampa que plantea el término "arte". – Silva Tomaskova [77]
Los propósitos motivados del arte se refieren a acciones intencionales y conscientes por parte de los artistas o creadores. Pueden ser para generar un cambio político, para comentar un aspecto de la sociedad, para transmitir una emoción o estado de ánimo específico, para abordar la psicología personal, para ilustrar otra disciplina, para (con artes comerciales) vender un producto, o para usarse como una forma de comunicación. [73] [78]
[El arte es un conjunto de] artefactos o imágenes con significados simbólicos como medio de comunicación. – Steve Mithen [79]
En cambio, la actitud realista, inspirada en el positivismo, desde Santo Tomás de Aquino hasta Anatole France, me parece claramente hostil a todo progreso intelectual o moral. La detesto porque está hecha de mediocridad, odio y vanidad. Es esta actitud la que hoy en día da origen a esos libros ridículos, a esas obras de teatro insultantes. Se alimenta constantemente de los periódicos y se fortalece con ellos y embrutece tanto la ciencia como el arte adulando asiduamente los gustos más bajos; una claridad que raya en la estupidez, una vida de perros. – André Breton (Surrealismo) [81]
Las funciones del arte descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchas de ellas pueden superponerse. Por ejemplo, el arte con fines de entretenimiento también puede tener como objetivo vender un producto, es decir, la película o el videojuego.
El arte se puede dividir en cualquier número de pasos que se puedan argumentar. Esta sección divide el proceso creativo en tres grandes pasos, pero no hay consenso sobre un número exacto. [99]
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En el primer paso, el artista visualiza la obra en su mente. Al imaginar cómo luciría su obra, el artista comienza el proceso de darle vida. La preparación de la obra puede implicar el abordaje e investigación del tema. La inspiración artística es uno de los principales impulsores del arte y puede considerarse que surge del instinto, las impresiones y los sentimientos. [99]
En el segundo paso, el artista ejecuta la creación de su obra. La creación de una pieza puede verse afectada por factores como el estado de ánimo , el entorno y el estado mental del artista . Por ejemplo, las Pinturas negras de Francisco de Goya , creadas en los años más avanzados de su vida, se consideran tan sombrías porque estaba aislado y por su experiencia con la guerra. Las pintó directamente en las paredes de su apartamento en España, y lo más probable es que nunca las discutiera con nadie. [100] Los Beatles afirmaron que drogas como el LSD y el cannabis influyeron en algunos de sus grandes éxitos, como Revolver . [101] [102] El ensayo y error se consideran una parte integral del proceso de creación. [99]
El último paso es la apreciación del arte , que tiene el subtema de la crítica. En un estudio, más de la mitad de los estudiantes de artes visuales estuvieron de acuerdo en que la reflexión es un paso esencial del proceso artístico. [99] Según las revistas educativas, la reflexión sobre el arte se considera una parte esencial de la experiencia. [103] [104] Sin embargo, un aspecto importante del arte es que otros también pueden verlo y apreciarlo. Si bien muchos se centran en si quienes ven/escuchan/etc. creen que el arte es bueno/exitoso o no, el arte tiene un valor profundo más allá de su éxito comercial como proveedor de información y salud en la sociedad. [105] El disfrute del arte puede generar un amplio espectro de emociones debido a la belleza . Algunas obras de arte están destinadas a ser prácticas, con su análisis estudioso, destinado a estimular el discurso. [106]
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Desde la antigüedad, gran parte de las mejores obras de arte han representado una exhibición deliberada de riqueza o poder, a menudo lograda mediante el uso de materiales costosos y a gran escala. Gran parte del arte ha sido encargado por gobernantes políticos o instituciones religiosas, y las versiones más modestas solo estaban disponibles para los más ricos de la sociedad. [107]
