Karen LaMonte (nacida el 14 de diciembre de 1967) es una artista estadounidense conocida por sus esculturas de tamaño natural en cerámica, bronce, mármol y vidrio fundido .
LaMonte nació y creció en Manhattan, Nueva York. En 1990, después de graduarse de la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) con una licenciatura en Bellas Artes con honores, LaMonte recibió una beca en el Creative Glass Center of America, en Millville , Nueva Jersey. Después de eso, se mudó a Brooklyn, Nueva York, y trabajó en UrbanGlass , un estudio de vidrio de acceso público sin fines de lucro. Durante este período, se dedicó a las obras de arte en vidrio soplado y fundido, piezas que se exhibieron en galerías de bellas artes.
En 1999, LaMonte ganó una beca Fulbright para estudiar en la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga , donde, en 2000, creó su primera obra importante, Vestige . Pronto ganó elogios de la crítica; entre los galardones que recibió se encuentran el Premio Bienal de la Fundación Louis Comfort Tiffany en 2001 y el Premio UrbanGlass para Nuevos Talentos en Vidrio en 2002. En 2006, la Comisión de Amistad Japón-Estados Unidos le otorgó una beca de siete meses para estudiar en Kioto, Japón; este viaje inspiró su serie de obras Floating World . [1]
En 2009, LaMonte inició una colaboración con el Kholer Artist Center en el Museo del Vidrio de Corning , donde fue nombrada para el Programa de Artistas Residentes Conjuntos del museo. En 2017, el Museo de Corning y Corning Inc. la designaron Artista Residente de Vidrio Especializado en el laboratorio de investigación científica de Corning. Varias de sus obras forman parte de la colección permanente del Museo de Corning. [2] [3]
En 2015, LaMonte recibió el premio Masters of the Medium de la James Renwick Alliance. [4] Sus obras se han exhibido en museos como el Museo Checo de Bellas Artes en Praga , el Museo de Arte Chrysler en Norfolk, Virginia, y el Museo del Vidrio en Tacoma, Washington. Sus obras también están incluidas en las colecciones permanentes del Museo Smithsonian de Arte Americano, Galería Renwick, Washington DC , los Museos de Bellas Artes de San Francisco, el Museo Memorial MH de Young , el Musée des Arts décoratifs , París, Francia, y la Galería Nacional de Australia , Canberra.
LaMonte vive y trabaja en Praga, República Checa, con Steve Polaner, su marido y director de estudio.
Durante su año Fulbright , LaMonte comenzó a trabajar en un estudio de fundición de vidrio en Pelechov, donde también trabajaban el artista del vidrio Stanislav Libenský y Jaroslava Brychtová . En este estudio, desarrolló Vestige , una escultura de vidrio fundido a tamaño natural de un vestido sin la persona que lo viste; la obra tardó un año en completarse y requirió el desarrollo de tecnologías especiales, incluida la técnica de cera perdida . [5] Vestige sería considerada más tarde como una obra de arte seminal e influyente en el campo del arte contemporáneo y el vidrio. [6] [7]
El arte de LaMonte aborda temas de belleza y pérdida; sus obras utilizan una lente sartorial para explorar la fragilidad de la condición humana.
La obra escultórica de LaMonte ha recibido elogios de la crítica de arte como Arthur Danto . En su ensayo de 2005 "La poesía del significado y la pérdida: los vestidos de cristal de Karen LaMonte", Danto escribió sobre Vestige : [8]
El vestido pertenecía a un momento en el que la que lo llevaba estaba, por utilizar una expresión de Proust, en fleur . El vestido pertenecía a un momento determinado de la historia, que preserva: muestra cómo se vestían las mujeres para ciertas ocasiones en un momento determinado. La que lo llevaba habrá envejecido. Se veía así entonces, pero, si todavía está viva, es seguro que no se verá así ahora. Hay una doble melancolía: la melancolía de la moda y la melancolía del cambio corporal, de la nubilidad a la decrepitud. Los senos han caído, la cintura se ha engrosado, la piel ha perdido su transparencia y luminiscencia. La intensidad de los vestidos de LaMonte es producto de dos modos de cambio en los que participamos como seres humanos, compuestos, como estamos, de carne y significado. Su poesía es la poesía de la belleza y la pérdida.
