Stephen Knapp (15 de octubre de 1947 - 24 de noviembre de 2017) [1] fue un artista estadounidense mejor conocido por su uso del medio de la pintura con luz . Originario de Worcester, Massachusetts , se ganó una reputación internacional por sus obras de arte a gran escala conservadas en museos y colecciones públicas, corporativas y privadas, que se ejecutan en medios tan diversos como la luz, el vidrio, el metal, la piedra, formados en hornos. mosaico y cerámica.
Knapp escribió y dio conferencias sobre vidrio artístico arquitectónico, el proceso colaborativo y la integración del arte y la arquitectura. Su trabajo ha aparecido en muchas publicaciones, incluidas Art and Antiques , Architectural Record , ARTnews , Ceramics Monthly, The Chicago Sun Times , Honoho Geijutsu, Identity, Interior Design, Interiors, The New York Times , Nikkei Architecture, Progressive Architecture, Sculpture (revista) y 90+10 .
Stephen Knapp se graduó en la Academia de Worcester en 1965 y recibió su licenciatura en el Hamilton College en 1969. Durante casi una década después de graduarse de la universidad, trabajó como fotógrafo de bellas artes, vendiendo su trabajo a coleccionistas corporativos y privados en los Estados Unidos y en el extranjero. [2] Durante esta etapa inicial de su carrera, Knapp trabajó en estrecha colaboración con Polaroid Corporation en su cámara 20x24, creando fotografías instantáneas a gran escala.
Sin embargo, muy pronto la fotografía pareció insuficiente. Knapp empezó a examinar más de cerca los materiales permanentes. Varios tipos de cerámica, mosaicos, metales, piedras y vidrio llenaron su estudio mientras desarrollaba las innovaciones por las que es conocido hoy en día: combinando medios y técnicas de procesamiento y trabajando con artesanos, fabricantes y fabricantes de todo el mundo a una escala cada vez mayor. .
La investigación llevó a Knapp a Japón en 1985, donde creó algunos de los murales de cerámica vidriada más grandes del mundo. Había llegado a una fábrica en Japón que hacía enormes murales de fotocerámica, una técnica utilizada por Robert Rauschenberg a principios de los años 1980. Aunque la técnica de las calcomanías fotográficas parecía hecha a su medida, quedó fascinado con un esmalte de vidrio grueso (un esmalte craquelado) que se había desarrollado para la arquitectura. Cambiar las superficies para reflejar la luz se convertiría en una gran influencia en trabajos posteriores.
Al año siguiente, utilizó técnicas de transferencia de fotografías para definir las imágenes que se grabarían y anodizarían en aluminio, creando uno de los murales de metal grabado más grandes del mundo: una pieza de 14 x 72 pies para el Complejo de Justicia del Condado de Hamilton en Cincinnati.
Ahora se estaba formando un patrón: Knapp utilizó la investigación de un proyecto para mejorar el siguiente. Cuando llegó el momento de crear dos grandes murales grabados en acero inoxidable para el Centro Douglas de McDonnell Douglas en California, desarrolló una nueva técnica de mezclar pinturas para cambiar el aspecto de la superficie dependiendo del ángulo de luz. La fuerza cinética de estos murales dio una energía palpable a la obra. Una mirada más cercana a los murales revela su interés en crear ilusiones de espacio, que luego exploraría en sus pinturas de luz.
Durante la década de 1990, su creciente fascinación por la luz llevó a Knapp al vidrio moldeado en horno: el calentamiento del vidrio para que adquiera la forma que se encuentra debajo, lo que a lo largo de la década dio lugar a grandes instalaciones en todo Estados Unidos. Reconocido experto en su campo, frecuentemente escribía y daba conferencias sobre vidrio artístico arquitectónico, el proceso colaborativo y la integración del arte y la arquitectura. En 1998 escribió El arte del vidrio para Rockport Publishers.
También durante la década de 1990 comenzó a dedicar más tiempo al trabajo personal, creando esculturas y muebles de vidrio y acero formados en horno y piezas colgantes de vidrio dicroico y acero inoxidable.
En 2002, después de casi una década de desarrollo, Knapp presentó sus pinturas con luz. [3] Ya no se suspenden estructuras de vidrio y acero, en estas nuevas obras el vidrio se fija a las paredes con una única luminaria que ilumina toda la pieza. La luz que atravesaba las distintas piezas de vidrio ya no era un efecto en el espacio, como lo era en las pinturas de luz escultóricas, sino que ahora se recogía y se dispersaba simultáneamente en la pared.
En una serie de exposiciones individuales en 2004 y 2005, Knapp experimentó con nuevos recubrimientos y técnicas de laminación que lo llevaron más allá de la dicroica y aumentaron la gama de su paleta y le dieron un mayor control al pintar con luz.
En 2005, recibió su primer encargo de museo del Flint Institute of Arts , Flint, Michigan. Temporal Meditations, una instalación de 9 x 30 pies, se convirtió en la primera pintura luminosa de una colección de museo.
En 2006, la primera pintura luminosa exterior importante de Knapp, Luminous Affirmations, una instalación exterior permanente de 60 x 100 pies, se instaló en la cara norte del Ayuntamiento de Tampa, Florida, como parte de su programa "Lights on Tampa". A lo largo de 2006 siguieron encargos a gran escala, incluyendo sus Siete Musas, un encargo de 35 x 95 pies para el Centro Charles W. Eisemann , en Richardson, Texas, y la Primera Sinfonía, para el Sursa Performance Hall de la Universidad Ball State , Muncie. Indiana.
A principios de 2007, "Stephen Knapp: Lightpaintings" se inauguró en el Museo Alden B. Dow en Midland, Michigan, antes de viajar al Butler Institute of American Art , en Youngstown, Ohio, seguido en 2008 por el Dennos Museum Center , en Traverse City. , Michigan, [4] y el Museo de Arte de Dakota del Sur, y en 2009, por el Dahl Arts Center en Rapid City, Dakota del Sur. La exposición situó firmemente las pinturas luminosas en la intersección entre pintura y escultura. En 2009 se realizaron instalaciones encargadas y una exposición individual de pintura con luz en el Museo de Arte Chrysler , Norfolk, Virginia.
A lo largo de la carrera de Knapp ha habido constantes: una investigación continua sobre materiales; un compromiso con las técnicas y procesos involucrados en la ampliación de su diseño; una exploración de los precedentes históricos, culturales y técnicos que formaron la base de sus piezas personales y por encargo; y, sobre todo, luz.