Sin embargo, ha habido muchos períodos en los que el arte de muy alta calidad estaba disponible, en términos de propiedad, en grandes partes de la sociedad, sobre todo en medios baratos como la cerámica, que persiste en el suelo, y medios perecederos como los textiles y la madera. En muchas culturas diferentes, la cerámica de los pueblos indígenas de las Américas se encuentra en una gama tan amplia de tumbas que claramente no estaba restringida a una élite social , [108] aunque otras formas de arte pueden haberlo estado. Los métodos de reproducción como los moldes facilitaron la producción en masa y se utilizaron para llevar la cerámica romana antigua de alta calidad y las figurillas griegas de Tanagra a un mercado muy amplio. Los sellos cilíndricos eran tanto artísticos como prácticos, y muy utilizados por lo que se puede llamar vagamente la clase media en el Antiguo Cercano Oriente . [109] Una vez que las monedas se usaron ampliamente, también se convirtieron en una forma de arte que llegó al rango más amplio de la sociedad. [110]
Otra innovación importante llegó en el siglo XV en Europa, cuando se empezó a hacer grabados con xilografías pequeñas , en su mayoría religiosas, que a menudo eran muy pequeñas y coloreadas a mano, y asequibles incluso para los campesinos que las pegaban en las paredes de sus casas. Los libros impresos eran al principio muy caros, pero su precio fue bajando de forma constante hasta que en el siglo XIX incluso los más pobres podían permitirse algunos con ilustraciones impresas. [111] Grabados populares de muchos tipos diferentes han decorado hogares y otros lugares durante siglos. [112]
En 1661, la ciudad de Basilea , en Suiza , inauguró el primer museo público de arte del mundo, el Kunstmuseum Basel . Hoy en día, su colección se distingue por un impresionante alcance histórico, desde principios del siglo XV hasta el presente inmediato. Sus diversas áreas de énfasis le otorgan un estatus internacional como uno de los museos más importantes de su tipo. Estas abarcan: pinturas y dibujos de artistas activos en la región del Alto Rin entre 1400 y 1600, y sobre el arte de los siglos XIX al XXI. [113]
Los edificios y monumentos públicos , seculares y religiosos, por su naturaleza normalmente se dirigen a toda la sociedad, y a los visitantes como espectadores, y la exhibición al público en general ha sido durante mucho tiempo un factor importante en su diseño. Los templos egipcios son típicos en el sentido de que la decoración más grande y lujosa se colocaba en las partes que podía ver el público en general, en lugar de las áreas que solo veían los sacerdotes. [114] Muchas áreas de los palacios reales, castillos y casas de la élite social a menudo eran accesibles para todos, y gran parte de las colecciones de arte de esas personas a menudo podían ser vistas, ya sea por cualquiera, o por aquellos que podían pagar un pequeño precio, o aquellos que vestían la ropa correcta, independientemente de quiénes fueran, como en el Palacio de Versalles , donde los accesorios adicionales apropiados (hebillas de plata para zapatos y una espada) se podían alquilar en las tiendas del exterior. [115]
Se hicieron arreglos especiales para permitir que el público viera muchas colecciones reales o privadas ubicadas en galerías, como la Colección Orleans, alojada principalmente en un ala del Palais Royal en París, que pudo visitarse durante la mayor parte del siglo XVIII. [116] En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante desde el Renacimiento en adelante, y los gobiernos y las ciudades hicieron esfuerzos para hacer accesibles sus obras clave. La Colección Real Británica sigue siendo distinta, pero se hicieron grandes donaciones como la Antigua Biblioteca Real al Museo Británico , establecido en 1753. Los Uffizi en Florencia abrieron completamente como galería en 1765, aunque esta función había estado tomando gradualmente el edificio de las oficinas originales de los funcionarios públicos durante mucho tiempo antes. [117] El edificio que ahora ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y galerías reales similares abiertas al público existían en Viena , Múnich y otras capitales. La apertura del Museo del Louvre durante la Revolución Francesa (en 1793) como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa ciertamente marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, transfiriendo la propiedad a un estado republicano, pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. [118]
La mayoría de los museos públicos modernos y los programas de educación artística para niños en las escuelas se remontan a este impulso de tener el arte disponible para todos. Sin embargo, los museos no solo brindan acceso al arte, sino que también influyen en la forma en que el público lo percibe, como se ha demostrado en los estudios. [119] Por lo tanto, el museo en sí no es solo un escenario opaco para la presentación del arte, sino que desempeña un papel activo y vital en la percepción general del arte en la sociedad moderna.