Durante su estancia en Japón en 2006, LaMonte exploró cómo la ropa sirve como lenguaje social. Su investigación en Japón se centró en la construcción y el significado del kimono tradicional , cientos de los cuales trajo a su estudio de Praga. Luego, LaMonte utilizó datos biométricos de mujeres japonesas para construir formas de kimono en vidrio, bronce, hierro oxidado y cerámica. Al igual que sus obras anteriores, estas esculturas de kimono de tamaño real representan solo prendas y no a sus portadores. LaMonte tituló esta serie de esculturas Floating World , un nombre inspirado tanto en los grabados en madera Ukiyo- e como en los históricos barrios de placer con temática artística del Japón de la era Edo . [9]
LaMonte continuó su exploración de la forma femenina con Nocturnos , una serie de obras inspiradas en las pinturas de temática nocturna de James Abbot McNeill Whistler y en las composiciones musicales nocturnas de John Field y Frederic Chopin . LaMonte construyó estas esculturas a partir de vestidos de noche de su propio diseño, y luego los fundió en bronce blanco, hierro oxidado y vidrio azul. Al centrar su trabajo en la ropa y no en quien la viste, LaMonte dice: “Subvertí la tradición de la odalisca —el desnudo femenino recostado idealizado— quitándole el cuerpo”. [10] [1]
En 2013, LaMonte habló con el Museo de Arte Americano Crystal Bridges sobre su proceso creativo y técnicas de investigación:
La investigación es sin duda parte del atractivo, pero lo primero que viene es la conceptualización: la idea para las esculturas. Esa es una capa de investigación que me encanta. Y luego, por lo general, se necesitan meses y meses para que las ideas se unan y se aclare una visión. Luego, la segunda fase es la realización y eso suele implicar una serie de investigaciones y estudios de materiales. Definitivamente, si las ideas con las que estoy trabajando me llevan a un nuevo material, siempre me entusiasman los desafíos, porque me encanta aprender. Y creo que también es muy saludable acceder a tu mente creativa para resolver problemas técnicos. [11]
En 2017, LaMonte exhibió su escultura a gran escala Cumulus en la exposición Glasstress , en conjunto con la Bienal de Venecia de 2017. A diferencia de la mayoría de sus obras anteriores, que se centraban en la ausencia del cuerpo humano, Cumulus representa una nube cúmulo . Describió su inspiración a Caltech Magazine :
Lo que me impactó fue el fascinante y completamente inesperado peso de las nubes. Las vemos flotando en el aire. Pensamos en ellas como bolas de algodón esponjosas, como globos de helio. Pero cuando aprendes un poco más, te das cuenta de que en realidad son increíblemente pesadas. Pensé: ¿no sería increíble si pudiéramos conseguir una nube "real" y tallarla en mármol?
LaMonte trabajó con Tapio Schneider , un científico del clima del Instituto de Tecnología de California , para calcular y modelar las dimensiones necesarias para Cumulus . Utilizó robots para tallar un bloque de mármol de 15 toneladas y luego pasó cuatro semanas terminando a mano la escultura. Cumulus comparte un hilo conductor con el trabajo previo de LaMonte centrado en la indumentaria. "Mi nube es barroca en su fisicalidad", dijo a Caltech Magazine . "Parece pliegues de tela o carne dando tumbos por el espacio". [12]
La primera escultura de vestido de LaMonte, Vestige (2000), es una obra influyente de vidrio fundido. Habatat Galleries la describió como una “escultura de vidrio que cambió el curso de la historia del arte”. [13]
Vestigio representa un vestido de mujer de tamaño natural, en el que no aparece la persona que lo lleva. Esta escultura y las obras relacionadas de LaMonte han recibido elogios internacionales por su singularidad y belleza. Su Reclining Dress Impression with Drapery (Impresión de vestido reclinado con drapeado, 2009) forma parte de la colección permanente del Museo Smithsonian de Arte Americano y la Galería Renwick . [14] La colección permanente del Museo de Young en San Francisco contiene Dress 3 (Vestido 3, 2001).
La serie Mundo flotante de LaMonte evolucionó a partir de sus esculturas de vestidos; estas obras con influencia japonesa representan kimonos sin sus portadores. Las esculturas son de tamaño natural y están creadas en hierro, vidrio fundido, bronce y cerámica. Algunas obras de la serie también presentan elementos de kintsugi , una técnica que utiliza oro para reparar cerámica dañada o rota. [15]
LaMonte se inspiró para crear esta serie durante su beca de investigación en Kioto, otorgada por la Comisión de Amistad Japón-Estados Unidos. LaMonte escribe sobre su vida “en el distrito tradicional de confección de kimonos de Nishijin ”:
Incluso de noche, mi barrio bullía con los sonidos de la producción de kimonos. Estudié todos los aspectos de la artesanía, desde el tejido de telas hasta el dibujo de imágenes. Afortunadamente, muchas personas dedicadas a la preservación de los métodos tradicionales me tomaron bajo su protección... En todas las culturas, la vestimenta es un lenguaje no hablado; pero el kimono es quizás el más codificado. [16]
Las esculturas del Mundo Flotante de LaMonte están en la colección permanente de muchos museos, entre ellos: Maiko (2010) en el Museo de Bellas Artes de Boston ; Odoriko (2012, bronce), Kabuki (2012, cerámica) y Hanako (2012, vidrio fundido) en el Museo de Arte Chazen ; y Chado (2010, vidrio fundido) en el Museo de Arte de Knoxville .
