James Hyde (nacido en 1958 en Filadelfia , Pensilvania ) es un pintor, escultor y fotógrafo estadounidense que ha trabajado en la ciudad de Nueva York desde principios de la década de 1980. Tiene obras en la colección del Museo de Arte Moderno [1] y el Museo Guggenheim [2] y ha expuesto en el Museo de Brooklyn [3] y la Galería de Arte Corcoran en Washington DC [3]
Hyde a menudo emplea materiales no convencionales al pintar, que van desde yeso , nailon, cromo , acero hasta poliestireno y vidrio. [4] Su práctica ha sido descrita como una "exploración de la fisicalidad" en sus experimentaciones con diferentes texturas y planos que a menudo reevalúan y expanden los límites y fronteras de la pintura. [5]
Hyde describe su trabajo diciendo:
Creo que la pintura nunca se trata únicamente de ser un objeto pintado, ni de un medio en sentido estricto. Creo que la pintura es, también, una situación simbólica y alegórica que resulta estar hecha por un medio y un conjunto de materiales particulares. Y realmente, como pintor, he tratado de poner presión sobre lo que es una pintura y repensarla de diferentes maneras. Y así es como termino con formas tan diferentes de mirar las diversas posibilidades, especialmente en términos de pintura abstracta. [6]
En 2003 comenzó a incorporar la fotografía a su obra, manteniendo al mismo tiempo el uso de materiales alternativos adquiridos en su trabajo como contratista general a finales de los años 1970. [7]
Cuando se le pregunta sobre su técnica como artista, Hyde dice:
El minimalismo es mi verdadero origen, lo que observaba y lo que pensaba, pero la cuadrícula me interesaba menos como un tipo de dispositivo compositivo que como serialización y repetición. La cuadrícula era solo un medio para colocar esos paneles de frescos y repetirlos de una manera que no involucra nociones de espacio, algo que nunca me interesó. La repetición permitía una lógica secuencial, una música de información visual. [8]
El trabajo de Hyde a menudo implica una serie de materiales alternativos que ha incorporado a sus pinturas minimalistas , creando a veces piezas tridimensionales que exploran nuevos planos y disposiciones. [2]
Hyde llegó a la ciudad de Nueva York en 1977 siendo un adolescente. Aunque ya había comenzado su práctica artística, durante un tiempo, al principio de su carrera, rechazó mostrar su trabajo en el mundo del arte por una "frustración con lo que se estaba mostrando", [8] en cambio, dedicó gran parte de su tiempo a su trabajo como contratista general. Hyde comenzó a integrarse más dentro del mundo del arte a principios de la década de 1980.
Hyde recibió la beca de la Fundación Guggenheim en 2008, [9] la beca Pollock-Krasner en 2011, [10] la beca de la Fundación Joan-Mitchell en 2000 [11] y la beca CAPS del estado de Nueva York en 1982 [12].
Tras sus influyentes investigaciones sobre las pinturas como objetos de cierto volumen, Hyde vuelve a la planitud. Ahora la estructura la proporcionan las fotografías digitales (todas ellas tomadas por el artista y a menudo impresas en grandes dimensiones) de estructuras a medio construir, obras en construcción, nubes, árboles, primeros planos de la mano humana y una única flor. Adornadas con tiras de cinta adhesiva, formas pintadas y trozos de madera pintada sobre poliestireno, estas obras funcionan como dibujos. Muestran cómo piensa Hyde y qué mira, algo de su proceso de trabajo y, sobre todo, su deseo de evitar las rutinas.
— Roberta Smith, "James Hyde: Unbuilt", The New York Times , 24 de abril de 2009. [13]
Los artistas que llevan veinte o treinta años de práctica artística casi invariablemente revelan e intensifican sus intereses primarios. En el caso de James Hyde esto parece ser cierto y falso al estudiar su producción. Hay progreso, pero la progresión parece formar una elipse: la misma confianza tranquila ha existido en la obra desde el principio, ya que combina con facilidad y a menudo varias obras de arte de exposiciones pasadas con otras más recientes. Esto ocurre en la exposición actual de Hyde, donde ha incluido al menos un tipo escultórico "Pandora" (híbrido de esmalte sobre aluminio fundido) de 2003 que típicamente atraviesa lo pictórico y lo escultórico. Lo que se revela de nuevo es que Hyde es un investigador de mayor alcance de lo que muchos podrían haber pensado.
— Joe Fyfe, "James Hyde en la Villa du Parc", 2010. [14]
Pintados en el lenguaje de la abstracción, pero sin ajustarse nunca a las convenciones estilísticas, los rectángulos de papel maché de colores y las amplias franjas de pintura de Hyde cubren, se disuelven y llaman la atención alternativamente sobre secciones de la fotografía que se encuentra debajo. Esta exposición de pintura sobre fotografías pone el objeto en foco nítidamente: Hyde sabe bien que poner pintura sobre la superficie de una fotografía no sólo borra la veracidad de la imagen, sino que magnifica la interacción entre la imagen y la superficie, y al obstruir nuestra visión de la fotografía y complicar nuestra visión de la pintura, nos permite ver ambas con mayor claridad, con el estilo, la energía y la inventiva que hemos llegado a esperar de él. Las fotografías, que respaldan estas pinturas, representan tanto el mundo natural como el entorno urbano construido; varias imágenes muestran edificios en diversas etapas de finalización, todos sin revestimiento, lo que nos permite ver la estructura... Hyde, que en una vida anterior obtuvo sus ingresos como contratista, entiende claramente el lenguaje de la construcción. Después de todo, la mecánica de la construcción no es tan diferente de la mecánica de la visión, y en esta exposición Hyde-como-arquitecto nos ha dado una nueva ciudad, una ciudad construida a partir de fotografías y sobre ellas; una ciudad que honra el ladrillo y nos permite ver no solo el método de construcción sino también su sustancia.
— Irving Evans, “Los Hydes de marzo”, Dossier Journal , 17 de marzo de 2009. [15]
Hyde afirma: "Como pintor, me interesan los procesos de construcción y reconocimiento de la pintura. Intento que esta narrativa sea legible, haciendo que las acciones de recubrir, cubrir, marcar o doblar se distingan como gestos, de modo que sean a la vez una acción y una descripción de una acción". Por esta razón, Hyde se centra en la mayor tensión posible entre la heterogeneidad de los componentes individuales de la imagen y la unidad del efecto pictórico-pictórico. Hyde maximiza la tensión entre heterogeneidad y homogeneidad. Esto significa que no le interesa sólo una o la otra, sino la transferencia entre ambas; la posibilidad de que, a medida que las cosas se van distanciando, puedan transformarse en algo que pertenezca a la misma unidad sólo para desintegrarse en elementos singulares un momento después...
— Michael Lüthy, traducido del alemán, "James Hyde", publicación de la exposición Schau Ort, marzo de 2011. [16]