El estilo rococó renacentista surgió en Gran Bretaña y Francia en el siglo XIX. El resurgimiento del estilo rococó se observó en toda Europa durante el siglo XIX en una variedad de modos y expresiones artísticas , incluidos objetos de arte decorativos , pinturas , grabados, muebles y diseño de interiores . En gran parte de Europa y particularmente en Francia, el rococó original se consideraba un estilo nacional y, para muchos, su resurgimiento recordaba la tradición nacional. El resurgimiento del rococó personificó la grandeza y el lujo en el estilo europeo y fue otra expresión del romanticismo del siglo XIX y del creciente interés y fascinación por el paisaje natural.
Durante la segunda mitad del siglo XIX, el estilo rococó también estuvo de moda en el mobiliario y el diseño de interiores de Estados Unidos. John Henry Belter fue considerado la figura más destacada de la fabricación de muebles de estilo rococó. El resurgimiento del estilo rococó no se limitó a un período o lugar específico, sino que se produjo en varias oleadas a lo largo del siglo XIX.
El término rococó se utilizó ampliamente para designar el estilo artístico de principios del siglo XVIII en Europa y, especialmente, en Francia. El rococó surgió a principios del siglo XVIII como una modalidad francesa de diseño de interiores y se consideró el estilo artístico predominante en Europa en ese momento. Sin embargo, no existía el arte "rococó"; la palabra "rococó" solo surgió después de la Revolución Francesa y no se usó comúnmente hasta principios del siglo XIX.
El estilo rococó se caracterizaba por sus líneas sinuosas, su decoración intrincada y sus motivos tanto fantasiosos como naturalistas. Como afirma Nóra Veszprémi en una publicación, el estilo se caracterizaba por su ornamentación intrincada y refinada y estaba asociado con el lujo, la aristocracia, el refinamiento y la riqueza. Hacia finales de siglo, con la llegada del neoclasicismo , el término rococó se utilizó para criticar cualquier arte neoclásico, incluido el gótico, el barroco y cualquier estilo anterior del siglo. [1]
A mediados del siglo XIX, el término rococó se refería a un estilo que recordaba la estética ornamental y de diseño del estilo Luis XV y principios del estilo Luis XVI . [2] El período entre 1715 y 1745, que abarca el reinado de Luis XV , se acepta generalmente como el punto culminante del estilo rococó en el arte francés.
Se pensaba que el rococó derivaba de una combinación de las palabras francesas rocaille , que caracteriza una forma de roca irregular y colorida utilizada para embellecer grutas y fuentes, y coquillage , motivos de conchas que acompañaban a la rocaille. [3] Otra posibilidad es que la expresión combinara rocaille con el adjetivo italiano barocco , que significa deforme, malformado o enrevesado.
Durante la época de la Regencia , el Príncipe Regente (que más tarde se convirtió en el Rey Jorge IV ) patrocinó a los fabricantes de obras de plata rococó de alta calidad. [4] El Príncipe Regente favoreció los elementos neoclásicos de las interpretaciones más lujosas de los últimos períodos de Luis XV y Luis XVI. Los gustos del Príncipe Regente ayudaron a alimentar el interés en el espíritu del resurgimiento del rococó en Inglaterra. [5]
Paul Storr fue reconocido como uno de los plateros ingleses más importantes y reconocidos. Su calidad de trabajo y versatilidad le permitieron crear obras que se adaptaban a una amplia gama de gustos y preferencias. En sus obras se pueden encontrar muchos temas y motivos rococó. Un ejemplo de su trabajo es una bandeja que presenta los signos del Zodíaco , un borde fundido con volutas rococó, decoración rococó de la superficie y pies en forma de cartela rococó. Una de las obras más monumentales creadas en expresión rococó fue el gran candelabro de Storr, creado durante el reinado de Guillermo IV . La pieza presentaba ramas fluidas y superficies onduladas y curvas.
A finales de la década de 1820, la aristocracia encargó estilos anticlásicos, lo que produjo una expresión muy diferente del rococó en Inglaterra. [6] Los fabricantes de Birmingham y Sheffield se convirtieron en productores en masa de plata de Sheffield , una combinación de capas de plata y cobre. La producción en masa también permitió la plata estampada con volutas, flores y follaje, que se producían a bajo costo mediante prensas de vapor sobre plata fina. Estos artículos se hicieron para dar a entender el lujo, que antes no estaba disponible en plata de hoja fina, mientras que la producción en masa permitió la distribución y exportación en masa. Históricamente reservada para la realeza y los aristócratas, la industrialización y los avances tecnológicos en maquinaria hicieron que la plata rococó fuera accesible a un público más amplio.
Las obras de metal basadas en el diseño parisino que eran verdaderamente rococó estaban en ormolu , o bronce cubierto de oro finamente molido. [7] Los diseñadores parisinos respondieron al deseo y gustos de Napoleón III y su esposa Eugenia . Buscaron legitimar su corte a través de referencias estilísticas al estilo del Antiguo Régimen de Luis XV.
La burguesía en ascenso en Francia demandaba objetos de arte decorativo rococó como reflejo de estatus, riqueza y posesión material. [8] El consumidor burgués compraba objetos y muebles de una variedad de estilos de renacimiento, incluido el rococó, por su importancia para historicizar la opulencia y la grandeza.
Los muebles rococó franceses modernos se caracterizaban por su ligereza, elegancia y gracia. [9] Su ornamentación consistía en follaje delicado y detalles intrincados. Otras características incluían: tallado elaborado y embellecido, rica talla de motivos florales y frutales, marcos curvos y tapicería con mechones.