Los museos en Estados Unidos tienden a ser regalos de los muy ricos a las masas. ( El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston , un ejecutivo ferroviario cuya colección de arte personal sembró la semilla del museo.) Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo XXI sigue siendo la de un marcador de riqueza y estatus social. [120]
Los artistas han intentado crear arte que no pueda ser comprado por los ricos como un objeto de estatus. Uno de los principales motivadores originales de gran parte del arte de finales de los años 1960 y 1970 fue crear arte que no pudiera ser comprado ni vendido. Es "necesario presentar algo más que meros objetos" [121], dijo el importante artista alemán de posguerra Joseph Beuys . Este período de tiempo vio el surgimiento de cosas como el arte de performance, el videoarte y el arte conceptual . La idea era que si la obra de arte era una actuación que no dejaría nada atrás, o era una idea, no podía ser comprada ni vendida. "Los preceptos democráticos que giran en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de los años 1960 y se cosechó a lo largo de los años 1970. Los artistas ampliamente identificados bajo el título de arte conceptual... sustituyendo las actividades de performance y publicación por el compromiso con las preocupaciones tanto materiales como materialistas de la forma pintada o escultórica... [han] intentado socavar el objeto de arte en tanto objeto". [122]
En las décadas posteriores, estas ideas se han perdido un poco, ya que el mercado del arte ha aprendido a vender ediciones limitadas en DVD de obras de video, [123] invitaciones a piezas de arte de performance exclusivas y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas performances crean obras que solo entiende la élite que ha sido educada en cuanto a por qué una idea, un video o una pieza aparentemente basura puede considerarse arte. El indicador de estatus pasa a ser comprender la obra en lugar de poseerla necesariamente, y la obra de arte sigue siendo una actividad de clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación en DVD a principios de la década de 2000, los artistas y el sistema de galerías que obtiene sus ganancias de la venta de obras de arte obtuvieron un medio importante para controlar la venta de obras de arte en video y computadora en ediciones limitadas a los coleccionistas". [124]
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El arte ha sido durante mucho tiempo controvertido, es decir, detestado por algunos espectadores, por una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias premodernas están vagamente registradas o completamente perdidas para una visión moderna. La iconoclasia es la destrucción del arte que es detestado por una variedad de razones, incluidas las religiosas. El aniconismo es una aversión general a todas las imágenes figurativas, o a menudo solo a las religiosas, y ha sido un hilo conductor en muchas religiones importantes. Ha sido un factor crucial en la historia del arte islámico , donde las representaciones de Mahoma siguen siendo especialmente controvertidas. Gran parte del arte ha sido detestado simplemente porque representaba o representaba a gobernantes, partidos u otros grupos impopulares. Las convenciones artísticas a menudo han sido conservadoras y tomadas muy en serio por los críticos de arte , aunque a menudo mucho menos por un público más amplio. El contenido iconográfico del arte podía causar controversia, como con las representaciones de finales de la Edad Media del nuevo motivo del Desmayo de la Virgen en escenas de la Crucifixión de Jesús . El Juicio Final de Miguel Ángel fue controvertido por diversas razones, incluidas las violaciones del decoro a través de la desnudez y la pose de Cristo similar a la de Apolo . [125] [126]
El contenido de gran parte del arte formal a lo largo de la historia fue dictado por el mecenas o comitente más que solo por el artista, pero con la llegada del Romanticismo y los cambios económicos en la producción artística, la visión de los artistas se convirtió en el determinante habitual del contenido de su arte, aumentando la incidencia de las controversias, aunque a menudo reduciendo su importancia. Los fuertes incentivos para la originalidad percibida y la publicidad también alentaron a los artistas a cortejar la controversia. La balsa de la Medusa de Théodore Géricault ( c. 1820 ) fue en parte un comentario político sobre un evento reciente. El Déjeuner sur l'Herbe (1863) de Édouard Manet se consideró escandaloso no por la mujer desnuda, sino porque está sentada junto a hombres completamente vestidos con la ropa de la época, en lugar de con túnicas del mundo antiguo. [127] [128] Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884) de John Singer Sargent , provocó una controversia por el rosa rojizo utilizado para colorear el lóbulo de la oreja de la mujer, considerado demasiado sugerente y que supuestamente arruinaba la reputación de la modelo de alta sociedad. [129] [130] El abandono gradual del naturalismo y la representación de representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos XIX y XX condujeron a una controversia continua que duró más de un siglo.
