Jennifer Bolande (nacida en 1957) es una artista posconceptual estadounidense. [1] [2] Su arte explora afinidades y cambios de significado entre conjuntos de objetos e imágenes en diferentes contextos y medios, incluyendo esculturas, fotografías, películas e instalaciones. [3] [4] [5] Surgió a principios de la década de 1980 con un trabajo que expandió ideas y estrategias arraigadas en el conceptualismo , el pop , el arte povera y la llamada Generación de las Imágenes . [6] [7] [8] Su trabajo se centra en umbrales, espacios liminales y periféricos y momentos de transición, estados que representa mediante la repetición, acumulación y recontextualización de materiales encontrados. [9] [4] [3] Con frecuencia selecciona artefactos culturales al borde de la obsolescencia o en cambio, y por lo tanto adquieren nuevos significados, y los archiva, estudia y replantea. [10] [9] La crítica de Artforum Paula Marincola escribió: "La amalgama altamente individualizada de escultura y fotografía de Bolande avanza de manera oblicua pero precisa hacia una acumulación de significados posibles. Es una conocedora de detalles improbables pero evocadores, de imágenes y eventos fragmentarios percibidos subliminalmente". [6]
La obra de Bolande pertenece a las colecciones del Museo de Arte Moderno (MoMA), [11] el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), [12] el Centro Pompidou , [13] y el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA). [14] Ha expuesto en el MOCA, el Museo Whitney , el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el MAMCO , entre otros. [15] [16] En 2007, recibió una beca Guggenheim. [17] Es profesora emérita de la UCLA y tiene su base en Los Ángeles y Joshua Tree, California . [18]
Bolande nació en 1957 en Cleveland, Ohio. [14] Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad NSCAD . Después de trabajar inicialmente en danza, coreografía y dibujo, recurrió al material encontrado en los medios y el paisaje urbano, influenciada por la exposición de 1977 de Artists Space , "Pictures". [9] Recibió reconocimiento por este trabajo en los años 1980 y 1990 a través de exposiciones individuales en The Kitchen , [19] Artists Space, [20] Gallery Nature Morte [21] y Metro Pictures en Nueva York, [22] [23] y Margo Leavin en Los Ángeles. [24]
Las exposiciones individuales posteriores de Bolande tuvieron lugar en el MoMA PS1 , John Gibson Gallery , Alexander and Bonin y Magenta Plains en Nueva York, [25] [26] [27] Pio Pico Gallery (Los Ángeles), [28] Fotohof (Salzburgo), Kunstraum Munich y Kunsthalle Palazzo (Suiza), entre otros. [29] [30] Su retrospectiva de 2010 en INOVA ( Instituto de Artes Visuales ) viajó al Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia y a la Galería Luckman de Cal State LA . [10] [5] Una monografía, Jennifer Bolande, Landmarks , se publicó junto con la retrospectiva. [31] También apareció en la bienal inaugural Desert X (2017) y en una proyección del MoMA de dos de sus películas en 2022. [32] [33]
El fundamento del arte de Bolande ha sido un proceso inductivo, a menudo aditivo, que opera en el espacio entre la fotografía y la escultura. [2] [4] [6] Sus investigaciones a menudo involucran la percepción y la peculiaridad de los fenómenos físicos, explorando temas a través de diferentes medios, mientras marca y colapsa las distinciones entre objetos, imágenes, memoria y experiencia corporizada. [3] [5] [8] A menudo hay una sensación de expectativa y potencialidad fílmica en su trabajo, de eventos recién completados o a punto de ocurrir; algunos escritores los han calificado de "películas congeladas". [9] [34] [25] Si bien ciertas tendencias en el arte de Bolande la vinculan con la Generación del Cine (conciencia mediática, apropiación), los críticos notan cualidades que distinguen el trabajo de la crítica fría y la elegancia de ese grupo: su humor cálido, a menudo absurdo y su falta de cinismo; un apego casi obsesivo a temas idiosincrásicos; una estética funky, descartada y lo-fi ; y una lógica interna elusiva. [8] [7] [5] [6] [4]
En la década de 1980, el arte de Bolande se centró en conjuntos de objetos e imágenes encontradas que el crítico del New York Times Holland Cotter describió como "una especie de reciclaje controlado caracterizado por un ingenio discreto, una inventiva vivaz y un ojo sutil para la metáfora". [23] El trabajo exploró procesos de reproducción y recepción que involucraban el sonido y la vista, acumulando significados oblicuos al apilar, redimensionar y reencuadrar eventos y motivos fragmentarios, intangibles y periféricos, entre ellos, los muebles ignorados en las películas pornográficas, los amplificadores Marshall inertes y los conos de los altavoces, las puertas de los refrigeradores antiguos. [21] [35] [24] [3] Sus exposiciones a menudo funcionaban como catálogos de ideas: relaciones binarias apiladas que involucraban textura y color, puntos de encuentro y división simultáneos, dicotomías de medios y oposiciones emocionales y psicológicas cuya riqueza sintáctica sugería líneas de poesía y versos (por ejemplo, Stack of Shims y Marshall's Stack , 1987). [6] [35] Milk Crown (1987) fue un ejemplo temprano de su método, explorando una imagen a través de un "ciclo de vida" de varios estados físicos y experienciales. Era una delicada representación en porcelana fundida de la icónica imagen de alta velocidad de 1957 de Harold Edgerton de una gota de leche salpicando en la que convirtió lo efímero en algo sólidamente permanente, comentando el esfuerzo del original por capturar lo invisible. [35] [10] [6]
