Los padres terribles es una adaptación cinematográfica de 1948 dirigida por Jean Cocteau de su propia obra de teatro Los padres terribles . Cocteau utilizó el mismo elenco que había aparecido en una exitosa reposición teatral de la obra en París en 1946. La película a veces se conoce con el título en inglés The Storm Within .
La obra teatral de Cocteau Les Parents terribles se representó por primera vez en París en 1938, pero su presentación sufrió varias interrupciones, primero por la censura y luego por el estallido de la guerra. En 1946 se reestrenó en una producción que reunió a varios de los actores para los que Cocteau había concebido originalmente sus papeles, en particular Yvonne de Bray, Gabrielle Dorziat y Jean Marais. Cocteau dijo que quería filmar su obra por tres razones: "Primero, para grabar las actuaciones de actores incomparables; segundo, para mezclarme con ellos y mirarlos directamente a la cara en lugar de verlos a distancia en el escenario. Quería poner mi ojo en el ojo de la cerradura y sorprenderlos con una lente telescópica". [2]
En un apartamento destartalado, una pareja de mediana edad, Yvonne y Georges, viven con su hijo Michel, de 22 años, y con Léonie (tante Léo), la hermana solterona de Yvonne, que también ha estado enamorada de Georges. Yvonne es una semiinválida solitaria, dependiente de su tratamiento de insulina e intensamente posesiva con su hijo (que le devuelve su afecto desmesurado y la llama "Sophie"); Georges se dedica distraídamente a sus excéntricas invenciones; Léo se encarga de mantener el orden en la vida de ambos y en su apartamento, que describe como una "caravana gitana" ("la roulotte"). Cuando Michel anuncia que está enamorado de una muchacha, Madeleine, a la que desea presentarles, sus padres se muestran inmediatamente hostiles y tratan de prohibir la relación, lo que lleva a Michel a la desesperación. Georges se da cuenta de que Madeleine es la misma mujer que ha sido su amante en los últimos meses y le confiesa todo a Léo, quien diseña un plan para liberar a padre e hijo obligando a Madeleine a entregarse en silencio a ambos.
La familia visita a Madeleine en su apartamento, donde quedan impresionados por su modestia y disciplina. La alegría inicial de Michel ante esta aparente reconciliación se convierte en desesperación cuando Madeleine es chantajeada para que lo rechace mediante amenazas secretas de Georges. Yvonne consuela a su hijo con satisfacción mientras regresan a casa. Léo, sin embargo, está consternado por la crueldad y el egoísmo de lo que se ha hecho y decide apoyar a Madeleine.
Al día siguiente, Léo convence a Georges y luego a Yvonne, más reticente, de que la única manera de rescatar al desconsolado Michel es permitirle casarse con Madeleine. Michel y Madeleine se reencuentran felizmente, pero Yvonne pasa desapercibida, se escapa y se envenena. Cuando los demás se dan cuenta de lo que ha hecho, es demasiado tarde para salvarla. Se instaura un nuevo orden en la "roulotte".
Cocteau decidió que su película sería estrictamente fiel al guión de la obra y que no la abriría más allá de los escenarios prescritos (como había hecho en su adaptación anterior, L'Aigle à deux têtes ). No escribió diálogos adicionales para la película, pero podó sustancialmente el texto escénico, haciendo que el drama fuera más concentrado. [3] Sin embargo, reinventó la puesta en escena de la obra para la cámara, empleando primeros planos de sus actores encuadrados con audacia y aprovechó al máximo una cámara móvil para recorrer las habitaciones del apartamento, enfatizando la atmósfera claustrofóbica del entorno. [4] La traducción del teatro a la pantalla fue un desafío que Cocteau disfrutó: escribió: "Lo emocionante del cine es que no hay sintaxis. Tienes que inventarla a medida que surgen los problemas. ¡Qué libertad para el artista y qué resultados se pueden obtener!". [5]
Otra contribución significativa a la atmósfera de la película fue la dirección artística de Christian Bérard , que llenó los espacios del apartamento con objetos y decoración (muebles pesados e incómodos, pilas de baratijas y adornos, cuadros torcidos en las paredes, camas sin hacer y polvo) que describían la forma en que vivían los personajes. [3]
Cocteau refutó, sin embargo, la sugerencia de algunos críticos de que se trataba de una película realista, señalando que nunca había conocido a una familia como la retratada e insistiendo en que era "una pintura del tipo más imaginativo". [6]
El rodaje tuvo lugar entre el 28 de abril y el 3 de julio de 1948 en el Studio Francœur. El asistente de dirección de Cocteau fue Raymond Leboursier , a quien se unió Claude Pinoteau (no acreditado).
En el momento de rodar el último plano (donde se ve el apartamento alejándose en la distancia), unos rieles poco seguros para la cámara produjeron una imagen borrosa en la película. En lugar de volver a rodar la escena, Cocteau aprovechó el problema añadiendo el sonido de las ruedas de un carruaje a la banda sonora junto con unas palabras (pronunciadas por él mismo) para sugerir un efecto deliberado: [7] "Y la caravana siguió su camino. Los gitanos no se detienen" ("Et la roulotte continuait sa route. Les romanichels ne s'arrêtent pas").
Cuando la película se estrenó en Francia en diciembre de 1948, la recepción crítica fue abrumadoramente favorable y Cocteau fue felicitado repetidamente por haber producido una pieza cinematográfica original a partir de una obra de teatro: por ejemplo, "Es lo que uno puede llamar con razón cine puro... La correspondencia entre imagen y texto nunca ha sido tan completa, tan convincente". [8]
André Bazin escribió una detallada crítica de la película en la que retoma la idea del "cine puro" e intenta analizar cómo Cocteau había logrado crearlo a partir del material más anticinematográfico imaginable. Bazin destaca tres características que ayudan a esta transición. En primer lugar, la confianza y la armonía de los actores, que ya han interpretado sus papeles juntos muchas veces en el escenario y son capaces de habitar sus personajes como si fuera una segunda naturaleza, les permite mantener una intensidad de interpretación a pesar de la fragmentación del proceso de realización cinematográfica. En segundo lugar, Cocteau muestra una libertad inusual en la elección de posiciones y movimientos de cámara, recurriendo rara vez a los medios convencionales de filmar diálogos con planos en contrapicado e introduciendo primeros planos y planos generales con una seguridad de toque que nunca interrumpe el movimiento de la escena; el espectador siempre se coloca en la posición de testigo de la acción (como en el teatro), en lugar de participante, e incluso de voyeur, dada la intimidad de la mirada de la cámara. En tercer lugar, Bazin destaca la sutileza psicológica con la que Cocteau elige las posiciones de la cámara para que coincidan con las respuestas de su «espectador ideal». Cita un ejemplo de la toma en la que Michel le cuenta a Yvonne sobre la chica que ama, con su rostro colocado sobre el de ella y ambos de cara al público, tal como lo habían hecho en el teatro; pero en la película Cocteau utiliza un primer plano que muestra sólo los ojos de Yvonne debajo y la boca de Michel que habla arriba, concentrando la imagen para lograr el mayor impacto emocional. En todos estos aspectos, la teatralidad de la obra se conserva pero se intensifica a través del medio cinematográfico. [9]
Cocteau llegó a considerar a Los padres terribles como su mejor película, al menos desde un punto de vista técnico. [10] Esta opinión ha sido respaldada con frecuencia por críticos e historiadores del cine posteriores. [11] [12]