En el siglo XX, el Guernica (1937) de Pablo Picasso utilizó llamativas técnicas cubistas y óleos monocromáticos para representar las desgarradoras consecuencias de un bombardeo contemporáneo de una pequeña y antigua ciudad vasca. El Interrogatorio III (1981) de Leon Golub muestra a una detenida desnuda y encapuchada atada a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeada de dos torturadores vestidos con ropa de diario. El Cristo en la orina (1989) de Andrés Serrano es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa el sacrificio y el sufrimiento final de Cristo , sumergido en un vaso de la propia orina del artista. El alboroto resultante dio lugar a comentarios en el Senado de los Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes. [131] [132]
Antes del modernismo, la estética en el arte occidental se preocupaba en gran medida por lograr el equilibrio adecuado entre los diferentes aspectos del realismo o la fidelidad a la naturaleza y el ideal ; las ideas sobre cuál es el equilibrio adecuado han ido cambiando a lo largo de los siglos. Esta preocupación está en gran medida ausente en otras tradiciones del arte. El teórico estético John Ruskin , que defendió lo que vio como el naturalismo de J. M. W. Turner , vio el papel del arte como la comunicación por medio del artificio de una verdad esencial que solo se puede encontrar en la naturaleza. [133]
La definición y evaluación del arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo XX. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: el realista , según el cual la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier punto de vista humano; el objetivista , según el cual también es un valor absoluto, pero depende de la experiencia humana general; y la posición relativista , según la cual no es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana de diferentes seres humanos y varía con ella. [134]
La llegada del modernismo a finales del siglo XIX supuso una ruptura radical en la concepción de la función del arte, [135] y luego, a finales del siglo XX, con la llegada del posmodernismo . El artículo de Clement Greenberg de 1960 "Modernist Painting" define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la disciplina misma". [136] Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y la utilizó como una forma de entender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):
El arte realista y naturalista había disimulado el medio, utilizando el arte para ocultar el arte; el modernismo utilizó el arte para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de la pintura (la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento) fueron tratadas por los viejos maestros como factores negativos que sólo podían reconocerse de manera implícita o indirecta. Bajo el modernismo, esas mismas limitaciones llegaron a considerarse factores positivos y se reconocieron abiertamente. [136]
Después de Greenberg, surgieron varios teóricos del arte importantes, como Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin y Griselda Pollock, entre otros. Aunque originalmente solo se pensó como una forma de entender a un grupo específico de artistas, la definición de arte moderno de Greenberg es importante para muchas de las ideas de arte dentro de los diversos movimientos artísticos del siglo XX y principios del siglo XXI. [137] [138]
Los artistas pop como Andy Warhol se hicieron notables e influyentes a través de su trabajo que incluía y posiblemente criticaba la cultura popular , así como el mundo del arte . Los artistas de las décadas de 1980, 1990 y 2000 expandieron esta técnica de autocrítica más allá del arte elevado a toda la creación de imágenes culturales, incluidas las imágenes de moda, los cómics, las vallas publicitarias y la pornografía. [139] [140]
Duchamp propuso una vez que el arte es cualquier actividad de cualquier tipo, todo. Sin embargo, la forma en que solo ciertas actividades se clasifican hoy como arte es una construcción social. [141] Hay evidencia de que puede haber un elemento de verdad en esto. En La invención del arte: una historia cultural , Larry Shiner examina la construcción del sistema moderno de las artes, es decir, las bellas artes. Encuentra evidencia de que el sistema de las artes más antiguo antes de nuestro sistema moderno (las bellas artes) consideraba que el arte era cualquier actividad humana especializada; por ejemplo, la sociedad griega antigua no poseía el término arte , sino techne . La techne no puede entenderse ni como arte ni como artesanía, la razón es que las distinciones de arte y artesanía son productos históricos que llegaron más tarde en la historia humana. La techne incluía la pintura, la escultura y la música, pero también la cocina, la medicina, la equitación , la geometría , la carpintería, la profecía y la agricultura, etc. [142]