Los estudios de LaMonte son más pequeños que las esculturas de vestidos de tamaño natural que le dieron un reconocimiento generalizado y están hechos de bronce blanco , hierro oxidado, vidrio fundido y otros materiales. Ella escribe:
Comencé a desarrollar mis modelos a escala de un tercio para formar un grupo independiente de esculturas que llamé Estudios , en referencia a mi inspiración en el campo de la música, de compositores como Frédéric Chopin . Los Estudios son mucho más que estudios para obras más grandes. Celebran el poder del optimismo humano y nuestra necesidad permanente de belleza. [17]
Las esculturas Estudios de LaMonte se exhiben en las colecciones permanentes del Museo Imagine.
LaMonte describe su serie Nocturnos como “un nuevo conjunto de obras inspiradas en la belleza de la noche… oscura, seductora y sublime. Carecen de formas femeninas, surgiendo de prendas penumbrales como figuraciones del anochecer. Se basan en la tradición del desnudo femenino y exploran la tensión entre el humanismo y el erotismo, lo físico y lo etéreo, el cuerpo y el espíritu. Las figuras son a la vez intensamente físicas –los músculos y la carne se tensan contra la tela ceñida– y, sin embargo, insustanciales: las figuras están ausentes, insinuadas solo por las formas que presionan contra la ropa”. [18]
Se ha escrito mucho sobre los Nocturnos , incluida una monografía publicada en 2019 con un ensayo del Dr. Steven Nash, quien escribió:
A pesar de estas asociaciones con el pasado, las esculturas de LaMonte son muy propias de nuestro tiempo. Se inscriben en el resurgimiento del arte figurativo tras el destierro de la figura humana por parte del minimalismo en favor de formas abstractas elementales, y ayudan a subrayar la importancia que ha tenido la escultura en ese desarrollo. Muchos escultores contemporáneos han adoptado el cuerpo humano como un vehículo importante para el estudio de diferentes aspectos de la condición humana, entre ellos Kiki Smith , Jaume Plensa , Thomas Schütte , Huma Bhabha , Juan Muñoz y Georg Baselitz . Las contribuciones de LaMonte en este ámbito implican tanto su tratamiento inventivo de los materiales y la forma como sus investigaciones sobre la identidad femenina y la autoexpresión, que, como hemos visto, nos impactan de manera sensual y abstracta. Cada escultura es una construcción individual de experiencia visual, háptica e intelectual, totalmente integrada. Como ha opinado la aclamada pintora británica Cecily Brown , "La pintura es muy buena para decir más de una cosa a la vez". Los Nocturnos de LaMonte afirman que la escultura también lo es. [19]
Las esculturas de la serie Nocturnos se encuentran en las colecciones permanentes del Museo Corning , el Museo de Arte de Knoxville , los Museos de la Universidad Estatal de Iowa y el Museo Imagine.
Además de su trabajo escultórico, LaMonte crea monotipos vívidos y gráficos en escala de grises que representan prendas de vestir. “Ciego al color pero hipersensible a la textura, el papel en el que se imprimen los monotipos reproduce una imagen casi de rayos X de la prenda”, escribió Richard Drury en la monografía Esculturas y sartoriotipos , “una visión a través de las capas de tela y a través del tejido del tiempo, hasta el momento en que las ondulaciones y arrugas que vemos en los estampados fueron creadas por los miembros activos de una experiencia humana única. Es una experiencia retratada de alguna manera fugaz, una aparición de una identidad reanimada”. [20]
Cumulus cloud|Cumulus (2017) es la primera obra importante de LaMonte en mármol italiano . Se sintió atraída por este medio porque quería "utilizar un material forjado por las fuerzas de la naturaleza para representar las fuerzas de la naturaleza". [15] La escultura mide ocho pies de alto y pesa dos toneladas y media; se modeló a partir de datos climatológicos del tiempo real y se talló con la ayuda de robots y una supercomputadora.
"Sólo mediante el uso de la tecnología pude hacer que lo diáfano fuera sólido y lo intangible permanente", dijo LaMonte a la revista Caltech . [12]
Cumulus se exhibió por primera vez en la Bienal de Venecia en Glasstress , Palazzo Franchetti, Venecia.
