Knoxville: Summer of 1915 , Op. 24, es una obra de 1947 para voz y orquesta de Samuel Barber , con texto de una pieza breve en prosa de 1938 de James Agee . La obra fue encargada por la soprano Eleanor Steber , quien la estrenó en 1948 con la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la dirección de Serge Koussevitzky . Aunque la pieza es tradicionalmente cantada por una soprano , también puede ser cantada por un tenor . El texto está en el personaje de un niño varón.
Knoxville: Summer of 1915 de Samuel Barber es una obra exuberante y de rica textura. Poniendo música a extractos de "Knoxville: Summer of 1915", un poema en prosa de 1938 de James Agee que luego se convirtió en un preámbulo de su libro publicado póstumamente y ganador del premio Pulitzer , A Death in the Family (1957), Barber pinta un retrato idílico y nostálgico de Knoxville, Tennessee , la ciudad natal de Agee . El preámbulo es una descripción simple y onírica de una tarde en el sur de Estados Unidos , narrada por un niño que, a veces, parece transformarse en un adulto. A veces es difícil determinar la identidad del hablante, lo que realza la calidad onírica de la obra.
Knoxville está compuesta en un solo movimiento y el compositor la describió como una "rapsodia lírica". [1] Se ajusta en líneas generales al patrón "ABA" sugerido por el texto y tiene una forma similar a la de un rondó , [2] con "varias secciones interconectadas, unidas entre sí por un estribillo recurrente". [3] La elección de Barber de componer en una forma relativamente libre y a gran escala es paralela a la propia elección de Agee al desarrollar su obra; ambas representan los frutos de una improvisación espontánea, alimentada por una nostalgia conmovedora:
Me interesaba mucho la escritura improvisada, en contraposición a la escritura cuidadosamente compuesta, de múltiples borradores: es decir, con una especie de paralelismo con la improvisación en el jazz, con un cierto tipo de letra "genuina" que pensé que debería ser puramente improvisada... Me llevó posiblemente una hora y media; en la revisión, me mantuve aproximadamente un 98 por ciento fiel a mi regla, para estos experimentos "improvisados", contra cualquier revisión.
— James Agee, "Notas del programa de la Orquesta Sinfónica de Boston" [4]
1915 fue un año importante para James Agee. Tenía seis años. Fue el último año en que su familia estuvo intacta; su padre murió en un accidente automovilístico en 1916 y los miembros restantes de la familia abandonaron Knoxville para nunca regresar. Según Agee, fue el punto en torno al cual su vida comenzó a evolucionar. [5] [ página requerida ] Después de que Barber y Agee se conocieran, Barber notó que los dos tenían mucho en común. [6]
Hablamos ahora de las tardes de verano en Knoxville, Tennessee, en la época en que viví allí disfrazado con tanto éxito de niño. Era un bloque un poco mixto, de clase media baja bastante sólida, con uno o dos salientes a cada lado. Las casas coincidían: casas de madera de tamaño mediano, elegantemente caladas, construidas a finales de los años noventa y principios de los siglos XX, con pequeños patios delanteros y laterales y traseros más espaciosos, y árboles en los patios. [7]
Barber eligió sólo fragmentos de "Knoxville" para su composición, pero su Knoxville, verano de 1915 , en muchos sentidos, es paralela al texto de Agee. Agee se sintió afectado por la muerte de su padre en su infancia, mientras que Barber, durante el tiempo de la composición, soportaba el deterioro de la salud de su padre. Los dos hombres tenían una edad similar. Sin embargo, lo más importante es que los dos hombres estaban tan atraídos por la nostalgia y la inspiración que (supuestamente) escribieron sus piezas rápidamente y sin mucha revisión. [6]
En una entrevista radial de 1949, Barber dijo: “Mi respuesta musical ese verano de 1947 fue inmediata e intensa. Creo que debí haber compuesto Knoxville en unos pocos días... Verás, expresa los sentimientos de soledad, asombro y falta de identidad de un niño en ese mundo marginal entre el crepúsculo y el sueño”. [3]
El texto de Knoxville, verano de 1915 no cuenta una historia. Es una evocación poética de la vida vista desde la perspectiva de un niño pequeño. Está lleno de aliteraciones ("gente en parejas", "padres en los porches", "dormir, sonriendo suavemente", "bajo en la extensión del césped"). La cuestión es que no está sucediendo nada; los adultos se sientan en el porche y hablan "de nada en particular, de nada en absoluto". Sus voces son "suaves y sin sentido, como las voces de los pájaros dormidos". Pasan un caballo y un carruaje, un auto ruidoso, un auto silencioso, un tranvía ruidoso. Los miembros de la familia yacen sobre colchas, en el patio (como no era inusual en una noche calurosa de verano, antes del aire acondicionado ). "Las estrellas son anchas y vivas, cada una parece una sonrisa de gran dulzura, y parecen muy cercanas". Los miembros de la familia son descritos como lo haría un niño, citando a un adulto: "Uno es artista y vive en casa. El otro es músico y vive en casa". Las personas clave son sus padres, su padre y su madre, que son "buenos conmigo". El niño es "una persona familiar y muy querida en ese hogar". El texto presagia una tragedia que está por venir: "Que Dios bendiga a mi pueblo, a mi tío, a mi tía, a mi madre, a mi buen padre, oh, acuérdate de ellos con bondad en su tiempo de angustia; y en la hora de su arrebatamiento".