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Según una publicación de Caroline Ingra, [10] los artistas italianos llegaron a París durante el Segundo Imperio en busca de oportunidades artísticas. Roma siguió siendo el centro de los jóvenes artistas que querían estudiar la tradición clásica, pero no de los artistas que querían estudiar arte contemporáneo. Adaptaron el resurgimiento de moda de la pintura de género rococó del siglo XVIII. La fama y el reconocimiento de estos artistas italianos de origen español se basaron principalmente en la obra de Mariano Fortuny .
París representó lo último en desarrollo artístico moderno y atrajo a muchos artistas. Fortuny atrajo al público parisino desde su primera aparición en 1860. Su obra tenía un parecido con las pinturas del siglo XVIII de Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard . Los mecenas de finales del Segundo Imperio estaban muy interesados en el resurgimiento de la pintura de género del siglo XVIII por parte de Fortuny . [11]
La imaginería rococó-renacentista de Fortuny resultó especialmente atractiva para el público francés durante los últimos años del Segundo Imperio. [12] Durante este período, se observó un gran interés por el París del siglo XVIII y por la pintura de género que practicaban los artistas académicos. Para el creciente público burgués, las pinturas rococó-renacentistas presentaban una perspectiva optimista de la vida y eran apropiadas para la nueva "nobleza" parisina de finales del Segundo Imperio.
Ingra señala que, "La moda de la imaginería rococó [durante el Segundo Imperio], sin embargo, representó más que un cambio en el mecenazgo y, en consecuencia, en el gusto. El interés en el arte prerrevolucionario fue parte de los esfuerzos de la burocracia del Segundo Imperio por establecer legitimidad para sí misma al conectarse con un período en el que la realeza aún no tenía rivales". [13] Continúa afirmando: "Revivir este régimen temprano fue una forma de adular a sí mismos y enfatizar sus propias reivindicaciones imperialistas, con la esperanza de lograr el respeto y la admiración del pueblo que supuestamente disfrutaba el régimen anterior". [14]
El Segundo Imperio estaba interesado en revivir el arte rococó como un medio para regenerar los ideales y valores del antiguo régimen. Era una forma de enfatizar el orgullo, el poder y el respeto con la esperanza de lograr la admiración y la devoción de la que disfrutaba el régimen anterior. Sin embargo, algunas figuras contemporáneas se horrorizaron y consideraron que la explotación del resurgimiento del rococó por parte de los artistas italianos era una obra inferior. Los críticos vieron esta nueva forma de pintura como insulsa y sin estilo.
El Estado francés intentó promover el patrimonio tras su derrota en la guerra franco-prusiana . A finales del siglo XIX, Francia invirtió fuertemente en el estilo rococó como un medio para regenerar el orgullo y el patrimonio nacionales.
En Austria y Hungría , el resurgimiento del estilo rococó llegó a conocerse como el "segundo rococó" y se vio en las artes visuales y la decoración de interiores, pero se vio más prominentemente en la pintura. Como se demuestra en una publicación de Nora Veszprémi, [15] el rococó resurgió en la exposición industrial de 1845, donde se amuebló todo un salón en estilo rococó. La opulenta sala se conocía como " Salón del Kaiser " y muchos críticos consideraron la muestra como "una tendencia emocionante, nueva y moderna en la moda". El diseño de interiores y el mobiliario de la época eran generalmente modestos en ornamentación, recordando las formas neoclásicas de finales del siglo XVIII y principios del XIX. [ cita requerida ]
El segundo estilo rococó fue "un producto de la Austria moderna e industrializada y de su nueva clase media de prósperos fabricantes". [16] Surgió en las primeras décadas del siglo XIX en Austria, durante un período de auge económico e industrial, y fue en gran medida un producto de la industrialización. Había surgido en dos exposiciones industriales que promovían la industria austríaca, donde los críticos y la población en general fueron en gran medida receptivos. [ cita requerida ]
Con la mercantilización del arte en el mundo moderno, el estilo resurgió en la pintura. [17] Los aspectos rococó en la pintura, tanto sus valores como su ornamentación estilística, se consideraban objetos del pasado. En oposición a un "significado intrínseco superior del arte", su asociación con la modernidad describe un modo de expresión artística anterior en contraste como un medio para historicizar las artes visuales. [ cita requerida ]
John Henry Belter (1804-1863) fue un famoso ebanista estadounidense de la época del Renacimiento rococó. Su nombre se usaba comúnmente como término genérico para todos los muebles de este estilo. Los mecenas de muebles formales de mediados del siglo XIX preferían el palo de rosa de Brasil y la India oriental. El palo de rosa es muy denso y quebradizo, por lo que los muebles de palo de rosa son muy frágiles y se sabe que se rompen bajo presión. Las maderas laminadas fueron una solución a este problema en la fabricación de muebles con diseños complicados. [18]
Como resultado, Belter patentó un proceso para fabricar muebles laminados. La madera laminada consistía en una serie de láminas de chapa unidas entre sí con pegamento caliente. Las láminas unidas se doblaban luego bajo presión de vapor, se prensaban en moldes y luego se tallaban. El proceso producía piezas de mobiliario más resistentes que eran menos costosas que el tallado tradicional y permitía la producción en masa.
Los muebles fabricados con este proceso eran más finos y ligeros que los de madera maciza y tenían la misma resistencia a la rotura. Belter produjo diseños intrincados sin utilizar tallas perforadas (que se utilizaban tradicionalmente en esa época). [19]
El enfoque de Belter hacia el rococó incluye motivos del siglo XVII para la decoración. [20] Las tallas en los muebles rococó del siglo XVIII eran más simples que las piezas del Renacimiento. Las tallas en las piezas del Renacimiento del siglo XIX se distinguían por los detalles definidos y la claridad de las tallas.