En obras posteriores, Bolande emparejó motivos relacionados con diferentes efectos. Su exposición "Road Movie" (1995) jugó con los límites entre los objetos reales y estéticos, yuxtaponiendo fotografías de camiones de tamaño real de colores brillantes en formaciones extrañas con tomas de camiones de juguete, su escala indicada por un índice humano, como un dedo; dispuestas en una especie de secuencia de cortes bruscos, las imágenes sugerían la sensación de narrativa y control total endémica tanto de la dirección cinematográfica como del juego de niños. [3] [25] Appliance House (1998-99) emparejó dos reliquias de la década de 1950 que alguna vez se basaron en la novedad y se definieron por el cubo: Lever House , la emblemática torre de oficinas de estilo internacional de la empresa de jabón homónima , y una tienda de electrodomésticos de bajo precio en el Lower East Side, cada una representando extremos opuestos del East Side de Manhattan y el negocio del jabón para lavar la ropa. [7] La escultura arquitectónica con marco de acero inoxidable presentaba fotografías nocturnas retroiluminadas de ventanas que revelaban interiores de oficinas de alto modernismo o filas de lavadoras usadas que Katy Siegel de Artforum destacó por su "melancolía espeluznante", humanidad y soledad. [7]
En Earthquake (2004), Bolande revisó el cubo, los altavoces y las lavadoras/secadoras en dos obras rimadas: una película y un ensamblaje apilado. [2] Su exposición "Smoke Screens" (2008) presentó pequeños grupos de impresiones fotográficas coloreadas de humo colocadas sobre grandes láminas de madera contrachapada. Ella jugó con las texturas de las vetas de la madera, similares a las de Rorschach , y una escultura cónica de yeso para mesa, Plume (2007), congeló una imagen de humo en forma y tiempo. [8]
Bolande retomó el tema visual de la madera contrachapada en su primer proyecto de arte público, Plywood Curtains (2010), una serie de instalaciones presentadas en escaparates vacíos en todo Los Ángeles. [36] Invitando tanto a una doble mirada como al reconocimiento de una crisis económica en curso en los espectadores, colgó cortinas impresas con la imagen gráfica de la madera contrachapada dentro de las ventanas vacías, imitando la vista familiar de los escaparates tapiados. [36] [9]
El proyecto específico de Desert X, Visible Distance/Second Sight (2017), invitaba a otra doble mirada que encapsulaba el colapso de imágenes de Bolande, la experiencia cinematográfica y corpórea. [9] Consistía en tres vallas publicitarias de doble cara en la carretera que reproducían sus fotografías ampliadas de las distantes cadenas montañosas de San Jacinto, Santa Rosa y San Bernardino. Fueron colocadas y escaladas para facilitar lo que el crítico Christopher Knight llamó un "momento fugaz y desconcertante" para los conductores en el que "las imágenes sin palabras se alinean exactamente con la vista que se acerca". [37]
El proyecto de Bolande "La composición de la descomposición" (2018-20) ofreció una elegía sutil sobre los periódicos y las noticias mismas. [28] [38] [9] Comenzó con Image Tomb (2014), un examen de la historia como una acumulación vertical de capas, representada por una pila de periódicos del New York Times a través de la cual hizo un túnel cortando un canal rectangular profundo para excavar una imagen de esqueletos debajo. [9] [1] [28] Utilizó las piezas extirpadas para crear la pieza central del proyecto, una película compuesta por aproximadamente 400 pares de fragmentos uno al lado del otro ordenados en su secuencia original, que aparecían y se desvanecían en un flujo rítmico ambientado en una partitura de sonidos percusivos encontrados y sintetizados. [1] [28] [33] La crítica del diario Los Angeles Times, Leah Ollman, lo calificó como una nueva forma "sutilmente provocativa" —que evocaba poesía encontrada y abstracciones modernistas tempranas— que "reducía al Times a un confeti de pistas elusivas" que revelaban conexiones de una profundidad inesperada. [1]
En la exposición "Persistencia de la visión" (2023), Bolande presentó fotografías de momentos impermanentes observados pacientemente (a menudo intervenciones de luz), retratos casi topográficos de tejidos faciales blancos individuales ("Monolitos") y esculturas de yeso de formas similares a icebergs o acantilados ("Deriva") que rimaban visualmente con las imágenes de los tejidos. [39] [27]
La obra de Bolande pertenece a las colecciones públicas del Centro Pompidou , [13] Museo Hammer, [40] Museo de Israel (Jerusalén), [41] Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , [42] MAMCO (Ginebra), [43] Museo de Arte de Milwaukee , [44] Moderna Museet (Estocolmo), [45] MOCA (Los Ángeles), [12] Museo de Bellas Artes de Boston , [46] MoMA, [11] Museo de Arte de Palm Springs , Museo de Arte Pérez de Miami y SFMOMA. [14]
Ha recibido una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation [17] y subvenciones del Consejo de Canadá , la Fundación Tesuque, la Fundación de Nueva York para las Artes , la Fundación Elizabeth Firestone Graham, la Fundación Durfee y la Fundación Andy Warhol. [47] [48] [49] [50]
Jennifer Bolande está representada por la galería neoyorquina Magenta Plains. [51]