El muchacho incluye un comentario filosófico: “Por alguna casualidad, aquí están todos, en esta tierra; y ¿quién podrá jamás contar el dolor de estar en esta tierra, acostados, sobre colchas, sobre la hierba, en una tarde de verano, entre los sonidos de la noche?”. “Lo llevan a la casa y lo llevan a la cama”, y lo recibe el sueño. Sin embargo, lo único que nunca podrá aprender en esa casa, que nadie jamás le dirá, es “quién soy”. Con esta sensación de carencia, termina la pieza.
El comienzo de la pieza, que describe una cálida tarde de verano, es particularmente lírico en comparación con los pasajes anteriores de Agee en la misma obra. Barber capitaliza el lirismo de esta sección mediante su uso de la pintura de palabras : "Hablando casualmente" en los compases 23 y 24, "gemidos crecientes" en los compases 65 y 66, "la débil campana punzante se eleva de nuevo..." en el compás 79.
La introducción concluye y el ensueño se interrumpe abruptamente; nos vemos arrojados a un allegro agitato , donde Barber lleva un motivo simple parecido a un instrumento de viento en los instrumentos de viento y las trompas. Los versos staccato y pizzicato se suman al caos. Al igual que la introducción, las imágenes son vívidas pero intangibles; este pasaje tiene toda la claridad de un sueño, pero no tenemos claro qué significa. La soprano aclara nuevamente las imágenes: "un tranvía que eleva su gemido de hierro; se detiene, hace sonar la campana y se pone en marcha; estertoroso; despierta y eleva nuevamente su gemido de hierro cada vez mayor". La textura ruidosa y metálica persiste, interrumpida por una excursión notablemente punzante, "como un pequeño espíritu maligno dispuesto a seguir sus huellas". Al describir la chispa sobre el tranvía como un espíritu que lo sigue de cerca, Barber usa instrumentos de viento staccato y cuerdas pizzicato en un cromatismo ambulante para ilustrar esta imagen.
Después de que el tranvía se desvanece, la soprano comienza un pasaje lírico "ahora es la noche un rocío azul". Aquí la soprano alcanza la nota más alta de toda la obra, un piano cantado en si bemol . Después de esto, volvemos a una interpretación aproximada del primer tema; esta vez el arpa lleva sola el tema "mecedor". Este breve regreso a la familiaridad pasa suavemente a un pasaje donde el narrador ha pasado de describir la víspera del verano a contemplar cosas más grandiosas: "En la hierba áspera y húmeda del patio trasero, mi padre y mi madre han extendido colchas"... Como era común antes del aire acondicionado, la gente pasaba las tardes fuera de sus casas. Aquí los adultos y el narrador están acostados sobre colchas, hablando escasamente y distraídamente. En un silencio relativo, el narrador, todavía un niño, contempla la inmensidad de las estrellas y "mi gente", sentado tranquilamente con "cuerpos más grandes que el mío". Temáticamente, la orquesta se acerca más a la sección introductoria antes del balanceo, que consiste en un intercambio repetitivo entre el fagot y los otros instrumentos de viento.
La sección termina de manera particularmente conmovedora, con el narrador haciendo un recuento de las personas presentes y terminando con "Uno es mi padre, que es bueno conmigo". La orquesta entra en una sección agitada, caracterizada musicalmente por saltos de novena y segunda. Vemos aquí que el texto ha tocado la fibra sensible de Barber, cuyo padre estaba gravemente enfermo en ese momento, y traza un paralelo entre el padre de Agee (su texto es "estrictamente autobiográfico") en 1915 y el padre de Samuel Barber en el momento de escribirlo en 1947.
El recuerdo infantil de la tarde de verano ahora se torna abruptamente serio, "quién podrá contar jamás el dolor de estar en esta tierra", y vuelve a tocar el si bemol agudo. El narrador pide entonces la bendición de las personas antes mencionadas y pasa a una última reentrada del tema original, mientras el narrador habla de que lo van a acostar. La pieza termina con los instrumentos elevándose tranquilamente, casi flotando, reforzando los aspectos oníricos de la pieza.
El estreno de Knoxville: Summer of 1915 se llevó a cabo el 9 de abril de 1948 a cargo de Eleanor Steber y la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Serge Koussevitzky . La interpretación recibió críticas mixtas. [8]
Barber no estuvo presente en el estreno (estaba comprometido a trabajar en la Academia Americana en Roma en ese momento, y la función no pudo reprogramarse). Koussevitzy le envió un telegrama señalando que la función fue "un éxito rotundo y causó una profunda impresión en todos". [9] Si bien Koussevitzky nunca volvió a interpretar la obra, ha seguido siendo popular a lo largo de los años. [ cita requerida ]
Aunque la parte vocal suele ser interpretada por una soprano, a veces también la interpreta un tenor. Una de esas interpretaciones de la obra con un tenor solista tuvo lugar en 2004 en el Festival Lanaudière con Anthony Dean Griffey y la Orquesta Sinfónica de Montreal , dirigida por JoAnn Falletta . [10]
Notas al pie