Después de Duchamp, durante la primera mitad del siglo XX, se produjo un cambio significativo en la teoría estética general, que intentó aplicar la teoría estética entre diversas formas de arte, incluidas las artes literarias y las artes visuales, entre sí. Esto dio lugar al surgimiento de la escuela de la Nueva Crítica y al debate sobre la falacia intencional . Lo que estaba en juego era la cuestión de si las intenciones estéticas del artista al crear la obra de arte, cualquiera que fuera su forma específica, debían asociarse con la crítica y la evaluación del producto final de la obra de arte, o si la obra de arte debía evaluarse por sus propios méritos independientemente de las intenciones del artista. [143] [144]
En 1946, William K. Wimsatt y Monroe Beardsley publicaron un ensayo clásico y controvertido de la Nueva Crítica titulado " La falacia intencional ", en el que argumentaron firmemente contra la relevancia de la intención de un autor , o "significado pretendido" en el análisis de una obra literaria. Para Wimsatt y Beardsley, las palabras en la página eran todo lo que importaba; la importación de significados desde fuera del texto se consideraba irrelevante y potencialmente distractora. [145] [146]
En otro ensayo, " La falacia afectiva ", que sirvió como una especie de ensayo hermano de "La falacia intencional", Wimsatt y Beardsley también descartaron la reacción personal/emocional del lector a una obra literaria como un medio válido para analizar un texto. Esta falacia sería posteriormente repudiada por los teóricos de la escuela de la teoría literaria basada en la respuesta del lector . Irónicamente, uno de los principales teóricos de esta escuela, Stanley Fish , fue formado por los Nuevos Críticos. Fish critica a Wimsatt y Beardsley en su ensayo de 1970 "Literatura en el lector". [147] [148]
Como resumen Berys Gaut y Paisley Livingston en su ensayo "La creación del arte": "Los teóricos y críticos estructuralistas y postestructuralistas fueron muy críticos con muchos aspectos de la Nueva Crítica, empezando por el énfasis en la apreciación estética y la llamada autonomía del arte, pero reiteraron el ataque a la suposición de las críticas biográficas de que las actividades y la experiencia del artista eran un tema crítico privilegiado". [149] Estos autores sostienen que: "Los antiintencionalistas, como los formalistas, sostienen que las intenciones implicadas en la creación de arte son irrelevantes o periféricas para la correcta interpretación del arte. Por lo tanto, los detalles del acto de crear una obra, aunque posiblemente sean interesantes en sí mismos, no tienen relación con la correcta interpretación de la obra". [150]
Gaut y Livingston definen a los intencionalistas como distintos de los formalistas al afirmar que: “Los intencionalistas, a diferencia de los formalistas, sostienen que la referencia a las intenciones es esencial para determinar la interpretación correcta de las obras”. Citan a Richard Wollheim , quien afirma que “la tarea de la crítica es la reconstrucción del proceso creativo, donde el proceso creativo a su vez debe ser pensado como algo que no se detiene antes de la obra de arte en sí, sino que termina en ella”. [150]
A finales del siglo XX se produjo un amplio debate en la filosofía del arte, conocido como la controversia del giro lingüístico o el "debate del ojo inocente". En este debate se discutía que el encuentro con la obra de arte estaba determinado por el grado relativo en que el encuentro conceptual con la obra de arte domina sobre el encuentro perceptual con la obra de arte. [151]
Decisivas para el debate sobre el giro lingüístico en la historia del arte y las humanidades fueron las obras de otra tradición, a saber, el estructuralismo de Ferdinand de Saussure y el consiguiente movimiento del postestructuralismo . En 1981, el artista Mark Tansey creó una obra de arte titulada El ojo inocente como crítica del clima de desacuerdo prevaleciente en la filosofía del arte durante las últimas décadas del siglo XX. Entre los teóricos influyentes se incluyen Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault y Jacques Derrida . El poder del lenguaje, más específicamente de ciertos tropos retóricos, en la historia del arte y el discurso histórico fue explorado por Hayden White . El hecho de que el lenguaje no es un medio transparente de pensamiento había sido enfatizado por una forma muy diferente de filosofía del lenguaje que se originó en las obras de Johann Georg Hamann y Wilhelm von Humboldt . [152] Ernst Gombrich y Nelson Goodman , en su libro Los lenguajes del arte: una aproximación a una teoría de los símbolos, llegaron a sostener que el encuentro conceptual con la obra de arte predominaba exclusivamente sobre el encuentro perceptual y visual con la obra de arte durante los años 1960 y 1970. [153] Fue desafiado sobre la base de la investigación realizada por el psicólogo ganador del premio Nobel Roger Sperry, quien sostuvo que el encuentro visual humano no se limitaba a los conceptos representados solo en el lenguaje (el giro lingüístico) y que otras formas de representaciones psicológicas de la obra de arte eran igualmente defendibles y demostrables. La visión de Sperry finalmente prevaleció a fines del siglo XX con filósofos estéticos como Nick Zangwill defendiendo firmemente un regreso al formalismo estético moderado entre otras alternativas. [154]
Las disputas sobre si clasificar o no algo como obra de arte se conocen como disputas clasificatorias sobre el arte. Las disputas clasificatorias en el siglo XX han incluido pinturas cubistas e impresionistas , La fuente de Duchamp , las películas, las imitaciones superlativas de billetes de JSG Boggs , el arte conceptual y los videojuegos . [156] El filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición de arte rara vez es el núcleo del problema. Más bien, "las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos depositan en su vida social" son "una parte tan importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte". [157] Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre valores sociales y hacia dónde intenta ir la sociedad que sobre la teoría propiamente dicha. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó el trabajo de Hirst y Emin argumentando que "Durante 1.000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, las ovejas encurtidas y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros", no están proponiendo una definición o teoría sobre el arte, sino cuestionando el valor del trabajo de Hirst y Emin. [158] En 1998, Arthur Danto , sugirió un experimento mental que mostraba que "el estatus de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas que una cultura le aplica, más que de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. La interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es, por lo tanto, constitutiva de la condición artística de un objeto". [159] [160]
El antiarte es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores establecidos del arte; [161] es un término asociado con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial, [161] cuando estaba haciendo arte a partir de objetos encontrados . [161] Uno de estos, Fountain (1917), un urinario común, ha alcanzado considerable prominencia e influencia en el arte. [161] El antiarte es una característica del trabajo de la Internacional Situacionista , [162] el movimiento Mail art lo-fiy los Jóvenes Artistas Británicos , [161] aunque es una forma aún rechazada por los Stuckistas , [161] quienes se describen a sí mismos como anti-antiarte . [163] [164]
La arquitectura se incluye a menudo como una de las artes visuales; sin embargo, al igual que las artes decorativas o la publicidad, implica la creación de objetos en los que las consideraciones prácticas de uso son esenciales de una manera que normalmente no lo son en una pintura, por ejemplo. [165]
En relación con lo anterior, la palabra arte también se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones como "esa comida era una obra de arte" (el cocinero es un artista) o "el arte del engaño" (se elogia el alto nivel de habilidad alcanzado por el engañador). Es este uso de la palabra como medida de alta calidad y alto valor lo que le da al término su sabor de subjetividad. Hacer juicios de valor requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una forma de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios para ser considerado arte es si se percibe como atractivo o repulsivo. Aunque la percepción siempre está teñida por la experiencia y es necesariamente subjetiva, se entiende comúnmente que lo que no es de alguna manera estéticamente satisfactorio no puede ser arte. Sin embargo, el "buen" arte no siempre es estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores, ni siquiera regularmente. En otras palabras, la motivación principal de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo representa imágenes terribles creadas por razones sociales, morales o de reflexión. Por ejemplo, el cuadro de Francisco Goya que representa los fusilamientos españoles del 3 de mayo de 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento que ejecuta a varios civiles suplicantes. Sin embargo, al mismo tiempo, las imágenes horrorosas demuestran la gran capacidad artística de Goya en la composición y la ejecución y producen una indignación social y política adecuada. Por lo tanto, el debate continúa en cuanto a qué modo de satisfacción estética, si es que hay alguno, se requiere para definir el "arte". [166] [167]
La adopción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no necesariamente se dan simultáneamente con un abandono total de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, a menudo ocurre lo contrario: la revisión de lo que popularmente se concibe como estéticamente atractivo permite una revitalización de la sensibilidad estética y una nueva apreciación de los estándares del arte en sí. Innumerables escuelas han propuesto sus propias formas de definir la calidad, pero todas parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez que se aceptan sus opciones estéticas, el valor de la obra de arte está determinado por su capacidad de trascender los límites del medio elegido para tocar una fibra universal por la rareza de la habilidad del artista o en su reflejo preciso de lo que se denomina el espíritu de la época . El arte a menudo tiene como objetivo apelar a la emoción humana y conectar con ella. Puede despertar sentimientos estéticos o morales , y puede entenderse como una forma de comunicar esos sentimientos. Los artistas expresan algo para que su público se despierte hasta cierto punto, pero no tienen que hacerlo conscientemente. El arte puede considerarse una exploración de la condición humana ; es decir, de lo que significa ser humano. [168]
Por extensión, Emily L. Spratt ha sostenido que el desarrollo de la inteligencia artificial generativa , especialmente en relación con el arte de la inteligencia artificial y sus usos con imágenes, requiere una reevaluación de la teoría estética en la historia del arte actual y una reconsideración de los límites de la creatividad humana. [169] [170] La música y la inteligencia artificial han tomado un camino similar.
Una cuestión jurídica esencial son las falsificaciones de obras de arte , los plagios , las réplicas y las obras que se basan fuertemente en otras obras de arte.
La legislación sobre propiedad intelectual desempeña un papel importante en el mundo del arte. Los derechos de autor protegen a los artistas por sus obras originales, otorgándoles derechos exclusivos para reproducir, distribuir y exhibir sus creaciones. Esta salvaguarda permite a los artistas regular el uso de sus obras y protegerse contra la copia no autorizada o la infracción. [171]
El comercio de obras de arte o su exportación desde un país puede estar sujeto a regulaciones legales. A nivel internacional también se realizan amplios esfuerzos para proteger las obras de arte creadas. La ONU , la UNESCO y Blue Shield International intentan garantizar una protección eficaz a nivel nacional e intervenir directamente en caso de conflictos armados o catástrofes. Esto puede afectar especialmente a museos, archivos, colecciones de arte y yacimientos de excavaciones. Esto también debería asegurar la base económica de un país, sobre todo porque las obras de arte suelen tener importancia turística. El presidente fundador de Blue Shield International, Karl von Habsburg , explicó una conexión adicional entre la destrucción de bienes culturales y la causa de la huida durante una misión en Líbano en abril de 2019: "Los bienes culturales forman parte de la identidad de las personas que viven en un determinado lugar. Si se destruye su cultura, también se destruye su identidad. Muchas personas se ven desarraigadas, a menudo ya no tienen perspectivas y, como resultado, huyen de su patria". [172] [173] [174] [175] [176] [177] Con el fin de preservar la diversidad de la identidad cultural , la UNESCO protege el tesoro humano vivo a través de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial .
Las imágenes no occidentales no están bien descritas en términos de arte, y tampoco lo están las pinturas medievales que se realizaron en ausencia de ideas humanistas de valor artístico.
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